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Lord of Tears, del director Lawrie Brewster, está confirmada para el Festival Internacional de Cine Fantástico de Madrid, Nocturna 2014. Con motivo de su proyección ha aparecido este interesante viral.

Cuenta la historia de James Findlay, un profesor de colegio torturado por sus pesadillas de la infancia con una extraña e indescriptible entidad: una figura vestida con ropas de la época victoriana con la cabeza de un búho. Para descubrir su pasado, tendrá que volver a su casa de la infancia, una solitaria mansión en Escocia, donde descubrirá la tormentosa verdad detrás de sus sueños...

Lord of Tears ha tenido el aplauso de la crítica (Bloody Disgusting, Dead Center...) y ha ganado el Premio del Público y el de Mejor Actriz principal en el Festival de Bram Stoker 2013. La película fue la primera confirmación de la sección Dark Visions, en la que compiten las cintas más innovadoras y transgresoras del género fantástico.

Título original: Stalled

Año: 2013

Duración: 83 min.

País: Reino Unido

Director: Christian James

Guión: Dan Palmer

Fotografía: Sashi Kissoon

Reparto: Dan Palmer, Antonia Bernath, Tamaryn Payne, Mark Holden, Giles Alderson, Sarah Suzanne Biggins, Victoria Broom

Una gran idea... pero debió ser un cortometraje.

Otra vez más quedo sorprendido con la cantidad de recursos que quedan por explotar dentro del cine, y es que quien iba a imaginar que a estas alturas una película de zombies me iba a resultar tan divertida a la par que original. El mayor pero que lo veo a Stalled es su duración, al ser un film tan minimalista, (casi su totalidad sucede en un pequeño lavabo) y pese a que tiene momentos realmente memorables, y las escenas de acción en su totalidad son verdaderamente geniales. Por otra parte puedo asegurar que sobran 30 minutos de reloj, donde ya no sabían ni qué hacer ni decir por rellenar minutos y minutos, llenos de escenas que son pura paja argumental.

El encargado de mantenimiento está a punto de descubrir que hay algo peor que trabajar en Nochevieja, y es trabajar en Nochevieja en medio de un apocalipsis zombie, pero hay algo todavía peor. Trabajar en Nochevieja en medio de un apocalipsis zombie y encima te pille en el baño de señoras.

Ya han pasado muchos años desde que Christian James debutara con su comedia de terror Freak Out, desde 2004 hasta ahora ha estado trabajando varios cortometrajes hasta reencontrarse con el camino hacia el largo, vuelve con una nueva comedia de terror, Stalled. Que a pesar de tener momentos hilarantes y otros muy "épicos" se desinfla demasiado hacia la mitad de la cinta.

Escrita y protagonizada por Dan Palmer, el cual ya había trabajado en el anterior largometraje del director como co-protagonista vuelve a demostrar que sabe moverse delante de una cámara, su interpretación esta genial en todos los sentidos, pero sinceramente su guión aunque es bueno, no daba para un largo.

Podríamos definir a Stalled como una cinta de zombies minimalista con escenas hilarantes y momentos de acción que pueden recordar a Zombies Party sin llegar a acercarse al nivel de esta última.

Atención a los efectos de maquillaje muy logrados y encajan a la perfección con el uso de la sangre CGI en algunos momentos.

En mi opinión, este argumento llevado a un corto o incluso un mediometraje hubiese ganado enteros y podría haber quedado un producto muy, muy redondo. Pero estamos aquí para analizar la película, no los supuestos que esta idea podría haber traído consigo. Y como tal, a pesar de sus buenos momentos, no aguanta el tirón ni mucho menos.

Recomendada para pasar un buen rato y echarse unas risas con un apocalipsis zombies un tanto atípico, pero oye, no a todo el mundo le va a coger en mitad de un supermercado o en su casa de campo el apocalipsis, la gente también tiene que ir al lavabo, verdad?

P.D.: Tras los créditos hay un pequeño regalo.

Firma: Omar Parra.

Título original: On the Job

Año: 2013

Duración: 121 min.

País: Filipinas

Director: Erik Matti

Guión: Erik Matti

Música: Erwin Romulo

Fotografía: Francis Ricardo Buhay III

Reparto: Piolo Pascual, Gerald Anderson, Rayver Cruz, Shaina Magdayao, Empress Schuck, Joel Torre, Angel Aquino, Vivian Velez, Joey Marquez, Leo Martinez, Michael de Mesa, Al Tantay, Niño Muhlach

Pistoleros bajo la lluvia.

Cuando leemos la procedencia de una película, rápidamente nuestra mente hace un ejercicio de adaptación y se prepara para lo que pueda venir. On the Job es un film de origen filipino y con eso parece que tengamos que prepararnos a un ritmo lento y pausado. Pues no, preparaos para un thriller trepidante y sin miramiento alguno. Sus imágenes oscuras y tenebrosas parecen más adecuadas para una cinta de terror, que para explicarnos los rincones más turbios de ese hermoso país. Por cierto, ¿por qué lloverá tanto? Su director Erik Matti ya nos sorprendió con Tiktik: The Aswang Chronicles pero aquí se consagra como uno de los directores a tener en cuenta dentro del cine de género.

La historia que nos explica es truculenta y muy atractiva a la vez. Queda clara desde el principio. Lo que la hace diferente es que los delincuentes llevan una vida de lo más normal. No llegan a final de mes, se preocupan por su familia, por sus hijos. Pero cuando llega la hora de la verdad no dudan en apretar el gatillo contra quién sea. Lo que nos deja un poco anonadados es que está basada en hechos reales.

Una trama liderada por corruptos políticos y policías utiliza a presos, liberándolos durante ciertas horas, para que ejecuten a ciertas personas. Fuera de la cárcel esas alimañas se adueñaran de la calle, pero también lo aprovecharan para visitar a los suyos.

Magnifico retrato del hampa filipina llevado magistralmente a la pantalla por Erik Matti. A través de un guión milimétrico escrito por él mismo, nos muestra unas oscuras imágenes que nos dejan petrificados por su dureza. Sin duda hay que dar el mérito que corresponde a la fotografía de Francis Ricardo Buhay III. También las interpretaciones rayan a gran altura, empezando por Joel Torre que prácticamente se come, artísticamente hablando, al resto. Destacar asimismo, por su frescura, a los jóvenes Piolo Pascual y Gerald Anderson. Como cosa negativa decir que resulta algo fría, y eso no ayuda, aunque en principio lo pueda parecer, al desarrollo de una historia tan original.

En fin hay gustos para todos. En el caso de On the Job no dudaré en recomendarla, tanto si os sentís atraídos por el cine filipino como si no. Es un thriller rodado como una película de terror y eso es algo que como mínimo hay que verlo.

Firma: Josep M. Luzán.

