Quantcast
Channel: TerrorWeekend.com | Portal cine de terror, peliculas de terror, mejor cine de terror
Viewing all 6350 articles
Browse latest View live

Deadtectives review

$
0
0

Sam, Lloyd, Javier y Kate son un grupo de cazafantasmas que se dedica a falsificar casos de misterio para un canal de TV. El share va en su contra, recibiendo un ultimátum de la productora, que les propone un episodio más temerario, recomendando grabar en una casa encantada de México. Aceptan el reto trasladándose al inmueble donde se desencadena un auténtico “infierno”.

Título original: Deadtectives

Año: 2018

Duración: 90 min.

País: Estados Unidos

Director: Tony West

Guion: Tony West, David Clayton Rogers

Música: Mark Sayfritz

Fotografía: Andre Lascaris

Reparto: Martha Higareda, Chris Geere, Tina Ivlev, José María de Tavira, David Newman, Pablo Guisa Koestinger, Nuria Blanco, Cecilia Antoinette


Agradable comedia terrorífica.

Cuando uno empieza a ver este film no puede evitar esbozar una sonrisa recordando la célebre Los Cazafantasmas (Ghostbusters. Ivan Reitman, 1984). No es que sean iguales, ni tampoco una parodia, pero es que los protagonistas son eso: cazafantasmas. La historia en sí tiene ciertos paralelismos con el éxito comercial de la década de los ochenta, como puede ser el escaso reconocimiento inicial del proyecto en el cual están enfrascados. Todo parece que se hunde hasta que por fin encuentran un caso real que les lleva a lo más alto, aunque, en ambas, todo se desborda.


Este tipo de films que mezclan el terror, en el sentido de utilizar los iconos del mismo, y la comedia, se han convertido en algo muy cotidiano y que podemos degustar, como mínimo, una vez al año. Parece que se han convertido en algo indispensable, haciendo su aparición estelar sobre todo en festivales de toda índole. Son de aquellas películas en las que puedes asistir con la novia sin miedo a que durante un tiempo muy elevado te haga todo tipo de reproches. Si no tienes novia puedes echar mano de cualquier ser, con la condición de que no sea muy hípster.

Sam, Lloyd, Javier y Kate son un grupo de cazafantasmas que se dedica a falsificar casos de misterio para un canal de TV. El share va en su contra, recibiendo un ultimátum de la productora, que les propone un episodio más temerario, recomendando grabar en una casa encantada de México. Aceptan el reto trasladándose al inmueble donde se desencadena un auténtico “infierno”.

La falta de originalidad queda compensada con un buen guion que tampoco abusa de situaciones hilarantes. Su ritmo es remarcable destacando también la buena dirección de actores consiguiendo que no se tropiecen entre ellos. Las escenas de acción son bastante vistosas con algún que otro toque, muy logrado por cierto, que hace referencia a películas de fantasmas muy recientes. Todo ello la hace muy agradable de ver, haciendo que se nos pase en un suspiro. Un gran inicio en el largometraje para Tony West, que con anterioridad ha desarrollado su carrera en el formato corto con cuatro títulos.


En la parte técnica destacar el acertado tono azulado de la fotografía, que está a cargo de Andre Lasdcaris y unos buenos efectos especiales y de maquillaje que apoyan las escasas escenas gore.

En el apartado interpretativo tenemos a Chris Geere, David Newman, José María de Tavira y Tina Ivlev como el cuarteto encargado de limpiar de fantasmas toda casa que se les ponga por delante. Del resto destacar a Martha Higareda y Nuria Blanco.

Si os gustan las comedias aderezadas con algo de terror, simpáticas y con un buen ritmo, ésta es vuestra película. ¿Al resto de público?, hay muchas alternativas, pero no os acabéis durmiendo, con Deadtectives seguro que no lo haréis.

Firma: Josep M. Luzán.
@Josep_Luzan

Why Hide? review

$
0
0

Navidad. Un grupo de amigos se reúnen en una aislada casa de campo y aunque al principio surgen las tensiones entre unos y otros, el ambiente se relaja cuando un invitado regala ropa interior al resto. Al desaparecer uno de ellos, la tranquila Navidad se convertirá en un asunto de vida o muerte.

Título original: Why Hide?

Año: 2018

Duración: 85 min.

País: Inglaterra

Director: James Edward Cook

Guion: James Edward Cook, Karen Taylor

Música: Richard McCoull

Fotografía: James Edward Cook

Reparto: Charlotte Atkinson, Lorna Brown, William Holstead, Mark Chatterton.


Vuelta a las cintas pequeñas con toques sobrenaturales.

Las cintas pequeñas son peligrosas de hacer que funcionen, y una primera película es difícil porque tienes mucho que demostrar en hora y media: lamentablemente, James Edward Cook fracasa en su opera prima.


Navidad. Un grupo de amigos se reúnen en una aislada casa de campo y aunque al principio surgen las tensiones entre unos y otros, el ambiente se relaja cuando un invitado regala ropa interior al resto. Al desaparecer uno de ellos, la tranquila Navidad se convertirá en un asunto de vida o muerte.

James Edward Cook parte de la saludable tradición inglesa de rodar películas con pocos actores y escasas localizaciones, que nos ha regalado cintas tan disfrutables como la maravillosa Kill List de Ben Wheatley, The Cottage de Paul Andrew Williams, The Disappearance Of Alice Creed de J. Blakeson o hasta la discreta Eat Locals de Jason Fleming. Estos ejemplos sirven para revelar el mayor error de la ópera prima de Cook: a pesar de su juventud, el director toma como protagonistas a un grupo de cuarentones en crisis acerca del matrimonio, el futuro, la pareja, el sexo… Y al no tener una edad ni siquiera cercana a los de sus personajes, hace un simple corta pega de tópicos vistos en otras películas. Los diálogos en su primer tercio se componen de bromas sexuales debido a que en el grupo tenemos heterosexuales, bisexuales, gays y lesbianas, con todos los arquetipos que ello conlleva: el gay alocado y aburrido del sexo, la lesbiana “camionera” que vive de la fabricación de quesos y que siempre lleva una escopeta en su coche, el heterosexual enamorado de una lesbiana y una mujer de color obsesionada con su pasado tribal. Si los brochazos para crear personajes tuvieran peso, nada de esto importaría pero el resultado es pobre ya que si intercambias los diálogos de uno con el otro, tendrías el mismo resultado. El nivel actoral podría haber levantado algo el interés, pero también se nota la bisoñez del director ya que gesticulan cuando les toca, levantan la ceja si llega el momento y, a la hora de correr, parecen una desbandada de gallinas.

Vale, dejemos a un lado a los personajes, actores y guion para ver si la historia entretiene: es cierto que hay un momento en que se deja atrás la comedia y empiezan a ocurrir hechos sobrenaturales con la desaparición de un miembro de grupo y la extraña figura que acecha entre los arboles… Pero aunque los giros de guion deberían surtir efecto e intrigar, el que esto escribe solo podía pensar en por qué la película Why Hide? se llama como la línea de ropa interior que les han regalado, y mientras en la cinta empezaban las persecuciones, huidas y muertes yo continuaba esperando una respuesta a mi pregunta, y me hacía más por el camino ¿Tal vez la ropa interior les provoca alucinaciones, les aprieta tanto que no les permite pensar? ¿Está impregnada en una sustancia química y es todo un viaje lisérgico?


Al llegar el final, tan solo porque ya tocaba que Why Hide? terminase, la duda del título no había sido respondida y el desenlace me dejó bastante descolocado porque nada hacía prever que tomara esa dirección ya que Cook y su coguionista, Karen Taylor, quieren impactar al espectador con una revelación final que, al no haber sido preparada a lo largo de la cinta, sorprende por lo abrupto que es pero no impresiona ya que a esas alturas de la cinta todo da lo mismo.

Es cierto que no está mal rodada, las localizaciones son agradables y algún chiste funciona, pero cuando los arboles no dejan ver el bosque es que algo se ha hecho mal. Esperemos que James Edward Cook, un director jovencísimo, tome nota y en sus próximos trabajos nos cuente una historia que conozca de primera mano, centrada en su propia generación, e intente cuidar tanto su película como al espectador.

Why Hide? se deja ver pero no responde la pregunta de la ropa interior que me intrigaba tanto.

Firma: Javier S. Donate.

Vuelven review

$
0
0


Estrella, que es hija única, vuelve del colegio y su madre no está en casa. Desesperada la busca por todas partes. Sin nadie a quién recurrir acaba en la compañía de unos niños con los que vivirá situaciones que ni en el más terrible de sus sueños habría llegado a imaginar.


Título original: Vuelven

Año: 2017

Duración: 83 min.

País: México.

Director: Issa López

Guion: Issa López

Música: Vince Pope

Fotografía: Juan José Saravia

Reparto: Paola Lara, Juan Ramón López, Rodrigo Cortés, Hanssel Casillas, Ianis Guerrero, Tenoch Huerta


El terror visto con los ojos de un niño.

¿Qué puede salir si mezclamos en una coctelera un cuento de príncipes y guerreros con el cartel de la droga, los fantasmas y algún que otro tigre? El resultado podría ser para tirarlo a la basura o para chuparse los dedos. Todo dependerá de las dosis de cada ingrediente y del saber hacer del barman. Issa López lo mezcla y lo remezcla todo con sabiduría, saliéndole una copa presta para degustar por los paladares más exigentes.


La historia esconde tintes poéticos, cosa que lejos de intentar tapar lo truculento, lo ensalza, es decir, magnifica la percepción entre triste y terrorífica que nos invade conforme van pasando los minutos. Se puede rodar lo mismo de muchas maneras, pero la crudeza de las situaciones que transcurren en este film, quedan tamizadas, afortunadamente, por esa capa de calidad. Para sentir esas sensaciones contamos con la excelente banda sonora original a cargo de Vince Pope, sumamente acertada.

Estrella, que es hija única, vuelve del colegio y su madre no está en casa. Desesperada la busca por todas partes. Sin nadie a quién recurrir acaba en la compañía de unos niños con los que vivirá situaciones que ni en el más terrible de sus sueños habría llegado a imaginar.

