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Título original: The Ritual

Año: 2017

Duración: 94 min.

País: Reino Unido

Director: David Bruckner

Guion: Joe Barton, Adam Nevill (Novela)

Música: Ben Lovett

Fotografía: Andrew Shulkind

Reparto: Rafe Spall, Robert James-Collier, Arsher Ali, Sam Troughton

Un ritual muy terrorífico.

Del mejor cine de género británico nos llega The Ritual. Un producto que sin ser totalmente novedoso, contiene elementos interesantes, como iréis viendo a lo largo de esta crítica. Uno de los puntos que llaman la atención es la aparición de un curioso monstruo extraído de la mitología escandinava, concretamente de Suecia. Jugando con el espectador David Bruckner nos va dando pinceladas de su presencia, y sólo hasta el final nos lo enseña en todo su esplendor, y la verdad es que vale la pena la espera, acongoja bastante.

Otra cosa a comentar es que a pesar de estar rodada íntegramente en exteriores, concretamente en un frondoso bosque, aparecen unas imágenes que enseguida identificaréis como bastante mundanas. Este elemento nos lleva a una cinta sobrenatural donde la realidad y la ficción se entremezclan sabiamente.
El director tiene cierto bagaje detrás, concretamente es el director de Southbound y The Signal. Esa afición por moverse dentro del terror parece ser que es su marca de fábrica, aunque en The Ritual la cosa está más hilvanada y podemos considerar un avance en su carrera en comparación con las anteriores, las cuales acabamos de comentar.

La historia es bastante original ya que, como hemos comentado, mezcla una situación mundana con algo que se escapa totalmente a nuestro raciocinio y, además, rodada sin concesiones y con un ritmo preciso.

Un grupo de amigos de la universidad se reúnen para una excursión. Tras algún incidente debido a la mala suerte, se adentran en un oscuro bosque. Se encuentran desamparados notando una presencia que los acosa.

Buena y resultona película con un gran guion en el que premia más la diversión a través de unos enigmas y con un gran ritmo. La desesperación de los protagonistas queda perfectamente reflejada a través de unas bellas imágenes, y es que la fotografía de Andrew Shulkind es de altura. Entre los puntos, podríamos denominar, como menos positivos, tenemos el un poco simple planteamiento que desemboca en un final algo previsible.

Otra de las cosas que no me atrevería a denominar en un sentido o en otro, es cierto parecido a la excelente serie Black Mirror. Naturalmente a los fervientes seguidores de esa producción británica les gustará ese parecido. Particularmente lo considero un punto a su favor.

Vamos con las interpretaciones. Empezamos con Rafe Spall. En su haber White Christmas, episodio de Black Mirror, La Vida de Pi y Earthbound. Seguimos con Robert James-Collier que mayormente ha desarrollado su carrera en el mundo televisivo, así como otro integrante del reparto Arsher Ali. Acabamos con Sam Troughton, participante entre otras en Alien vs Predator.

Un film para los amantes de las películas de terror con aire tradicional. Introduce, como hemos comentado antes, contiene ciertos elementos interesantes que hacen subir su nivel.

Firma: Josep M. Luzán.
@Josep_Luzan

Jueves 12 de Octubre

Nos encontramos ante la recta final. Mirando por el retrovisor vemos zombis, psicópatas, monstruitos de todo tipo, incontables cadáveres y también amor y pasión, mucha pasión, en la pantalla y en todo lo que rodea al Festival. Delante nuestro, grandes proyecciones que sin duda harán subir el nivel mostrado hasta ahora.

Para empezar esta jornada un producto nacional de origen vasco. Se trata de Errementari de Paul Urkijo Alijo. En el guion cuenta con la colaboración de Asier Guerricaechevarría, cuya trayectoria ha transcurrido mayormente en el mundo televisivo. En la producción el gran Alex de la Iglesia. Paul Urkijo es autor del aclamado corto El Bosque Negro, una buena referencia. Errementari está inspirada en el cuento tradicional vasco titulado Patxi Errementaria y trata sobre un herrero tan cruel que es incluso temido por el mismísimo Diablo. Según palabras del mismo director: “mi idea es hacer una película de género fantástico con un ambiente de fantasía oscura, con elementos de humor negro, aventura y algo de terror. Es un largometraje con un carácter local pero con un espíritu internacional a nivel de entretenimiento cinematográfico a través de una puesta en escena muy trabajada, efectos especiales… pero con un espíritu muy de aquí. En el reparto Kandido Uranga (Vacas y Bosque de Sombras), Eneko Sagardoy (La Mina y Santuario) y Uma Bracaglia. Patxi Errementaria es un herrero con fama de mal cristiano que recibe la visita de varios demonios encargados de llevarlo al infierno. Pero Patxi no sólo no se asusta, sino que comienza a putear y deshacerse de los demonios, hasta que en el infierno desisten y se convencen de que nos es alguien a quien quieran tener a su lado.

A continuación, una coproducción Estonia, Holanda y Polonia llamada November de Rainer Sarnet que también se encarga del guion. Está basado en la novela homónima de Andrus Kivirähk. Nos encontramos ante un drama sobrenatural que se ha convertido en uno de los hits de este año. El film nos lleva a una aldea pagana de Estonia, dónde los hombres lobo, las plagas y los espíritus conviven. November supone el debut de Rainer Sarnet tras la cámara. Uno de los puntos destacados de la cinta es la fotografía, en blanco y negro y formato 1 85:1. El elenco está encabezado por Rea Lest, Jörgen Liik, Arvo Kukumägi, Katariina Unt y Taavi Eelmaa. Liina es una joven granjera que está desesperada y desamparadamente enamorada de un chico de la aldea llamado Hans. Su anhelo hace que la niña se convierta en un hombre lobo y salte a un estanque helado. Está lista para morir en el nombre del amor.

Seguimos con Okja de Bong Joon Ho. Una coproducción Corea del Sur-Estados Unidos. En el guion cuenta con la ayuda de Jon Ronson. Entre los títulos anteriores de Bong Joon Ho nos encontramos con grandes títulos como Memories of a Murder y The Host. Hay que destacar la variedad de la temática de sus películas. Huye en cierto modo del encasillamiento, aunque conserva toda la esencia del cine coreano. En Okja recupera algo de ese perfume, llamémosle infantil e inocente, que hurga con una amable comedia un cine que acaba convirtiéndose en típico de ese país asiático. Como en The Host se atreve en la recreación de criaturas que no son de este mundo. En la que nos ocupa por eso, es algo más terrenal y reconocible como es un cerdo, algo extraño y voluminoso por cierto y, habéis acertado, tierno, sumamente tierno. En las interpretaciones es donde se nota más esa coproducción antes mencionada, siendo el resto de la producción más exclusivo y reconocible. Encabeza el reparto Tilda Swinton (The Zero Theorem y Tenemos que Hablar Sobre Kevin) en un doble papel. Seguimos con Paul Dano (Looper y Swiss Army Man). A continuación Jake Gyllenhaal (Brokeback Mountain y Donnie Darko). Para finalizar una jovencísima Seo-Hyun Ahn. Durante sus diez años, la joven Mija ha sido compañera de Okja, un enorme animal y un amigo aún más grande, en las montañas de Corea del Sur. La multinacional Mirando la quiere hacer imagen corporativa, pero tiene unos planes para Okja con los que Mija no está para nada de acuerdo.

Continuamos la jornada con Sanpo Suru Shinryakusha (Before We Vanish) del director japonés Kiyoshi Kurosawa que también es autor del guion. Está basado en la novela de Tomohiro Maekawa. Entre sus recientes trabajos destacar Le Secret de la Chambre Noire de 2016. Con anterioridad nos regaló un título tan perturbador como Cure de 1997. Podríamos decir que es uno de los nuestros, aunque bien pronto abandonó el terror. En la que nos ocupa juega un poco al equívoco al presentarnos una obra sobre la invasión de la Tierra por parte de unos alienígenas, aunque lo trata de manera que abandona totalmente el apartado visual. A pesar de todo hay bastante acción entremezclada con algo de drama. Es una película de ciencia ficción muy particular, donde prima más el trasfondo que las formas. En las interpretaciones nos encontramos con Masami Nagasawa (I am a Hero), Ryûhei Matsuda (The Raid 2) e Hiroki Hasegawa (Shin Godzilla). Tres alienígenas viajan a la Tierra para preparar una invasión masiva, tomando posesión de personas.

Para finalizar el día Krotkaya (A Gentle Creature) del director ruso y especialista en documentales Sergei Loznitsa, autor también del guion. En esta ocasión nos brinda una película de ficción con bastante mala leche. Excesiva en su duración, nos explica las peripecias de una mujer por tener que salvar todas las trabas burocráticas que le colocan en el camino para ir a ver a su marido que está encerrado en una oscura prisión. Esta, a priori, atractiva y kafkiana propuesta se convierte en tediosa al plasmar en la pantalla y de manera algo tranquila, una historia que no da más de sí desde un buen principio. No obstante recalcar algunas escenas por su originalidad. En las interpretaciones nos encontramos con Vasilina Makovceva, Valeriu Andriuta, Sergei Kolesov y Dmitry Bykovsky. Una mujer vive en un pequeño pueblo en Rusia. Un día recibe el paquete que envió a su marido, que está cumpliendo una condena en la cárcel. Confundida y enojada, se pone a buscar el por qué su paquete se devolvió al remitente.

Título original: La Piel Fría

Año: 2017

Duración: 101 min.