Sergio Morcillo (director)
Nacido en Madrid el 6 de Febrero de 1987, siempre se ha considerado un amante del cine de terror y el fantástico. Empezó desde muy joven a dirigir cortometrajes con sus amigos de forma amateur. En 2009 lanza su primer cortometraje Bloody Mirrors de manera semi-profesional, que venía apadrinado por el mismo Paul Naschy. Esto supuso en punto de inflexión en su carrera y a partir de aquí a ido subiendo la calidad de sus cortos de manera exponencial, hasta llevarnos a día de hoy.

El corto que le puso realmente sobre el mapa del panorama nacional ha sido Tus gritos de dan risa, cosechando más de 35 selecciones y 8 premios. Seguidamente participo con M is for Metamorphose para ser el corto nº 26 en ABCs of Death 2, quedándose a las puertas de la selección final.

Ahora con un nuevo montaje de dicho corto y presentándose como Metamorphose, Sergio pretende dar el salto definitivo cualitativo en el mundo del cortometraje.

Arturo de la Torre (actor)
Durante la pasada edición del Terror Sabadell 2014, tuvimos la oportunidad de entrevistar a uno de los protagonistas de Metamorphose.
Arturo de la Torre es un actor que cuenta con un curriculum envidiable, participando en varias series de éxito en territorio nacional, con experiencia en cortometrajes, largometrajes y anuncios para televisión.

Título original: April Apocalypse

Año: 2013

Duración: 82 min.

País: Estados Unidos

Director: Jarret Tarnol

Guión: Brent Tarnol

Música: Michael Bearden

Fotografía: Kyle Hartman

Reparto: Reece Thompson, Rebekah Brandes, Brent Tarnol, Stephanie Hunt, Todd Stashwick, Matt Shively, William Morgan Sheppard, George Lopez, Roger Bart, Sarah Hyland,

Road movie entrañable, divertida y cargada de zombies.

Por momentos April Apocalypse recuerda bastante por su narrativa y su perdido protagonista a Bienvenidos a Zombieland, pero si abrimos bien los ojos, descubriremos una película indie cargada de sorpresas. Y es que los zombies independientes están muy de moda últimamente, y además demuestran película tras película que no tienen nada que envidiar a las grandes superproducciones. Solo se necesita un protagonista carismático, una historia atrayente y buen maquillaje. La que nos ocupa hoy tiene un poco de todo esto, pero remarco lo de un poco nada más.

Como dije antes al empezar a ver esta cinta, me temía lo peor. Oh no, otra peli de zombies al estilo hollywood y encima sin presupuesto? Pero entonces arranca de verdad y el apocalipsis se desata, y es cuando nos damos cuenta que no es "otra película americana de muertos vivientes", es ahí cuando vemos que el director quiere ofrecernos algo más, nos invita a seguir la vida de alguien que no encontraba su lugar en este mundo, y en medio de todo este caos se le presenta una segunda oportunidad. Acompañado de una banda sonora genial, que sabe como encajar en cada situación y unos compañeros de viaje de lo más variopintos, pasaremos un agradable rato rodeados de zombies, colegas de lo más entrañables y hasta una historia de amor.

Desde su más tierna infancia Artie tenía claro quién era el amor de su vida, y es por eso que pese a todos los contratiempos que ha sufrido a lo largo de su vida, siempre ha tenido en mente a una persona, April. Después que los padres de la joven decidieran mudarse, el mundo de este muchacho se vino abajo, pero tras una charla con su abuelo decidió lanzarse e ir a buscar al amor de su vida. Lo que Artie no esperaba es que tras un accidente de coche, al despertar se vería envuelto en un apocalipsis zombie. Aunque eso no iba a detenerlo, su amada lo espera.

Estamos ante el segundo largometraje del director, Jarret Tarnol, que sigue por el camino del terror, eso sí, mostrando un salto cualitativo entre su debut y su nuevo film impresionante. El guión, obra del hermano del director, Brent Tarnol, consigue mantener el interés mostrando la evolución de su protagonista en forma de capítulos. Tal vez se eche en falta algo más innovador, ya que estamos tocando un género bastante trillado y parece que no arriesga en mostrar nada nuevo, aun así, los zombie lovers pasarán un buen rato con esta película. Como comenté al inicio de la review, otra de las mayores virtudes de esta cinta, es su música. Michael Bearden, que había trabajado como compositor en el documental de Michael Jackson, This is it, nos regala una selección musical que sabe como ensalzar cada escena de esta road movie cargada de zombies.

Como conclusiones podemos sacar que pese a ser otra cinta de zombies, en un mercado sobresaturado de este preciso género, sabe abrirse camino y se deja querer. Y no voy a cerrar esto sin antes dar una mención especial merece su epílogo, simplemente sublime. Recomiendo April Apocalypse? SÍ rotundo, una cinta a tener muy en cuenta sin duda alguna.

Firma: Omar Parra.

Título original: Savaged

Año: 2013

Duración: 95 min.

País: Estados Unidos

Director: Michael S. Ojeda

Guión: Michael S. Ojeda

Música: César Benito

Fotografía: Michael S. Ojeda

Reparto: Amanda Adrienne, Bobby Field, Brionne Davis, Dan Kiefer, Daniel Knight, Donnelle Russell, Ed Fletcher, Jason Gurvitz, John Charles Meyer

Un nuevo nivel de venganza.

Hay películas que pasan a la historia por una escena que hace saltar las lágrimas, otras por su nivel de brutalidad, o simplemente porque nos hacen reír a carcajadas. Con la cinta de Michael S. Ojeda no podemos quedarnos con una sola escena, o momento. Es una de esas que es difícil definir, en un solo género. Tiene su pequeña pero entrañable historia de amor, tiene sus toques de ciencia ficción y tiene lo que a nosotros, los seguidores del terror y el gore nos encanta. Venganza, y además de la buena.

Un nivel de brutalidad muy elevado hacen de Savaged una película muy entretenida para todos los amantes del género. Es que sin duda estamos ante una de las sorpresas del año, a pesar de contar con un presupuesto modesto, sus ideas frescas y esa mezcla de géneros sientan al conjunto de manera formidable. Además, aderezado en su parte más cañera con unas muertes que son, sencillamente salvajes, sádicas y rematadas con un maquillaje de primer nivel.

Zoe, una chica sordomuda se dirige en coche a ver a su prometido. A mitad del camino, presenciará el asesinato de un indio a manos de un grupo de salvajes y despiadados racistas. Ahora han fijado su objetivo en la joven chica. Tras violarla, la asesinan y dejan tirado su cuerpo en mitad del desierto. Un nativo de la zona la encuentra en su lecho de muerte y tras intentar salvarle la vida logrará invocar a un antiguo espíritu de un jefe Apache asesinado en el cuerpo de Zoe. La venganza de este será traída del mismo infierno, será brutal y sin ninguna concesión.