Magnífica cinta de terror con un guion, obra de Issa López, que raya la perfección, no en vano su autora escribió el libro Lengua Muerta, ganador de algunos premios. Esa premisa literaria nos acerca a bellos mundos oníricos sin abandonar la problemática de la violencia, por desgracia, bastante recurrente en ese país. El hecho de que los protagonistas sean niños, ayuda a que esa visión sea, como mínimo, más creíble. Esa misma candidez explicita enturbia algo el final, pero la robustez de la obra global lo hace pasar casi desapercibido.

Destacar los efectistas y comedidos efectos de animación que no hacen más que zambullirnos en esos mundos paralelos casi sin darnos cuenta. Como contrapunto una fotografía oscura y decadente, a cargo de Juan José Saravia, que no hace más que transportarnos a la cruda realidad, y unos efectos especiales simples pero muy efectivos.

Os estaréis preguntando ¿de dónde viene el título en inglés?, os contesto con otra pregunta: ¿Habéis visto o habéis oído hablar de algún tigre que tenga miedo?


Las interpretaciones son uno de los puntos fuertes del film. Están todos maravillosos. Destilan naturalidad y al mismo tiempo, como si de magia se tratara, savoir faire. Empezamos por Paola Lara, una niña que tiene que afrontar un oscuro destino. Seguimos con Juan Ramón López, una especie de jefe de una banda algo especial. El resto del reparto cumple ampliamente con la labor. Nombrar a Rodrigo CortésHanssel CasillasIanis Guerrero y Tenoch Huerta.

No os la podéis perder. Cuenta con todos los alicientes de una gran película. Terror, violencia, ternura, poesía y algún aparato electrónico el cual parece que tenga batería infinita y perdonadme la broma. Sin duda estamos ante una gran película de terror a la cual auguramos un largo recorrido.

Firma: Josep M. Luzán.
@Josep_Luzan

Boar review

$
0
0

En el interior del continente australiano habita una bestia cuya única motivación en la vida es zamparse a todo aquel que se le ponga por delante. Lo mejor que puedes hacer si te encuentras con él es salir por patas, aunque lo tienes crudo ya que tiene muy desarrollado el don de la ubicuidad.

Titulo original: Boar

Año: 2017

Duración: 96 min.

País: Australia

Director: Chris Sun

Guion: Chris Sun

Música: Mark Smythe

Fotografía: Andrew Conder

Reparto: Nathan Jones, Bill Moseley, John Jarratt, Steve Bisley, Roger Ward, Christie-Lee Britten, Hugh Sheridan, Simona Buchanan


Una criatura que te pone los pelos de punta.

Nos encontramos ante otro film de bichos enormes. Esta vez le ha tocado a un jabalí, que viendo su tamaño bien podríamos llamarlo jabalón. Además de ser de un tamaño descomunal tiene dos características digamos que un tanto especiales. La primera es que es feo de narices, acentuando esto lo poco limpito que va. La segunda, y bastante interesante, es que es zombi. Sí, habéis leído bien, los no muertos parece que han invadido el mundo de la zoología lo que, sin duda, hubiera dado para mucho si su director, Chris Sun, hubiera optado por la parte más cómica del asunto. Pero no, el intento de rodarla de manera seria rompe todo el intento de diversión.


En el interior del continente australiano habita una bestia cuya única motivación en la vida es zamparse a todo aquel que se le ponga por delante. Lo mejor que puedes hacer si te encuentras con él es salir por patas, aunque lo tienes crudo ya que tiene muy desarrollado el don de la ubicuidad.

De pelis de criaturas hemos visto de todos los colores aunque la que se lleva la palma en cuanto a fama es sin duda esa especie de dinosauro que llegó a la pantalla de los cines en los años cincuenta bajo el título Godzilla, Japón bajo el terror del monstruo (Godzilla. Ishirō Honda, 1954). Sin duda los efluvios de la Segunda Guerra Mundial todavía rondaban en el país asiático. Parece ser que el desarrollo estratosférico de esas bestias está ligado a la radiación. En Boar no se explica tanto, nos planta al súper cerdo salvaje y punto, sin ninguna otra explicación.

El guion es bastante previsible. Contiene todos los estereotipos que os podáis imaginar. Situaciones, diálogos, en fin nada nuevo bajo el sol y que, estoy seguro, habéis visto millones de veces. Como es habitual, suponemos que para mantener el suspense, tardan siglos en mostrarnos como es en realidad el puerco salvaje. La verdad es que es bastante fotogénico dando auténtico asco y repulsión, cosa que hay que valorar en la parte más positiva del título, felicitando por tanto al extenso equipo de efectos visuales y especiales.


Nathan Jones protagoniza a su manera este film. Dotado de un físico impresionante, aunque no le llega ni a la suela de los zapatos al jabalí, lo recordamos por su participación en Mad Max: Furia en la carretera (Mad Max: Fury Road. George Miller, 2015). Seguimos con el norteamericano Bill Moseley que tiene el honor de haber participado en La casa de los 1000 cadáveres (House of 1000 Corpses. 2003) y Los renegados del diablo (The Devil’s Rejects. 2005), ambas de Rob Zombie. Del resto nombrar a Christie-Lee Britten y Simona Buchanan.

Para finalizar decir que estamos ante un producto que si no eres muy amante de los films de extrañas criaturas, mejor que te dediques a otra cosa. Si a pesar de esto te atreves con ella, imagínate lo que hubiera sido ver al jabalí zombi en manos de alguna mente mucho más perversa.

Firma: Josep M. Luzán.
@Josep_Luzan

Summer of 84 review

$
0
0

Estamos en el verano del 84. Un grupo de adolescentes sospecha de su vecino policía, están convencidos de que es un asesino en serie. Poco a poco irán reuniendo pruebas pero a medida que se acerquen a la verdad el camino se irá tornando peligrosamente mortal.

Título original: Summer of 84

Año: 2018

Duración: 105 min.

País: Canadá

Director:  François Simard, Anouk Whissell, Yoann-Karl Whissell

Guion:  Matt Leslie, Stephen J. Smith

Música: Jean-Philippe Bernier, Jean-Nicolas Leupi (Le Matos)

Fotografía: Jean-Philippe Bernier

Reparto:  Graham Verchere, Judah Lewis, Caleb Emery, Cory Gruter-Andrew, Tiera Skovbye, Rich Sommer


Terror de la vieja escuela.

Los canadienses RKSS o François Simard, Yoann-Karl Whissell y Anouk Whissell vuelven a la carga después de la gran sorpresa de hace unos años Turbo Kid. El paso del tiempo les ha hecho madurar cinematográficamente y si bien siguen con su mirada hacia los 80, la evolución de su buen cine se palpa en cada fotograma.

Si bien Turbo Kid era un divertimento de serie B destinado a triunfar y arrasar por cualquier festival que pisara, como bien decía antes, esta vez el trío de directores ha dado un vuelco en su estilo, llevando a un terreno mucho más oscuro y sobrio su nueva producción, Summer of 84. Se acabaron los aspersores de sangre y los muñecos de plástico para las amputaciones. Señoras y señores estamos ante un auténtico homenaje al puro terror ochentero de la vieja escuela.


Estamos en el verano del 84. Un grupo de adolescentes sospecha de su vecino policía, están convencidos de que es un asesino en serie. Poco a poco irán reuniendo pruebas pero a medida que se acerquen a la verdad el camino se irá tornando peligrosamente mortal.

Una de las sorpresas son los dos nombres tras el guion del film, tenemos a Matt Leslie y Stephen J. Smith, quienes realizan un trabajo maravilloso pese a sorprender su corta carrera como guionistas. Creo que en este aspecto están influenciados por los propios directores, pues se nota que el aire de sus anteriores trabajos fluye por todo el metraje. Aunque nada de esto quita el mérito para Leslie y Smith.

En cuanto al apartado sonoro, vuelven a repetir la fórmula que tan bien funcionó en su anterior película. Jean-Philippe Bernier y Jean-Nicolas Leupi (Le Matos para los amigos) con su música electrónica vuelven a la carga, aunque esta vez su música queda en un plano más secundario jugando un papel igual de importante en el plano ambiental de la acción que vemos en pantalla.

Si a vosotros también os parece que Stranger Things es un anuncio malo de la teletienda intentando vender nostalgia estabais en lo correcto. Fans del terror y de los ochenta, esta SÍ que es vuestra película.


Olvidaos estos nuevos pseudo-productos donde los niños de 15 años tienen más fuerza que Superman y son más listos que Sherlock Holmes hasta arriba de LSD. En la América profunda no viven Los Goonies. Aquí si buscas en La última casa a la izquierda solo encontrarás a LeatherFace y su motosierra.

Afilad vuestros machetes y preparad palomitas para disfrutar a tope con Summer of 84.

Firma: Omar Parra.
@Omar_FTW

Inquilinos review

$
0
0


Una joven pareja se muda a un antiguo barrio tratando de huir de un acontecimiento que les atormenta. Poco a poco Luzma va descubriendo que sus vecinos esconden terribles secretos que se manifiestan a través de fenómenos paranormales. Demián, por otra parte, empieza a creer que Luzma ha perdido la chaveta.


Título original: Inquilinos

Año: 2018

Duración: 88 min.

País: México

Director: Chava Cartas

Guion: Juan Carlos Garzón, Angélica Gudiño

Música: Ximena Sariñana, Dan Zlotnik

Fotografía: Patricio López

Reparto: Danny Perea, Luis Arrieta, Gabriela Roel, Camila Selser, Fernando Ciangherotti, Erick Elias, Dagoberto Gama, Alberto Guerra


Miedos ancestrales vuelven del más allá.

De entre las pocas cosas que en este mundo no podemos elegir está la familia y los vecinos. De la primera no tienes escapatoria posible. De la segunda podrías tenerla pero al precio que se ha puesto la vivienda, sobre todo en las grandes ciudades, mejor que no te muevas mucho. Y es que para esto hay que tener suerte.

Chava Cartas podría haber elegido contar esta historia en plan de comedia desenfadada, tipo las que últimamente se han puesto de moda en televisión, pero a nuestro entender ha acertado al optar por un relato serio, quizá demasiado, cosa que casi sin quererlo nos acerca al más puro terror. Esto se lo tenemos que agradecer. Tampoco penséis que los sustos están presentes en casi cada plano, van apareciendo a cuentagotas lo que provoca que nuestra insana curiosidad, vaya aumentando conforme avanza la cinta.


