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Channel: TerrorWeekend.com | Portal cine de terror, peliculas de terror, mejor cine de terror
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Déjame Salir review

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Título original: Get Out

Año: 2017

Duración: 104 min.

País: Estados Unidos

Director: Jordan Peele

Guión: Jordan Peele

Música: Michael Abels

Fotografía: Toby Oliver

Reparto: Daniel Kaluuya, Allison Williams, Catherine Keener, Bradley Whitford, Caleb Landry Jones, Marcus Henderson, Betty Gabriel, Lakeith Stanfield, Stephen Root, LilRel Howery


La película que quieres ver.

Se nos eriza el vello al visualizar los primeros minutos que compactan la entradilla principal a modo de exquisita demostración de fuerza de lo que va a ser la película, donde apenas se muestran unos créditos en pantalla y la cabeza ya te quiere explotar. Sí, estamos ante una gran película de terror y todavía no hemos visto nada. La mente se nos retuerce con los acordes de la música creada por Michael Abels, que chocan contra las imágenes de manera inconexa como solían hacer aquellas películas de terror clásico, avanzadas a su época, que echamos en falta en el cine de terror moderno, donde la sutileza se ha hecho bocinazo y la atmósfera y misterio ha sido devorado por los efectos digitales.


Chris Washington es un chico afroamericano que tiene como pareja a Rose Armitage una chica blanca adinerada. Un día Chris es invitado por su chica a conocer a sus padres, y él, no las tiene todas consigo, pues no sabe cómo reaccionarán ellos ante la primera relación interracial de su hija, aun así, algo reticente, el joven termina por aceptar la invitación sin llegar a imaginar dónde se está metiendo.

No desfallece ni baja el ritmo tras la magnífica introducción, la intriga inicial ha quedado como un regusto en el paladar que sigue presente, además los diálogos acompañan la situación, a la vez que nos presentan a los personajes con quien nos iremos familiarizando con gran interés ya que todos ellos cuentan en la historia.

Sabemos dónde estamos y qué es lo que estamos viendo, pero no sabemos hacia dónde vamos, a menos que hayáis visto el tráiler, (en este caso habréis visto la película prácticamente, lo siento por vosotros),  para el resto de mortales, y siguiendo por donde iba, siempre vivimos presos de esa segunda parte que sabemos que vendrá en toda película de terror, pero en este caso está todo uniformemente bien seleccionado, más que un cambio de ritmo, que también, o giro funcional, experimentamos un cambio estético, como si el tiempo no hubiera pasado para alguno de ellos, casi como un agujero temporal entre la ciudad y el campo que nos transporta mediante el viaje en coche que realizan los protagonistas y nosotros con ellos. En esta maravillosa parte del nudo es donde la película explota sutilmente para convertirse en una de las recomendaciones más serias que pueda hacer este año referente al género, igual que sucedió con I am not a serial killer (Billy O’Brien) en 2016, True Love Ways (Mathieu Seiler) en 2015 o It Follows (David Robert Mithell) en 2014, ahora en 2017, éste puede ser el diamante en bruto a descubrir por todos los que amamos el cine de terror.

Blumhouse Productions (Insidious, The Gift o Paranormal Activity entre muchas otras) se encuentra tras el primer film del cómico, guionista y actor Jordan Peele quien demuestra tener grandes dotes para dirigir un magnífico guión de cosecha propia donde quizás solo le traiciona el exceso de humor en algunas partes de la película por parte del personaje de Rod Williams interpretado por LilRel Howery, con el que la película pierde un poquito de seriedad para la tensión global.


Misteriosa como pocas en la actualidad, con unas interpretaciones por parte de todos los extras, especialmente los habitantes de la casa, así como del protagonista Daniel Kaluuya, que nos hacen emitir en más de una ocasión un grito mudo de impotencia y sorpresa a partes iguales. Recordad que… “Lo negro está de moda.”

Firma: Gerard FM.

Darkness Rising review

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Título original: Darkness Rising

Año: 2017

Duración: 81 min.

País: Estados Unidos

Director: Austin Reading

Guion: Vikram Weet

Música: Thomas Gamble

Fotografía: Adam Biggs

Reparto: Tara Holt, Bryce Johnson, Katrina Law, Christian Ganiere


Otra casa que pone los pelos de punta.

Uno creía que las películas de casas encantadas ya habían pasado de moda. Cíclicamente vuelven tozudamente para el regocijo de los amantes de un subgénero que tuvo su apogeo allá por los años ochenta. Basta con recordar Aquella Casa al Lado del Cementerio (The House by the Cemetery. Lucio Fulci, 1981) o House, Una Casa Alucinante (House: Ding Dong, You’re Dead. Steve Miner, 1986), películas por otra parte que traspasaban con bastante justeza el aprobado. El éxito de público se daba de bruces contra una crítica algo desalmada con ese tipo de cintas. Hay excepciones, por ejemplo la magnífica, y en cierto modo, pionera Poltergeist, Fenómenos Extraños (Poltergeist. Tobe Hooper, 1982).


¿Qué aporta Darkness Rising a ese think tank cinematográfico?, pues en realidad nada, así de simple. Esa carencia de nuevas ideas podría haber sido sustituida por elementos que acabaran de vestir el producto final. Lo consigue a medias, pero el uso y abuso de estruendosos efectos sonoros acaba por que el descenso por los peldaños de la calidad sea demasiado brusco y evidente.

Otra cosa habría sido optar por la parodia, pero para eso la premisa principal tiene que ser no acabarse de creer lo que uno está rodando. Austin Reading se lo toma demasiado en serio, encontrándose en un cul de sac del cual no logra escabullirse con la suficiente soltura.

Una joven decide volver a la casa de su infancia junto a su novio y su prima. La mansión se encuentra abandonada y a punto de demolición. Entre sus recuerdos el de su madre que se volvió loca. Esa locura parece ser que impregnó todos y cada uno de los rincones de su antiguo hogar.

Sin ser aburrida del todo, no da en el clavo en la resolución de unas situaciones que habrían dado para mucho más. El guion, a cargo de Vikram Weet, es correcto pero sin arriesgar en todo su metraje. Todo resulta previsible y, en ocasiones, demasiado repetitivo. Encontramos a faltar algún toque de humor o, como mínimo, de guiño al espectador, esa seriedad va totalmente en su contra. Pero nuestras mentes son retorcidas y, aunque no fuera la intención, siempre encontramos un motivo para la risa, cosa que en estos momentos no os puedo desvelar.

Indicar el buen trabajo de cámara e iluminación a cargo de Adam Biggs, y es que la casa se las trae.


Uno de los puntos a destacar son las interpretaciones. Como se suele decir salvan los muebles. Justos en todo momento dan el toque dramático que se necesita. Tara Holt encabeza el reparto interpretando a una desconsolada Madison. Entre sus trabajos destacar los televisivos Californication y American Horror Story. Seguimos con Bryce Johnson en el papel de Jake, prometido de Madison. Su carrera ha transcurrido principalmente en el mundo catódico. Finalizamos con Katrina Law dando vida a una impactante Izzy.

Indicada para los acérrimos seguidores de films de casa encantadas. Quizás el resto tengamos otras fuentes de diversión.

Firma: Josep M. Luzán.
@Josep_Luzan

DARK presenta en el Festival de Sitges ‘Los Resucitados’, la película maldita del cine fantástico español

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Presentación: sábado 7 de octubre, a partir de las 12:30 horas

  • El canal, producido y distribuido por AMC Networks International Iberia y el único en España dedicado íntegramente al género del terror, estará presente en el 50º aniversario del Festival de Sitges con dos contenidos exclusivos que harán las delicias de los aficionados del género 
  • La presentación de ‘Los Resucitados’, contará con la presencia de Santiago Segura, actor que participó en esta película maldita que fue grabada en 1995 y que todavía no ha podido ser vista 
  • Además, dentro de la programación del Festival, DARK presentará ‘Strange events’, serie que se adentra en lo paranormal y muestra una completa antología de monstruos, fantasmas y otras criaturas horribles 

DARK, canal producido y distribuido por AMC Networks International Iberia y el único en España dedicado íntegramente al género del terror, estará presente en el 50º aniversario del Festival de Sitges con dos contenidos que harán las delicias de los aficionados del género. El canal ofrecerá, en colaboración con RedRum -Tema Distribuciones, el visionado inédito y presentación de ‘Los Resucitados’ -película española que cuenta con la participación de Santiago Segura-; y presentará ‘Strange Events’, serie norteamericana compuesta por seis capítulos que se adentra en lo paranormal y muestra una completa antología de monstruos, fantasmas y otras criaturas horribles.