País: España

Director: Xavier Gens

Guion: Jesús Olmo, Eron Sheean (novela Albert Sánchez Piñol)

Fotografía: Daniel Aranyó

Reparto: David Oakes, Aura Garrido, Ray Stevenson, John Benfield, Iván González, Winslow Iwaki, Ben Temple

Vuelve el mejor Xavier Gens.

Sorprendente adaptación de la obra titulada La Pell Freda, del escritor catalán Albert Sánchez Piñol. Se debe decir alto y claro pues estamos artos de ver como estupendas novelas son convertidas en mero y vulgar entretenimiento de hora y media para la ingesta rápida del contenido. Afortunadamente, este no es el caso, el director francés Xavier Gens, conocido por trabajos como su opera prima Frontiers, The Divide o Crucifixion, logra hacer de la novela cine. Esta, es más que una adaptación, es transportar las imágenes creadas en la mente del lector y plasmarlas como si de las palabras se pudieran crear imágenes, una obra literaria proyectada contra la pantalla que tiene como responsable la fotografía de Daniel Aranyó, un trabajo digno de verse.

Un joven acude a una solitaria isla del Antártico separada de todas las rutas marítimas para relevar y tomar las funciones de observador de la meteorología. Al llegar a la isla en la que debe permanecer todo un año se dará cuenta de que no es el mejor lugar del mundo para quedarse solo y mucho menos cuando la noche se acerca.

Subido a una pequeña barca, el protagonista principal llamado Friend, e interpretado con solvencia por el actor David Oakes pone pie firme en la solitaria isla, viento salado, rocas, un faro atrincherado y una vieja casa, todo representado como en un cuadro. La soledad se palpa con tan solo unos pocos minutos de metraje, es una situación desoladora que nos conecta con la historia de inmediato y se mantiene durante el transcurso de la historia gracias en parte al trabajo del actor mencionado unas líneas mas arriba y de Ray Stevenson, quien junto al primero hacen un tándem donde salen a relucir unas interpretaciones que se retroalimentan cuando están juntos y que se refuerzan cuando están en solitario. La película esta compuesta por estos dos actores principales y Aura Garrido, quien a penas podemos adivinar convertida en una subespecie humana. La historia esta contada en el marco de la soledad pero también teniendo presente la relación humana con la naturaleza y su entorno.

En la novela el final cobra algo más de sentido en relación a la evolución del personaje y los acontecimientos. Pero en la versión de la película en que se entiende a la perfección el mensaje final, es todo más cargado en ese cierre, personalmente creo que es más acertado esta variación en pantalla que haberlo mantenido como en el libro, pues por la velocidad en la que ocurren los acontecimientos, mantenerlo como en el libro habría descubierto lo que iba a ser el final.

Firma: Gerard FM.

Viernes 13 de Octubre

Ante nosotros una gran jornada para regocijo de los valientes que llegan a ese día sanos y frescos como lechugas. Mucho nos tememos que son muy pocos.

Empezamos con la coproducción de Hungría y Alemania Jupiter's Moon de Kornél Mundruczó. En el guion cuenta con la ayuda de Kata Wéber. El tema que sirve de fondo es el drama de la inmigración siria hacia Europa. El paso por Hungría se acaba convirtiendo en un infierno para muchos de ellos. La brutalidad de la policía de ese país queda perfectamente reflejada en unas imágenes que impresionan por su crudeza. A pesar de ello, algún toque de humor suaviza el tema, para suerte del espectador. En el apartado interpretativo empezaremos con Merab Ninidze (Bridge of Spies y My Best Enemy), continuando con György Cserhalmi y finalizando con Zsombor Jéger. Un joven inmigrante es derribado mientras atraviesa ilegalmente la frontera. Aterrorizado y en estado de shock se da cuenta del nuevo poder adquirido de la levitación. El Dr. Stern lo saca de contrabando con la intención de aprovecharse de su extraordinario nuevo atributo. Ambos se convierten en fugitivos en busca de seguridad y dinero.

Seguidamente el producto japonés Survival Family (Sabaibaru famirî) de Shinobu Yaguchi que también se encarga del guion. En el haber del director japonés Robo-G y Wood Job!
Los cineastas japoneses han extraído una gran variedad de géneros de ficción para reflexionar sobre los terremotos, los tsunamis y las catástrofes nucleares que devastaron su país en 2011. Con la familia Survival, el director Shinobu Yaguchi ha tomado el camino de articular la ansiedad colectiva que todavía está instalada en su país de origen. Armado con el diseño de producción de Katsumi Nakazawa, Survival Family transforma lo que podría haber sido una agotadora narrativa apocalíptica en un drama familiar apetitoso con una moral débilmente velada y abundante humor de peces fuera del agua. En las interpretaciones Fumiyo Kohinata (Dark Water y Audition), Eri Fukatsu (Parasyte) y Yuki Izumisawa. Después de un súbito corte mundial de energía, una familia de Tokio está atrapada en el caos mientras millones de personas recorren el país en busca de electricidad.

De Estados Unidos nos llega la producción Psychopaths, estando a cargo de la dirección y el guion Mickey Keating, una estrella en ascenso en el mundo del cine de terror indie gracias a título como Carnage Park y Darling. En Psychopaths no presenta tanto una narración como una serie de horribles escenas de violencia y brutalidad, como un musical compuesto de números de canciones y bailes. El resultado es sorprendente gracias a la experiencia estilística del cineasta, el amor al medio ambiente y el ambiente fresco y retro de los años setenta que harán que los espectadores de cierta época sientan nostalgia de lo días de grindhouse de su juventud. En el reparto nos encontramos con Ashley Bell (El Último Exorcismo y Carnage Park), Jamie Ann Burke (C.S.I.) y Larry Fessenden (Southbound y Most Beautiful Island). Varios psicópatas causan estragos en el transcurso de una noche violenta.

Vamos avanzando poco a poco hasta darnos en las narices con Happy Death Day (Feliz Día de Tu Muerte), una producción norteamericana de Christopher Landon. En el guion Scott Lobdell. Hablando de Landon ha sido el guionista de tres de las secuelas y un spin-off de Paranormal Activity, estando a cargo de la dirección de Zombie Camp. Parece que los films tipo El Día de la Marmota de Harold Ramis se han puesto de moda, como ejemplo otra película proyectada en este Festival: A Day, película coreana de Cho Sun-ho. La primera de las mencionadas la podríamos considerar como una comedia, la segunda un drama. En la que comentamos el terror hace acto de presencia, dando una nueva vuelta de tuerca en ese, podríamos llamarlo, subgénero. En el reparto Jessica Rothe (La La Land), Israel Broussard y Ruby Modine. Una estudiante universitaria reconstruye el día de su asesinato reviviendo tanto los detalles cotidianos como su aterrador final hasta descubrir la identidad de su asesino.

Para finalizar el día nos hemos guardado un cartucho: Downrange de Ryûhei Kitamura, uno de los bombazos de la temporada, sin duda. En el guion está ayudado por Joey O'Bryan. Kitamura ya nos deleitó, allá en 2012, con No One Lives, un título muy entretenido y lleno de acción marca de la casa. Rodar ese tipo de películas hace que los directores encargados de filmarlas acaben algo encasillados. El director de origen japonés no es una excepción, pero hay que decir que sus cintas tienen algo que las hace diferentes. Sin abandonar la mala leche, tiene toques infantiles que nos hacen sonreír a pesar de lo que va apareciendo en pantalla. Esto último no quiere decir que abandone la truculencia, en cierta manera heredada del gran Sam Peckinpah, autor del que beben muchos de los directores actuales, pero ciertos elementos a la vez que inverosímiles resultan hasta simpáticos. La escuela japonesa, tan poco dada a conceder nada al público, parece que tampoco es uno de sus referentes, si no que se lo digan a Takeshi Kitano o a Takashi Miike. Llegamos a la conclusión, por lo tanto, de que Kitamura tiene un estilo propio que cuenta con infinidad de seguidores. La parte actoral está muy dividida, destacaré no obstante a Kelly Connaire, Stephanie Pearson, Rod Hernandez y Anthony Kirlew por estar más en tiempo en pantalla que el resto, así de simple. Un grupo de amigos que transitan por una carretera pérdida, tienen que detener el vehículo a causa del estallido de uno de los neumáticos. Lo que parecía un vulgar reventón, se convierte en la cacería de un enigmático francotirador, convirtiendo a los protagonistas en el más vulgar de sus objetivos.

Y el día llega a su fin con un gran sabor de boca. Dormiremos pensando en los angelitos.

El premio especial del Jurado es el drama sobrenatural noruego ‘Thelma’; y la francesa Coralie Fargeat gana la mejor dirección con su ópera prima ‘Revenge’

La 50a edición del Sitges - Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya termina hoy con un palmarés que premia al cine europeo. El húngaro Kornél Mundruczó –director que siempre ha introducido el elemento fantástico de manera inteligente en sus películas– ha conseguido el premio a la Mejor Película con Jupiter’s Moon, una fábula fantástica que cuenta con un deslumbrante diseño de producción. Jupiter’s Moon también se ha hecho con el premio a los mejores efectos visuales. El premio a la Mejor Dirección ha recaído en la francesa Coralie Fargeat que con una violenta cinta que contiene guiños a los clásicos de los años 70, ha firmado una brillante ópera prima: Revenge. El palmarés de Sitges 2017 ilustra un Festival que ha conseguido cifras de récord, con un aumento del 10% en la venta de entradas.