Una joven pareja se muda a un antiguo barrio tratando de huir de un acontecimiento que les atormenta. Poco a poco Luzma va descubriendo que sus vecinos esconden terribles secretos que se manifiestan a través de fenómenos paranormales. Demián, por otra parte, empieza a creer que Luzma ha perdido la chaveta.

El viejo, y muchas veces llevado a la gran pantalla, tema de la santería hace su aparición en esta cinta. No es algo que se haya prodigado mucho últimamente, aunque me viene a la memoria en este momento Perdita Durango (Álex de la Iglesia. 1997). Dar cierto toque de humor a este tipo de cintas las hace más llevaderas, sobre todo a los que no somos muy entendidos y seguidores de las mismas. Este quizá sea uno de los defectos de Inquilinos, la nula aparición de una mera sonrisa y la excesiva seriedad con que está plasmada la trama. De todas maneras estamos ante un film de muy bella factura y con un buen ritmo que se apoya en un excelente guion, obra de Juan Carlos Garzón y Angélica Gudiño que nos proporciona alguna que otra vuelta de tuerca. Su justa duración y ese ir al grano, hace que se nos pase en un suspiro dejándonos un agradable sabor de boca, que no es poco.


Uno de sus grandes aciertos está en la elección de los actores. Una magnifica Danny Perea (Luzma) lleva todo el peso del film, dando una imagen entre dulce y a la vez determinada que tiene que lidiar con un pasado que le atormenta y un presente no demasiado halagüeño. La secunda Luis Arrieta (Demián), Fernando Ciangherotti, Camila Selser y una gran Gabriela Roel.

Una buena película que hará que os lo paséis bien desde el primer al último minuto. Si no sois muy amantes de los Orishas poco importa, por su acertado ritmo y su excelente puesta en escena vale la pena verla.

Firma: Josep M. Luzán.
@Josep_Luzan

Mandy review

$
0
0


Red y Mandy viven apartados de la civilización, su amor es único y verdadero. Viviendo en mitad de la nada, rodeados del frondoso bosque como vecino, una noche reciben una inesperada visita. Son Asaltados por una secta que acaba arrebatando la vida de Mandy delante de un desesperado Red, que solo puede observar la horrible situación. La única motivación en la vida de Red es encontrar a los asesinos del amor de su vida y liquidarlos sin compasión.


Título original: Mandy

Año: 2018

Duración: 121 min.

País: Estados Unidos

Director:  Panos Cosmatos

Guion:  Panos Cosmatos, Aaron Stewart-Ahn

Música: Jóhann Jóhannsson

Fotografía: Benjamin Loeb

Reparto:  Nicolas Cage, Andrea Riseborough, Linus Roache, Bill Duke, Richard Brake, Olwen Fouéré


El mayor espectáculo gore del año.

Después de haber visto Beyond the Black Rainbow, la ópera prima del director Panos Cosmatos sabes que su cine no es para nada convencional. Así que con esta premisa bajo el brazo y con el plus de poder ver a un Nicolas Cage desatado como viene siendo la costumbre nos adentramos en Mandy. Dos horas más tarde salimos de la sala con las manos rojas de aplaudir, esta película cumple y va más allá de todas las expectativas que puedas tener.

Lo que puso al director italo-canadiense en boca de todo el mundo hace unos años fue la extraña y a su vez atrayente Beyond the Black Rainbow, que estaba cargada de referencias al cine de género, un poco de Argento, una pizca de Carpenter y sobretodo mucha cosecha propia. Cosmatos supo marcar la diferencia con un film con sello propio y aunque su ópera prima pecaba de tener un guión algo confuso y un ritmo algo pesado, se abrió hueco dentro del corazón de los amantes del género.


Red y Mandy viven apartados de la civilización, su amor es único y verdadero. Viviendo en mitad de la nada, rodeados del frondoso bosque como vecino, una noche reciben una inesperada visita. Son Asaltados por una secta que acaba arrebatando la vida de Mandy delante de un desesperado Red, que solo puede observar la horrible situación. La única motivación en la vida de Red es encontrar a los asesinos del amor de su vida y liquidarlos sin compasión.

Parece que Panos Cosmatos ha aprendido de sus errores pasados y con Mandy corrige los defectos antes mencionados en su anterior cinta. Eso sí, sin perder su toque onírico casi salido de la mente de un Cenobita. Por otra parte, la primera parte sigue pecando de tener un ritmo algo pesado, pero esto se corrige hacia mitad de la película donde el director decide poner el turbo y no afloja el acelerador hasta el final.

En cuanto a las actuaciones, tenemos a un Nicolas Cage extraordinario, estamos acostumbrados a que en cualquier film donde aparece tenga su “momento Cage” pero es que en Mandy este momento está elevado a su máxima potencia. Cualquier fan del actor californiano disfrutará de su apabullante actuación. Destacar también el intenso papel de Andrea Riseborough como Mandy, la cual desprende un halo único. Tan solo con su mirada hipnotiza tanto a Cage, como al propio público.


Pero no olvidemos que es una cinta de terror, y como ya hemos dicho, sus momentos oníricos son como viajar al universo Cenobita y ver cómo todos ellos violan tu mente repetidamente. Pero aquí no acaba, el segundo acto del film, es seguir a Red como si de Dante en busca de Beatriz en La divina comedia se tratase. Todo ello bajo una ambientación entre el mismo infierno y un videojuego de terror sobrecargado de gore y anfetaminas.

No esperéis algo de terror al uso, porque saldréis decepcionados cuanto menos. Mandy es toda una experiencia que hay que vivir una vez en la vida como mínimo. Un viaje narrado por Panos Cosmatos y como copiloto a Nicolas Cage de ida y vuelta al mismo infierno.

Firma: Omar Parra.
@Omar_FTW

The Ranger review

$
0
0

Un grupo de punks adolescentes se dedican a realizar lo mejor que saben hacer, meterse en líos. Después de un desafortunado incidente huyen al bosque en busca de refugio ya que la policía les pisa los talones. Lo que no esperaban encontrar en ese denso bosque es otro tipo de justiciero, menos permisivo y mucho, pero que mucho más directo.

Título original: The Ranger

Año: 2018

Duración: 77 min.

País: Estados Unidos

Director: Jenn Wexler

Guion: Jenn Wexler, Giaco Furino

Música: Andrew Gordon Macpherson

Fotografía: James Siewert

Reparto: Chloe Levine, Jeremy Holm, Granit Lahu, Bubba Weiler, Larry Fessenden


Una gamberrada punk-rock cargada de gore.

Bienvenidos a The Ranger, una película que promete ciertas cosas y las cumple todas ellas a la perfección. No estamos ante un film de arte y ensayo, esto es un puro divertimento, sin muchas pretensiones, pero como hemos dicho, cumple con lo prometido. Preparaos para pasar los próximos 77 minutos aplaudiendo cada muerte a cuál más salvaje y desactivar la neurona de las películas sesudas, aquí no está permitida.


Un grupo de punks adolescentes se dedican a realizar lo mejor que saben hacer, meterse en líos. Después de un desafortunado incidente huyen al bosque en busca de refugio ya que la policía les pisa los talones. Lo que no esperaban encontrar en ese denso bosque es otro tipo de justiciero, menos permisivo y mucho, pero que mucho más directo.

Estamos ante el primer largometraje para la directora Jenn Wexler, aunque no es para nada ajena al terror. Pues podemos destacar su implicación como productora en títulos como Darling, Psychopaths o Most Beautiful Island. Esto queda reflejado en el buen hacer a la hora de dirigir The Ranger, pues goza de un ritmo envidiable y a pesar de estar cargada de homenajes al cine de género lanzado en videoclub, no queda en un simple corta pega de guiños, pues esta cinta tiene su propia esencia y no huele a refrito barato.

Además del buen trabajo de su directora, creo que hay que nombrar otro nombre propio que ayuda a reforzar toda la mitología de la cinta, pues Andrew Gordon Macpherson, encargado de componer la banda sonora, hace un trabajo excelente, transportándote directamente a los 80 o principios de los 90 a ritmo del mejor punk-rock.

Realmente estamos ante una película con bastantes defectos, tanto a nivel argumental como a nivel narrativo, incluso tampoco es que goce de grandes interpretaciones, lo que si goza es de un gran divertimento. Perfecta para disfrutar de una noche en compañía de amigos o en un maratón en cualquier festival del mundo. Todo un homenaje a una época y una manera de hacer cine que por desgracia casi esta extinta hoy en día.


The Ranger a grandes rasgos recuerda a un Green Room (Jeremy Saulnier) al estilo videoclub de los ochenta. Deberían sacar una edición de esta película con un pack de latas de cerveza y obligada visión rodeado de amigos para pasar una tarde de lo más punk. Dada su estética, ritmo y condición, posiblemente estamos ante una de las cintas que más veremos este 2018 en el circuito de festivales de género.

Firma: Omar Parra.
@Omar_FTW

Estreno online de 'iMedium', Mejor Corto Fantasia 2017

$
0
0

¿Y si existiese una aplicación móvil que conectase con los muertos? Se estena “iMedium” el cortometraje que ha cautivado el circuito de festivales del género en todo el mundo y que ganó el Best International Short Award 2017 del Fantasia International Film Festival.

Cuenta la asfixiante historia de Luz, una madre que desesperada tras la desaparición de su hija, después de mucho tiempo, decide probar iMedium para encontrar pistas sobre su paradero. Una app que asegura conectar con tus seres queridos más allá de la vida.

El corto recibido por la crítica internacional como “Un estilo desorientadorque cambia entre una cámara de smartphones y una fuerza indefinida” según Indiwire. Fue la sensación internacional de 2017. iMedium empezó su andadura en salas tan dispares como el PIFFF de París, el Tenebra Film Fest de México, A Night of Horror de Australia y el Fear Fest de Miami o el Sacramento Horror de EEUU dónde cosechó múltiples premios. Casi todos coinciden en lo mismo: la inquietante atmosfera de este thriller de terror y ciencia ficción que es la nueva apuesta rodada con smartphone de la productora Geofilms Entertainment (Alfonso García, Madrid 1974/ VincentBlonde, Tarragona 1975) ya que sitúa al espectador en un agobiante presente tecnológico dónde el móvil se convierte de nuevo en el auténtico motor de sus historias.