Aunque ‘Los Resucitados’ haya sido rodada en 1995, todavía no se ha podido ver.  Este filme es considerado por algunos como una leyenda urbana y por otros como la película “más maldita y de culto del fantástico español”. Por fin la producción podrá ser vista en el marco del Espacio Brigadoon enel Escoixador, el sábado 7 de octubre a las 12:30 horas con una copia remasterizada. Además, previo a su visionado, los asistentes podrán disfrutar de una presentación que contará con el director de la cinta Arturo de Bobadilla, el actor Santiago Segura, Adán Latonda, el distribuidor y periodista Luis M. Rosales y Patricia Silva, Deputy Film and Documentary Channels Director de AMC Networks International Iberia.

Además, el sábado 7 de octubre a las 18:00 horas en la Sala Tramuntana, DARK presentará ‘Strange Events’. Esta serie de seis capítulos muestra un mundo donde los monstruos, los fantasmas y otras criaturas horribles son una realidad y las pesadillas pueden hacerse realidad. Una antología que se adentra en lo paranormal, lo extraño y lo completamente insano.

Estas dos novedades forman parte de la programación especial que DARK dedicará al Festival de Sitges durante el mes de octubre. El sábado 14 de octubre a las 20:45 horas el canal brindará la oportunidad a sus espectadores de visionar ‘Los Resucitados’ con el estreno en exclusiva en televisión de esta rareza de nuestro cine. La película consiguió en su momento reunir a grandes nombres del género, como el propio Paul Naschy o Antonio Mayans, junto con algunas jóvenes promesas de la época, caso de Santiago Segura, Manuel Tallafé o Zoe Berriatúa, en una barroca historia sobre un soldado de los Tercios de Flandes que es poseído por el demonio, con muertos vivientes incluidos.

Por su parte, el estreno de ‘Strange Events’ se producirá el martes 31 de octubre a partir de las 21:30 horas, para disfrutar durante la noche de Halloween de los seis capítulos independientes con tres terroríficas historias en cada uno de ellos. Además, el canal realizará un recorrido terrorífico y sangriento por títulos premiados y relevantes que han pasado por el certamen a lo largo de su historia. Un despliegue único e imperdible de títulos asociados al cine fantástico como ‘Alta tensión’, ‘Society’ o ‘Eden lake’, entre otros. Cada día de celebración del festival, desde el jueves 5 al domingo 15 de octubre, las noches de DARK serán las noches de Sitges.

El Festival de Sitges dedica el spot de 2017 a sus fans

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La agencia de publicidad China es la autora de la pieza, en la que los aficionados esperan su dosis de sangre

Por primera vez, y aprovechando la celebración del 50 aniversario, el Festival de Cine de Sitges da la vuelta a la cámara en su spot publicitario y pone el foco en los que lo hacen posible: los aficionados que llenan las butacas y que dan vida y sentido al Festival. Se trata de un homenaje merecido a los grandes protagonistas del Festival, que llega en tono de Drácula, que es el leit motiv de Sitges 2017.

El spot corporativo de Sitges - Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya este 2017, realizado una vez más, por la agencia de publicidad China, rinde homenaje a los aficionados a través de imágenes en que diversos fans aparecen en primer plano esperando su dosis de sangre.

Rafa Antón –director creativo ejecutivo de China y responsable de la campaña del Festival desde 2002– y Miguel Ángel Duo –director creativo de China–, argumentan el paralelismo que el spot ofrece entre el aficionado y los vampiros: "Hay dos tipos de personas que necesitan la sangre para sobrevivir: unas, obviamente, son los vampiros. Las otras son los fans del cine fantástico y de terror, que claman por su dosis en forma de películas sangrientas. La razón por la que, año tras año, nunca se pierden su cita con el Festival". Este paralelismo entre los unos –vampiros– y los otros –fans–, sirve para que el Festival selle por partida doble un homenaje a la figura de Drácula, el eterno adicto a la hemoglobina, y a los aficionados que llenan las salas de Sitges, cuya fidelidad hace del Festival un lugar especial edición tras edición.

El spot es una de las piezas centrales de la campaña de Sitges 2017 y se está proyectando en televisiones, cines y a través de los canales de Internet.


Boys in the Trees review

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Título original: Boys in the Trees

Año: 2016

Duración: 112 min.

País: Australia

Director: Nicholas Verso

Guión: Nicholas Verso

Música: Shinjuku Thief, Darrin Verhagen

Fotografía: Marden Dean

Reparto: Toby Wallace, Gulliver McGrath, Mitzi Ruhlmann, Justin Holborow


Antiguos y terroríficos miedos.

Si al escribir sobre esta película me diera por seguir su modus operandi, a partir de la siguiente línea ya estaríais haciendo otra cosa. Esto es uno de sus mayores defectos, pero al mismo tiempo su mayor atractivo. Deambular en medio de sueños y miedos obliga a hacer un ejercicio de abstracción. Si aceptáis esta premisa, os encontraréis con un gran producto, sumamente fresco y lleno de interesantes aristas.


Allá por el año 2012 ya tuvimos el placer de degustar la excelente Excisión de Richard Bates Jr., en la cual se nos exponía, de manera algo brutal por cierto, el difícil tránsito por la adolescencia. Cinematográficamente hablando Boys in the Trees no se le asemeja en nada, pero trata de esa etapa de la vida en la cual algunos quedan atragantados. Es algo así como intentar explicar el síndrome de Peter Pan, o cuando estás delante del precipicio de la edad adulta y alguien te da un empujón.

Hay muchas maneras de explicar una historia, en esta ocasión Nicholas Verso ha optado por una bastante arriesgada. No obstante, mantiene perfectamente el equilibro en esa cuerda floja que es su elaborado guión. Hablando del mismo, se intuye que en él se han volcado bastantes experiencias personales. Evidentemente en todos los screenplay algo hay de sus autores. En esta ocasión la decisión de incluirlos no nos queda más remedio que aplaudirla.

Corey pertenece a un curioso grupo de skaters, cuyo líder, Jango, no duda en ejercer su autoridad. Próximo a la edad adulta, Corey intenta defender a Jonah, un antiguo compañero de colegio, del resto del grupo. Juntos recorren las calles de la ciudad con su monopatín durante Halloween. Los recuerdos van tomando forma junto a extraños sueños y muchos miedos.

Estamos ante un producto que intuimos para un público algo selectivo. Se podría haber optado por algo más desenfadado y así ampliar el target, pero no seremos nosotros los que nos decantemos por eso, ya sabéis que las apuestas arriesgadas son algo que nos atrae, esperamos que a vosotros también os pique la curiosidad. En su contra tenemos su excesiva duración y las escasas escenas de terror o como queráis llamarlas, aunque algún que otro susto os hará saltar de la butaca.

Tengo que destacar la música de Shinjuku Thief y Darrin Verhagen. Da en el clavo con todo lo que rodea al film. Hay que tener en cuenta que la película está ambientada en 1997, ya os podéis hacer una idea.


Los protagonistas de la cinta están fantásticos. La juventud de todos ellos no es ningún impedimento para destacar su calidad. Empezamos por Toby Wallace en el papel principal e interpretando a Corey. A continuación nombrar a Gulliver McGrath como Jonah. Seguimos con Justin Holborow en el papel del matón Jango y acabamos en la parte femenina con Mitzi Ruhlmann como Romany.

Muy buena película recomendada a todos aquellos que les guste la originalidad y la apuesta con algo de riesgo.

Firma: Josep M. Luzán.
@Josep_Luzan

27 trabajos de realidad virtual componen la Samsung Sitges Cocoon

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Alexandre Aja y Robert Englund presentarán ‘Campfire Creepers: The Skull of Sam’, el último trabajo en VR de uno de los realizadores de terror más prolíficos de la pasada década

Un total 27 trabajos procedentes de todo el mundo conforman la Samsung Sitges Cocoon de este año y podrán verse de forma gratuita en los dos espacios habilitados en el Festival. Entre ellos, Talismán, estreno mundial del cortometraje realizado por Carlos Therón e interpretado por Berto Romero. Además, por primera vez, un jurado de lujo compuesto entre otros por Jaume Balagueró y Javier Olivares, decidirá cuál será la mejor experiencia VR de entre las 18 piezas que estarán a competición, que también optarán al Premio del Público en votación virtual.

Dos serán los espacios que en esta 50 edición del Festival de Sitges se habilitarán para que el público disfrute de la mejor realidad virtual con la tecnología Samsung Gear VR: la carpa Samsung VR Experience ubicada en las inmediaciones del Hotel Meliá Sitges; y el Samsung VR Cinema, una innovadora sala de cine de realidad virtual sincronizada con capacidad para 25 personas, situada en el Centro Cultural Miramar de Sitges, y donde se proyectarán los 18 trabajos que competirán, por primera vez, en la sección Samsung Sitges Cocoon.