Jupiter’s Moon ha deslumbrado y su director Kornél Mundruczó –autor de la extraordinaria White God– ha paseado complicidad por Sitges y ha reclamado conciencia social sobre uno de los grandes dramas de nuestro tiempo como es la inmigración. Mundruczó recogerá el Premio a la Mejor Película de la Sección Oficial en la gala especial de clausura de Sitges 2017, que se celebrará esta noche en la Fragata para conmemorar el 50 aniversario del Festival. La gala está protagonizada por La Fura dels Baus y producida por La Xarxa per a la Comunicació Local.

La lista de premios de Sitges 2017 reconoce los papeles de Marsha Timothy en Marlina the Murderer in Four Acts y de Rafe Spall en The Ritual. También han sido premiados los realizadores catalanes Pintó & Caye, que han recibido el premio al mejor cortometraje con R.I.P y el premio del público por Matar a Dios. El Premio de la Crítica José Luis Guarner ha resultado ex aquo para dos películas que llegaban a Sitges avaladas por los premios cosechados en los festivales de Austin y Locarno, la brasileña As boas maneiras; y el de mejor guion en el Festival de Cannes, la película del griego Yorgo Lantinos The Killing of a Sacred Deer.

PALMARÈS SITGES 2017

Secció Oficial Fantàstic Sitges 50

Millor pel·lícula / Mejor película / Award for Best Feature Length Film:
JUPITER’S MOON, de Kornél Mundruczó

Premi especial del jurat / Premio especial de Jurado / Special Jury Award:
THELMA, de Joachim Trier

Millor direcció (patrocinat per Gas Natural Fenosa) / Mejor dirección / Award for Best Director:
Coralie Fargeat, per REVENGE

Millor interpretació femenina / Mejor interpretación femenina / Award for Best Actress:
Marsha Timothy, per MARLINA THE MURDERER IN FOUR ACTS

Millor interpretació masculina (patrocinat per Autolica – Mercedes Benz) / Mejor interpretación masculina / Award for Best Actor:
Rafe Spall, per THE RITUAL

Millor guió / Mejor guion / Award for Best Screenplay:
Joachim Trier i Eskil Vogt, per THELMA

Millors efectes especials / Mejores efecto especiales / Award for Best Special Effects:
Ferenc Deák, per JUPITER’S MOON

Millor fotografia / Mejor fotografía / Award for Best Cinematography:
Andrew Droz Palermo, per A GHOST STORY

Gran premi del públic (patrocinat per La Vanguardia) / Gran premio del público / Grand Audience Award:
MATAR A DIOS, de Albert Pintó & Caye Casas

Millor curtmetratge / Mejor cortometraje / Award for Best Short Film :
R.I.P, de Pintó & Caye

Focus Àsia

A SPECIAL LADY, de Lee An-kyu

Menció especial / Mención especial / Special mention :
MARLINA THE MURDERER IN FOUR ACTS, de Mouly Surya

Òrbita

Millor pel·lícula / Mejor película / Award for Best fim:
THE BATTLESHIP ISLAND: DIRECTOR’S CUT, de Ryoo Seung-wan

Panorama Fantàstic

Millor pel·lícula / Mejor película / Award for Best film:
CREEP 2, de Patrick Brice

Panorama Documenta

Millor pel·lícula documental / Mejor película documental / Award for Best documentary film:
78/52, de Alexandre O. Philippe

Anima’t

Millor pel·lícula / Mejor película / Award for Best film:
TEHRAN TABOO, d’Ali Soozandeh

Millor curtmetratge / Mejor cortometraje / Award for Best Short Film:
HYBRIDS, de Florian Brauch, Matthieu Pujol, Kim Tailhades, Yohan Thireau i Romain Thirion

Noves Visions One

DAVE MADE A MAZE, de Bill Watterson

Menció especial / Mención especial / Special mention:
KUSO, d’steve

Noves Visions Plus

Millor pel·lícula / Mejor película / Award for Best Film:
DAWSON CITY: FROZEN TIME, de Bill Morrison

Noves Visions Petit Format

Millor curtmetratge / Mejor cortometraje / Award for Best Short Film :
HOISSURU, d’Armand Rovira

Jurat de la crítica
Premi de la crítica - José Luis Guarner / Premio de la crítica - José Luis Guarner / José Luis Guarner Award (Critics Jury)

Ex aequo
AS BOAS MANEIRAS, de Juliana Rojas i Marco Dutra
THE KILLING OF A SACRED DEER, de Yorgos Lanthimos

Premi Citizen Kane a la millor direcció novell / Premio Citizen Kane a la mejor dirección novel / Citizen Kane Award for Best Up-and-Coming Director

Coralie Fargeat, per REVENGE

Millor pel·lícula Discovery / Mejor película Discovery / Award for Best Film Discovery

BRIGSBY BEAR, de Dave McCary

Jurat Carnet Jove / Jurado Carnet Jove / Carnet Jove Jury

Millor pel·lícula / Mejor película / Best film:
A GHOST STORY, de David Lowery

Millor pel·lícula de Midnight X-Treme / Mejor película Midnight X-Treme / Best Midnight X-Treme film:
ANNA AND THE APOCALYPSE, de John McPhail

Premi Brigadoon Paul Naschy / Premio Brigadoon Paul Naschy / Brigadoon Award

CUERNO DE HUESO, d’Adrián López

Samsung Sitges Cocoon

Millor pel·lícula en realitat virtual / Mejor película / Award for Best film:
KNIVES, d’Adam Cosco

Menció especial / Mención especial / Special mention:
RAY, de Rafael Pavón

Premi del públic a la millor pel·lícula en realitat virtual / Premio del público a la mejor película / Audience Award for Best film:
ALTERATION, de Jérôme Blanquet

Méliès

Méliès d’argent a la millor pel·lícula / Meliés de plata a la mejor película / Silver Melies Award for Best film:
THELMA, de Joachim Trier

Méliès d’argent al millor curtmetratge / Meliés de plata al mejor cortometraje / melies Award for Best Short film:
EXPIRE, de Magalí Magistry

Blood Window

MADRAZA, d’Hernan Aguilar

Menció especial a la millor actriu / Mención especial a la mejor actriz / Special mention for Best Actress:
Isabél Zuaa, per AS BOAS MANEIRAS

Premis SGAE Nova Autoria

Millor curtmetratge / Mejor cortometraje / Award for Best Direction:
CELEBRACIÓ, de Pau Cruanyes i Gerard Vidal

Millor guió / Mejor guion / Award for Best Screenplay:
Anna Agulló, per UNA CAJA CERRADA

Millor música original / Mejor música original / Award for Best Original Music:
Joan Masats, per SESGO, UNA HISTORIA DE PREJUICIOS Y GOLOSINAS

Menció especial / Mención especial / Special Mention:
LA FUGA DE LOS 45, per Cristina Caamaño

Título original: Gam man da song si

Año: 2017

Duración: 105 min.

País: Hong Kong

Director: Alan Lo

Guion: Nick Cheuk

Reparto: Kai-Chung Cheung, Alex Man, Carrie Ng, Cherry Ngan, Michael Ning, Angie Shum, Venus Wong

Buenas ideas mal aprovechadas.

Vamos a ver. Primero ponemos sobre la mesa lo que esta película parece y después explicaré lo que realmente es. A priori Zombiology es una zomedia de tantas, escenas sangrientas protagonizadas por zombies y unos personajes que se comportan de una manera más distendida de lo que sería normal. Hasta ahí nada nuevo bajo el sol. Pero esta película es mucho más pero, desgraciadamente, peor. Porque lo que hace bien es de un nivel excelente pero lo que más abunda en esta película es lo que hace mal. Vamos a seguir desplegando esto para ver si llegamos a alguna parte.

Dos chavales bastante freaks van por la vida pensando en chicas y en unos super héroes basados en ellos. Al poco aparece el padre de uno de ellos volviendo de la cárcel tras 15 años, cuando la situación aún no se ha asimilado una infección zombie empieza a propagarse por toda la ciudad.

La película es en un 70% de su duración bastante aburrida, y aunque lo parezca no es una comedia, lo es cuando hay situaciones cómicas y aquí prácticamente no hay, lo que si tenemos son unos personajes bastante payasos y sin gracia pero eso no lo convierte en algo humorístico, sacando de la ecuación al enemigo final, que tiene tela. Lo que si tenemos es un exceso de drama, lo poco gusta y lo mucho cansa. Está bien que metan trasfondo a los personajes para que nos importe lo que les pase pero en Zombiology se pasan de rosca y mucho más de la mitad se la pasan con temas familiares que, sinceramente, al espectador ni le va ni le viene. Hasta pasada una hora no llega la primera escena de acción y esta es bastante mediocre, y hay que seguir esperando a ver algo entretenido... hasta que llega. Las dos últimas escenas de acción son una auténtica pasada, la primera más convencional, luchando con zombies con un peculiar armamento que son un homenaje (por no llamarlo plagio) a la saga de videojuegos Dead Rising, y otra escena absolutamente espectacular hecha con animación (en la película tiene sentido que así sea) con una banda sonora brutal.