Hasta ahora los proyectos del director Alfonso García y el guionista Vincent Blonde han apostado por historias dónde la narrativa y la técnica dependen totalmente de un teléfono móvil. Y esta etiqueta, dónde se siente cómodos, les ha valido en los años que llevan haciendo cortos, que su arte y estilo sea totalmente reconocible por los fans del género.

Los productores de Geofilms aseguran beber, en este camino de horror y tecnología hasta iMedium, de los clásicos como “Cuentos Asombrosos”, “Alfred Hichtcock presenta” o The Twilight Zone, series que les ha ayudado a lograr este ambiente de suspense y continuos giros hacia el terror del universo Geofilms. Una destacable trayectoria emergente que empezó hace un lustro en el Festival Fantástico de Sitges con los premiados cortos: “Sector Zero 4” (2014) Mejor corto en Phonestatic, y “La boca del León”(2013) Mención especial en el Phonestastic de Sitges, que ha continuado con el reconocimiento internacional de su corto “The Cloud”(2015), y que ahora suma y sigue con iMedium (2016) el mejor corto internacional 2017 del prestigioso Fantasia Internacional Film Festival de Montreal.

SOBRE LA CAMPAÑA IMEDIUM

La original campaña de promoción del corto les animó a abrir un portal sobre la aplicación fake en Facebook: Visita Facebook.com/impediumapp

Se decidió parar el experimento después de recibir a los pocos días decenas de mails de gente que quería contactar con sus seres queridos. ”Nos mandaban documentos de identidad de fallecidos e insistían cuándo podrían encontrar la app en Google Play entre otras extravagancias” comentan ambos.


Child's Play review

$
0
0

El pequeño Andy Barclay, recibe por su cumpleaños un regalo muy especial, un muñeco ‘Good Guy’, un precioso muñeco pelirrojo de ojos azules cuya diferencia con los muñecos convencionales es que este, interactúa con el niño. Lo que Andy y su madre desconocen es que este muñeco en particular guarda un secreto en su interior y no es tan inocente como parece...

Título original: Child's Play

Año: 1988

Duración: 87 min.

País: USA

Director: Tom Holland

Guion: Don Mancini, John Lafia, Tom Holland

Música: Joe Renzetti

Fotografía: Bill Butler

Reparto: Catherine Hicks, Chris Sarandon, Alex Vincent, Brad Dourif, Dinah Manoff, Tommy Swerdlow, Jack Colvin


¿Quieres jugar conmigo?

Child’s Play (1988) estrenada en España con el título spoiler de Chucky el muñeco diabólico, película que en su momento fue muy controvertida y que motivó incluso movilizaciones el día de su estreno en EEUU por incitar a una supuesta violencia y que se ha convertido con el tiempo en una película de culto para los aficionados al género. Quién no ha pensado alguna vez cuando era pequeño, ¿y si mis juguetes cobraran vida? Pues esta es la premisa que subyace en la película que nos ocupa.

El pequeño Andy Barclay, recibe por su cumpleaños un regalo muy especial, un muñeco ‘Good Guy’, un precioso muñeco pelirrojo de ojos azules cuya diferencia con los muñecos convencionales es que este, interactúa con el niño. Lo que Andy y su madre desconocen es que este muñeco en particular guarda un secreto en su interior y no es tan inocente como parece...


Tom Holland, dirige la primera película de la prolífica franquicia con el muñeco Chucky como protagonista, Holland llega a Child’s Play después del taquillazo Fright Night, y realiza una dirección muy creativa, ya que consigue que creamos que el muñeco realmente cobra vida cuando en realidad nunca lo vemos en plano completo, excepto en los momentos en los que se utiliza una persona para hacer de Chucky (el actor Ed Gale quien no aparece en los créditos).
Según Holland, el muñeco creado con animatronic no funcionaba el 90% del tiempo por lo que tuvieron que recurrir a recursos imaginativos para generar la sensación de que Chucky estaba “vivo”. Todo esto lo consigue jugando con los primeros planos, planos cortos del muñeco animatrónico y planos subjetivos creados con una steadycam manejada por una persona de corta estatura “que se movía hacia cualquiera con un grado de estabilización adecuado” y que nos muestra el mundo desde el punto de vista de Chucky.

La base del guion y el alma de la película corre a cargo de un jovencísimo Don Mancini (tenía 25 años), junto con el propio Tom Holland y John Lafia (quienes según Mancini, modificaron casi el 50% del guion). Destacar que el guion original, en palabras de Mancini, quería ser una sátira sobre el consumismo salvaje que se promovió durante los años 80 y en cómo éste afectaba a los niños. Mancini, se declara un gran fan del género y reconoce inspirarse en películas o capítulos con muñecos en la trama como Dead Night (1945), Twilight Zone (1959-1964) y Trilogy of Terror (1975) pero según sus propias palabras no se había tratado como un auténtico personaje de carne y hueso, y como esto sucede después del estreno de Gremlins ya existían los animatronics y se podían conseguir expresiones que hasta la fecha no habían sido posibles ya que los muñecos sólo tenían movimientos muy rígidos por lo que no podían soportar mucha cuota de pantalla.
Mancini, escribió el primer borrador en junio de 1985, cuyo título original era Batteries not included y cambiaron el título a Blood Buddy porque Spielberg produjo una película con el mismo título. En el guion original Andy era también pelirrojo y inicialmente esto jugaba con el equívoco, el tema de la posesión también fue añadido posteriormente, inicialmente el muñeco Buddy era una manifestación del subconsciente de Andy (en plan Monkey Shines de Romero). Alguien tomó la decisión de cambiar el título y de dejar el concepto un poco más blanco, casi la mitad de los diálogos fueron cambiados.
Mancini, sorprendentemente no estuvo en el set durante el rodaje de la película por una huelga de guionistas aunque parece que hubo bastantes discrepancias con el guion y que el hecho de que fuera un advenedizo no fue muy apreciado por sus compañeros y esto es palpable si leéis alguna de las múltiples entrevistas que se les han realizado al largo de los años tanto a Mancini como a Holland como al resto del equipo.
Destacar al maestro de los efectos especiales Kevin Yagher quien fue el encargado de crear y dar vida al muñeco animatrónico de Chucky siguiendo el diseño del productor David Kirschner. Yagher trabajó junto con su equipo durante meses para conseguir el efecto deseado. La cara de Chucky muestra todo tipo de emociones, principalmente ira, y los labios se mueven en perfecta sincronía con los diálogos. Lo que da una credibilidad al muñeco que nunca antes se había podido conseguir.

La banda sonora corre a cargo del ganador de un oscar Joe Renzetti, colaborador habitual de Gary Sherman, y que probablemente recordaréis por Dead and Buried y Poltergeist III entre otras. En este caso, crea una banda sonora a base de sintetizador y sonidos metálicos (recordad que estamos en los 80), que gira entorno a una especie de nana que se va volviendo cada vez más oscura a medida que avanza la trama y que genera una atmósfera opresiva, en palabras del propio Renzetti lo más importante de sus bandas sonoras es que aterren al público.


A nivel interpretativo, destacar al trío protagonista Catherine Hicks, Peggy Sue Got Married (1986) , Star Trek IV: The Voyage Home (1986) quien interpreta a la madre de Andy, joven viuda, trabajadora incansable, madre coraje que hará lo que sea por defender  su hijo del mal que le acecha sin dudar en poner en peligro su propia vida y cabe destacar que está perfecta en este rol, la acompaña el siempre efectivo Chris Sarandon, Fright Night (1985), Princess Bride (1987) quien interpreta al incansable detective Mick Norris, que ayudará a la madre en su cruzada por salvar a su hijo, Alex Vincent, interpreta a Andy, el “mejor amigo” de Chucky, en el caso de papeles interpretados por niños estos tienden a ser poco creíbles y, bien sobreactuados o muy empalagosos llegando incluso a resultar repelentes, no es este el caso de  Alex Vincent, quien consigue (pese a su corta edad, tenía 6 años cuando rodó la película) con su interpretación, extremadamente veraz que creamos que realmente el muñeco le habla y que interpreta una de las escenas más potentes de la película. No cabe duda que las interpretaciones de los actores en este tipo de películas son capitales para que las mismas funcionen y en este caso la química entre ellos es excelente.
Destacar finalmente a el alma de Chucky, esto es el actor Brad Dourif, quien le pone su peculiar voz y quien dota al muñeco de una personalidad tan malvada como gamberra, consiguiendo que en muchos casos incluso lleguemos a empatizar con el muñeco.

En resumen y como conclusión, otro de los clásicos de culto de los ‘80 que no pueden faltar en la lista de películas que no os podéis perder. Aunque inicialmente parezca la típica película con muñeco incorporado, la diferencia con las películas que son sus precedentes es que, los muñecos ya tenían un aura maléfica que anticipaba problemas. En el caso de Chucky, la magia consiste en que Chucky tiene una cara angelical y pecosa con una encantadora sonrisa y unos preciosos ojos azules, lo que no predispone en ningún momento en pensar que estamos ante uno de los muñecos más bastardos y con más mala leche de la historia del cine. Preparad las palomitas, diversión garantizada.

Curiosidades

Tom Holland empezó como director al mando de anuncios de bajo presupuesto para Hasbro en los años 70.

Cuando Mancini escribía el guion se inspiró en My Buddy (una marca de juguetes fabricada por Hasbro en 1985 con la intención de hacer una muñeca para atraer a los niños pequeños y enseñarles como tratar a sus amigos). El pelo pelirrojo por las connotaciones con Howdy Doody y por que en todos los cuentos de hadas los personajes pelirrojos suelen ser malvados.

Los ojos de Chucky fueron reutilizados por el técnico de efectos especiales Kevin Yagher para construir el muñeco del Guardián de la Cripta en Tales from the Crypt.

Había una docena de marionetistas que movían a Chucky y que se encontraban bajo el set, se dividió el muñeco en partes y uno se encargaba de la boca, otro de las piernas, etc. Todos ellos tenían monitores para poder ver lo que el muñeco hacía en tiempo real.

Para elegir la voz de Chucky se hizo un casting de muchos actores, en un intento de decidir si debería sonar dulce y divertido, o amenazador y duro, finalmente se decidieron por Brad Dourif.