El pistoletazo de salida será el próximo 6 de octubre a las a las 18:00h en el mismo Centro Cultural Miramar donde se inaugurará oficialmente la sección y se presentará en primicia mundial el cortometraje de realidad virtual y rodado en 360º Talismán, dirigido por Carlos Therón e interpretado por Berto Romero, que pretende sumergir a los espectadores en una terrorífica historia cargada de misterio. Gracias a las gafas de realidad virtual Samsung Gear VR, el público podrá vivir con la máxima emoción esta historia de tres albañiles que trabajan en la reforma de una antigua casa, donde encuentran un extraño objeto, parecido a un talismán, oculto tras una pared y deciden sacarlo de su escondite. Muy pronto, el talismán empezará a ejercer su poder y los protagonistas descubrirán la macabra historia de la familia propietaria del inmueble.

Algunos de los trabajos en realidad virtual más destacados de la Samsung Sitges Cocoon de este año serán Campfire Creepers: The Skull of Sam, del director Alexandre Aja y protagonizada por Robert Englund, la primera serie de terror en realidad virtual y con una visión de 360º, que gira alrededor de las historias de miedo explicadas alrededor del fuego en un campamento de verano, un trabajo que se verá en Sitges 2017 por primera vez antes de que se estrene en Halloween de este mismo año; Night, Night, de Guy Shelmerdine una experiencia terrorífica sobre los miedos infantiles en forma de payasos macabros; los coreanos An Obituaryde Jean Yoon en la que un funeral se convierte en una pesadilla, Reawakening Memories de Young-kap Kim, y Bloodless de Gina Kim, uno de los recientes ganadores de la sección de realidad virtual del Festival de Venecia; The Argos File de Josema Roig, en la que el espectador se convertirá en un investigador de recuerdos y resolverá asesinatos; el corto italiano Dreams of Blue de Valentina Paggiarin que explora el universo de la realidad virtual; el divertido nuevo trabajo de La Troma con su Vengador Tóxico en Heart of FartnessI Saw the Futur, del francés François Vautier, una especie de ensayo sobre la llegada de la revolución digital; el corto español Portal; o los también estadounidenses Melita de Nicolás Alcalá y Ray de Rafael Pavón, un cuento de hadas moderno. Destacar también la nueva experiencia VR creada por Pablo Lara y Rafael Pavón de la serie El Ministerio del TiempoEl Ministerio del Tiempo VR: Salva el tiempo, una pieza de diez minutos que se presentará en el Festival.

De las 27 experiencias en VR que se ofrecerán de forma gratuita al espectador, 18 forman la sección oficial a competición de la Samsung Sitges Cocoon de este año. Un jurado, formado por el director Jaume Balagueró, el creador de la serie El Ministerio del Tiempo, Javier Olivares y el director de contenidos Miguel Ángel Ruiz, decidirá cuál es el mejor corto realizado en realidad virtual de este Sitges 2017. Además,  el público asistente al Centro Cultural Miramar, a través de su voto virtual en la propia gafa, podrá decidir cuál ha sido su experiencia preferida y otorgar así a uno de los trabajos el Premio del Público.

Por otro lado, en la Carpa Samsung VR Experience situada delante del Hotel Meliá Sitges, a la que el público podrá acceder de forma gratuita y escoger el contenido audiovisual que quiera ver, se podrá disfrutar de forma ininterrumpida de seis experiencias a cual más terrorífica. A las ya mencionadas Talismán, Campfire Creepers, El Ministerio del Tiempo y Night Night, se les unen dos cortos muy esperados por el aficionado: por un lado la experiencia en VR de Annabelle: Creation, en la que nos trasladaremos a la casa de muñecas encantada de Bee; y por otro Death Note VR Experience, cortometraje en el que el espectador podrá convertirse en el mismísimo Light Turner y enfrentarse cara a cara con el shinigami Ryuk.

Con una programación espectacular y unos invitados de lujo como Alexandre Aja, Robert Englund, Carlos Therón o Berto Romero, el Festival de Sitges apuesta una vez más por el futuro de las nuevas tecnologías en el terrero del audiovisual y renueva su acuerdo con Samsung, compañía que patrocina por segundo año consecutivo el Sitges-Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya.

Para consultar la programación completa del Samsung Sitges Cocoon y sus horarios descárgate el programa de mano del Festival.

Ya está aquí el primer trailer oficial de ‘Run Runner Run’ de Karim Shaker

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No ha pasado un mes desde la fecha de finalización del nuevo proyecto en corto del director madrileño Karim Shaker, ‘Run Runner Run’, y ya tenemos aquí el primer trailer oficial.

En el trailer podemos ver a una espléndida Mónica Miranda siendo acosada por un enemigo invisible a través de un oscuro bosque. Mucha adrenalina y altas dosis de tensión es lo que promete este adelanto del último trabajo del equipo de Walskium Studio.

Una estética visual muy cuidada y cinemática, una atmósfera envolvente y mucho suspense parecen haberse convertido ya en marcas de la casa en las producciones de este madrileño adicto al cine fantástico y su equipo. El año pasado por estas fechas presentaban su anterior proyecto ‘La Cena’ en el marco del prestigioso Screamfest de Los Angeles, CA. y este año repiten selección con ‘Run Runner Run’ en lo que será su premiere para USA el próximo 14 de Octubre.

Además de la premiere norteamericana, se podrá disfrutar del corto en varios estrenos internacionales como Grimmfest, en Reino Unido (5 de Octubre), Obscura Filmfest, en Alemania (28 de Octubre), L’Aquila Horror Film Fest, Italia o Irish Film Institute Horrorthon, Irlanda, entre otros.


A Ghost Story review

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Título original: A Ghost Story

Año: 2017

Duración: 87 min.

País: Estados Unidos

Director: David Lowery

Guión: David Lowery

Música: Daniel Hart

Fotografia: Andrew Droz Palermo

Reparto: Casey Affleck, Rooney Mara, Rob Zabrecky, Will Oldham, Liz Franke, Sonia Acevedo


Reflexiona sobre la vida desde la muerte.

Curiosa esta película, sinceramente no esperaba nada más que un melodrama romántico de baratillo, una revisión de la película Ghost (1990) actualizada, con un aire hipster y un par de caras conocidas. Y bueno, en sus primeros minutos nada me hizo cambiar de opinión y sinceramente, no recuerdo en qué momento mi cabeza empezó a entender que podría aprender algo importante de A Ghost Story. Fue más bien un arco, una gráfica ascendente que, con mucha tranquilidad y sobre todo silencio, explica al espectador la importancia de la vida y la de los que están a tu alrededor.


La tranquila vida de una joven pareja se trunca cuando él fallece en un accidente de tráfico. Pero su existencia no termina ahí, su fantasma vuelve a su casa para ser observador silencioso del proceso de duelo de su mujer, y de mucho más.

A Ghost Story es casi una película muda, tampoco necesita demasiado diálogo para comprender la situación, otra cosa sería descifrar la oscura magia que nos hace entender los sentimientos de un fantasma que no deja de ser una sábana con dos agujeros en función de ojos absolutamente inexpresivos. Y no puedes sentir más pena cuando ves que son almas errantes, que la aceptación es un camino a veces, demasiado largo y que se pierde mucho por el camino. No la podemos considerar una película de terror, salvo algún momento aislado (totalmente light), sí es una película peculiar que quiere explicar una historia, hay momentos en los que peca de tomarse demasiado tiempo en algunas escenas para ser poética, pero se comprende su intención.

Dirige y escribe David Lowery, un proyecto muy personal pues ya con siete años rodó un cortometraje basado en la película Poltergeist y con ciertos paralelismos con A Ghost Story. Vuelve al cine donde más a gusto se mueve, en cintas independientes con bajo presupuesto, dejando de lado raros experimentos para grandes compañías como fue Peter y el dragon (2016). Firma su mejor trabajo hasta la fecha con esta historia triste, melancólica y reflexiva, si bien, como he comentado anteriormente, algunas escenas parecen artificialmente alargadas, mostrando la nada y preguntándote más de una vez si la reproducción se ha detenido (y resulta que no). Opta por rodearse de un reparto de lujo, que también acostumbra en colaborar con proyectos pequeños junto al director, como es el caso de En un lugar sin ley (2013) como son Casey Affleck (Manchester frente al mar, Interstellar) y Rooney Mara(Lion, Carol). Cuando decía cómo es posible que una sábana transmita sentimientos ahí entra Affleck, que no puede hacer menos en esta cinta y mostrar más. Ambos intérpretes de solvencia más que demostrada interpretan aquí (sobre todo Rooney) su versión más íntima, cuando no solitaria. No son grandes interpretaciones si nos basamos en la expresividad, son grandes por justo lo contrario, lo que esconden y lo que crees que están pensando.