Y es que esta película se encorseta a si misma continuamente y no es hasta el final cuando da lo mejor de sí, pero para entonces ya es demasiado tarde. Ha sido demasiado tiempo viendo tramas argumentales más propias de una telenovela que de una película de acción con zombies. Dirige su ópera prima Alan Lo tras un par de cortometrajes que cosecharon premios como son Zombie Guillotienes (2012) y Lei she (2014), esta está muy bien rodada y se siente un proyecto desaprovechado por el guión de Nick Cheuk, como decía, demasiado melodramático, si esta película hubiera ido más al lío, sin preocuparse tanto por los sentimientos de los personajes, si se hubiera centrado más en la acción... en definitiva, si hubiera sido algo más cafre, esta cinta, por su dirección habría sido algo muy grande. Protagonizan Michael Ning y Kai-Chun Cheung (Ip Man 3), como la pareja de amigos, su trabajo es óptimo, lo que sorprende es encontrarse con Alex Man tras tantos años sin verle de nuevo en la pantalla grande (El joven Bruce Lee).

Esta película podría haber sido algo muy grande, pero se queda en un aprobado justito con todo el mérito a sus últimos 20 minutos que son de gran calidad. En tus manos queda si quieres pasar el tedio durante más de una hora para llegar a la chicha. Eso sí, en los últimos diez minutos (créditos incluidos) activa el Shazam, porque es un temazo detrás de otro.

Firma: Oriol Hernández.

Título original: Downrange

Año: 2017

Duración: 90 min.

País: Estados Unidos

Director: Ryûhei Kitamura

Guion: Ryûhei Kitamura, Joey O’Bryan

Música: Aldo Shllaku

Fotografía: Matthias Schubert

Reparto: Kelly Connaire, Stephanie Pearson, Rod Hernandez, Anthony Kirlew, Alexa Yeames, Jason Tobias, Aion Boyd

Violenta y magistral lección de cine.

Kitamura ya nos deleitó, allá en 2012, con No One Lives, un título muy entretenido y lleno de acción marca de la casa. Rodar ese tipo de películas hace que los directores encargados de filmarlas acaben algo encasillados. El director de origen japonés no es una excepción, pero hay que decir que sus cintas tienen algo que las hace diferentes. Sin abandonar la mala leche, tiene toques infantiles que nos hacen sonreír a pesar de lo que va apareciendo en pantalla.

Esto último no quiere decir que abandone la truculencia, en cierta manera heredada del gran Sam Peckinpah, autor del que beben muchos de los directores actuales, pero ciertos elementos a la vez que inverosímiles resultan hasta simpáticos. La escuela japonesa, tan poco dada a conceder nada al público, parece que tampoco es uno de sus referentes, si no que se lo digan a Takeshi Kitano o a Takashi Miike. Llegamos a la conclusión, por lo tanto, de que Kitamura tiene un estilo propio que cuenta con infinidad de seguidores.

Superar o como mínimo igualar esa gran obra que hemos comentado al principio parecía difícil, pero el director de Osaka lo ha conseguido plenamente con Downrange. Conseguir mantener la tensión durante toda la duración de la cinta mientras vemos a un certero psicópata-francotirador cargándose a todo lo que se mueve tiene su mérito. En la parte central y cuando todo parece que va en caída libre, introduce una escena que al verla se nos sales los ojos de las órbitas, a partir de allí el subidón nos deja pegados a la butaca hasta el final.

Un grupo de amigos que transitan por una carretera pérdida, tienen que detener el vehículo a causa del estallido de uno de los neumáticos. Lo que parecía un vulgar reventón, se convierte en la cacería de un enigmático francotirador, convirtiendo a los protagonistas en el más vulgar de sus objetivos.

Película para pasárselo en grande en un guion sencillo pero muy efectivo y que no escatima todo tipo de escenas en las que la sangre y las vísceras salpican la pantalla para regocijo de unos espectadores que conforme va avanzando quieren más y más, Kitamura, amablemente se los da, además con ese toque que podríamos denominar como travieso.

El dibujo de los personajes es uno de sus escasos puntos débiles, pero como tampoco esperábamos algo dramático tipo Shakespeare, queda diluido entre tanta escena violenta y terrorífica.

En la parte técnica destacar, ¿cómo no?, los fantásticos efectos especiales, maquillaje y stunt. La cantidad y variedad de ellos da una idea del intenso trabajo en ese sentido, y sin un solo CGI.

La parte interpretativa está muy dividida, destacaré no obstante a Kelly Connaire, Stephanie Pearson, Rod Hernandez y Anthony Kirlew por estar más en tiempo en pantalla que el resto, así de simple.

Nos encontramos ante un auténtico bombazo para el disfrute de la legión de seguidores de Kitamura. No quedaran defraudados, estamos ante unos de sus mejores títulos.

Firma: Josep M. Luzán.
@Josep_Luzan

Título original: Bye Bye Baby

Año: 2017

Duración: 15 min.

País: España

Director: Pablo S. Pastor

Guion: Javier Parra, Pablo S. Pastor

Música: Roly Whiterow

Fotografía: Víctor J. Alvarado

Reparto: Karina Kolokolchykova, Pilar Pintre, Lucía Martínez, Noa Sánchez, Nani Rodríguez, Verónica Polo, Rebeca Mahoney

El miedo más perturbador está en casa.

El terror tiene muchas caras, tantas que incluso las encontramos en la vida cotidiana, sobre todo al llegar a final de mes. Pero estamos hablando de terror cinematográfico en sentido estricto y eso nos abre todo un abanico de géneros y subgéneros que haría interminable su enumeración. Intentar colocar Bye Bye Baby en alguno de ellos nos lleva a una dicotomía. Por un lado, podríamos decir casi al instante que es terror clásico, por otra parte, tiene ciertos toques originales y, hasta cierto punto, divertidos.

Esa dualidad antes comentada ya nos la expuso Pablo S. Pastor en su opera prima Into The Mud (review) y la podríamos calificar como una marca de fábrica que hace que sus productos se conviertan en algo curioso y muy vistoso.

La historia tampoco es para acabar en los anales de la creatividad. Tened en cuenta que nos disponemos a ver a una chica sola en casa, a la cual le empiezan a asaltar todos los miedos tanto de dentro como de fuera. Esa sencilla premisa consigue que realmente sintamos miedo, cosa que dice mucho en favor de cómo está explicada la cinta que estamos analizando.

Una joven decide pasar la noche en casa tranquilamente viendo una película, a pesar de la insistencia de una amiga en sentido contrario. Poco a poco se va dando cuenta de que quizás no esté sola del todo.

Muy bien trabajada película que consigue desde el minuto cero que nos lo pasemos en grande, acrecentando minuto a minuto la curiosidad sobre cómo acabará todo. Tenemos que decir que el ritmo no ayuda excesivamente a que el resultado final estalle como unos fuegos artificiales, es decir, da la impresión de que la acción transcurre a trompicones y que reducir un poco su metraje no hubiera ido del todo mal. El guion, por lo tanto, se nos antoja algo confuso a pesar de la simplicidad de la historia. No obstante, y perdonarme la reiteración, la diversión está garantizada, sobre todo gracias a un excelente final. Esto último hace que la impresión que nos quede sea muy grata. Su aire más bien comercial puede ampliar el espectro del público que decida visionarlo.

El apartado interpretativo lo acabamos rápido, Karina Kolokolchykova lleva todo el peso del film. Sobre ella recae la responsabilidad de mantener la cosa dentro de unos parámetros atractivos, en cierta manera lo consigue, aunque encontremos en falta algo más de pasión.

Para finalizar decir que a los amantes de las obras sin grandes complicaciones y mostradas con calidad encontraran en este film un aliciente para pasar un buen rato. De eso se trata ¿no?

Firma: Josep M. Luzán.
@Josep_Luzan

Sábado 14 de Octubre

Ya nos hemos plantado en el último día del Festival. Hemos disfrutado de grandes días, no solo de cine, sino de todo tipo de actividades que hacen de ésta una edición inolvidable. Hemos intentado poneros al corriente de todo cuanto acontecía cinematográficamente hablando, del resto, desgraciadamente no podemos explicaros nada, se queda entre los bellos muros de Sitges.

Vamos por trabajo. Para empezar la jornada de hoy tenemos The Lodgers, producción de Irlanda dirigida por Brian O'Malley. En el guion David Turpin, profesor de literatura irlandesa. Haciendo un poco de memoria recordamos el anterior trabajo del director: Let Us Pray, que tuvo bastante repercusión allá en el año 2014. Nos encontramos ante una historia gótica de fantasmas ambientada en la Irlanda rural de principios del siglo XX. Tiene un enfoque sobrenatural que también abarca temas de conflicto de clases y el deber patriótico en una sociedad que cambia rápidamente bajo el dominio del colonialismo británico. En las interpretaciones nos encontramos con Charlotte Vega (El Club de los Incomprendidos y Mi Otro Yo), David Bradley (Harry Potter y The Strain) y Eugene Simon (Juego de Tronos y Ben Hur). Ambientada en la zona rural de Irlanda en 1920, esta historia gótica evoca las historias espeluznantes de Shirley Jackson y Oscar Wilde en un cuento de gemelos adolescentes que viven en una mansión embrujada bajo la sombra de una maldición familiar.

Continuamos con una producción de Hungría llamada Strangled (A Martfüi Rém) de Árpád Sopsits que también se encarga del guion. La historia, basada en hechos reales, es bastante curiosa ya que trata de un serial killer ubicado en la Hungría socialista de los años sesenta. La rígida jerarquía del poder político de la época se hace presente no favoreciendo para nada las investigaciones de una policía maniatada y con pinta de poco resolutiva. Tenemos que destacar su gran ritmo y un guion que raya a gran altura. En el elenco nos encontramos con Károly Hajduk, Gábor Jászberényi y Zsolt Anger. Una serie de atroces asesinatos asolan la pequeña ciudad de Martfü. El causante de todo ello es un asesino que viola y mata a mujeres jóvenes. Un detective se hace cargo del caso, teniendo que soportar la presión por parte del fiscal que quiere a toda costa que el caso se resuelva. Las prisas son malas consejeras y a pesar de las evidencias de tomar un camino equivocado, la investigación se atasca a causa de una tupida red de intrincadas conspiraciones.