Sin duda todo un ejercicio de buen hacer por parte de Michael S. Ojeda encargado de dirigir Savaged. Aunque su guión puede dejar a más de uno frío con alguna incongruencia y esa constante sensación de déjà vu que viviremos durante todo el film, no mancha el producto final, aquí hemos venido a disfrutar ¿no? pues sin duda no saldréis defraudados. Pues su guión sencillo y simple, solo es un medio para llegar a su apoteósico desenlace.
Por otra banda podemos hablar de la fotografía, también es responsabilidad de Ojeda, personalmente me ha encantado. La primera parte del film bien iluminada, mostrando los vastos paisajes desérticos, dan paso a la infinita oscuridad de la noche cuando la protagonista empieza su cacería.

Si hablamos de las actuaciones no puedo destacar a nadie ya que ni la protagonista Amanda Adrienne ni sus verdugos firman grandes actuaciones, ellos caen en el típico tópico de rednecks de la America más profunda y ella simplemente tampoco es que su papel exija una gran habilidad interpretativa.

Pero vamos a la parte más interesante de esta cinta, su maquillaje, el trabajo de Hugo Villasenor y Teresa D. Aguilar es de admirar, veremos tripas por doquier, cabezas fuera de lugar, flechas dejando a personas como un colador, vamos todo un repertorio de efectos especiales fantásticamente realizados. Por otra parte y como punto negativa están algunas escenas realizadas por ordenador que chirrían bastante, aquí los chicos de FX no han estado tan brillantes.

Para tener un éxito asegurado coge un poquito de I Spit on Your Grave, añádele a una familia de perturbados al estilo Los Renegados del Diablo y para aderezar el conjunto dale un toque fantástico y gore al más puro estilo Hatchet. Ahí tienes Savaged, aunque tal vez no llega al nivel de las mencionadas, el director ha sabido reciclar estas grandes películas de terror para traernos una formula sencilla y muy efectiva.

En definitiva creo que no defraudará a nadie, su título indica bien claro lo que nos espera.
No creo que nadie busque grandes giros de guión, ni interpretaciones de Oscar en una película con una temática rape & revange, si es así, creo que este no es vuestro género de cine y muy posiblemente acabaréis enfadados y culpando indebidamente al director. En cambio coged un buen cuenco de palomitas y dejad la mente en blanco durante su hora y media de duración. Así es como podréis disfrutar de las decapitaciones, amputaciones y demás brutalidades que el bueno de Michael S. Ojeda nos ofrece con Savaged.

Firma: Omar Parra.

Título original: Haunt

Año: 2013

Duración: 80 min.

País: Estados Unidos

Director: Mac Carter

Guión: Andrew Barrer

Música: Reinhold Heil

Fotografía: Adam Marsden

Reparto: Jacki Weaver, Liana Liberato, Harrison Gilbertson, Kasia Kowalczyk, Aline Andrade, Brenden Whitney, Maggie Scott, Sebastian Michael Barr, Jarrod Phillips

Fantasmas de andar por casa...

Tenía ciertas expectativas antes de ver Haunt, sin ser una gran película parece que lograba cumplir. Y si bien no es floja, ha quedado por debajo de mis expectativas, una película bastante corta y que además su premisa principal casi parece una trama secundaria.

La familia Asher se acaba de mudar a una casa en medio de la montaña, en esa casa, años antes, Janet perdió a sus tres hijos debido a un ente paranormal. A los pocos días, Evan Asher empezará a tener encuentros con contemplativos fantasmas.

La película se divide en dos tramas, el romance que tiene el hijo varón de la familia con su nueva vecina, que a su vez, es maltratada asiduamente por su padre. Si ya tienes cierta edad esta trama te da lo mismo. Se ha visto en cincuenta películas antes y salvo el final (que reconozco que me sorprendió gratamente), no hay nada que interese al espectador. La segunda son las desventuras de ambos con los fantasmas de la casa, que está embrujada hasta los topes. Y aunque a este argumento se le da bastante caña al principio, después solo hay una escena de peso entremedio antes del clímax final, que como ya he dicho antes, sí que me pareció, por lo menos, curioso.

Harrison Gilbertson (Need for speed) interpreta al hijo mediano de la familia y único chico, te lo venden como un chaval preocupado por ayudar a todo el mundo a la vez que un fantasma vive en su habitación, casi nada. No lo hace mal, esta siempre como triste pero no explican muy bien el motivo. No parece que le moleste especialmente la mudanza, y hasta que no empiezan a pasarle cosas malas, no veo el motivo de esa cara de depresión que lleva el zagal. Liana Liberato (Erased) es la vecina, una chica con problemas en casa que ve en Evan su salvador. No es que lo haga mal, pero salvo los obligatorios gritos que debe hacer una mujer en una película de terror, no logra transmitir mucho más. La hermana pequeña, interpretada por Ella Harris, con pinta de “creepy child” con el poder del resplandor para luego… no volver a mencionarlo. El resto de la familia Asher tienen un papel testimonial como la perfecta familia, no aportan nada a la trama y en ningún momento hacen nada para creer a su hijo.

La película coge elementos de muchas otras, y como siempre la copia es peor. La atmósfera de terror de Expediente Warren aquí no existe por mucho que lo intenten, los sustos de Insidious tampoco, White Noise tenía un par de momentos memorables... esta película sin llegar a ser floja no cumple, en absoluto, las expectativas.

Firma: Oriol Hernández.

La andaluza Maldita Venganza desembarca en el Festival Internacional de Cine Fantástico de Madrid, Nocturna, para presentar el cartel de su película realizado en óleo por el prestigioso ilustrador catalán Manuel Sanjulián y rotulado por el reconocido grafitero sevillano Seleka.

Además de presentarse el cartel, en Nocturna se proyectará un teaser exclusivo de Maldita Venganza, el jueves 29 de mayo a las 22:00 horas en la sala 1 de los cines Palafox, para los fans que acudan al estreno de la película La Cueva que compite en la sección oficial. David Chamizo, Antonio Moyano y Chema Álvarez presentarán las imágenes tras pasar por el photocall oficial.

La cinta, una surrealista road movie que navega por diferentes géneros y estilos, cuenta la historia de José, un sencillo carnicero de pueblo que sufre las humillaciones de su despótico jefe y el desprecio de su mujer y su hija. Pero José guarda celosamente un secreto que le permite sobrellevar su triste y rutinaria existencia sin levantar sospechas entre los suyos. Cuando su frágil equilibrio se rompe, se ve obligado a huir y comenzar “una desquiciada aventura” sin vuelta atrás.

Su director David Chamizo comenta:

Maldita Venganza es una película con estilo propio dónde se entremezclan dolor, sangre, venganza y diversión. Hemos creado una propuesta distinta dentro del género fantástico.

Título original: Aku no kyôten

Año: 2012

Duración: 129 min.

País: Japón

Director: Takashi Miike

Guión: Takashi Miike, Yûsuke Kishi

Música: Kôji Endô

Fotografía: Nobuyasu Kita

Reparto: Hideaki Itô, Takayuki Yamada, Shôta Sometani, Ruth Sundell, Fumi Nikaidô, Kento Hayashi, Howard Harris, Erina Mizuno, Rena Kanzaki, Yukino Kishii

Un psicópata que aburre en lugar de matar.