En definitiva, es una película que recomiendo sin lugar a dudas, pero hazte a la idea de que esta no es una película normal (o convencional si lo prefieres), es lenta, torpe en su ritmo (nada grave)... PERO también es un ejercicio valioso de introspección, de aprovechar el tiempo y poner en una balanza lo que importa y lo que no.

Firma: Oriol Hernández.

68 Kill review

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Título original: 68 Kill

Año: 2017

Duración:  93 min.

País: Estados Unidos

Director: Trent Haaga

Guión: Trent Haaga, Bryan Smith (novela)

Música: James Griffiths, Haim Frank Ilfman

Fotografía: Needham B. Smith

Reparto: Matthew Gray Gubler, AnnaLynne McCord, Alisha Boe, Sheila Vand, Sam Eidson


Una pequeña obra de culto.

Estamos ante una de esas películas que cuando ves los títulos de crédito no te puedes creer que no te hayas movido de tu asiento durante esos 93 minutos. El ritmo es genial, las interpretaciones son muy buenas y los giros de guión son abundantes y no llegan a chirriar. Pero no todo es oro lo que reluce, también tiene sus pequeños fallos, pero creo que es eso lo que nos hace valorar el cine. 68 Kill entretiene de principio a fin y eso ya es mucho hoy en día.


Chip es un joven perdedor que vive enamorado de su peculiar novia Liza. Sus vidas darán un vuelco de 180 grados cuando Liza decida por los dos que deben robar a su jefe una buena suma de dinero, el cual arreglara todos sus problemas. Bueno, eso era sobre el papel, más pronto que tarde se darán cuenta que su “perfecto” plan tenía más de un fleco. Aquí empieza un verdadero camino a los infiernos que parece que nunca tiene fin.

Toca hablar de Trent Haaga, director de esta sorprendente producción. Estamos ante su segundo largometraje, pero para su debut debemos remontarnos al lejano 2011, pues entonces debutaba con Chop, donde ya mezclaba la comedia negra y el terror, algo que le ha acompañado en su dilatada trayectoria como guionista. Pues es aquí donde ha firmado grandes guiones como el de Dead Girl, Cheap Thrills o el del videojuego de terror The Evil Within.

Creo que 68 Kill tiene dos grandes puntos que brillan con luz propia y estos son su guión que como acabo de comentar el mismo director Trent Haaga se encarga de firmarlo y en este apartado técnico no es precisamente un novato.  Sabe entremezclar el terror, el thriller y el humor de manera sublime y a esto le sumamos las grandes interpretaciones de sus dos protagonistas tenemos una producción menor pero muy destacable. Pues como he dicho muchas otras veces el dinero no es sinónimo de una buena película.

Para los que estáis más familiarizados con el cine de terror independiente las caras de los protagonistas de esta cinta os deben de sonar bastante, pues contamos con Matthew Gray Gubler y AnnaLynne McCord, los cuales coincidieron en la película Excision de Richard Bates Jr. Y más tarde volverían a coincidir en otra cinta del mismo director, Trash Fire. Ambos han demostrado a lo largo de su carrera ser actores realmente camaleónicos y en 68 Kill sacan a relucir sus dotes interpretativas por todo lo alto. Creo que es todo un acierto volver a juntar a esta pareja de actores pues, se nota el trabajo previo conjunto y la química entre ambos es palpable.


Como parte negativa podría decir que ese alocado batiburrillo de situaciones nos puede recordar a la marca dejada por otros directores como el gran Quentin Tarantino o Guy Ritchie, dos especialistas en esto de los guiones enrevesados y el llevarnos a situaciones cada vez más rocambolescas, es aquí donde Haaga pueda salir perdiendo, cuando nos paramos en las odiosas comparaciones.

Creo que estamos ante una de esas pequeñas joyas del cine independiente que los afortunados que las vemos en festivales podemos estar contentos. Lástima que este tipo de cintas acaben perdiéndose en el tiempo. Sin duda alguna recomiendo que si tenéis oportunidad de echarle el guante a 68 Kill no acabareis defraudados.

Firma: Omar Parra.
@Omar_FTW

Sesiones Movistar Plus en el TerrorMolins

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Fruto de la colaboración con Movistar+ en esta edición del Festival hemos programado las #SesionesMovistarPlus  una doble sesión gratuita que tendrá lugar el domingo 12 de noviembre a partir de las 17h con los títulos Eat Locals y 68 Kill, que se estrena simultáneamente en el Festival y en Movistar+.

La proyección tendrá lugar en el Teatre de la Peni, sede principal del Festival, y se trata sin duda de una gran ocasión para disfrutar de dos grandes títulos de género, en todas sus extensiones, en pantalla grande y de forma totalmente gratuita. Ambos títulos también estarán disponibles en Movistar+.

Eat Locals es una cinta que seguro hará las delicias de los amantes del cine de terror con una buena dosis de acción y comedia que rinde homenaje a los filmes de serie B y que será proyectada por primera vez en España.

Se trata de la ópera prima de Jason Flemyng, conocido actor británico que hemos visto en títulos como Lock & Stock, Snatch, La Liga de Los Hombres extraordinarios o X-Men: Primera Generación. El guión está firmado por Danny King y en el reparto encontramos nombres como el debutante Billy Cook, Eve Myles (Victoria), Freema Agyeman (Doctor Who) o Charlie Cox (la serie Daredevil) entre otros.



La segunda película será 68 Kill, cuya proyección se hará de forma simultánea con su estreno en Movistar Xtra y también bajo demanda en Movistar+. Se trata de una cinta maravillosamente desenfadada y divertida, premiada además por el público en la última edición del prestigioso festival SXSW de Austin.

68 Kill está basada en la novela del propio director, Trent Haaga, junto a Bryan Smith y se trata de una singular comedia romántica con toques de thriller y ‘road movie’ en la que Chip y Liza se convierten en unos Bonnie & Clyde de andar por casa. La cinta está protagonizada por Matthew Gray Gubler (Mentes criminales), AnnaLynne McCord (Secretos y mentiras, Turno de noche) y Alisha Boe (Por 13 razones).


Suspiria review

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Título original: Suspiria

Año: 1977

Duración: 98 min.

País: Italia

Director: Dario Argento

Guión: Dario Argento, Daria Nicolodi

Música: Goblin

Fotografía: Luciano Tovoli

Reparto: Jessica Harper, Stefania Casini, Flavio Bucci, Miguel Bosé, Udo Kier, Eva Axén


Subyugadora, hipnótica, poética, inquietante y terrorífica.

Suspiria, abre la trilogía de terror sobrenatural bautizada por el propio Dario Argento (Profondo Rosso, Tenebrae) como “Le Tre Madri” (Las tres Madres), seguida de Inferno (1980) y Mother of Tears (2007).

A pesar de que en Suspiria, podemos reconocer, muchos de los elementos característicos del Giallo, los críticos más puristas, no la consideran como tal, debido al componente sobrenatural.

Rodada a modo de fábula macabra moderna, Suspiria es una de las películas más emblemáticas de Dario Argento, considerada por la crítica internacional una película de culto, tanto por su estética, como por su paleta cromática, con colores saturados hasta la extenuidad, y planos imposibles, junto con la original banda sonora, que resulta imprescindible para completar una de las obras más impactantes y originales del genio italiano.


Suzy Bannion (Jessica Harper), una bailarina de ballet americana, llega a Munich durante una noche de tormenta, para estudiar danza en una prestigiosa academia de Ballet en Freiburg. Al llegar a la academia, es testigo de la huida de una de las estudiantes Pat Hingle (Eva Axén). Ante la negativa por parte de una voz anónima en el interfono para entrar en la Academia, Suzy decide pasar la noche en la ciudad para regresar al día siguiente y completar su registro, durante el trayecto, vuelve a presenciar a la estudiante huyendo durante la tormenta por un oscuro y siniestro bosque de forma despavorida. Al día siguiente, a su llegada a la Academia, descubre que la estudiante huida ha sido brutalmente asesinada. A partir de ese momento, Suzy vivirá una inquietante y perturbadora aventura en la que descubrirá que la aparente apacible academia, esconde un terrible y oscuro secreto.

Rodada a modo de fábula macabra moderna (la escena inicial nos presenta a Suzy en voz en off como en los cuentos infantiles), Argento nos maneja a su antojo para hacernos sentir todo lo que experimenta Suzy. La variedad cromática y los ángulos de cámara así como el juego de luces y sombras son un elemento de gran importancia y tienen su propósito en la película, dado que el uso de los mismos, anticipa al espectador en los sucesos que están a punto de ocurrir.

La dirección fotográfica corre a cargo de Luciano Tovoli, quien orientado por Argento, maneja con maestría los colores, primarios (principalmente el rojo), saturados hasta la extenuidad que junto con el uso de lentes anamórficas, crea una atmósfera que sumerge al espectador en un mundo irreal donde los elementos fantásticos conviven con el mundo moderno.