En el guion original de Don Mancini, Andy iba a hacer un pacto de sangre con el muñeco, y este atacaría a las personas que Andy sentía que le habían hecho daño. Su niñera, su dentista y su madre soltera adicta al trabajo fueron algunos de los objetivos originales de la ira de Andy.

Originalmente, no se suponía que fuera la reencarnación de Charles Lee Ray.

Charles Lee Ray se deriva de los nombres de tres asesinos. Charles Manson, Lee Harvey Oswald y James Earl Ray juntos crearon la pesadilla humana.

La idea original de la trama era tener muñecos de Good Guy realistas con piel de látex y sangre. Si los niños rasgaran la piel de látex, podrían salir y comprar vendas oficiales de Good Guy. En un pacto de hermanos de sangre, Andy se corta la mano y mezcla su sangre con la de Chucky, lo que hizo que cobrara vida y se convirtiera en humano.

No se usó CGI en la película. Chucky se hizo con animatronics y personas reales. Incluso se hizo una escena con la hermana pequeña de Alex Vincent (Andy) vestida como Chucky.

La película se estrenó en la misma fecha (9 de noviembre de 1988) que la escena inicial, cuando Charles Lee Ray transfiere su alma al muñeco.

Firma: Marta P.
@MartaPraOc

St. Agatha review

$
0
0

Estados Unidos. 1954. La joven Mary está embarazada y, al carecer de recursos, ingresa en un convento “especializado” en jovencitas descarriadas. La rutina del lugar, liderado con mano dura por la Madre Superiora, es agobiante y pronto Mary se ve en la tesitura de escapar o enfrentarse a muerte con la madre superiora…

Título original: St. Agatha

Año: 2018

Duración: 90 min.

País: USA

Director: Darren Lynn Bousman

Guion: Andy Demetrio, Shaun Fletcher, Sarah Sometti Michaels, Clint Sears

Música: Mark Sayfritz

Fotografía: Joseph White

Reparto: Sabrina Kern, Carolyn Hennesy, Courtney Halverson, Seth Michaels, Trin Miller, Lindsay Seim, Shaun Fletcher, Maximus Murrah, Hannah Fierman, Wanda Morganstern, Candy Rachor, John Archer Lundgren, Myles Cranford


El infierno de la crueldad religiosa.

Es un sujeto curioso Darren Lynn Bousman. En su carrera encontramos gran parte de la franquicia Saw, con las partes II, III y IV, puro cine comercial que alterna con proyectos más personales como la soporífera 11/11/11 o ese experimento audiovisual llamado Repo The Genetic Opera que tantas pasiones y odios despertó a su paso.


Estados Unidos. 1954. La joven Mary está embarazada y, al carecer de recursos, ingresa en un convento “especializado” en jovencitas descarriadas. La rutina del lugar, liderado con mano dura por la Madre Superiora, es agobiante y pronto Mary se ve en la tesitura de escapar o enfrentarse a muerte con la madre superiora…

St. Agatha podría enclavarse en el cine más personal de Darren Lynn Bousman, esto se nota en el cuidado que pone en las labores de dirección para este Exploit del cine carcelario femenino donde las pobres reclusas eran maltratadas y humilladas por las carceleras; el cambio de uniformes y porra a sotana y biblia le sienta bien a St. Agatha ya que no hay nada más siniestro que una casa vieja y una mujer vestida completamente de negro avanzando implacable pasillo adelante.

La principal baza del trabajo de Bousman es el género en el que se enclava: lo que al principio suena a una mezcla bizarra entre Martyrs de Pascal Laugier, Suspiria de Dario Argento o Rosemary’s Baby de Roman Polanski, pronto deriva al más puro Thriller con toques de Survival ya que tanto el director como sus guionistas Andy Demetrio, Shaun Fletcher, Sarah Sometti Michaels y Clint Sears se las ingenian para convertir la casa aislada en un (pequeño) infierno, donde la asfixiante atmosfera de lugar es sacudida por unos estallidos de violencia y crueldad que incomodan al espectador porque duelen, duelen mucho. Lo que menos funciona en esta cinta son los flashbacks, que ayudan al espectador a conocer mejor a Mary y las razones que le han llevado allí, cuyo ritmo y realización parecen desvaídos, sin fuerza, en contraposición con la historia principal.

Hay muchos referentes en la cinta que el espectador avispado podrá encontrar, y esta es la mayor flaqueza de St Agatha: la falta de autoría, de una firma personal que haga al espectador olvidarse de esos elementos que ya hemos visto anteriormente; para mí, la principal referencia es La Residencia de Chicho Ibáñez Serrador debido a los interiores y al retrato que se hace de Mary y la Madre Superiora, enemigas a muerte, sobre todo porque este último personaje recuerda mucho a esa Madame Fourneau interpretada por Lilli Palmer. El nivel actoral es cuidado, destacando Sabrina Kern como la pobre Mary y Carolyn Hennesy que disfruta en la piel de la terrible Madre Superiora, todo un compendio de maldad. El casting es principalmente femenino ya que, sinceramente, esto es una lucha entre dos mujeres fuertes y los hombres, en comparación, son los personajes débiles, meras sombras sin apenas diálogos.


Atención al trabajo del compositor Mark Sayfritz que tampoco oculta las referencias fílmicas, ya que el espectador podrá reconocer ecos de las bandas sonoras de Rosemary’s Baby y Suspiria.

¿Quieres sufrir con las vejaciones que las monjas malditas infligen a las pobres chicas? St. Agatha es tu película, ¿Miras a otro lado cuando algo te incomoda? Mejor pasa de largo porque los castigos físicos son más que gráficos y escuecen.

 Firma: Javier S. Donate.

Snowflake review

$
0
0

A dos delincuentes les llega a las manos un manuscrito escrito por un dentista que trata sobre lo que les está pasando en ese momento en tiempo real, estupefactos por el milagro intentarán utilizarlo en su beneficio. Al mismo tiempo el hijo de Dios y una mujer a la que los delincuentes asesinaron a sus padres buscarán venganza incansablemente.

Título original: Schneeflöckchen

Año: 2017

Duración: 120 min.

País: Alemania

Director: Adolfo J. Kolmerer, William James

Guion: Arend Remmers

Música: Román Fleischer

Fotografía: Konstantin Freyer

Reparto: Reza Brojerdi, Erkan Acar, Xenia Assenza, David Masterson, Alexander Schubert, Adrian Topol, Gedeon Burkhard, Eskindir Tesfay


Un cuento que pretende ser muchas cosas y acaba en nada.

Nos encontramos con una película bastante particular a lo que el argumento se refiere. Sus inspiraciones son más que evidentes, tiene algo de Tarantino, de los hermanos Coen, de Quentin Dupieux, de Guy Ritchie, de Jaco Van Dormael y de Neil Gaiman entre muchos otros. Importantes nombres a los que se compara pero que queda muy (pero muy) por debajo de todos y cada uno de ellos.


A dos delincuentes les llega a las manos un manuscrito escrito por un dentista que trata sobre lo que les está pasando en ese momento en tiempo real, estupefactos por el milagro intentarán utilizarlo en su beneficio. Al mismo tiempo el hijo de Dios y una mujer a la que los delincuentes asesinaron a sus padres buscarán venganza incansablemente.

Interesante premisa ¿verdad? Pero todo se desmorona cuando el caos argumental empieza a manifestarse, allá por el minuto 3, y el espectador contempla atónito el sinsentido constante que hay en pantalla. La película pretende ser socarrona, violenta y macarra, y en ocasiones lo consigue pero el ambiente de “postureo” hace que todo quede falso. Los saltos temporales entre universos reales y alternativos no ayudan a disfrutar de la película, cuando se hace bien puede levantar una producción perdida, ahí tenemos a Triangle o Predestination, pero no es el caso. Aun así la cinta tiene sus aciertos, la historia de la chica y el hijo de Dios, pese a que también tiene profundos altibajos, cuando se alinean las estrellas consiguen, por unos minutos, escenas notablemente entretenidas. Pero son momentos contados.


Debutan en la dirección Adolfo J. Kolmemer y William James, muestras claras del nervio de la nueva hornada de directores, con una edición más propia de un videoclip que de un largometraje, aun así el problema no es la cámara, ni la fotografía, el principal escollo es un guion que no sabe a dónde va y qué quiere contar y eso, en mi opinión, es más importante que todo lo demás, empezando por lo estético. Película coral que protagonizan Reza Brojerdi, Erkan Acar y Xenia Assenza con un buen trabajo interpretativo pero malos personajes, en el caso de Reza y Erkan su papel excesivamente payaso no acaba de encajar en la historia, en cambio Xenia sí que le toca uno un poco más sólido.

Película curiosa y con potencial que se diluye constantemente en una incoherencia tras otra. Sus referencias quedan claras, están algunas de ellas en el primer párrafo, si son de tu gusto el proyecto te tiene que interesar pero, desgraciadamente, no termina de atinar.

Firma: Oriol Hernández.

Entrevista a Don Mancini creador de Chucky

$
0
0

George Donald "Don" Mancini (25 de enero de 1963) es un guionista, productor y director de cine estadounidense. Es más conocido por crear el personaje de Chucky y escribir todas las películas de la franquicia. También fue el productor ejecutivo de La Novia de Chucky y dirigió las últimas entregas de la serie. En 2007 ganó el premio Eyegore para las contribuciones de carrera en el género de terror. A veces se conoce con el seudónimo de Kit de Du Bois (también escrito Kit de Dubois). Asistió al colegio St. Christopher's School de Richmond (Virginia).


Que cambios sufrió el guion de la primera película.

Tuvo bastantes cambios sobretodo en la creación del muñeco. Mi idea cuando escribí el guion es que no estuviera claro que el muñeco fuera el asesino o que lo fuera el propio Andy, e incluso si fuera el muñeco este se podía mover y matar impulsado por el subconsciente de Andy y de otros niños, por lo que la película sería bastante más psicológica de lo que acabó siendo. No obstante la idea que aportó Tom Holland para que fuera un asesino en serie que poseyera el cuerpo del muñeco no era mala y facilitó que se pudieran hacer más películas. Otro cambio que no me agrado demasiado era la escena en la que la madre descubre que el muñeco no tiene pilas, según mi guion esto debía ocurrir bastante más adelante de la película, prácticamente en su final. Pero en general quedé muy contento por cómo quedó la cinta.