Estamos ante una de las únicas tres películas donde el maestro Takashi Miike a firmado además de cómo director también como guionista. Y aunque como fan y seguidor de la obra de este mito del cine, he de decir, que me he aburrido hasta la saciedad en la mayor parte del film, solo salvándose con su estallido de violencia final. No sé si Lesson of the Evil ha sido un intento fallido de llevar Battle Royal al estilo de Audition, o es que simplemente no ha salido bien su experimento.

Hasumi Seiji es un popular profesor de instituto, querido entre sus alumnos y admirado entre los demás profesores. Pero Seiji oculta algo, tras esa fachada de perfección se oculta un sociópata asesino, que es incapaz de empatizar con nadie. Aunque todo en su vida iba a pedir de boca, en cuanto los problemas con sus alumnos y con algún otro profesor empiecen a surgir, nuestro particular perturbado solo conocerá una única manera de resolver todos sus problemas. Liquidar a todo aquel que se cruce en su camino.

Con casi un centenar de títulos como director, es raro ver a Takashi Miike escribiendo un guión, este es uno de esos extraños casos. Parece ser que la novela de Yûsuke Kishi impacto mucho al director nipón, o al menos lo suficiente como para animarle a adaptarla para la gran pantalla. Creo que ha sido un error esta vez, parece que si no concentra sus energías 100% a dirigir no acaba de funcionar la máquina.
¿Porque digo esto? principalmente por el ritmo que ha impreso a este film, avanza lentísimo, y puede llegar a minar la paciencia del más acérrimo fan del director. Pero, si en Audition sucedía algo similar... sí cierto, pero aunque también es cierto que Lesson of the Evil goza de un final de infarto, no es equiparable a la explosión de sentimientos y la gran sorpresa que ofreció hace ahora ya más de diez años con la genial Audition.

En cuanto a las actuaciones, como indiscutible protagonista tenemos a Hideaki Itô, que ya lo habíamos visto en Sukiyaki Western Django, del mismo director. Su actuación en esta película es correcta, pero tampoco va mucho más allá. En cambio tenemos a Takayuki Yamada (Crows, 13 Asesinos) como Tetsuro Shibahara, que siendo secundario se come en pantalla a Itô.

Miike, esta vez no ha podido ser, pero siempre confiaremos en ti. A decir verdad, solo por su media hora final, vale la pena perder casi las dos horas de duración de este soporífero relato, ya que esa explosión de violencia y humor negro solo es capaz de rodarlo con tanta elegancia alguien llamado Takashi Miike. Vosotros decidís, por mi parte Lesson of the Evil no pasa del aprobado justo.

Firma: Omar Parra.

Título original: Lord of Tears

Año: 2013

Duración: 100 min.

País: Reino Unido

Director: Lawrie Brewster

Guión: Sarah Daly

Música: Craig Sutherland, Andy McDonald

Fotografía: Gavin Robertson

Reparto: Euan Douglas, David Schofield, Lexy Hulme, Jamie Gordon, Nancy Joy Page, Jock Ferguson

La película más perturbadora del año.

Bienvenido a un mundo de pesadillas, donde nada es lo que parece, donde todo es real y donde todo está dentro de tu cabeza. ¿Donde está la línea que separa lo real de la imaginación?

Cuando termine de verla mi cabeza no paraba de dar vueltas, es como si el mismo Cthulhu hubiese venido al lado de mi butaca a susurrarme locuras.

James Findlay es un profesor de escuela torturado por unas pesadillas recurrentes que le acompañan desde su infancia. Un hombre con cabeza de búho siempre está allí, acechándole. Para buscar una solución a esto, viajará hasta la casa donde se crió de niño, pues cree que ahí reside el origen de todas sus pesadillas.

El director novel Lawrie Brewster, ha sabido plasmar a la perfección las locuras escritas en papel por su guionista, Sarah Daly. Tanto es así, que estoy seguro que hacía años que una película de género no me dejaba tan tocado al terminar su visionado. Su trama deja muchas cosas en el aire, otras tan solo te las susurra entre imágenes oníricas, pero si esto no fuera así, no tendría esa magia que desprende durante toda la cinta.

Cuando ves Lord of Tears por primera vez, parece que solo tiene dos protagonistas, Alexandra Hulme y Euan Douglas se encargan de llevar de la mano al espectador, pero hay más protagonistas en este film. Desde la inmensa mansión donde sucede todo, mansión la cual puede recordar al gigantesco hotel que Kubrick nos ofrecía en El Resplandor, hasta el mismísimo hombre Búho, el cual realmente el verdadero guía en esta epopeya onírica.

Una de las mayores virtudes de esta película es el terror que logra introducir en nuestro cuerpo sin que apenas nos demos cuenta, el in crescendo es brutal. La atmósfera desalentadora que se palpa ayuda mucho, pero sobretodo la localización. Esa remota Escocia lo es todo para el film. H.P Lovecraft se respira en cada minuto de metraje y el plasmar tan bien la obra de este genio se ha realizado con éxito en tan contadas ocasiones, que los amantes de la literatura de este señor convertirán a Lord of Tears en un film de culto.

Tal vez en otras circunstancias podría haber concedido la máxima puntuación a esta película, pero hacia la parte final, toda la acción que sucede en las catacumbas parece que rompe un poco con esa estética tan cuidada, la cual podíamos disfrutar hasta ese momento.

Aun así resulta totalmente imprescindible, para todo amante del terror, aunque los acostumbrados a cintas algo más moviditas o más directas tal vez les resulte un poco pesada de seguir.

Firma: Omar Parra.

Título original: Chimères

Año: 2013

Duración: 80 min.

País: Suiza

Director: Olivier Beguin

Guión: Colin Vettier, Olivier Beguin

Fotografía: Florian N. Gintenreiter

Música: Gisana Lorris

Reparto: Jasna Kohoutova, Yannick Rosset, Catriona MacColl

Sangre pasada por agua.

Todo es bien simple. Uno se va a Rumania, se hace una transfusión de sangre y ¡zas!, se convierte en vampiro. Así a saco. Bueno es una manera de empezar como otra cualquiera, pero ¿porque no convertirse en vampiro en Murcia?, supongo que tiene más glamour hacerlo en ese país del este de Europa. No os vayáis a creer que la acción transcurre en Transilvania, como la increíble El Baile de los Vampiros de Polanski, si no en una ciudad que bien podría ser Bucarest. Estamos pues, ante unos vampiros de ciudad, que tienen en común con el resto de esos seres la sed de sangre, como no podría ser de otra manera.

El cine de terror helvético es una gran desconocida, aunque así de entrada parece poco original, primero por la temática, el tan manido vampirismo, y después por la manera una tanto infantil de estar rodada. No sé si en un país tan civilizado como Suiza, hacer un tipo de película como la que estamos hablando es algo monstruoso, en esta parte de Europa desde luego que no. Precisamente el cine europeo de género destaca por su truculencia, algo que le falta a Chimères.