Ahora nos toca una de casas encantadas. Estamos hablando de la producción estadounidense Darkness Rising de Austin Reading, estando a cargo del guion Vikram Weet. Creíamos que las películas de casas encantadas ya habían pasado de moda. Cíclicamente vuelven tozudamente para el regocijo de los amantes de un subgénero que tuvo su apogeo allá por los años ochenta. Basta con recordar Aquella Casa al Lado del Cementerio (The House by the Cemetery. Lucio Fulci, 1981) o House, Una Casa Alucinante (House: Ding Dong, You’re Dead. Steve Miner, 1986), películas por otra parte que traspasaban con bastante justeza el aprobado. El éxito de público se daba de bruces contra una crítica algo desalmada con ese tipo de cintas. Hay excepciones, por ejemplo la magnífica, y en cierto modo, pionera Poltergeist, Fenómenos Extraños (Poltergeist. Tobe Hooper, 1982). En la labor actoral nos encontramos con Tara Holt (Californication y American Horror Story), Bryce Johnson y Katrina Law. Una joven decide volver a la casa de su infancia junto a su novio y su prima. La mansión se encuentra abandonada y a punto de demolición. Entre sus recuerdos el de su madre que se volvió loca. Esa locura parece ser que impregnó todos y cada uno de los rincones de su antiguo hogar.

Viajamos hasta Australia para ver seguidamente Boys in the Trees estando Nicholas Verso a cargo de la dirección y el guion. Allá por el año 2012 ya tuvimos el placer de degustar la excelente Excision de Richard Bates Jr., en la cual se no exponía, de manera algo brutal por cierto, el difícil tránsito por la adolescencia. Cinematográficamente hablando Boys in the Trees no se le asemeja en nada, pero trata de esa etapa de la vida en la cual algunos quedan atragantados. Es algo así como intentar explicar el síndrome de Peter Pan, o cuando estás delante del precipicio de la edad adulta y alguien te da un empujón. Hay muchas maneras de explicar una historia, en esta ocasión Nicholas Verso ha optado por una bastante arriesgada. No obstante, mantiene perfectamente el equilibro en esa cuerda floja que es su elaborado guion. Hablando del mismo, se intuye que en él se han volcado bastantes experiencias personales. Evidentemente en todos los screenplay algo hay de sus autores. En esta ocasión la decisión de incluirlos no nos queda más remedio que aplaudirla. En las interpretaciones Toby Wallace, Gulliver McGrath, Justin Holborow y Mitzi Ruhlmann. Corey pertenece a un curioso grupo de skaters, cuyo líder, Jango, no duda en ejercer su autoridad. Próximo a la edad adulta, Corey intenta defender a Jonah, un antiguo compañero de colegio, del resto del grupo. Juntos recorren las calles de la ciudad con su monopatín durante Halloween. Los recuerdos van tomando forma junto a extraños sueños y muchos miedos.

Finalizamos el día, las crónicas y el festival con un producto de origen africano, concretamente de Uganda llamado Bad Black de Nadwana I.G.G., ayudado en el guion por Alan Hofmanis. Nos encontramos ante una delirante película multi-género que incluye kung-fu, efectos especiales gloriosamente malos y narración de locos, junto a todo esto un poco de drama y comentarios sociales. La podríamos incluir en el selecto club d películas de culto. Está inspirada en el cine de acción de Hollywood de los años 80. De hecho, el primer personaje que encontramos es Swaaz (Ssebankyaye Mohammed), el "Schwarzenegger ugandés" que comete un robo para salvar la vida de su esposa desesperadamente enferma. En las interpretaciones Nalwanga Gloria, Alan Hofmanis y Bisaso Dauda. Un amable médico se instruye en el arte de la venganza por un joven del gueto.

Ya hemos finalizado. Sentimientos encontrados nos invaden. Por un lado, la tristeza de abandonar un acontecimiento esperado cada año y por otro, la satisfacción de haber contribuido a informar que es, entre otras, una de nuestras labores principales. Nos vemos en la próxima edición.

Albert Pintó y Caye Casas son guionistas, directores y amigos de Terrassa (Barcelona). Más allá de sus carreras individuales, conjuntamente han cosechado gran éxito con su corto NADA S.A., que ha sido seleccionado en más de 300 festivales, nominado a los Gaudí, premiado en más de 50 festivales nacionales e internacionales (recibiendo, sobretodo, premios del Público) y adquirido por televisiones tan prestigiosas como HBO. La gran acogida que tuvo este primer proyecto codirigido por ambos les ha animado a seguir colaborando en sus próximos proyectos: el cortometraje RIP y el largometraje MATAR A DIOS, ambos parte de la Sección Oficial del 50 Festival de Cine Fantástico de Sitges.

Título original: Errementari

Año: 2017

Duración: 96 min.

País: España

Director: Paul Urkijo

Guion: Asier Guerricaecheverría, Paul Urkijo

Música: Pascal Gaigne

Fotografía: Gorka Gómez

Reparto: Eneko Sagardoy, Itziar Ituño, Josean Bengoetxea, Gorka Aguinagalde, Urko Olazabal, Kandido Uranga, Almudena Cid, Ramón Aguirre, Gotzon Sanchez

Historia entrañable, gran reparto y técnicamente excelente.

Si podemos calificar esta película en una sola palabra sería: arriesgada. Rodar un largometraje de género fantástico en este país ya es difícil de por sí, hay bastante legión de seguidores y una tradición más que respetable repleta de grandes nombres, pero no somos un número tan grande como para surtirnos de películas de terror y fantástico con toda la asiduidad que nos gustaría. Pero es que además Errementari va un paso más allá adaptando un cuento popular de la Euskadi profunda y además rodándola en euskera antiguo dándole un toque más de autenticidad, pero hay que reconocer que no sería un plato apetitoso para un público generalista acostumbrado a un cine más accesible. Pero una vez vista podemos decir que no verás una película hecha con más mimo, cariño y pasión este año que esta.

A mediados del siglo XIX, en la profundidad de Álava, cuentan que en medio del bosque vive un herrero tan fuerte y despiadado que el mismo diablo le tiene miedo. Pero una niña que no teme a nada entrará en su forja para buscar a su muñeca perdida.

Como decía, en esta cinta verás el corazón de sus creadores, no hay una sola toma que no se haya meditado, comprobado y perfeccionado, y ya no hablamos en el plano técnico en el que ahondaremos más tarde. En términos argumentales, el film que cuenta con recursos presupuestarios limitados es todo lo buena que podría llegar a ser, y eso no es poco. No hablamos de una cinta de Marvel que cuenta con 250 millones de presupuesto. Aquí lo que tenemos es sobrado talento y los recursos justos para hacerlo. Es por ello que la historia corre con pocos escenarios, apenas tres o cuatro, pero es la misma historia que orgánicamente va oscilando de un lugar a otro, además que el surtido de personajes no es muy elevado pero suficiente para no quemar la imagen con cada uno de ellos.

Errementari es un cuento antiguo de no más de dos páginas con el suficiente potencial para expandir su historia y añadir nuevos elementos, dirigida por Paul Urkijo quien también escribe el guion con la colaboración de Asier Guerricaecheverría. El director, con varios exitosos cortometrajes a su espalda, como El bosque negro (2015) o Jugando con la muerte (2011) ya tenía un estilo muy particular que se ve expandido en Errementari, una técnica muy marcada en el director vasco, con toques de Jim Henson, Terry Gilliam y Alex de la Iglesia. El diseño de arte, la producción, la fotografía, la iluminación (utilizando más el fuego que los focos), la ambientación... todos los aspectos técnicos de la película están a un nivel asombroso. Especial mención a las escenas que ocurren dentro de la forja. Protagoniza el veterano Kandido Uranga (Bosque de sombras) como el herrero antihéroe, su corpulencia y profunda voz hacen de él el actor perfecto para el papel, después está la joven debutante Uma Bracaglia con una interpretación asombrosa mostrando su faceta más encantadora a la vez que es indudable la mala leche que se gasta el personaje. Destacar también el trabajo de Eneko Sagardoy (The Night Watchman. La Mina), sin revelar a quien interpreta el trabajo que hace con la voz que proyecta es genial.

Debes ver esta película por muchos motivos, el primero es porque es una cinta de calidad muy alta, el segundo porque cuenta un cuento clásico que quizá no conozcas y tercero porque hay que apoyar este cine, uno que huye de los efectismos de un cine comercial decadente que siempre juega sobre seguro. Errementari es, por encima de todo, una carta de amor al cine clásico, a las películas que veíamos cuando éramos críos, a las historias de aventuras con toques de terror y a cómo hacer una película condenadamente buena cuando se tienen agallas y talento.

Firma: Oriol Hernández.

Título original: Arder

Año: 2017

Duración: 62 min.

País: España

Director: David González Rudiez

Guion: David González Rudiez

Fotografía: David González Rudiez

Reparto: Asier Hernández, Aránzazu Zárate, Carlos Algaba

El silencio más perturbador.