¿Tenía claro desde el principio que Chucky iba a ser una saga?

Desde luego que no sabía que llegaría a ser una saga. Yo era muy fan cuando era joven de las tres o cuatro películas que había por ese entonces de Halloween y quería aspirar a hacer algo así, pero nunca llegué a pensar que pudiera suceder. Por como ocurrió todo tuve una idea un poco distorsionada de cómo funcionaba la industria de Hollywood, porque yo tenía un guion, me lo compraron, la película salió muy bien, hicimos una secuela, volvió a salir súper bien y así hasta la tercera que tuvo una recepción un poco peor y ahí pensé que tal vez no fuera esto tan fácil.


¿Cómo se enfrentó a la primera secuela?

Lo que sí que pude hacer con la segunda parte de Child's Play fue utilizar algunas ideas que tenía intentado utilizar en la primera. Cuando estuvimos rodando la primera parte había una huelga de guionistas en la que yo participé y por ello no estuve en buena parte de la producción de la película en la que se encargó más Tom Holland y en el momento de editar el productor David Krishan me invitó a participar más en la película. Por ejemplo, la escena de la fábrica de la segunda parte estaba pensada para que apareciera en la primera y que Tom Holland decidió sacar. También pasó un poco con la sátira que yo quería hacer hacía la publicidad y al marketing que quería explotar mucho más en la primera y que lo recuperé en la segunda. Digamos que la segunda fue una maravillosa oportunidad para hacer de Chucky un poco más mío.

Que nos puedes contar sobre tu relación con Tom Holland, director de la primera cinta.

Antes que nada, tengo que decir que me encatan las películas de Tom, Noche de miedo y El Muñeco Diabólico no podrían haber salido mejor con cualquier otro director, por lo que le doy cierto crédito por ello. Pero por otra parte no me gustan nada lo que va diciendo él sobre la película. Según él es el creador del personaje de Chucky y el principal desarrollador de la película, lo cual es absolutamente falso, la película la reescribimos Tom Holand, John Lafia y yo sobre un libreto que escribí exclusivamente yo, incluyendo el diseño del muñeco por lo que no me parece de recibo sus declaraciones. Admito que Tom hizo algunos cambios en el guion que hicieron que la película mejorara pero eso no quiere decir que fuera el único que hizo algo. Sus últimas declaraciones me hicieron mucho daño cuando escribió por twitter que se alegraba de que la MGM hiciera un remake digno de su película y no las secuelas que hice yo.


Hablando del remake de MGM, ¿que nos puedes contar?

También es un caso un poco raro. Actualmente yo poseo los derechos de las películas existentes y de la serie que estamos preparando para por una carambola legal MGM tiene parte de los derechos de la primera película porque la rodamos con ellos produciéndola, por lo que por ello pueden hacer un remake. Me propusieron ser productor ejecutivo pero rechace la oferta. Personalmente es un tema que me incomoda bastante y que no creo que se estén haciendo bien las cosas. Es como si a mí me ofrecieran dirigir una película de IT en paralelo con la que hace Andy Muschietti, quizás sería legal pero no sería correcto.


Que nos puedes contar de la serie de Chucky que estás preparando.

No puede contar nada por temas legales, ahora mismo estoy escribiendo el guion del episodio piloto y puedo decir que tendrá mucho terror y mucha comedia y que, si bien no el primer episodio, sí que dirigiré varios de la primera temporada.


La idea de hacer que un muñeco diera tanto miedo y que además funcione como figura paterna de un niño despierta unos temores en los adultos más por el subconsciente que no por algo directo ¿cuándo creaste eras consciente de todo esto?

Pues sí, justamente cree al personaje de Andy para ser un chico sin padre, y que Chucky fuera una especie de figura paternal desde el lado oscuro, porque al principio Andy lo quiere mucho pero se va dando cuenta que es algo maligno, fue una cosa que tenía en la cabeza durante todas las películas. En el caso de La Semilla de Chucky es un caso que me recuerda mucho a la relación que yo tenía en ese momento con mi padre. Me parece gratificante que hayas visto esa línea argumental porque era totalmente mi intención.


¿Hay alguna posibilidad de que novelices las películas o historias nuevas en un futuro?

No lo he pensado realmente, pero cuando salió la segunda y tercera parte había una especie de moda de hacer novelizaciones de las películas y de ello se encargó un escritor llamado Matthew Castelo y que incluso añadía sus ideas que cuando yo las leía pensaba “vaya, esto y aquello es bastante interesante” pero hacerlo yo mismo me parece algo intimidante, algo grande como una montaña, pero no descarto hacerlo algún día.


¿Cómo se introduce Fiona Douriff en la saga?

Conocí a Brad Douriff cuando yo estaba en la universidad en 1981 y él daba una clase de interpretación, y Fiona nació en octubre de ese año. Desde entonces yo tuve una amistad muy fuerte con Brad que todavía dura y fui viendo a Fiona crecer desde prácticamente su nacimiento. Años más tarde ella se metió en el mundo de la interpretación, participó en productos de televisión como True Blood e hizo películas con Paul Thomas Anderson. Brad me dijo que era buena y que estaría bien meterla en algún casting y en un principio la llamamos para hacer un pequeño papel pero nos pareció que quedaría mejor en uno más grande como de Nica pero no quisimos decírselo para no asustarla, pero ya había visto muchas actrices y ninguna me convencía hasta que vi a Fiona, sobre todo por su mirada y su capacidad de transmitir dolor emocional con los ojos. Hablé con Brad si le parecía bien y no hubo ningún problema. Y es que es una actriz muy inspiradora y funciona muy bien en la película. Ya cuando escribí el guion de El Culto de Chucky ya escribí el papel expresamente para ella y es que habla y ríe exactamente igual que Chucky en la vida real y no pude evitar explotarlo. Y fíjate que interesante concepto el que la hija sea perseguida por su padre en la vida real.


En la última película recuperamos a Alex Vincent y Christine Elise, ¿veremos viejas caras en próximos proyectos?

Tom Holland trabajó con Alex en Noche de Miedo y de ahí entró en la película. Estoy muy a favor de ir trayendo actores de películas pasadas para que vuelvan a interpretar sus personajes. No sé si volverá a ocurrir pero sí que es un idea que me gusta y que contemplo.


¿Cuál es tu película más redonda?

Creo que mis favoritas son La novia de Chucky y La Maldición de Chucky por el riesgo que supuso una reinvención de la saga y que además funcionó bastante bien. También con La Semilla de Chucky que no funcionó tan bien porque le metimos demasiada comedia. En plano sentimental también prefiero esas dos porque conocí a dos grandes amigas como Jennifer Tilly y Fiona Douriff.


La semilla de Chucky se hizo 14 años atrás y tiene un fuerte componente sexual, ¿crees que podrías volver a rodarla hoy en día?

Creo que sería más fácil rodarla hoy que no en 2004 porque en ese momento la idea fue bastante revolucionaria y Universal, la productora, no estaba segura porque opinaba que la película era demasiado gay, hasta que un par de años después apareció una pequeña división de Universal llamada Focus Pictures que se hizo con el proyecto y la pudimos hacer sin problemas. En este aspecto creo que el mundo está un poco más evolucionado.


¿Cuál es tu película de terror favorita?

Cuando era un crio me encantaba Brian de Palma, me sigue encantando, Dario Argento también, Alfred Hitchcock. Podemos decir que mi película de terror favorita sería Carrie, seguida de Los Pájaros y Psicosis. Películas más recientes quizás Pesadilla en Elm Street.

DARK y Movistar+ animan a los amantes del terror a defender Halloween

$
0
0

Para los amantes del terror su día grande es sin duda Halloween. O al menos así solía ser. Desde hace años, se ha constatado una “ñoñificación” de la fiesta, con disfraces más propios de un carnaval de barrio o una despedida de soltera, centros comerciales incitando a consumir productos supuestamente terroríficos y, cómo no, el creciente ‘postureo’ en las redes sociales (selfies, cupcakes de Halloween, ...).

Ante tal corrupción de la fiesta del miedo, DARK, producido por AMC Networks y el único canal español dedicado totalmente al género del terror, y Movistar+ han decidido reaccionar y hacer un llamamiento a su público: si no podemos mantenerlo auténtico, acabemos con Halloween.
El objetivo es lograr las 500.000 firmas necesarias para elevar la propuesta al Congreso de los Diputados, y no van a escatimar esfuerzos hasta lograrlo.

La web fuckhalloween.org será la plataforma encargada de recoger las firmas de todos los fans del terror que se logre movilizar. A ella dirigirán las publicaciones y piezas publicitarias en redes sociales, las acciones puestas en marcha con influencers o las que se desarrollarán en el propio canal DARK. Todo ello bajo el lema “Acabemos con este Halloween que no nos representa”.

Además, se invita a todos los fans del terror a compartir la campaña a través del hashtag #FuckHalloween. El cénit de la iniciativa para acabar con Halloween será la propia festividad, en la que se redoblaran esfuerzos para captar firmas, y está previsto que siga en circulación más adelante, tanto si se logra el número necesario para elevar la iniciativa al Congreso como si no.

En caso de no conseguir las firmas necesarias para elevar la iniciativa al Congreso de los Diputados, DARK y Movistar+ prometen no cejar en su empeño y volver a intentarlo de nuevo el año que viene.


EXCLUSIVA: 'You're Gonna Die Tonight' de Sergio Morcillo ya está online

$
0
0

Hoy es Halloween, y para celebrarlo os traemos en exclusiva el estreno online de You're Gonna Die Tonight, uno de los últimos trabajos del director madrileño Sergio Morcillo.

Gracias al amor que destila por el slasher y el home invasion propio de los mejores productos de los 80 y 90, este intenso cortometraje ha recorrido ya más de 60 festivales por todo el mundo entre los que se encuentran pesos pesados como el de La semana de terror de San Sebastian o TerrorMolins. También se ha llevado 9 premios entre los que destaca el de Mejor Cartel en el Suspira Fest o Mejor Thriller en el AM Egypt Film Fest.

El cortometraje está apadrinado por el director Miguel Ángel Vivas, director de la impactante Secuestrados. En FX tenemos a INSIDE FX los responsables de la famosa saga de [REC] y que están liderados por David Ambit y producido por Terror Club y por Fonofox, productores de Vampyres.