Otro de los elementos a destacar es el sonido, este toma una importancia primordial en el desarrollo de la historia, desde las puertas que chirrían, el viento que ulula, las ventanas que se abren con un golpe, los truenos, hasta los pasos, de hecho, Suzy tendrá que acudir entre otros al sentido del oído para resolver el misterio que subyace en la Academia (otro de los momentos que destacaría por su originalidad).


Destacar una de mis escenas favoritas que es la que sucede en el salón de baile, habilitado como dormitorio para que todas las chicas duerman juntas después de un desagradable incidente. Inicialmente la habitación está rodeada con unas sábanas blancas, pero en el segundo en que las luces se apagan, la habitación queda iluminada por una luz carmesí y las sombras se proyectan sobre las sábanas, todo cobra un cariz sobrenatural, mágico como de ensueño, que acompañado por un ronquido sordo que eriza el vello.

Suspiria, es una película imprescindible para todo amante del cine en general y el terror en particular. Para un público acostumbrado a películas de terror actuales, tal vez puede resultar un poco naif, pero no os engañéis, la película desborda mala leche, con primeros planos muy explícitos, donde la sangre fluye por doquier. Si os dejáis seducir por su atmósfera y entráis en el juego de Argento, disfrutaréis de una película única, una experiencia para los sentidos, que os dejará sin aliento y totalmente desorientados. Sólo recordad que la frase que definía la propia película era ¨Lo único peor que los últimos 12 minutos ... son los primeros 92”. Han pasado ya 40 años desde su estreno en cine y Suspiria aun consigue sorprender y sobresaltar.

Curiosidades

La composición de la escalofriante y claustrofóbica banda sonora corre a cargo del propio Argento junto con la banda italiana de rock instrumental progresivo Goblin, quien también realizó la banda sonora de otra mítica película del director Profondo Rosso (1975). La banda sonora, un simple tema de catorce notas, con sutiles toques de canción de cuna, es la base de toda la partitura. Ésta fue creada antes del rodaje de Suspiria, por lo que el director construyó la película en torno a la música amén de su desbordante imaginación. Durante el rodaje, Argento ponía a todo volumen la banda sonora para que los actores entraran en la inquietud y el desasosiego que se respira durante toda la película.

La película fue censurada en varios países, por las escenas consideras demasiado sangrientas para el público de la época, que no os detallaré para no romper la magia... Sólo destacar que cuenta con uno de los asesinatos dobles más icónicos de la historia del cine.

Suspiria tiene el honor de ser la última película en Technicolor, obsoleto para la época, pero fundamental para conseguir la peculiar estética de la película. En una de sus múltiples entrevistas, el propio Argento confiesa que la inspiración para la estética de Suspiria nace del clásico de Disney Snow White and the seven Dwarfs (Blancanieves y los siete enanitos), el director quedó fascinado por los colores y la estética de la misma, y queda evidenciado en toda la película. Por otro lado la estética de Suzy, la protagonista, también tiene reminiscencias de la propia Blancanieves.

Originariamente Suspiria debía estar interpretada por niñas entre 8 y 10 años, para mantener el tono de fábula, pero esto no tuvo buena acogida entre los productores ya que Argento era conocido por dar a los actores vagas y muy ambiguas instrucciones y finalmente se decidió cambiar a las niñas por adolescentes, pero el guión no lo refleja en demasía, es por esto que en la actuación de Suzy, en particular y las chicas en general, junto con la interacción entre ellas tiene toque muy ingenuos e infantiles.

Un dato que también me parece interesante destacar es la importancia de M.C.Escher en la película, de hecho, podemos oír a Suzy como da como dirección de la Academia calle Escher, por otro lado en varias de las habitaciones podemos ver de manera efímera reconocidos trabajos del famoso artista. La misma Academia no deja de ser una alegoría a la propia obra de Escher (un laberinto infinito, donde escapar es casi imposible).

Está en desarrollo un remake de la película, con su estreno en 2018. El director sería Luca Guadagnino, y cuyo reparto estaría protagonizado por Chloë Grace Moretz, Dakota Johnson, Mia Goth y Tilda Swinton. La Suzy original interpretado por Jessica Harper también tendría un papel en la película.

Firma: Marta P.
@MartaPraOc

Annabelle: Creation review

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Título original: Annabelle: Creation

Año: 2017

Duración: 109 min.

País: Estados Unidos

Director: David F. Sandberg

Guión: Gary Dauberman

Música: Benjamin Wallfisch

Fotografía: Maxime Alexandre

Reparto: Anthony LaPaglia, Samara Lee, Miranda Otto, Brad Greenquist, Lulu Wilson, Talitha Eliana Bateman, Stephanie Sigman, Mark Bramhall, Grace Fulton, Philippa Coulthard, Tayler Buck


El inicio que Annabelle se merece.

Desde el principio, así es como empieza esta historia, desde los inicios de la creación y del origen de Annabelle como persona, como muñeca y como demonio también. Todas las dudas que uno se puede haber planteado se verán contestadas en la segunda película sobre la muñeca maldita que pudimos ver levemente en de The Conjuring.


Un artesano que fabrica muñecas y su mujer sufren una terrible desgracia familiar, tras varios años de penuria deciden llenar la gran casa que residen con varias niñas de adopción. Lo que parece un hogar magnífico para las recién llegadas pronto dejará de serlo por la presencia inesperada de Annabelle quien aterrará sus vidas.

Tras la película de Annabelle de 2014 dirigida por John R. Leonetti que resultó ser un gran éxito en taquilla, pero no tanto entre los fans que la vieron bajo la alargada sombra de The Conjuring o Insidious, aparece ahora esta precuela dispuesta a subsanar los errores que pudimos apreciar en su predecesora, desde el inicio del metraje así lo quiere dejar claro, con uno de los sobresaltos más grandes de todo el minutaje. Como su predecesora no busca encontrar una atmósfera trabajada al detalle con sutilezas en la historia, sabe lo que tiene y lo explota al máximo, quizás demasiado explícito en su final para mi gusto, pero con bastante mejor resultado que la anterior historia sobre la muñeca.

En esta ocasión dirige el sueco David F. Sandberg, quien recordaréis por sus cortos de terror y sobrenatural de poca duración prácticamente a modo de ensayo o su primer largometraje estrenado en 2016 Nunca apagues la luz (Lights out). Un director más que correcto en su segundo largometraje donde no se complica la vida con planos difíciles o excepcionalmente estudiados, va por faena y como resultado tenemos una película visualmente muy amena.

La historia vuelve a recaer sobre la pluma de Gary Dauberman, quien ya escribió el guión de la anterior película, en esta ocasión parece haber detallado un trabajo mucho más directo, que ha favorecido sin duda el trabajo para el director.

Maxime Alexandre, es el encargado de la fotografía un pelín menos oscura de lo que me gustaría para esta película, pero correcto en todo lo demás.


El cast está mayoritariamente compuesto por niñas, las más principales son Talitha Eliana Bateman acertada en el papel más complicado de todos y Lulu Wilson quien también lo hace bastante bien a pesar de su edad, los adultos protagonistas son Anthony LaPaglia, en un personaje bastante seco pero quien sufre en sus propias carnes uno de los mejores efectos especiales de toda la película, Miranda Otto, con un pequeño pero misterioso papel dentro de la historia y Stephanie Sigman, en el carácter de la monja encargada de las niñas y a quien recordaréis en una interpretación soberbia en la película Miss Bala (review).

Dan lo que se espera, y eso es importante, sin especular ni tratar de cambiar el producto que el espectador espera ver recomiendo esta película a todos aquellos a quienes haya suscitado algún interés todas las anteriores de esta misma índole, pues no desmerece en ningún momento y hay un par de secuencias realmente buenas.

Firma: Gerard FM.

Cult of Chucky review

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Título original: Cult of Chucky

Año: 2017

Duración: 91 min.

País: Estados Unidos

Director: Don Mancini

Guión: Don Mancini

Música: Joseph LoDuca

Fotografía: Michael Marshall

Reparto: Brad Dourif, Jennifer Tilly, Fiona Dourif, Alex Vincent, Michael Therriault, Elisabeth Rosen, Zak Santiago, Summer H. Howell, Grace Lynn Kung


Un nuevo episodio en una saga desgastada.

¿Quién no conoce al bueno de Chucky? Una saga que inició en 1988 protagonizada por el diabólico muñeco que con esta cuenta con su séptima entrega. Siempre se la ha considerado una saga slasher “de segunda”, en ningún caso logra hacerle sombra a otras insignes criaturas del terror como son Freddy Krueger, Jason Voorhes o Michael Myers, pero eso no quita que tenga sus admiradores que esperan fervientemente una nueva entrega con el incansable Don Mancini involucrado en ella.