Antes de empezar, dar un pequeño manual de uso antes de su visionado. Id bien descansados y sin nada de sueño. No es por nada, pero los únicos sonidos que oiréis son, aparte de los vuestros, los que ocurran en la sala o dónde sea que la veáis.

Explicar una historia sin que se escuche ni una mosca hace que una parte de nuestro cerebro quede huérfana, haciendo que se agudice el único sentido que nos queda al ver un film: la vista. En este sentido la variedad cromática es más bien escasa, ya que está rodada casi en su totalidad en blanco y negro. Digo casi puesto que se introducen matices rojizos, azules y verdes. Como estáis comprobando, todo un experimento.

Estamos ante una historia de redención, de flagelación y de auto-castigo. Introduce temas religiosos como una especie de misa urbana ofrecida por un ser perdido en los suburbios de la gran ciudad, que arrastra una culpa por algo que ocurrió en su pasado. Ese uso de la mística cristiana hace que todo resulte más próximo, aunque nos tememos que es un recurso para hacer todo más inteligible al atónito espectador.

Podríamos considerar que Arder es el debut en el largometraje de David González Rudiez. La duración del mismo queda en el límite de clasificarlo así. Con anterioridad su carrera se ha desarrollado en el mundo del cortometraje. La apuesta para empezar es bastante arriesgada. No utilizar uno de los elementos básicos de todo film tiene que compensarse con las imágenes, cosa que consigue en parte.

Un vagabundo camina por el lateral de la M30 viendo pasar el tráfico infinito. Inicia una serie de rituales como queriendo alejar de su mente un pasado que le atormenta. En sus bolsillos un mapa, una brújula rota, un dado con poderes, una piedra mágica y una pila de botón que siempre refleja la luna llena.

En las interpretaciones nos encontramos con Asier Hernández como protagonista principal. Su físico encaja perfectamente en lo que el director quería reflejar, un ser vagando en un espacio cerrado y claustrofóbico a pesar de estar rodada íntegramente en exteriores. Le secundan, aunque en papeles muy menores, Aránzazu Zárate y Carlos Algaba.

Una película para los fanáticos de la vanguardia cinematográfica. No obstante recalcar lo curioso que es disfrutar de una cinta sin ningún tipo de sonido. Esto tiene su parte buena, la experimentación, y otra no tan buena como es prescindir de un recurso cinematográfico que hace muchas veces elevar el nivel de las producciones.

Firma: Josep M. Luzán.
@Josep_Luzan

Trauma de Lucio A. Rojas cuenta la brutal historia de un grupo de mujeres acosadas por dos hombres, cuya maldad proviene del oscuro pasado de Chile en un film que ha despertado gran controversia entre quienes lo han visto.

Trauma, de Lucio A. Rojas, tendrá su premiere mundial a fines de octubre en el Mórbido Fest de México y desde ahí comienza su recorrido en festivales internacionales (TerrorMolins). La película presentó un avance en la última versión del Festival de Cannes, en Blood Window de la Marché du Film, que tuvo una gran recepción en los asistentes y que impactó por la extrema violencia y crudeza de sus escenas.

Trauma es un rape & revenge y ahonda en el oscuro pasado del austral país latinoamericano con la historia de cuatro jóvenes mujeres que son atacadas por un perturbado hombre y su hijo en un paseo de fin de semana. Está protagonizada por Catalina Martin, Daniel Antivilo, Macarena Carrere, Ximena del Solar, Felipe Ríos, Dominga Bofill, Alejandro Trejo, Max Torres, Claudio Riveros y Eduardo Paxeco.

Según explica Lucio A. Rojas: “Trauma una película cruda, dura, violenta, dramática. Si bien por algunos elementos que tiene el film podría acercarse al cine de explotación, fuimos un poco más allá. Unos villanos que no proceden del presente, sino de otras épocas de la historia de Chile. El contenido es extremo, visceral, estrictamente para mayores de 18 años. Pero era la única forma de contar una historia de este tipo”.

Trauma fue filmada entre noviembre y diciembre de 2016, es la tercera película de Lucio A. Rojas, cuyo anterior filme, Sendero, tuvo su premiere internacional en el Festival Internacional de SITGES en 2015 y se estrenó mundialmente en Netflix a mediados de diciembre de 2016.

Título original: The Maus

Año: 2017

Duración: 90 min.

País: España

Director: Yayo Herrero

Guion: Yayo Herrero

Música: The Youth

Fotografía: Rafael Reparaz

Reparto: Alma Terzic, August Wittgenstein, Ella Jazz, Aleksandar Seksan, Sanin Milavic

Una muestra de la crueldad humana.

Estamos ante otro claro ejemplo del buen momento que está viviendo el cine de terror español. Lo más destacable de este caso es que estamos ante un debut en el largometraje. Cuando veo surgir nuevos talentos en nuestro cine vuelvo a creer que el género de terror aún tiene mucho que decir.

Para Selma y Alex los problemas empiezan cuando en medio de un viaje a un denso bosque situado en Bosnia Herzegovina se les estropea su coche. Mientras Alex intenta buscar ayuda, Selma recordando viejos fantasmas del pasado decide aferrarse a su amuleto. Es entonces cuando una presencia misteriosa empezará a acecharles.

Yayo Herrero debuta como director y guionista, aunque con sus cortometrajes ya se había conseguido labrar una merecida reputación tras cosechar varios premios por diferentes festivales.

Realmente es una apuesta arriesgada la del director asturiano, pues lo fácil para un debut es centrarse en un solo género, pero este no es el caso de The Maus. Estamos ante una cinta de terror, pero contiene claros elementos del fantástico, thriller y una carga política y social elevada, aunque esta quede oculta tras el velo de los demás géneros.

Y es aquí, esta mezcla de géneros, donde puede ser que falle esta cinta, pues creo que es una apuesta muy ambiciosa la de Herrero, el querer unir todo esto en su película. Lo que la convierte en algo que alejará al público más asiduo al cine comercial.

Otro pequeño detalle que no hace redonda a esta producción son sus interpretaciones, no acabas empatizando con la situación de los personajes, les falta carisma, o simplemente echamos de menos que se profundice un poco más sobre sus personalidades. Puede que este punto, acabe por sacar a más de un espectador de la película, pero esto es tan solo un pequeño hándicap dentro de una interesante propuesta que va más allá de sus personajes. Pues si bien no estamos ante un film para todo tipo de público, sí que pienso que esta es una de las propuestas de género más interesantes de esta temporada.

Personalmente me gusta su apuesta y el cómo consigue transmitir ese terror gracias al juego de cámara, el cual siempre sigue a los dos protagonistas y muchas de las acciones suceden fuera de plano o planos desenfocados. Sin necesidad de usar los famosos jump scares, que tan de moda están y tanto odio, The Maus consigue que tras finalizar su visionado acabes con un mal cuerpo digno de las grandes cintas de terror. En el apartado técnico hay unas secuencias dentro de un bunker que son increíbles.

Recomendada para todos aquellos que buscan un algo más en las cintas de terror y que no se conforman con los estereotipos. Aunque como dije antes estamos ante una cinta que no va destinada al gran público, seguro que hay quienes la disfruten tanto como yo lo he hecho.

Firma: Omar Parra.
@Omar_FTW

Título original: A Martfüi Rém

Año: 2017

Duración: 118 min.

País: Hungría

Director: Árpád Sopsits

Guion: Árpád Sopsits

Música: Márk Moldvai

Fotografía: Gábor Szabó

Reparto: Károly Hajduk, Gábor Jászberényi, Zsolt Anger, Péter Bárnai, Zsolt Trill, Zsófia Szamosi

Atroces asesinatos en un mundo frío.

Cuando nos disponemos a ver un film que trata sobre serial killers nuestra mente ya dibuja una historia turbia y oscura, con los aditivos conocidos de sangre, gritos y algo de gore. Estamos, para variar, ante una nueva visión de este tipo de films. Tiene la particularidad que está ambientada en la Hungría socialista de los años sesenta. La carga política está bien presente, ya que “el aparato” gubernamental no estaba para muchos romances y tan pronto estabas arriba como picando piedra. Ese terror, en el sentido más social de la palabra, hacía que la eficacia, en este caso policial, se forzara hasta límites insospechados, tanto que no se dudaba en cargar sobre las espaldas del primero que pasara por allí todo tipo de crímenes.

Tampoco hay que irse a los países del Este, en nuestro suelo patrio, en épocas no tan remotas, la pretendida y legendaria eficacia policial iba por el mismo camino y, supongo que estaréis de acuerdo conmigo, que de socialista no tenía nada.

Pero vamos a hablar de cine, que de eso se trata. Strangled es una gran película que sabe dibujar todo lo antedicho con un gran ritmo que para nada cansa al espectador. Los personajes están muy bien dibujados, mostrándonos una sociedad muy encorsetada por las circunstancias. Tampoco abusa de las escenas escabrosas, que también las hay. Nos las planta como una secuencia más, sin encarnizarse en los detalles, cosa que a los amantes de lo más sangriento los puedes tirar para atrás.

Una serie de atroces asesinatos asolan la pequeña ciudad de Martfü. El causante de todo ello es un asesino que viola y mata a mujeres jóvenes. Un detective se hace cargo del caso, teniendo que soportar la presión por parte del fiscal que quiere a toda costa que el caso se resuelva. Las prisas son malas consejeras y a pesar de las evidencias de tomar un camino equivocado, la investigación se atasca a causa de una tupida red de intrincadas conspiraciones.