Entre los protagonistas destacan la famosa actriz  Mónica Aragón y la acompañan actores como Antonio Zancada (Hospital central), Rafa Casette (Tus gritos me dan risa), Francisco Reyes (Frankie & Barrie y Circus), Enrique Corrales (Amar en tiempos revueltos), Verónica Goya (Mi gran noche) y Ismael de las Heras, co-autor de este proyecto.

¿Estáis preparados para morir esta noche?



El Tutor review

$
0
0
Gabriel acaba de separarse y se muda a una gran casa, ahí encuentra una caja con diversos objetos que hacen mención a diferentes crímenes que no pudieron resolverse, Gabriel se obsesionará cada vez más en estos casos.

Título original: El Tutor

Año: 2018

Duración: 76 min.

País: España

Director: Diego Arjona

Guión: Diego Arjona

Música: Raúl Fuentes Miyar

Fotografía: Sofia Rimoldi

Reparto: César Vea, Álex O'Dogherty, Lola Baldrich, Bruno Sevilla, Carolina Bona, Lara de Miguel, Marina Campos, Laura del Rio, Juan Dávila


Película de terror muy justita y nada divertida.

Hacer un largometraje ya de por si es un trabajo titánico, nada quita que cualquier lanzamiento de una película es ya de por si un pequeño milagro independientemente de su calidad. El Tutor tiene algunas buenas ideas pero se queda a medio camino de ofrecer un trabajo óptimo y no logra enganchar a la audiencia con su propuesta de terror.

Gabriel acaba de separarse y se muda a una gran casa, ahí encuentra una caja con diversos objetos que hacen mención a diferentes crímenes que no pudieron resolverse, Gabriel se obsesionará cada vez más en estos casos.

El Tutor es una sucesión de escenas de asesinatos con la historia de Gabriel como punto de conexión como si de una antología se tratara, el problema es que estas escenas son muy flojitas, son totalmente inconexas, las puedes intercambiar, suprimir o añadir a tu voluntad y película ni se inmuta, eso hace que una vez has entendido lo que te pretende contar ya pierde toda gracia, además como escenas independientes no tienen fuerza y casi todas utilizan el mismo patrón que sería trasfondo del personaje – alguien irrumpe en la casa – aparece el asesino, y que nunca se vean escenas del ataque en si no hacen mejorar la experiencia. Para postre la resolución del argumento es algo perezoso al ser evidente en cuanto lees el título de la cinta.

Dirige el popular Diego Arjona que en paralelo a su carrera de cómico y tras haber dirigido algunos cortometrajes se atreve con el largo. La película está muy limitada por su bajo presupuesto y eso se nota en pantalla, pero también se puede achacar cierta falta de ideas en las escenas estilo slasher, un poco más de diferenciación entre escenas hubiera sido más llevadero y salvo alguna excepción, como por ejemplo la historia que interviene un payaso, el resto son una mera sucesión de escenas muy suaves de terror con idéntico final en todas y por cierto, totalmente anticlimáticas. Protagoniza César Vea (El laberinto del fauno, El séptimo día) en el papel de Gabriel, aunque más bien sería el personaje que más aparece pero su historia es la más insípida, casi toda la película se la pasa en silencio mirando el móvil y poco más. Si hubiera que destacar a algún intérprete de un elenco coral sería Bruno Sevilla (Sweet Home) que protagoniza la que sería la historia más interesante.

Poco que rascar en esta película, de corta duración pero que acaba haciéndose larga eso nunca puede ser una buena noticia. Esperemos que en un futuro Diego Arjona vuelva a intentarlo con una película un poco más afinada.

Firma: Oriol Hernández.

Heretiks review

$
0
0

En el siglo XVII, la joven Persephone, acusada de brujería y condenada a muerte por la inquisición, es salvada in extremis por la madre superiora de un convento: a cambio de expiar sus pecados, deberá trabajar en el convento. Al poco de su llegada, Persephone descubrirá que algo oscuro y malvado vive entre los muros.

Título original: Heretiks

Año: 2018

Duración: 81 min.

País: Reino Unido

Director: Paul Hyett

Guion: Paul Hyett, Conal Palmer

Música: Paul E. Francis

Fotografía: Neil Oseman

Reparto: Hannah Artenton, Clare Higgins, Katie Sheridan, Michael Ironside


Reza por no vivir en este convento.

Hay algo innato en las religiones, especialmente en la católica, que mezcla con demasiada alegría redención y condena, el premio y el castigo, alegría y temor; por eso, debido a que profeses o no las creencias estas nos rodean, solemos sentirnos atraídos por cualquier cinta de terror que mezcle género y religión.


El especialista en efectos especiales y maquillaje Paul Hyett dio el campanazo en el 2012 con The Seasoning House, que mezclaba con acierto el género del Rape And Revenge con el Survival más puro y duro; Howl, la segunda cinta, se alejaba de la crueldad para introducirse en los territorios de la licantropía. Con Heretiks, Hyett vuelve a cambiar de tercio, lo que demuestra su inteligencia al evitar encorsetarse, y nos cuenta una historia ambientada en el pasado entre los muros de un siniestro convento.

En el siglo XVII, la joven Persephone, acusada de brujería y condenada a muerte por la inquisición, es salvada in extremis por la madre superiora de un convento: a cambio de expiar sus pecados, deberá trabajar en el convento. Al poco de su llegada, Persephone descubrirá que algo oscuro y malvado vive entre los muros.

Luces y sombras en la tercera película de Paul Hyett, de nuevo repitiendo con el guionista de The Seasoning House, Conal Palmer.

Luces porque siempre es de agradecer una historia que arranca con rapidez y, debido a su corta duración, no se detiene en momento alguno; muy destacable también su escaso número de personajes, ya que uno les identifica con rapidez más allá de vestir hábito o ropa de sirvienta. El tercer elemento a su favor es el decorado que envuelve la historia, ya que Hyett consigue que el espectador sienta la frialdad en sus piedras y pasillos; finalizamos con un primer tercio repleto de interés debido a una serie de preguntas que se hace el espectador.

Pero llegamos al apartado de las sombras: al ser una historia eminentemente femenina, sorprende que la inclusión del personaje masculino, generalmente asociado al punto de no ruptura, tenga tan poco peso en la historia; Persephone, en principio la protagonista absoluta, va perdiendo interés como personaje más allá de las vejaciones principales y hacer descubrir al espectador los hechos sobrenaturales que tienen lugar. Uno esperaba que, como en St Agatha de Darren Lynn Bousman, película con la que tiene bastantes puntos en común, el enfrentamiento de Persephone con la madre superiora fuera importante en la historia y, sin embargo, juega poco ya que las interacciones entre monjas y jovencitas no va más allá de, como en un videojuego retro, pillarlas infringiendo alguna regla y castigarlas en su habitación.


Aun con todo Paul Hyett hace un trabajo que, aunque resulta acomodaticio y poco arriesgado en su carrera como director, entretiene gracias a una historia que se plantea con rapidez, no se detiene en momento alguno y responde todas las preguntas del espectador. Sorprende que el trabajo de maquillaje, área en la que el director está muy reconocido, resulte tan exagerado y poco terrorífico, ocurriendo lo contrario con los pocos efectos especiales de la cinta que funcionan a la perfección. Entre las pocas actrices de la cinta destacan Hannah Arterton, la desdichada Persephone, que aporta su delicado físico en contraposición a Clare Higgins, a quien los aficionados recordaran por su papel de Julia Cotton en Hellraiser y Hellraiser: Hellbound, la auténtica reina de la función gracias a su imponente presencia y la maldad que transmite. Michael Ironside hace un pequeño papel, apenas tres minutos en pantalla, y su presencia parece obedecer más a cuestiones de cebo para los aficionados que actorales.

Que Heretiks sea un paso atrás en la carrera de Paul Hyett no implica que el espectador vaya a aburrirse. Todo lo contrario ya que es una cinta que entretendrá especialmente a las personas ajenas al género, y los ya experimentados disfrutarán su escasa duración y los efectos especiales.

Firma: Javier S. Donate.

Blood Fest review

$
0
0

Dax, Krill, Sam y Ashley acuden al Blood Fest, creado por el productor y director de películas de terror Anthony Walsh. Lo que se promete una fiesta multitudinaria, llena de emociones, se convierte en algo muy peligroso cuando Anthony Walsh muestre sus verdaderas intenciones: rodar la mejor película de terror con todos los asistentes al festival como víctimas.

Título original: Blood Fest

Año: 2018

Duración: 92 min.

País: Estados Unidos

Director: Owen Egerton

Guion: Owen Egerton

Música: Mark Sayfritz

Fotografía: David Blue Garcia

Reparto: Robbie Kay, Chris Doubek, Owen Egerton, Seychelle Gabriel, Zachary Levi


Una muy buena idea con mala resolución.

Desde que Scream llegó a las pantallas, allá por el año 1996, son muchas las cintas que abordan el metalenguaje para sus historias y, exceptuando la Cinta Madre de Wes Craven junto a Kevin Williamson y The Final Girls de Todd Strauss-Schulson por la que tengo debilidad personal, ninguna queda para el recuerdo más allá de su año de estreno. Tal vez sea lo complicado del concepto, intentar resumir las reglas de un género especifico, darles la vuelta y hacer que la historia sea interesante, comprensible y, sobre todo, tener personajes a los que el espectador pueda agarrarse.


Blood Fest, escrita y dirigida por Owen Egerton parte de una muy buena idea: ¿Y si existiera un parque temático del terror donde cada zona estaría dominada por un género en particular como los zombis, psicópatas, vampiros, etc…?

Dax, Krill, Sam y Ashley acuden al Blood Fest, creado por el productor y director de películas de terror Anthony Walsh. Lo que se promete una fiesta multitudinaria, llena de emociones, se convierte en algo muy peligroso cuando Anthony Walsh muestre sus verdaderas intenciones: rodar la mejor película de terror con todos los asistentes al festival como víctimas.