Tras los sucesos que vivió Nica en las que su familia fue asesinada por un extraño muñeco, ella es acusada de los asesinatos e internada en un psiquiátrico. Cuando empieza a aceptar su probable locura el maldito muñeco vuelve a aparecer para terminar lo que empezó.

Es una película que baja sus aspiraciones comparándola con entregas anteriores, sale directamente al mercado doméstico sin pasar por las salas comerciales y se nota un bajo presupuesto más que evidente. El 95% de las escenas ocurren en interiores y la escasez de personajes es notorio. Es ridículo que dentro del manicomio donde ocurre todo solo aparezcan cinco residentes, el psicólogo y dos enfermeros, echo en falta más gente ni que sea como extras. La película es divertida y centra todo su carisma en las escenas en las que sale el muñeco (bastantes menos de las deseadas) pero se nota hecha sin pasión, con un ritmo en los que en muchos momentos no ocurre nada y con pocas escenas sangrientas, de hecho buenas solo hay una y otra medio regular, y ambas extremadamente cortas, las demás son para tirar a la basura.

Y en esto le echo la culpa a su director Don Mancini, director de las últimas tres entregas y el creador y guionista de toda la saga. Aunque la idea central referente al culto es bastante curiosa y abre las puertas a futuras entregas si se nota que las ideas no fluyen todo lo que se podría desear, tal vez pasar el testigo a otra gente con propuestas nuevas revitalice una saga que tampoco hay que tomarse mucho en serio. Cult of Chucky es una entrega que mantiene los personajes más icónicos que van apareciendo en sus films, Brad Dourif (Las dos torres, Halloween: El origen) una vez más como la voz de Chucky (inseparables el uno del otro) junto con su hija Fiona Dourif (Fear Clinic, Blood Is Blood) que ya protagonizó la anterior película y deja claro que su presencia en la saga se repetirá. También están Alex Vincent (Dead Country, House Guest) el que fue el niño protagonista de las primeras entregas y con su lucha interminable con el muñeco y Jennifer Tilly (Tideland, El abrazo del vampiro) como la novia de Chucky, que es de las mejores aportaciones de las películas más recientes al imaginario de la saga.


Es una película que pese a su baja calidad como slasher tampoco hará que te des golpes de cabeza contra la pared. Si eres un fan de la saga probablemente la disfrutes aunque la encuentres algo descafeinada. Aún con esas tiene algunas buenas ideas (aunque no muy bien explotadas) y alguna que otra escena gore bastante resultona.

Firma: Oriol Hernández.

The Bride review

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Título original: Nevesta

Año: 2017

Duración: 91 min.

País: Rusia

Director: Svyatoslav Podgayevskiy

Guión: Svyatoslav Podgayevskiy

Música: Jesper Hansen

Fotografía: Ivan Burlakov

Reparto: Victoria Agalakova, Vyacheslav Chepurchenko, Aleksandra Rebenok, Igor Khripunov, Valeriya Dmitrieva, Vladimir Seleznyov, Miroslava Karpovich


Tendremos que seguir esperando a la gran película de terror rusa.

The Bride se vendió como la revolución del género desde tierras rusas, pero una vez visionada es una muestra más del agotamiento del sector que necesita de ideas nuevas y frescas para relanzar un género con tanto hecho y tanto por hacer. El cine ruso está, en términos generales, muy por debajo de lo que se podría esperar de un país que está entre los más poderosos del mundo. Es un estilo que no acaba de cuajar en el mercado internacional, es más caótico, divaga repetidamente y falto de ritmo. Repito, hablo amplificando mucho la lupa, ahí quedan grandes aportes como Solaris (1972) o Stalker (1979), pero estas y un puñado más son pequeños oasis en un vasto desierto repleto de películas mediocres.


Nastya y Vanya, una joven pareja, se casa en un arrebato, al poco él la llevará a conocer a su hermana y su familia. Esta tiene previsto hacer una boda más convencional pero la pareja no está de acuerdo, de hecho él tiene prisa por marcharse cuanto antes.

La película copia un estilo norteamericano, mucho más convencional pero el resultado es un batiburrillo que no sabe muy bien a donde va a parar. Argumentalmente es un caos, no sabes bien lo que está ocurriendo pero en el mal sentido, los personajes van tomando decisiones a lo largo de la cinta pero tú ya te has perdido porque no sabes a donde va a parar todo esto. Y no es que haya ningún misterio en su historia pues ya en sus primeras escenas te destapan toda la trama, eliminando así toda sorpresa en los planes de la familia, la confusión llega cuando ves que el plan va dando palos de ciego, con vacíos de guión alarmantes (que llegan en su final a su máxima catarsis) y una falta de interés por parte del espectador que ya hace rato que ha desconectado. Donde sí que luce bien la película es en su producción, la mansión gótica luce imponente sobre todo en las escenas que ocurren en el siglo XIX.

Dirige, como es habitual, una cinta de terror el joven Svyatoslav Podgayevskiy (Queen of Spades: The Dark Rite, Vladenie 18) y no termina de encontrar la tecla, no es ninguna maravilla pero se le nota buena diestra con la cámara y en iluminación pero peca en otros campos como una horrible selección musical en la primera mitad de cinta, con canciones pop adolescentes que no pueden combinar peor, una edición hecha a medias (da la sensación que faltan múltiples planos de transición), y un volumen de los efectos demasiado alto, llegando a apagar las voces de los personajes. Protagonizan los jóvenes Victoria Agalakova y Vyacheslav Chepurchenko y aunque no hacen una mala interpretación si me gustó más Aleksandra Rebenok, en el papel de la oscura hermana.


Una película con ciertos paralelismos en sus primeras escenas (luego no) con la reciente Déjame Salir (review) pero muy inferior en todos sus aspectos. Terror flojo, sustos extremadamente previsibles, múltiples vacíos argumentales y nada realmente original, hacen de The Bride una película mediocre y nada memorable. Tampoco es el gran desastre, pero no encontrarás grandes defensores de esta cinta.

Firma: Oriol Hernández.

La 50ª edición del Festival de Sitges arranca motores

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Los artistas invitados lucirán en más de 20 alfombras rojas

El Festival de Cine de Sitges celebra sus 50 primeras ediciones con un programa cargado de fuertes emociones, que presenta 255 películas en siete espacios de proyección –cuatro de ellos salas de cine– y 108 talents invitados. El Auditorio Meliá Sitges acogerá una veintena de alfombras rojas por donde circularán los directores, actores y actrices más relevantes que este año estarán en Sitges.

La 50ª edición del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya está lista para abrir sus puertas. Durante once días, del 5 al 15 de octubre, el mejor cine fantástico aterriza en Sitges, que ejercerá de escaparate de las últimas novedades de género, las propuestas más arriesgadas, las grandes producciones y también las pequeñas joyas del cine independiente. Cuando a penas quedan unas horas para que se levante el telón, el Festival presenta unos números espectaculares: 255 películas, 7 espacios de proyección, 1.771 horas de cine, 16 secciones, 27 piezas de realidad virtual, 3.500 metros de alfombra roja, 108 invitados, 3.000 butacas, 6,66 km de Festival, 366.752 colmillos, 1.200.000 litros de sangre.

Más de 20 alfombras rojas lucirán este año en el Festival

Un 50 aniversario donde Guillermo del Toro ejercerá las funciones de gran anfitrión de un Festival por el que desfilarán figuras de la talla de Susan Sarandon, Frank Langella, William Friendkin, Vince Vaughn, Udo Kier, Dario Argento o Robert Englund. Junto a ellos, el Festival propone una completa oferta de actividades paralelas, con seis exposiciones, masterclasses, presentaciones, Q&A, encuentros de la industria, además de consolidar la oferta en realidad virtual y series.
Un menú para todos los gustos y para todos los públicos plagado de grandes estrellas que desfilarán por la alfombra roja del Festival.

Listado de alfombras rojas en el Auditorio Melià Sitges:
http://sitgesfilmfestival.com/cas/noticies/?id=1003467

Most Beautiful Island review

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Título original: Most Beautiful Island

Año: 2017

Duración: 80 min.

País: Estados Unidos

Director: Ana Asensio

Guión: Ana Asensio

Música: Jeffery Alan Jones

Fotografía: Noah Greenberg

Reparto: Ana Asensio, Natasha Romanova, David Little, Nicholas Tucci, Larry Fessenden, Caprice Benedetti


Retrato malsano del dolor.

Sorprendente y deliciosa película norteamericana que casi la podríamos considerar como propia al estar escrita, dirigida y protagonizada por la madrileña Ana Asensio, la cual hace su debut tanto en la dirección como en el guión. Estos estrenos los podríamos catalogar como apoteósicos puesto que la maestría demostrada se da de bruces con una pretendida inexperiencia que tozudamente la directora oculta tras unas bellas, aunque algo crudas, imágenes.