Tenemos que destacar el gran guion cuya autoría recae en el mismo Árpád Sopsits. La soltura con que nos muestra una historia algo complicada, la hace muy comprensible y entretenida.

Como punto negativo, la algo floja representación de unas atrocidades que se quedan solo en lo simbólico. Por otra parte, tampoco juega a su favor la excesiva explicación de los motivos del asesino.

En las interpretaciones nos encontramos con un gran Károly Hajduk en el papel de asesino en serie. A Gábor Jászberényi le toca bailar con la más fea. Zsolt Anger es el policía bueno. Péter Bárnai es un agresivo fiscal. Zsolt Trill es el policía malo y en la parte femenina tenemos a Zsófia Szamosi.

Para finalizar decir que es una cinta altamente recomendable a todos los amantes del terror. Los que busquen algo más de tipo social también lo encontraran.

Firma: Josep M. Luzán.
@Josep_Luzan

Título original: El secreto de Marrowbone

Año: 2017

Duración: 110 min.

País: España

Director: Sergio G. Sánchez

Guion: Sergio G. Sánchez

Música: Fernando Velázquez

Fotografía: Xavi Giménez

Reparto: Anya Taylor-Joy, Charlie Heaton, Mia Goth, George MacKay, Kyle Soller, Tom Fisher, Robert Nairne, Matthew Stagg, Nicola Harrison, Laura Brook

Una película técnicamente redonda.

La nueva “superproducción” española viene de la mano de Sergio G. Sánchez, conocido guionista en el territorio español por escribir películas como El orfanato, Lo imposible o Palmeras en la nieve y que tras dirigir la TV movie, Las manos del pianista, se lanza con un ambicioso proyecto escrito por él mismo.

Con la ausencia del padre y al morir su madre, una familia compuesta por cuatro hermanos se verán obligados a refugiarse del mundo en su remota granja hasta que el mayor de todos ellos cumpla la mayoría de edad y de ésta manera poder hacerse cargo legalmente del resto de los hermanos y mantener así a todos ellos unidos. Para lo que no están preparados es para volver a ser atormentados por la parte más oscura de su pasado.

Rodada en Asturias bajo producción española sigue la fórmula de películas como Lo imposible (2012) que combina un equipo técnico formado mayoritariamente por profesionales del país con conocido actores de habla anglosajona para de esta manera internacionalizar la película a mercados extranjeros. Actores en este caso jovencísimos por la temática del film como son el inglés George Mackay, quien podéis recordar por su papel en Captain fantastic. Anya Taylor-Joy magnífica como Thomasin en The Witch o Mia Goth en la socialmente reivindicativa The Survivalist.

El global del film se puede traducir en una obra que ha tratado de cuidar hasta el límite y al mínimo detalle la calidad de cada uno de los apartados técnicos que intervienen, muestra de ellos es la estupenda banda sonora interpretada por la Orquesta sinfónica del principado de Asturias a los mandos de Fernando Velázquez. La fotografía del experimentado Xavi Giménez que con su larga carrera en las espaldas es más fácil preguntarse en qué no ha trabajado que en lo que sí. Unos responsables del atrezzo y vestuario que visten la historia exageradamente bien, unas localizaciones idílicas y unos escenarios como los de la casa que forman un personaje propio dentro de la historia. En definitiva, un ejemplo de obtención de resultados con un presupuesto digno de una película de peso.

Llegado a este punto parece que esté hablando de una película totalmente redonda, incluso perfecta, pero más allá de todo el reconocimiento al apartado técnico en especial, estamos ante una historia que no nos resulta nueva, sorprende que un guionista con antecedentes tan positivos haya decidido contar sin errores de guion, eso sí, una historia que nos recuerda incluso en su giro más importante, tanto y tanto, a un conjunto de películas muy conocidas todas ellas, incluyendo clichés y situaciones muy quemadas ya. Por ello, esta película que podría representar un estandarte como la película española referente de este año, pasa a ser una película a disfrutar por aquellos que no tengan un bagaje en el cine representativo como para no ver todos esos indicios y similitudes con otras historias que a uno le cantan el final.

Para todos aquellos que quieran disfrutar de un trabajo bien hecho más allá de una historia no particularmente inédita.

Firma: Gerard FM.

Título original: What the Waters Left Behind

Año: 2017

Duración: 98 min.

País: Argentina

Director: Luciano Onetti, Nicolás Onetti

Guion: Luciano Onetti, Nicolás Onetti, Carlos Goitia

Música: Luciano Onetti

Fotografía: Facundo Nuble

Reparto: Mirta Busnelli, Gustavo Garzón, Agustín Pardella, Victoria Maurette, Victorio D’Alessandro, Damián Dreizik, Paula Brasca, Paula Sartor, Chucho Fernández, German Baudino, Evan Leed, Tamara Garzón

Un slasher de alto voltaje.

El slasher es un género inventado hace muchos años. Sin remontarnos a sus inicios, allá por los años sesenta, tenemos que recordar la mítica La Matanza de Texas (The Texas Chain Saw Massacre. Tobe Hooper, 1974) como una de las pioneras de la concepción más moderna del término y que inició un camino de no retorno. De la misma han bebido innumerables obras, pero su elevación a la categoría de obra maestra, la hacen un producto único e insuperable.

Los Olvidados de los hermanos Onetti, camina en la misma dirección en cuanto a truculencia e historia escabrosa. Intentar acercarse a lo comentado anteriormente parece algo arriesgado, cuando no suicida, pero las imágenes que paulatinamente van apareciendo en pantalla te dejan mal cuerpo. Suponemos que ese fue uno de los objetivos iniciales del proyecto.

La historia tampoco es que sea muy original. Se mueve dentro de las premisas clásicas de ese tipo de cine, aunque guarda un golpe de efecto final que nadie se espera. Que encaje o no es otra guerra, lo que consigue es dejarnos descolocados, cosa por otra parte de agradecer pues limpia un poco un ambiente cargado de sangre y vísceras desparramadas.

Un grupo de personas, que se dirigen a la devastada Epecuen para rodar un documental sobre como las aguas se tragaron la ciudad y sus alrededores, quedan varados a causa de una avería en su vehículo. Pronto se darán cuenta de que tienen más de un indeseable vecino.

Los hermanos Onetti parece que han abandonado el giallo con el que iniciaron su carrera cinematográfica. Tenemos que hacer mención a Sonno Profondo de 2013 y Francesca de 2015 (a la cual rinden homenaje en la cinta que analizamos hoy), dos productos que a pesar de beber de los clásicos, supusieron un soplo de aire fresco.

Sin aportar mucha novedad en esta ocasión, el estilizado y bien construido guion logra que enseguida nos adentremos de lleno en un relato de puro terror. Su buen ritmo nos lleva de la mano, introduciendo en medio del horror unas historias paralelas que tampoco son excesivamente originales, pero ¿a quién le importa?, unos impactantes efectos especiales y de maquillaje nos introducen en un mundo donde la locura parece ser la cosa más natural del mundo.

Destacar la música a cargo de Luciano Onetti. Se mueve entre las clásicas orquestales y el rock sinfónico. La primera es totalmente acorde con una cinta de estas características. La segunda resulta algo chocante pero tremendamente efectiva.

Al ser una obra muy coral, es difícil destacar a los protagonistas. No obstante nombrar a Victoria Maurette, Victorio D’Alessandro, Mirta Busnelli y Gustavo Garzón.

Una película para los amantes de lo perturbador, que son muchos. A los que no lo son les aconsejaría que se atrevieran a ver un producto muy bien acabado y que provoca todo tipo de sentimientos, cosa que hoy en día es de aplaudir.

Firma: Josep M. Luzán.
@Josep_Luzan

Título original: Revenge

Año: 2017

Duración: 108 min.

País: Francia

Director: Coralie Fargeat

Guion: Coralie Fargeat

Música: Rob

Fotografía: Robrecht Heyvaert

Reparto: Matilda Anna Ingrid Lutz, Kevin Janssens, Vincent Colombe, Guillaume Bouchede

¡Sin concesiones! Una salvajada total.

Estamos ante un nuevo rape & revenge, uno de los subgéneros del terror más prolíferos y el cual creo que es una navaja de doble filo. Pues por una parte, ¿a quién no le gusta ver como una mujer cobra venganza de la manera más cruel posible de sus asaltantes? Aquí es donde el gore prima y con cada salpicón de sangre hacia la pantalla puede desatar aplausos del público. Por otra parte, estamos ante un subgénero realmente plano, no hay más que ir de A hacia B y de B hacia el desenlace, por eso muchos fans del terror tal vez pidan un algo más que tan solo una simple venganza.

Jen y Richard llegan en helicóptero a su nido de amor, una espectacular casa en mitad de la nada. Pronto descubriremos que Richard es un hombre casado y Jen simplemente el ligue para pasar el rato. Todo esto se complicará aún más cuando aparezcan en escena Stan y Dimitri, los amigos de Richard, los cuales quieren unirse a la fiesta. Todo acaba muy mal y tras un intento de huida por parte de Jen, ésta acaba al final de un precipicio... Pero en esta trágica historia esto es solo el principio.

Coralie Fargeat escribe y dirige Revenge, la cual significa su ópera prima, después de haber dirigido varios cortometrajes. Toda una sorpresa y de agradecer el volver a ver una cinta de estas características tan potente, como de seguro icónica a partir de hoy mismo. A pesar de como dije antes la historia es simple, porque realmente este tipo de films es que no tienen gran cosa que contar, pero es tanta su potencia visual, su ritmo, su protagonista, que consiguen atraparte desde el minuto 0 y no es hasta que salen los títulos de crédito que te das cuenta que has estado gozando del mejor rape & revenge durante casi 2 horas de metraje, las cuales pasan en un suspiro.