El trasfondo es una historia de amor llevada al límite, y este no es otro que la muerte. Amores raros hay en todas partes y Olivier Beguin nos dibuja esto de manera un tanto fría. En el recuerdo teníamos su divertido cortometraje Employé du mois, cosa que parecía augurar su paso al largometraje de manera brillante. Su primera experiencia nos deja un gusto agridulce, habrá que esperar y visionar sus futuros proyectos con más detenimiento. Cosas positivas hay, y eso sería deleznable no mencionarlo.

Livia y Alexandre están de vacaciones en Rumania, patria de ella. Todo transcurre plácidamente hasta que, tras una larga noche llena de degustaciones alcohólicas, Alexandre es atropellado. Recibe una transfusión de sangre, se supone que de alguien un poco especial. A partir de entonces empieza la pesadilla. Para los dos.

Film muy bien realizado, técnicamente hablando, pero muy flojo en el guión. Este no sostiene la ocurrente historia con firmeza, y eso se nota en todo su metraje, pero más notoriamente en su segunda mitad, precisamente la que tenía que ser más perturbadora. La primera parte es muy entretenida pero para nada convincente, con unos personajes un poco estereotipados. Con esto no queremos decir que las interpretaciones sean flojas. Yannick Rosset, en su papel de Alexandre lo borda. Su cara al transformarse en monstruo, tiene pinta de icono del cine de terror. El resto de personajes quedan un poco diluidos y abducidos por la historia. Por otro lado comentar que la fotografía de Florian N. Gintenreiter es excelente, juega con los claroscuros de manera magistral y da profundidad a todas las escenas, incluso a las de acción, que pecan un poco de coreografía barata. El maquillaje y efectos especiales son notorios, aunque podrían haber exagerado un poco más en las escasas escenas sangrientas, le hubieran ido bien. Como habréis podido intuir, parece que le falte algo, o quizás sean cosas mías, juzgad vosotros mismos.

Para acabar, y no me gusta decirlo así, es una obra para pasar el rato. Si os gustan las de vampiros podréis encontrar alguna cosa novedosa, pero hoy en día creo que el público espera algo más, no creo que esté mal recordarlo.

Firma: Josep M. Luzán.

Título original: Wolf Creek 2

Año: 2013

Duración: 107 min.

País: Australia

Director: Greg McLean

Guión: Greg Mclean, Aaron Sterns

Fotografía: Toby Oliver

Música: Johnny Klimek

Reparto: John Jarratt, Ryan Corr, Shannon Ashlyn

Desierto, sangre y gore.

Antes de comenzar a clarificar lo que he desentramado de esta segunda entrega, recomendaré a todos aquellos lectores que no hayan visto la primera parte, que lo hagan, no tanto porque haya una continuidad que les imposibilite poder seguir el hilo argumental que es del todo inexistente sino más para que disfruten del producto Wolf Creek, y no caigan en el error de ver esta nueva entrega y puedan pensar que la primera es más de lo mismo.

Dicho todo lo anterior, es imperioso mencionar que Wolf Creek 2 es una película que nace para el entretenimiento de todos aquellos que nos gusta el gore, la sangre y las muertes casi sin sentido en el mundo del cine. Quiero pensar también que es un homenaje deleite a todos aquellos que disfrutamos con el campesino paleto de la primera película, el personaje Mick Taylor interpretado por John Jarratt, con tanta fidelidad que cuesta trabajo pensar que en la vida real puede ser otra persona. Es un papel tan acertado y bien interpretado que ya es motivo suficiente para ver el metraje.

Uno de los principales encantos en las películas de Greg McLean (Wolf Creek y El territorio de la bestia), es la lograda ambientación de un realismo inusitado, combinando muy bien la fotografía de Will Gibson, con el que no ha contado en Wolf Creek 2, substituyéndolo como director de fotografía por Toby Oliver.

En esta segunda entrega encontramos el mismo protagonista principal, escenario y gore, el cual se intensifica y se vuelve más explicito, pero se distancia en prácticamente todo lo demás. Una de las cosas más notorias es el hincapié que se hace en la primera película en mostrar el desierto y en el ambiente en calma que le precede, sintiéndose el peso de la soledad y la lejanía de cualquier lugar, logrando una comparación entre villano y territorio muy exacto, afables en un inicio y terribles en la realidad. Dejando sin escapada a las víctimas que encuentran en unos inmenso espacios de desierto una trampa mayor que la guarida que los retiene.

Lo más destacable de esta secuela a parte del ya mencionado actor principal, es un trepidante inicio que es de lo más espectaculares que se ha visto en el inicio de un film en tiempo, y un divertido y original momento al más puro estilo “un, dos, tres, responda otra vez”.

Para disfrutarla como tantas otras, sin tener en cuenta de que film es predecesora.

Firma: Gerard FM.

Título original: La Cueva

Año: 2014

Duración: 80 min.

País: España

Director: Alfredo Montero

Guión: Alfredo Montero

Música: Carlos Goñi

Fotografía: Alfredo Montero

Reparto: Marcos Ortiz, Marta Castellote, Eva García-Vacas, Jorge Páez, Xoel Fernández

¡Terroríficamente asfixiante!

Nos encontramos ante una personalísima obra del balear Alfredo Montero, en este su segundo largometraje. Un film aterrador en todos los aspectos que, aunque esté hecha como una película del tipo cámara en mano, aporta elementos nuevos y muy interesantes, como por ejemplo el que esté rodada dentro de una cueva. Esto le da un aire claustrofóbico realmente perturbador, que te mantiene en tensión casi en toda su duración.

Asistimos de forma paulatina y muy inteligentemente explicada, a la degradación del género humano cuando se le pone en situaciones límite, no difiriendo mucho su comportamiento al de las más salvajes alimañas. Desprovistos de todo lo elemental, como pueden ser el alimento o el agua, los personajes de esta cinta reaccionan violentamente y ven a sus semejantes como sus más acérrimos enemigos, con la paradoja, de que todos estos despropósitos quedan grabados para la posteridad en una cámara de video, desgraciadamente se quedan sin cobertura en sus móviles.

Nos podemos imaginar las dificultades que comportó su filmación dentro de espacios tan reducidos. Los ángulos son imposibles y los movimientos, en ocasiones bruscos, de la cámara muy bien conseguidos. El contraste de la más profunda oscuridad con la claridad de los reflejos en las paredes y techos cuando les ilumina el flash, es realmente fascinante. Comentar que en su pre-producción, el director calculó unos 1.200 metros de pasillos transitables dentro de la cueva, usando hilo para no perderse dentro de ese laberinto rocoso. Tuvo que estudiar cada galería, cada pozo y cada roca centímetro a centímetro, anotando in situ, y ayudado por una linterna de espeleólogo, las particularidades de la misma. Resumiendo, primero fue la cueva, y luego el guión.