Nos encontramos con un producto perfectamente manufacturado y, si me lo permitís, idóneo para públicos de diferentes latitudes. Lo que explica es algo que podemos encontrar en cualquier ciudad, lo cual no deja de ser preocupante.


Para conseguir todo esto, cuenta con el apoyo de la gran fotografía de Noah Greenberg, sucia, oscura y barriobajera, totalmente idónea con lo que se nos está contando, una historia de soledad en una huida hacia delante de la protagonista.

Luciana es una mujer indocumentada que mora por Nueva York ganándose la vida como puede. En su evasión intenta redimirse de un oscuro pasado que la atormenta, no dudando en introducirse en un peligroso juego a cambio de unos sucios billetes.

Explicar algo así requiere cierto dominio del lenguaje cinematográfico. En Most Beautiful Island la atormentada vida de unos seres que solo buscan sobrevivir en lo que muchos denominan, usando la poética, la jungla del asfalto, queda perfectamente retratada. La tensión se mantiene en sus escasos ochenta minutos. Lo bueno de la cinta es que no sabemos qué va a pasar, hacía dónde nos llevaran los pasos de la infeliz Luciana. Podemos esperar de todo. Esa incógnita quedará al fin despejada no sin algo de desilusión. Tampoco penséis que esperábamos vísceras desparramadas y litros de sangre, pero un toque algo más siniestro hubiera dado algo más de vida al film. No es que seamos sádicos, pero estamos dónde estamos y eso lo tenemos que valorar.

Su ritmo, que se mantiene constante en toda su duración, es de destacar. No le sobra ni le falta nada, va directamente al grano, ahorrándonos eso que muchas veces comentamos y que incide directamente en la excesiva duración de los films. En ese sentido tiene visos de obra maestra.

El final, sin ser apoteósico, nos deja un buen sabor de boca. Es de aquellos en los que uno se queda pegado a la butaca, dejando que transcurran unos minutos, dándole a la mollera.

Destacar, ya en el trabajo actoral, la espléndida y sobria interpretación de Ana Asensio. Da sentido a toda la cinta. Es de aquellas actrices que casi sin mover un músculo expresan toda clase de sentimientos. La secundan Natasha Romanova en un gran trabajo y Caprice Benedetti. En el lado masculino nos encontramos con el secundario Larry Fessenden (We Are Still Here y The Transfiguration) y el veterano David Little (Los Soprano).


Gran producto para los amantes de todo tipo de cine. Quedaran sorprendidos. Su apuesta está clara: divertir a la vez que hacernos reflexionar. ¿Qué más se puede pedir?

Firma: Josep M. Luzán.
@Josep_Luzan

Curvature review

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Título original: Curvature

Año: 2017

Duración: 90 min.

País: Estados Unidos

Director:  Diego Hallivis

Guión:  Brian DeLeeuw

Música: Adam Taylor

Fotografía: Noah Rosenthal

Reparto: Lyndsy Fonseca, Glenn Morshower, Linda Hamilton, Noah Bean

Nada te frenará para evitar la muerte de un ser querido.


Creo de uno de los temas más delicados a tratar en pantalla grande son los viajes en el tiempo. Bueno, más bien cuando tratas de dar a tu film una seriedad científica relacionada con este tema, ya que la línea entre la cutre ficción y la realidad muchas veces es muy fina. En Curvature toda su parte científica, que no es poca, está tratada con mucho cuidado y no desentona en la trama para nada, en lugar de esto ayuda a mantener la tensión y la incertidumbre durante gran parte del metraje.


Helen está destrozada por la reciente muerte de su marido. Tras una noche de dolorosos recuerdos se despierta algo desorientada, no sabe qué está pasando pero parece ser que tiene un lapso de tiempo perdido de varios días. Ahora es objetivo de un misterioso perseguidor. Comienza un largo recorrido para descubrir la verdad tras la muerte de su marido.

Curvature supone el segundo largometraje para el director Diego Hallivis, el cual debutó por allá por el 2011 con The Duel. 6 años y varios largometrajes después retoma la senda del largo. Esta vez con una cinta muy sólida que se mueve entre la ciencia ficción, el thriller y el terror de manera magistral. En cuanto al guión, obra de Brian DeLeeuw, el cual es conocido por ser el escritor de la cinta Some Kind of Hate que tuvo un gran recorrido por festivales a nivel mundial. DeLeeuw, nos trae una mezcla de géneros muy bien definidos y que se entrelazan a la perfección. Personalmente me hubiese gustado que se profundizara algo más en el apartado de ciencia ficción ya que el recurso de los viajes en el tiempo aporta un gran toque al film, pero casi que queda como un recurso anecdótico de la trama.

Quiero destacar un nombre, Adam Taylor el compositor de Curvature nos regala algunos temas tan épicos que por momentos me parecía estar escuchando al gran Hans Zimmer de Interstellar. Una lástima que ya sea debido a un presupuesto ajustado o a lo que comentaba antes, que no se profundiza tanto en su apartado sci-fi y si en cambio en su apartado más thriller o misterio, esta tremenda banda sonora queda un tanto diluida.

No podemos dejar de mencionar el pequeño papel de Linda Hamilton, que casi se queda en una aparición anecdótica pero siempre gusta volver a verla en la pantalla grande. La que si se come al resto de sus compañeros de reparto es Lyndsy Fonseca, gran actuación, y decir que por fin puede lucirse al 100% acostumbrados a verla en papeles más secundarios que principales.


Curvature es una muy interesante cinta de ciencia ficción donde el misterio y el terror también se dan de la mano. Pero deciros que como punto negativo al terminar de verla he sentido la sensación que está algo desaprovechada, ya que el tema que tocan realmente podría haber dado mucho más de sí. Con todo y eso estamos ante una película muy entretenida y donde su director, Diego Hallivis se confirma como un nombre a tener en cuenta en sus futuros trabajos.

Firma: Omar Parra.
@Omar_FTW

Mayhem review

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Título original: Mayhem

Año: 2017

Duración: 86 min.

País: Estados Unidos

Director: Joe Lynch

Guión: Matias Caruso

Música: Steve Moore

Fotografía: Steve Gainer

Reparto: Steven Yeun, Samara Weaving, Steven Brand, Caroline Chikezie, Dallas Roberts


Infectados y ultra-violencia unidos en una fiesta visual.

Estamos ante un film donde su premisa puede parecernos algo simple o un tanto sobreexplotada. ¿Pues qué nos puede ofrecer una cinta de infectados y unos supervivientes encerrados en un edificio, al más puro estilo [REC]? Pues Mayhem responde con un gran golpe sobre la mesa a esta cuestión. Estamos ante una cinta con un ritmo frenético, una acción que más vale ir a la sala de cine con chubasquero y un equilibrio perfecto entre terror, acción y humor. Vamos el producto definitivo para disfrutar solo o en compañía y si es en un festival de cine pues ya lo tenemos todo.


Derek Saunders está teniendo uno de los peores días de su vida, acaba de ser despedido injustamente, pero cuando parece que ya ha tocado fondo descubre que esto es solo el principio. Antes de abandonar su ex oficina descubre que todo el edificio ha sido clausurado debido a un virus que hace florecer la agresividad en las personas. Es hora de la venganza.

El director Joe Lynch (Wrong Turn2, Knights of Badassom, Everly) firma con esta película su mejor trabajo hasta la fecha. Pues hasta ahora había tocado un poco todos los géneros, pero sin llegar a destacar verdaderamente en ninguno de ellos. Ahora con un guión tan básico como efectivo de la mano de Matias Caruso, al que hay que reconocerle el mérito de ser su primer guión para un largometraje y con un total acierto a la hora de escoger casting. Joe Lynch ha sabido entregarnos lo que promete ser uno de los films más adrenalíticos de este 2017.

Lo que nos espera en Mayhem es un subidón de adrenalina a ritmo de martillazos y golpes varios con material de oficina que hará las delicias del público.

Los amantes del terror y, sobre todo las series, reconocerán la cara protagonista del film pues Steven Yeun, es uno de los habituales de la mediática serie The Walking Dead, el cual ofrece un papel bastante parecido al de la serie mencionada. ¿No lo estarán encasillando un poco?


No es una película con grandes alardes técnicos, ninguna de las interpretaciones pasará a la historia, ni tampoco es que reinvente ningún género, pero es de estas cintas que te harán pasar una hora y media entretenida como pocas. Perfecta para alegrar una tarde de esas aburridas entre salpicones de sangre.

Humor, terror y acción se aúnan en Mayhem.

Firma: Omar Parra.
@Omar_FTW

La Forma del Agua review

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Título original: The Shape of Water

Año: 2017

Duración: 119 min.