Lo que está claro que no puedes empezar a ver Revenge, y buscarle un guion profundo, o unas interpretaciones de Oscar, señores estamos ante una película fantástica de terror, está claro que una muchacha de apenas 50 kilos y herida no va a reventar a cuatro tíos fornidos y mejor equipados que ella, pero es tanto el divertimento que Fargeat nos propone con su ópera prima que todo esto para mi pasa a un segundo plano.

A parte del BRUTAL trabajo de su directora, quiero destacar otro nombre, Robrecht Heyvaert, director de fotografía, consigue que un paisaje yermo se convierta en toda una jungla de colores. Es brutal el trabajo de este señor, el cual ya pude disfrutar de su fotografía en otro film que recomiendo encarecidamente, la belga, D'Ardenne, un thriller oscuro y sin concesión alguna.

Espero que estéis listos para aplaudir, para situaciones imposibles, para las muertes más dolorosas y para ser testigos de cómo una bellísima Matilda Anna Ingrid Lutz se come la pantalla armada hasta los dientes y con tan poca ropa como escasos miramientos hacia sus captores.

Firma: Omar Parra.
@Omar_FTW

Título original: Brawl in Cell Block 99

Año: 2017

Duración: 132 min.

País: Estados Unidos

Director: S. Craig Zahler

Guion: S. Craig Zahler

Música: Jeff Herriott, S. Craig Zahler

Fotografía: Benji Bakshi

Reparto: Vince Vaughn, Jennifer Carpenter, Tom Guiry, Don Johnson, Marc Blucas, Udo Kier, Mustafa Shakir, Geno Segers, Rob Morgan, Fred Melamed, Clark Johnson, Dan Amboyer, Pooja Kumar.

Una película difícil de olvidar.

Esta película tiene nombre propio, S. Craig Zahler, director, guionista, compositor y en definitiva un director de nueva oleada que tras un tiempo detrás del papel y la pluma escribiendo guiones para proyectos para terceras personas, decidió en 2015 sorprendernos con Bone Tomahawk, estupenda película de la cual podéis leer la crítica en TerrorWeekend.com. Ahora nos presenta su nuevo proyecto Brawl in Cell Block 99, con una línea estructural muy similar al éxito de la anterior, con los originales elementos de gore sin censura que le caracterizan, una historia que se cuece a fuego lento y una ambientación que cruza géneros y se aleja del cine convencional. Ambicioso, en el buen sentido de la palabra, se ha convertido en un director a tener en cuenta para todos aquellos que nos gusta además el cine alejado de los estandartes y círculos populares de la normalidad más encasillada.

Bradley se encuentra en una situación complicada, prácticamente sin blanca no le queda mucha más opción que acudir a un viejo contacto del mundo de la droga, este corpulento hombre tratará de hacer todo lo posible para sacar a su familia adelante, pero embrutecido por este mundo ilegal dará con sus huesos en la cárcel donde tendrá que sobrevivir.

A pesar del título que invita a los espectadores que quieran ver acción desmesurada de principio a fin, comentar que esta película no sigue esos patrones estrictamente. Está claramente marcada por un ritmo templado al inicio, un ritmo que parece representar el ritmo del propio protagonista absoluto de la historia, y que aunque la situaciones se van oscureciendo el no parece perder la calma. Es de agradecer este ritmo, pues todos los atisbos de violencia extrema y gore que contiene el film se destacan especialmente pues están en un marco en el que explotar con fuerza para romper esa relajada calma.

Sorprendente el papel protagonista, que sin ser un carácter muy exigente interpretativamente hablando, hace falta un físico muy potente para dar la mala leche que este personaje reclama y Vince Vaughn, el que nos tiene acostumbrados mayoritariamente a papeles en películas de humor y divertimento en general para toda la familia, y a pesar de que encarnara a Norman Bates en Psycho, el remake dirigido por Gus Van Sant en 1998, sorprende en esta nueva interpretación como a un tipo al que no te quisieras cruzar por la vida, él es media película y se tiene que mencionar. El resto de elenco son correctos en su mayoría, pero con poca participación en la historia como podría ser el caso de Jennifer Carpenter, Tom Guiry o Udo Kier.

Sigo pensando al igual que hice tras visionar la ópera prima del director que quiero ver más títulos con su nombre en el tándem de guionista y director, porque son de una marca propia que me gusta y me convence, la violencia resulta totalmente absorbente y se da de manera muy ocurrente que despierta el aplauso del público, tiene la textura exagerada y obvia de no ser real que tanto nos encanta, además de encontrarse en un marco de diálogos bien afilados.

Altamente recomendable.

Firma: Gerard FM.

Entrevistamos al director de Brawl in Cell Block 99, S. Craig Zahler (CZ) su segunda cinta tras Bone Tomahawk (2015) pero con una carrera de guionista muy peculiar ya que en sus primeros trabajos lo hacía como escritor fantasma, los firmaba otra persona, hasta que en 2011 debutó como guionista oficial con The Incident. Charlamos también con su protagonista Vince Vaughn (VV), habitual en comedias familiares que, de un tiempo a esta parte, ha virado su carrera a papeles más dramáticos y extremos, como es este caso.

Empezaste con un western violento, ahora toca una película carcelaria también con alta carga de violencia, ¿qué vendrá después?
(CZ) Primero más violencia y después un poco menos de violencia (ríe). Lo que trato de decir cuando escribo este tipo de películas es mostrar un amplio espectro de comportamientos humanos, suele tener comedia, algo de terror. Si lo escribes correctamente puedes mostrar la tristeza en los personajes frente a su situación, estos aspectos los he llevado un poco más al límite en Brawl in Cell Block 99, las escenas dramáticas creo que salieron bastante bien y estoy orgulloso de ellas. Creo que la violencia está muy bien para conseguir llegar un poco más allá, y la mezcla de todo esto sale algo totalmente nuevo, que es lo que yo busco cuando veo una película. En esta película hay mucha violencia, pero hay mucho más. Mi próxima película para el año que viene que se llamará Dragged Across Concrete, que tendrá a Vince Vaughn y Mel Gibson. Acabamos el rodaje hará unas tres semanas, en ella tendremos mucha violencia, pero también tendremos un argumento algo complicado que se compondrá de ocho personajes. Pero para mí siguiente película sí que tendrá mucha menos violencia. Resumiendo, la violencia es una herramienta para conseguir algo emocionante, algo catártico o incluso algo repulsivo.

Para Vince, ¿puedes hablarnos un poco de tu personaje?
(VV) Es un personaje con mucho dolor, probablemente fue víctima de abusos, fue alcohólico, pero ahora está sobrio. Se ha estado medicando, pero ha habido drogas y alcohol en algún momento. Tiene mucha rabia y mucho dolor, pero no quiere hacerle daño a nadie. Es una vida que ha dejado atrás y solo quiere cosas buenas ahora. Todo el mundo hemos hecho daño a alguien de manera intencionada alguna vez, hemos sido crueles. Bradley es consciente de esa faceta, la conoce muy bien y no le gusta, de modo que tiene un mecanismo de supervivencia para estar siempre calmado, pero la rabia interna sigue estando ahí.

Sueles tener el mismo equipo técnico en tus películas y en esta y tu próxima película también mantendrás a miembros del reparto.
(CZ) Mi objetivo es crear películas de las que me sienta orgulloso. He sido seguidor de Vince Vaughn desde hace muchos años. Y es genial volver a contar con él para la próxima película, está muy bien porque te puede aparecer en un blockbuster, como en una comedia, o como en este caso, en una película mucho más oscura. Estuvimos hablando de qué visión tenía para la película, yo era un fan suyo y a él le gustó mucho Bone Tomahawk, fue un ambiente de trabajo muy agradable. A parte me rodeo de gente con mucha calidad y mucho potencial y es muy interesante ver como se adaptan en cada nueva película. Y en reparto, cuando me gusta un actor o actriz y creo que podrían encajar para la siguiente no tengo problema en repetir, Don Johnson, Udo Kier y Jennifer Carpenter repetirán en la próxima, Fred Melamed ha estado en tres de mis películas. Si haces un buen trabajo y nos lo pasamos bien en el set seguramente volveremos a trabajar juntos.

(VV) Es evidente que es un cineasta más que talentoso, no solo director, también es el compositor musical y el guionista. Tiene un estilo muy particular, además que siempre tiene cierto grado de expectación a su alrededor, pero es un gran líder y hace un gran trabajo haciendo que tú te sientas cómodo en todo el gran caos que es un rodaje. Es una persona que entiende la industria y sabe cómo resolver los problemas.

Vince, tu carrera ha estado más centrada en la comedia, pero de un par de años para acá has hecho El último hombre en pie, True detective, esta misma cinta. ¿A qué se debe este cambio de rumbo?
(VV) No ha sido una cosa buscada, son oportunidades que aparecen. No busqué que me dieran el papel de True detective y ahí al siguiente. Ahora he terminado una comedia dramática dirigida por Stephen Merchant, no es una cosa que elijas, mi trabajo es actuar y tengo que estar preparado para lo que se me ofrece. Tengo dos hijos y quiero hacer cosas que les haga sentirse orgulloso.

Muchas gracias por vuestro tiempo y felicitaros por esta gran película.

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