Cinco amigos, dos chicas y tres chicos, deciden realizar un viaje y van a parar a un bosque cercano a un escarpado acantilado. Después de algunas juergas deciden ir a bañarse. El descenso es dificultoso y en el camino encuentran una cueva. Deciden entrar a verla. Lo que pasa a partir de allí es el peor de los cuentos que nunca os han explicado. Ellos no saben que el horror está dentro de ellos mismos. Pronto se darán cuenta de ello.

Magnífica película de Alfredo Montero, la idea de la cual, y después de escuchar la explicación pertinente, surgió después de visionar The Blair Witch Project y The Descent, aunque poco tenga que ver con ellas. Comento esto porque rápidamente podemos asociarla gratuitamente a esas dos grandes cintas. Nada más lejos de la realidad. Su desarrollo a través de un excelente guión, obra también de Alfredo Montero, nos lleva a situaciones límite. Tras un principio, en el cual la relación entre los personajes y los diálogos parecen un poco forzados, sin frescura, la entrada de los cinco amigos a la cueva lo transforma todo. Se convierte entonces en algo turbador y angustioso, y en muchos momentos giraréis la cabeza para no ver lo que pasa en pantalla. Genial. Las interpretaciones son muy interesantes por su frescura. Destacaré a todos, y los nombraré uno a uno porque se lo merecen; Marcos Ortiz, Marta Castellote, Eva Garcia-Vacas, Jorge Páez y Xoel Fernández hacen unas actuaciones magníficas y no dudo, que en algunas escenas no les haría falta esforzarse mucho para conseguir reflejar en sus rostros el terror más alucinante. Destacar asimismo la fotografía, como no, también de Alfredo Montero por lo comentado anteriormente. Sombras y luces perfectamente ensambladas.

Una de las grandes sorpresas de este año, sin duda. Un film aterrador, que además tiene su broche de oro en un final apoteósico que os dejará muy mal cuerpo. Valdría la pena verla solo para apoyar el cine hecho en nuestro país, pero no le hace falta, se vale por ella misma para engrandecer un poco más el buen cine de género realizado en España.

Firma: Josep M. Luzán.

Título original: The Raid 2: Berandal

Año: 2014

Duración: 148 min.

País: Indonesia

Director: Gareth Evans

Guión: Gareth Evans

Música: Aria Prayogi, Joseph Trapanese, Fajar Yuskemal

Fotografía: Matt Flannery, Dimas Imam Subhono

Reparto: Iko Uwais, Arifin Putra, Alex Abbad, Oka Antara, Tio Pakusodewo, Julie Estelle, Cecep Arif Rahman, Cok Simbara

Mucha más acción, más violencia y más sangre.

Más profesional, más localizaciones, más personajes, más muertos y más sangre. Eso es The Raid 2: Berandal comparada con su antecesora.

La verdad es que tenía sentimientos encontrados con esta película, ya que aunque la primera parte tenía grandes logros y un estilo fresco que me ha hecho revisarla más de una vez, no me terminaba de convencer. Pero esta sí.

Tras un inicio que hace de puente entre ambas películas con sus flashbacks y montajes paralelos, la primera pelea impulsa la narración a un estilo lineal y continuo hasta el final. Iko Uwais, en la piel del policía Rama, se infiltra en una cárcel para integrarse en la mafia de Jakarta y destruirla desde dentro. A partir de aquí se desarrolla el argumento, con sus giros y sus momentos de intriga que, aunque no es original, tampoco creo que se lo proponga y sirve de guía a las contundentes escenas de acción que pueblan la película. Y es que hay muchas y variadas.

Muy duras, con muchos stunts dando y recibiendo como en pocas ocasiones se ha visto, sangrientas y con muertes originales y dolorosas, son mucho más pulidas que las de la película original; además de que son más breves y por tanto impactan más todavía. Los efectos digitales que incluyen también lucen, a diferencia de los de la primera parte, que estaban a un nivel bastante bajo.

Mi pelea favorita ha sido la del patio de reclusos en la cárcel. Una mezcla estética y salvaje muy elaborada, con referencias a la pelea entre Donnie Yen y Jet Li en Hero, de Zhang Yimou. Y es que The Raid 2 está plagada de referencias, tanto a la primera parte como a múltiples directores y películas. Esto sería malo si Gareth Evans se hubiera dedicado a calcar lo que ya existe pero no, al director y al equipo de esta película les sobra talento y se crecen e innovan, haciendo muy felices a los fans del cine de acción, entre los que me incluyo.

Otro punto fuerte es la combinación entre las secuencias dramáticas y violentas. Las primeras son ricas en detalles, realizadas con ternura, estética y mimo, mientras que las segundas, pues eso, van a saco.

Lo que menos me ha gustado de The Raid 2 es quizá el poco carisma que le veo al protagonista, Iko Uwais. Es un especialista increíble pero a la hora de interpretar no me conmueve en absoluto, y eso que tanto desde el guión como desde su actuación se intenta. Eso sí, no es un gran problema dado que todos sus principales oponentes, tienen estilo y chulería para dar y tomar, es un gusto verlos repartir guantazos con bates, martillos, cuchillos, a puñetazo limpio...

En resumen, si te gustó The Raid, te encantará porque la saga ha subido no uno, sino diez escalones de golpe en todos los sentidos; y si la primera no te gustó, dale una oportunidad porque no solo es una buena película de acción, sino una buena película en general.

Ojalá sirva esta cinta para sentar unas bases de calidad superiores en el cine de acción, que a día de hoy parece estar en horas bajas.

¡Ah! Y atentos a la persecución de coches. Sonrío solo con imaginarme cómo se lo debieron de pasar en el rodaje.

Firma: Pedro P.

Título original: Panzer Chocolate

Año: 2013

Duración: 90 min.

País: España

Director: Robert Figueras

Guión: Gemma Dunjo, Robert Figueras, Pep Garrido

Música: Pep Sala

Fotografía: Iñigo Zubicaray

Reparto: Melina Matthews, Geraldine Chaplin, Tony Corvillo, Mark Schardan, Ariadna Cabrol, Josep Seguí, Richard Felix, Luka Peros, Asha Mendel, Iria Esteller

Mezclando ideas. Terror, slasher, nazis, tenemos de todo.

Es la primera película transmedia e interactiva que se rueda en España, ¿y qué significa esto? Nada. Es otro de esos tantos intentos de llevar el cine un paso más allá. 3D, 4D, odoramas. Panzer Chocolate es un compendio de aplicaciones creadas alrededor de la historia que nos quiere contar su director. Una forma de intentar alargar la vida y hacer más interesante algo que no lo es. Cuando voy a una sala de cine no quiero tener que estar pendiente de que me suene el móvil con una pista de la película. ¿No tienen los suficientes recursos para contármelo por pantalla?