País: Estados Unidos

Director: Guillermo del Toro

Guión: Guillermo del Toro, Vanessa Taylor

Música: Alexandre Desplat

Fotografía: Dan Laustsen

Reparto: Sally Hawkins, Michael Shannon, Richard Jenkins, Octavia Spencer, Michael Stuhlbarg, Doug Jones, David Hewlett, Nick Searcy, Stewart Arnott, Nigel Bennett, Lauren Lee Smith, Martin Roach, Allegra Fulton, John Kapelos


Un maravilloso cuento para adultos.

Aunque es tarea difícil es una de las películas más redondas del director, tanto en el desarrollo como en el cierre de la historia. Por otro lado, es perceptible a primera instancia que no se trata de la película más personal, por lo menos en cuanto a la estética se refiere, aunque mantiene elementos totalmente característicos de Guillermo del Toro, como son los monstruos que nacen de una imaginación sin límites, así como de los elementos de cuento que acompañan las narraciones en sus películas.


1963 una mujer muda encargada de la limpieza de una zona restringida del gobierno descubre un secreto bien custodiado, se trata de un anfibio, un espécimen mitad hombre mitad pez que se encuentra recluido como cobaya de pruebas.

El salto que separa su anterior obra La Cumbre Escarlata, donde se podía aprecia una cierta esencia a Tim Burton, es en esta ocasión la semejanza con los trabajos del director francés Jean-Pierre Jeunet, donde consigue un magnífico equilibrio entre los elementos fantásticos que introduce el mexicano y el tempo y la estética aunque con tonos más oscuros de Amelie. Un cuento para adultos sin censura ni contemplaciones con los acontecimientos que consigue llegar al espectador.

Imposible, y lo digo convencido, imposible lograr tal inmersión en la época de la guerra fría y en la historia sin la música de Alexandre Desplat, maravillosas sinfonías para cuento pero también para los tramos de película más cercana al cine convencional de romance y thriller. Una banda sonora que acompaña en todo momento a los personajes así como a las secuencias, ideal.

El elemento clave que cierra esta comunión de elementos fantásticos, ambientación de cuento al detalle y la excelencia hecha banda sonora es la dirección e interpretación del elenco, encabezados por Sally Hawkins, responsable de prácticamente todos los minutos del film, donde gracias a la calidez de la ambientación generada por el director que envuelve a la actriz, esta puede mostrar el alma del personaje, que sin olvidar que no media palabra, utiliza expresiones y miradas para comunicarse con el espectador. Richard Jenkins acompaña con un entrañable personaje que podría protagonizar su propio spin-off. Michael Shannon en el papel que mejor lo conocemos, un malhumorado con las cosas muy claras y mala leche como para no querer cruzarse con el. Octavia Spencer, con la gran calidad que la caracteriza se encarga de la nota humorística de la historia.


El film es quizás excesivamente reivindicativo en algunas injusticias de la época como el machismo o racismo que son bien conocidas por todos y aunque incomprensiblemente siguen sin ser erradicados en la actualidad, son elementos muy externos a la historia que añaden minutos que no necesita en absoluto, quizás un poco más escueta sería incluso mejor.

Para seguir soñando con monstruos sin la necesidad de ser un niño.

Firma: Gerard FM.

Crónica Festival de Sitges 2017 día 1

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Jueves 5 de Octubre

Comienza la edición del Festival Internacional de Cine Fantástico de Catalunya Sitges 2017 y lo hace conmemorando su 50 aniversario, que no es poco. Nos esperan unos días llenos de grandes títulos, divertidas e interesantes actividades paralelas y un ambiente que respira cine por todos los lados. Estamos seguros que será una edición que marcará época pero, como decía aquel, lo bueno siempre está por llegar. ¡Larga vida al Festival!

Aprovechando que este año la organización nos regala un día, empezamos ya el jueves con unas proyecciones que sobre el papel quitan el hipo. Intentaremos, como siempre, relataros lo que en nuestra opinión destaca sobre el resto, cosa harto difícil vista la calidad, pero ¿quién dijo miedo?

Empezamos el día con una premiere mundial de origen estadounidense. Nos estamos refiriendo a Jackals de Kevin Greutert. En el guion tenemos a Jared Rivet. Greutert, para el que no lo sepa, dirigió Saw VI, Saw VII 3D y Jessabelle. Como anécdota, los protagonistas de la ficción de ésta última se apellidan Laurent, no sabemos en este momento si ese supuesto homenaje iba dirigido a David Lynch (Lost Highway) o a Michael Haneke (Caché), por antigüedad tendría que ser el primero, aunque tenemos que observar que Rivet escribió el guion en 2006, justo un año después que la película del director austriaco. Volvamos a Jackals, entre los actores nos encontramos con Deborah Kara Unger (Silent Hill,The Game y Payback). Stephen Dorff es un desprogramador de personas captadas por todo tipo de sectas que ha sido contratado por una familia para recuperar a su hijo adolescente. Mientras está desprogramando al chico, se encuentra bajo el asedio de los sectarios que exigen que les sea devuelto.

Sin abandonar Estados Unidos, nos disponemos a ver The Endless de Justin Benson y Aaron Moorhead, estando el primero a cargo del guion. Ambos directores ya nos deleitaron allá en 2014 con la fantástica y sorprendente Spring que no fue su ópera prima, con anterioridad dirigieron Resolution y V/H/S Viral (Segmento Bonestorm). Benson & Moorhed (el nombre parece el de una marca de tabaco), se caracterizan por el buen uso que hacen de los escasos presupuestos con los que cuentan. Eso tiene un gran mérito ya que ese aire íntimo y, en cierta manera, naturalista, llena con cierto aire preciosista y poético, las pantallas. Nos situamos por lo tanto en una posición un tanto alejada de las grandes producciones de ciencia ficción, en contrapartida tenemos una visión del cine más próxima y llena de matices. Entre los intérpretes, aparte de los dos directores, tenemos a Callie Hernández (Blair Witch, La La Land y Allien: Covenant), el televisivo James Jordan y Lew Temple (31 y Desierto). Dos hermanos reciben un misterioso mensaje que los inspira a hacer una visita al culto del cual escaparon cuando eran niños. A medida que se van sucediendo fenómenos inquietantes, se ven obligados a cuestionar sus creencias sobrenaturales.

Vamos avanzando y parece que la cosa se pone interesante. A continuación, Most Beautiful Island, escrita, dirigida e interpretada por la madrileña Ana Asensio. Sorprendente y deliciosa película norteamericana que casi la podríamos considerar como propia. Nos encontramos con un producto perfectamente manufacturado y, si me lo permitís, idóneo para públicos de diferentes latitudes. Lo que explica es algo que podemos encontrar en cualquier ciudad, lo cual no deja de ser preocupante. Su ritmo, que se mantiene constante en toda su duración, es de destacar. No le sobra ni le falta nada, va directamente al grano, ahorrándonos eso que muchas veces comentamos y que incide directamente en la excesiva duración de los films. En ese sentido tiene visos de obra maestra. En la labor actoral, aparte de la mencionada Ana Asensio, nos encontramos con Natasha Romanova en un gran trabajo, Larry Fessenden (We Are Still Here y The Transfiguration) y el veterano David Little (Los Soprano). Luciana es una mujer indocumentada que mora por Nueva York ganándose la vida como puede. En su evasión intenta redimirse de un oscuro pasado que la atormenta, no dudando en introducirse en un peligroso juego a cambio de unos sucios billetes.

Para acabar el día la película que se proyecta en la siempre espectacular ceremonia de inauguración. Se trata de The Shape of Water producción estadounidense dirigida por Guillermo del Toro, ayudado en el guion por Vanessa Taylor que, para hacer memoria, escribió dos de los episodios de la exitosa serie Juego de Tronos. ¿Qué decir de Don Guillermo?, pues que es uno de los nuestros. Su manera de rodar logra plasmar ante nuestras narices escenarios tétricos y agobiantes con personajes de cuentos de hadas en situaciones mágicas y fantásticas. Destacar también su faceta de novelista junto a Chuck Hogan. Entre sus títulos cinematográficos destacar Hellboy, El Laberinto del Fauno y La Cumbre Escarlata. En The Shape of Water se rodea de grandes actores. Para empezar una gran Sally Hawkins (Godzilla, Blue Jasmine y Grandes Esperanzas). Seguimos con Michael Shannon (Salt and Fire) y Richard Jenkins (Cabin in the Woods, Let Me In y Burn After Reading). Finalizamos con Michael Stuhlbarg (Seven Psycophats, Arrival y Miles Ahead). En 1962, una conserje muda y su colega trabajan en un laboratorio del gobierno, descubriendo una criatura anfibia en un tanque de agua. La conserje, por soledad, hace amistad con la criatura y se enamora.

Hemos disfrutado de un gran día de cine. La cosa parece que promete, nuestros ojos como platos dan buena prueba de ello.
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