Leyendo la sinopsis, Blood Fest podría ser el equivalente en terror a Jurassic Park o WestWorld, cuando un parque de atracciones se convierte en amenaza; los “jugadores” deben manejar las reglas de los distintos subgéneros de terror para sobrevivir en las diversas áreas. De nuevo, esto nos lleva a Scream ya que pocas reglas se aplican: ser virgen, no subir las escaleras y el que se separe morirá por poner varios ejemplos. Egerton arranca con fuerza su historia, aparte del prólogo bastante previsible, en una avalancha de muertes y sangre más, lamentablemente, pronto cae en todos los tópicos, sobre todo lo relacionado con el director megalómano interpretado por el propio Owen Egerton. Al no hacer avanzar la historia más allá de uno o dos aciertos, todo se reduce a ver cuál es la siguiente área del parque mientras disminuye el número de protagonistas. El espectador avispado pronto descubrirá el giro final de guion.

Hay elementos interesantes, como lo que tiene que ver con los zombis y sus ataques, el protagonista de cintas de terror asqueado de un papel que acabó con su carrera o la mezcla de géneros al enfrentar habitantes de un área con otra… Pero la historia central se bifurca demasiado, al repartirse entre los jóvenes protagonistas y la sala central del alocado Anthony Walsh, y pronto la sorpresa inicial se transforma en ver dónde va la historia y descubrir los pocos guiños que el director hace a varios clásicos del género. Aunque hay algún efecto gore que funciona, el exceso de sangre digital y CGI acaba por hacer que las muertes no afecten al espectador y, con ello, se pierde la implicación de este.


El nivel técnico e interpretativo es, como suele ocurrir muchas de estas cintas, correcto sin más. Cumplen los jóvenes actores Robbie Kay y Seychelle Gabriel, Owen Egerton parece haber tomado como ejemplo interpretativo a Johnny Deep en Charlie And The Chocolate Factory ya que resulta histriónico en cada plano que aparece, mientras Chris Doubek no convence como actor venido a menos; Zachary Levi hace un cameo interpretándose a sí mismo y no podemos decir que sea el culmen de su carrera actoral.

Blood Fest es una hora y media que se pasa rápido a pesar de una historia que va de más a menos; si tienes curiosidad por ver lo que podría haber sido una buena cinta metalingüística, acércate sin miedo.

Firma: Javier S. Donate.

El Ángel review

$
0
0

Carlitos es un joven con la arrogancia de una estrella de cine, rizos rubios y cara de no haber roto un plato. Cuando conoce a Ramón en su nueva escuela, se siente atraído por él y empieza a llamar su atención. Juntos se embarcan en un viaje de descubrimientos, amor y crimen. Matar es solo una consecuencia aleatoria de la violencia, que continúa aumentando hasta que Carlitos finalmente es detenido.

Título original: El Ángel

Año: 2018

Duración: 118 min.

País: Argentina

Director: Luis Ortega

Guion: Sergio Olguín, Luis Ortega, Rodolfo Palacios

Fotografía: Julián Apezteguia

Reparto: Lorenzo Ferro, Chino Darín, Daniel Fanego, Mercedes Morán, Cecilia Roth, Peter Lanzani


Certero retrato de un serial killer.

El mote “angelito” le viene que ni pintado a este film firmado por Luis Ortega. Quizás lo más terrible de todo es que la historia esté basada en un hecho real, cosa que, visto lo visto harán que se nos ericen los pelos más escondidos de nuestro cuerpo.


La película trata sobre el hecho real de las andanzas de Carlos Robledo Puch, un asesino, violador, secuestrador y ladrón, condenado a 46 años de prisión y que cometió la mayoría de sus crímenes violentos durante un año sabático a la tierna edad de 19 años. Hay que tener en cuenta que los detalles más espeluznantes han sido desechados en este retrato de un asesino en serie bien parecido y elegante, en una época en la que la criminalidad estaba asociada con la degeneración física. Carlitos, su nombre de guerra, parece que está en un juego para jóvenes de su edad.

Carlitos es un joven con la arrogancia de una estrella de cine, rizos rubios y cara de no haber roto un plato. Cuando conoce a Ramón en su nueva escuela, se siente atraído por él y empieza a llamar su atención. Juntos se embarcan en un viaje de descubrimientos, amor y crimen. Matar es solo una consecuencia aleatoria de la violencia, que continúa aumentando hasta que Carlitos finalmente es detenido.

Luís Ortega muestra, en este film, más interés en el cómo que en el por qué. Explora las escenas de violencia de la típica comedia negra, lo que hace que los estropicios efectuados por Carlitos sean en gran medida irrelevantes, ayudando la carita angelical del protagonista. Tenemos que destacar de manera especial unos excelentes diálogos llenos de mala leche y un humor algo ácido. Nos encontramos, por lo tanto, ante un guion que raya a gran altura. Ignoramos la dificultad, o no, de escribir un screenplay en el cual poco nos queda a la imaginación. Si un caso la recreación de los crímenes perpetrados por una mente perversa que opta de pleno a la elite de los serial killers. Que tenga carita de ángel es lo de menos, sobretodo que se lo digan a las once víctimas que se pasó por la piedra.

Destacar que el film se centra únicamente en once meses de la vida de Carlitos, el asesino múltiple más famoso de la historia criminal argentina. “El ángel negro” o “El ángel de la muerte” son algunos de sus apodos, cometiendo sus fechorías a principios de la década de los setenta. Algo así como El Vaquilla pero en versión guanche.


En las interpretaciones nos encontramos con un excelente Lorenzo Ferro en el papel de Carlitos, secundado por Chino Darin, Daniel Fanego, Mercedes Morán, Cecilia Roth (Todo Sobre mi Madre, Martín (Hache)) y Peter Lanzani.

El Ángel es una nueva y terrorífica visión de un asesino en serie, con todas las particularidades que queráis, pero nada disculpa a un tipo que, como sus colegas, despierta el interés de un público que, en vano, intenta meterse en la cabeza de un ser capaz de cometer todo tipo de atrocidades.

Firma: Josep M. Luzán.
@Josep_Luzan

The Night Sitter review

$
0
0

Amber acude a una casa situada en un barrio adinerado. El trabajo es sencillo, aguantar durante unas horas a dos niños mientras los padres se van a cenar, el problema es que Amber tiene la idea de llevarse todo objeto de valor que encuentre en la casa y tras una puerta, cerrada a cal y canto, hay varios peligros ocultos; es tiempo de cambiar los planes.

Título original: The Night Sitter

Año: 2018

Duración: 90 min.

País: Estados Unidos

Director: Abiel Bruhn, John Rocco

Guion: Abiel Bruhn, John Rocco

Música: Rob Himebaugh

Fotografía: Scotty G. Field

Reparto: Elyse Dufour, Jack Champion, Jermaine Rivers, Amber Neukum, J. Benedict Larmore, Ben Barlow, Bailey Campbell, Joe Walz, Deanna Meske, Manny Sandow, Luna Devika, Victoria Graham, Alyx Libby, Scott Marche, Jazmine Yurtin, Riley Gallagher, Madeline Grayson, Tahany Hmaid


Nunca hacer de canguro fue tan complicado.

Ah, esa costumbre tan americana de salir a cenar dejando a tus hijos en manos de completas desconocidas. Todas esas carreras universitarias que se han pagado aguantando a los hijos de otros durante toda la noche. Y sobre todo ¿Qué sería de los psicópatas si no existieran las canguros? El mundo de las babysitters (aka Canguros) ha dado muchas alegrías al aficionado al género: cómo olvidar a la pobre Laurie Strode en el clásico Halloween, y recientemente tuvimos dos refrescantes propuestas como The Babysitter con Samara Weaving desplegando su encanto a manos llenas y Better Watch Out de Chris Peckover, una siniestra vuelta de tuerca al mundo de las canguros. The Night Sitter comparte con las cintas anteriores su mezcla entre humor negro, terror y un ritmo perfecto.


Amber acude a una casa situada en un barrio adinerado. El trabajo es sencillo, aguantar durante unas horas a dos niños mientras los padres se van a cenar, el problema es que Amber tiene la idea de llevarse todo objeto de valor que encuentre en la casa y tras una puerta, cerrada a cal y canto, hay varios peligros ocultos; es tiempo de cambiar los planes.

La ópera prima de Abiel Bruhn y John Rocco parte de un elemento muy destacable: tal como dijo Steven Spielberg, hay que rodar cintas que uno quiera ver en el cine. Esto se nota porque han dejado a un lado cualquier tema sesudo y en apenas diez minutos, tras una rápida presentación de personajes, la historia ya ha empezado a rodar y desde ese momento, hasta el final, el espectador no va a tener un momento de respiro. Bruhn y Rocco han tomado un camino intermedio y la historia no se centra en el niño ni en la niñera, sino que ambos tienen sus propias tramas hasta hacerlas coincidir a mitad de cinta.

Sorprende el homenaje, ¿o tal vez plagio?, de los directores han hecho a Darío Argento llamando Las Tres Madres a las terribles antagonistas que, una vez despiertan, hacen la vida imposible a los protagonistas con sus malas intenciones. No falta un solo cliché en The Night Sitter: el niño sesudo, traumas infantiles, novios que se cuelan en la casa, trampas fabricadas con elementos a mano… Pero la maniobra funciona bien ya que la intención es entretener y si das explicaciones innecesarias corres el riesgo de perder al espectador por el camino. Tal vez la cinta se resienta al meter demasiados personajes en la trama, lo que resta presencia a los protagonistas, pero se entiende que la intención es que el ritmo no decaiga y haya mayor número de muertes en pantalla.


No puedes lograr que The Night Sitter funcione si el trabajo actoral no acompaña, y aquí han acertado de pleno ya que tanto Elyse Dufour como Jack Champion, respectivamente la canguro aburrida y niño repelente, tienen química desde el primer plano, esto no es solo por sus actuaciones sino que las mejores líneas de guión son los diálogos entre ambos. El resto de los personajes cumplen con su función, a destacar Bailey Campbell como Ronnie, el segundo niño, que despierta las carcajadas cada vez que aparece en pantalla. Las cuestiones técnicas son funcionales, cumplen sin más, pero aportan su granito de arena a una cinta que es una fiesta de principio a fin.

The Night Sitter tiene carisma y, por eso mismo, se merece entrar por méritos propios en el subgénero “Mundo Babysitter”. Te gustará si entras al juego sin prejuicios y con ganas de pasar una hora y media muy entretenida.

Firma: Javier S. Donate.
Viewing all 6350 articles
Browse latest View live