Centrándonos en lo que verdaderamente nos importa. La cinta empieza como una especie de Indiana Jones y la última cruzada, made in Barcelona, con bastante menos gusto y carisma, dicho sea de paso. Un grupo de estudiantes buscan el secreto más oculto por los nazis, un lugar en los pirineos donde se guarda el tesoro definitivo. Vale, nos tragamos toda la milonga y seguimos adelante. Después, una vez avanzamos en el metraje, se torna en un slasher juvenil, eso sí con monstruo-nazi incluido, que aquí es donde entra la parte más interesante, ¿quién no se lo pasa bien viendo como un "Frankenstein nazi" despedaza al grupo de jovenzuelos protagonistas? Pero esta locura aun se reserva otro giro final, el cual no voy a destripar, vale la pena verlo.

Primer largometraje de Robert Figueras, que pese a tener entre manos un guión bastante denso, debido a que han querido añadirle un pequeño popurrí de situaciones bastante inverosímiles, sale bastante airoso del proceso. Puede que esta mezcla bastante rara en ocasiones de ideas sea debido a que estamos ante un guión escrito a tres bandas, por Gemma Dunjo, Pep Garrido y el propio Figueras.

El elenco de actores, bastante visto por tierras españolas, o más concretamente catalanas, sobre todo por series de televisión, no es que hagan grandes actuaciones, pero ya sabemos que en las películas de terror, siendo sinceros tampoco vamos buscando el Oscar a la mejor interpretación. Lo que sí me ha llamado la atención es que la película está rodada en inglés, y se me hace bastante raro ver caras conocidas, que normalmente ves hablar en tu idioma, en otro al que no les estas habituado verles hablar, y esto no sería grave, de no ser que en algunos actores se les nota demasiado forzado el acento inglés. Y un pequeño apunte sobre las actuaciones, comentar el cameo de Geraldine Chaplin, que aunque la veáis en portada de algún poster, su actuación se limita a eso, un par de cameos.

En el apartado técnico destacar sobretodo los FX y el maquillaje, las muertes están bastante logradas y el maquillaje del asesino, mucho mejor que en algunas grandes producciones de Hollywood. Aunque volviendo a un tema recurrente, la dichosa sangre digital vuelve a aparecer en este film, aunque eso ya va a gustos personales, creo que es un cante bastante gordo.

No es el mejor slasher, ni tiene las mejores interpretaciones, a decir verdad, su guión es un cumulo de situaciones bastante grotescas. PERO es entretenida, y como slasher funciona muy bien, el "killer" está perfecto y las muertes son variadas y alguna de ellas bastante vistosa. Si te gustan los slashers no dudes en darle una oportunidad, para las pocas veces que realizan cine de género en nuestro país tampoco podemos ir dándoles la espalda.

Firma: Omar Parra.

Título original: Found

Año: 2012

Duración: 103 min.

País: Estados Unidos

Director: Scott Schirmer

Guión: Todd Rigney, Scott Schirmer

Fotografía: Leya Taylor

Música: Magician Johnson, Aaron Marshall, Bing Satellites, Lito Velasco, Greg Wright

Reparto: Gavin Brown, Ethan Philbeck, Phyllis Munro, Louie Lawless, Alex Kogin, Andy Alphonse, Shane Beasley

Sorprendente, perturbadora y gore.

Ejercicio exquisito de cómo hacer una película con sello indie films, desde el corazón, tan lejos de las manos de aquellos productores que desfiguran los proyectos y adaptaciones. Found, cuenta con un ajustadísimo presupuesto de 8.000 dólares, en los que la mayoría se han invertido en los efectos especiales, siendo actores y técnicos principalmente colaboradores. Pero que nadie se engañe, estamos ante una película genial que hecha desde las mejores intenciones logra dentro de sus posibilidades sorprender con un producto realmente bueno.

Found es la adaptación de la novela de Todd Rigney con el mismo título, y que trata la particular historia de Marty, un chico de diez años que sufre “bullying” en la escuela, refugiándose en los comics violentos y las películas de terror. Su vida da un giro cuando descubre una cabeza en el armario de su hermano, a partir de este momento todo toma un cáliz diferente, en que aceptación, miedo y rebelión guían al nuevo protagonista.

Scott Schirmer director y guionista del film, adapta la historia y dirige con las ideas claras de lo que quiere lograr, consiguiendo una base fuerte donde a pesar de las puntas de tensión, el film nunca recae en un ritmo lento y si muy al contrario, dota de gran paradigma a este drama familiar de tintes terroríficos y gore. Con un relevante inicio donde el pequeño protagonista encuentra la cabeza decapitada, resultando del conflicto moral del crio, y jugando con las posibles opciones y desenlaces que el espectador no dejará de buscar.

La historia es contada por la voz en off de Marty, desde la inusitada serenidad y honestidad de un chico de su edad, puntualizando en reflexiones y situaciones que harían perder la razón y la cabeza a la mayoría de nosotros. Recurso más habitual del cine negro y del cine independiente que del género de terror. Pero en este caso funciona unificando géneros y escenas brillantes, como el portentoso final donde sin ver nada entendemos todo y acto seguido donde viéndolo todo no entendemos nada.

Todo esto no sería posible si no fuera por las prodigiosas interpretaciones del joven Gavin Brown como Marty, protagonista de la historia que busca su lugar en la violencia de su día a día, pasando por la aceptación y el horror, y de Ethan Philbeck como Steve, el psicópata hermano que muestra sus momentos de buena persona y las de poco más que persona.

Las escenas más violentas las encontramos en las ficticias películas, que el pequeño cinéfilo y amante del terror y del gore visiona como Headless, inusual historia donde un hombre decapita mujeres para tener sexo con ellas. Homenajeando en parte también, a todos aquellos freaks que acudíamos a los videoclubs a por las más terroríficos y gore VHS que pudiéramos encontrar, buscando en el último peldaño y preguntando al encargado, siempre esperando aquella película que nos aterrorizara, nos sorprendiera pero que sobretodo nos impactara.

Por esto y por todo lo anterior, no deberíais pasar por alto Found.

Firma: Gerard FM.

El festival NOCTURNA clausura su segunda edición. Este año y en homenaje a un grande y polifacético artista, Jacinto Molina, más conocido por su sobre nombre Paul Naschy, el premio a Mejor Película de Sección Oficial pasa a llamarse Premio Nocturna Paul Naschy a la Mejor Película. Paul Naschy, actor, director de cine, guionista, participó como actor en más de cien películas y series de televisión, en 39 como guionista y en 14 como director. Paul Naschy es uno de los profesionales del cine más reconocidos mundialmente en el género del fantástico y el terror.

SECCION OFICIAL - Jurado formado por: Paco Cabezas, Rubén Ochandiano, Emilio Gonzalo

Premio NOCTURNA Paul Naschy a la Mejor Película: LA CUEVA
Premio NOCTURNA al Mejor Director: Greg McLean por WOLF CREEK 2
Premio NOCTURNA al Mejor Guion: Greg Mclean y Aaron Sterns por WOLF CREEK 2
Premio NOCTURNA a la Mejor Interpretación: (Exequo) a los actores John Jarratt y Ryan Corr por WOLF CREEK 2
Premio NOCTURNA a la Mejor Fotografía o FX: EXTRATERRESTRIAL Dirigida por Colin Minihan
Mención especial del jurado a la actriz Eva Garcia Vacas por LA CUEVA

DARK VISIONS - Jurado formado por: Alice Waddington, José Manuel Serrano Cueto, Alex Mendibil

Premio NOCTURNA Dark Visions Mejor Película: CRUEL AND UNUSUAL dirigida por Merlin Dervisevic

MADNESS - Jurado formado por: Nuno Reis, Julian Lara, Julio Peces

Premio NOCTURNA Madness Mejor Película: PINUP DOLLS ON ICE Dirigida por Geoff Klein y Melissa Mira

PREMIO DEL PÚBLICO:

Premio del público a la Mejor Película: SAVAGED
Premios Shots al Mejor Cortometraje de Género Fantástico Nacional: 24 HORAS CON LUCÍA
Premio Shots al Mejor Cortometraje de Género Fantástico Internacional: LOTHAR

Marcos Ortiz (actor/productor)
Nacido en Valencia, creció en Formentera, donde conocería a su amigo, socio y director Alfredo Montero. Una vez allí después de acabar su bachiller se traslada a Madrid donde estudia interpretación en la escuela de Cristina Rota. Empieza a trabajar en TV haciendo pequeños papeles en numerosas series de televisión, entre ellas Aída, Cuéntame, La noche de José Mota y participando también en diversas obras de teatro.

En cine protagoniza y produce niñ@sópera prima del director Alfredo Montero. También le hemos visto en La chispa de la vida de Alex de la Iglesia. Y finalmente La Cueva, uno de los trabajos más sorprendentes del año, donde ya en el Festival de Málaga de este año consiguió la biznaga de plata a mejor interpretación al igual que Mejor Película.

Título original: Soulmate

Año: 2013

Duración: 104 min.

País: Reino Unido

Director: Axelle Carolyn

Guión: Axelle Carolyn

Música: Christian Henson

Fotografía: Sara Deane

Reparto: Anna Walton, Tom Wisdom, Tanya Myers, Nick Brimble, Emma Cleasby, Guy Armitage, Rebecca Kiser

No asusta, ni convence.

Otra más de fantasmas, pero lejos de querer asustar con los viejos tópicos, Soulmate se aleja de ellos. Volvemos a los fantasmas pasados, porque realmente si nos remontamos a hace 20 años, los fantasmas no siempre tenían que ser malas personas que iban asustando y haciendo daño a todo aquel que se cruzase en su camino.

La historia es muy simple y plana, eso hace que el ritmo no acompañe mucho, aunque la idea que propone es correcta, sinceramente no es para nada de mi agrado. En el momento que la protagonista se sienta a charlar, taza de té en mano con un fantasma, el sentido de añadir precisamente un fantasma a la ecuación pierde todo el interés por mi parte.

Audrey es una joven viuda, tras intentar acabar con su vida decide mudarse a una remota casa en medio de la nada para aislarse de todo y todos. Al poco tiempo de estar sola en el caserón, empezará a oír ruidos extraños. No está sola, una presencia la acecha, pero pese a eso Audrey decide enfrentarse a sus miedos y quedarse en la casa.

La fotografía acompaña al tema muy bien, gran caserón, fotografía grisácea, no verás aparecer el sol en ningún momento, esos 2 elementos, fotografía, obra de Sara Deane está realmente muy cuidada y la localización perfecta, de ese gran caserón antiguo ayudan a crear una bonita atmósfera para una película de fantasmas, pero si luego la trama no acompaña, el resultado es más bien... decepcionante.

Por otra banda, estamos ante un film donde aparecen muy pocos actores, por lo tanto el protagonismo de ellos toma mucha más importancia en pantalla. Anna Walton como protagonista cumple muy bien, y resulta creíble durante todo el metraje. Pero por contrapartida Tom Wisdom, que ejerce de espíritu, nos ofrece una actuación donde su personaje parece una persona viva en lugar de ese "temible" espíritu que debería ser. Por lo que el resultado en escena es de nuevo decepcionante en este aspecto.

Axelle Carolyn actriz reconvertida a directora, después de varios cortometrajes da el salto al largo con Soulmate, ejerciendo no solo como directora sino que también firma su guión. Esto último sea el punto más flojo en esta película, su guión carece de fuerza, no intenta sorprender y si lo intenta, en mi opinión no lo consigue. La trama es bastante simple y solo mantiene un interés real la primera media hora, que es el tiempo que tarda en descubrirse todo el pastel.

Soulmate busca la otra cara de los fantasmas, y en lugar de jugar a darnos miedo se va por otros derroteros, suspense y drama son sus dos estandartes y pese a tener elementos de terror en ningún momento asusta. Amantes del terror muy posiblemente esta no sea vuestra película. Previsible y bastante plana hacen a este film prescindible. Una historia de superación personal camuflada con elementos fantásticos y de terror.

Firma: Omar Parra.

A los pocos meses de la salida de la primera entrega, se estrenaba la segunda parte, Tales from the Dark 2. Cambio de directores, aunque como elemento común, las historias siguen siendo de Lilian Lee y al frente de la composición musical repite Kenji Kawaii.

Como directores tenemos a Gordon Chan, en el segmento Pillow. Lawrence Lau, que se encarga de Hide and Seek y por último a Teddy Robin, responsable de Black Umbrella.

Tres directores para nada novatos, pero sí que están muy alejados del género que nos ocupa, unos novatos dentro del terror. Esta nueva entrega está protagonizada por Fala Chen, Gordon Lam y el director del último segmento, Teddy Robin Kwan.

Pillow:Yee desarrolla insomnio después que su novio desaparezca repentinamente. Para remediarlo se hace con una almohada médica la cual en principio la ayudará a conciliar mejor el sueño. Pero lo único que provocara dicha almohada es transformar su vida en una autentica pesadilla que se debate entre la realidad y los sueños.

Hide and Seek:Un grupo de adolescentes se reúne en su vieja escuela, ya que esta va a ser demolida. Pese las advertencias del guarda que vigila la escuela ya abandonada, los chavales deciden jugar al escondite, lo que ellos no saben es que tendrán "invitados" inesperados que se unirán a su pequeña fiesta.

Black Umbrella:La noche del quinceavo día del séptimo mes, durante el Festival de los muertos, el viejo tío Lau coge un minibús hacia Mongkok. Durante su camino va ayudando a gente que se encuentra con problemas. Ahí es donde empezarán los problemas serios para el bueno de Lau.

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Entrevista a Sergio Morcillo (director) y Arturo de la Torre (actor) de Metamorphose

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Maldita Venganza presenta hoy en exclusiva su poster y teaser en el Festival Nocturna 2014

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Palmarés del Festival Nocturna 2014

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