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Entrevista a Nicolás Onetti director de Los Olvidados

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Productor, director y guionista. Nació en Azul (Argentina) el 11 de febrero de 1981. Produjo Sonno Profondo (2013) y Francesca (2015), obteniendo el premio a Mejor Diseño de Producción. Junto a Luciano ganaron el Primer Concurso de Cine Fantástico organizado por el I.N.C.A.A. y a finales del 2016 filmaron Los Olvidados en las ruinas de Epecuén. El trailer de la película fue estrenado mundialmente en el Festival de Cannes y la película tuvo su premiere mundial en el Festival de Sitges.



Feliz Día de tu Muerte review

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Título original: Happy Death Day

Año: 2017

Duración: 96 min.

País: Estados Unidos

Director: Christopher Landon

Guion: Christopher Landon, Scott Lobdell

Música: Bear McCreary

Fotografía: Toby Oliver

Reparto: Jessica Rothe, Israel Broussard, Ruby Modine, Rachel Matthews, Charles Aitlken, Jason Bayle, Phi Vu, Donna Duplantier


Divertidamente gamberra.

Es de recibo aprovechar el párrafo de introducción de esta review para hablar de una película, que sin rubor alguno se basa Feliz Día de tu Muerte. Es evidentemente Atrapado en el tiempo (1993) dirigida por el recordado Harold Ramis, un día que se repite una y otra vez excepto para su protagonista, un perfecto Bill Murray, que consciente de este bucle hará realidad todo deseo que se le pase por la cabeza sin repercusión alguna. Dudo que haya aquí alguien que no sepa de qué película hablo. En Feliz Día de tu Muerte se mete en el mismo juego añadiendo el elemento slasher, pero sinceramente, no le llega a la suela de los zapatos al clásico de los noventa.


Tree es una universitaria egoísta y mentirosa. Durante el día de su cumpleaños la pobre chica es asesinada por un enmascarado. Cuando todo parecía llegar a su fin Tree vuelve a despertar una y otra vez en el mismo día y siempre acaba muerta. Llega a la conclusión de que debe sobrevivir para poder romper la maldición.

La película es comedia con algunos puntos muy leves de terror, la nueva producción de Blumhouse busca principalmente un público adolescente con los comportamientos que eso conlleva, ¿a qué quiero llegar con esto? Pues que si ya estás en tus treinta para arriba no conectarás con los personajes, pues sus reacciones son, por le general, bastante tontas. Pero no lo digo como punto negativo, es solo para prepararte. Donde sí que veo que se podría haber mejorado bastante es en el tema sangriento, no recuerdo en toda la película una sola escena decente en ese aspecto, se basa totalmente en el desarrollo de la historia y nada en elaborar momentos potentes.

Dirige Christopher Landon, un veterano de esta página, pues ha dirigido Paranormal Activity: Los señalados y Scouts Guide to the Zombie Apocalypse, y escrito varias entregas de Paranormal Activity y Viral, todas ellas en la biblioteca de la web, en términos de dirección con un aire de continuidad respecto a Scouts Guide. Pero quien firma el guion de esta es, sorprendentemente, Scott Lobdell, que aunque ya ha firmado algunos guiones cinematográficos es en el mundo del cómic donde ha marcado una época, responsable de la mejor época de los Xmen y grandes etapas en DC Comics. Todo el protagonismo de la cinta se la lleva Jessica Rothe (The Tribe, Parallels) con un personaje desagradable que produce repulsa al espectador, y como esa era la intención que se quería transmitir al espectador, pues supongo que buen trabajo por la chica, porque lo clava. Quien sí que está brillante es Ruby Modine, que lleva su personaje de pija hasta tal extremo que cada frase dicha por ella es brillante en términos de comedia. Sin duda de lo mejor de la cinta.


Película agradable para pasar el rato sin mayores pretensiones, su ritmo algo alocada y desenfocado es un hándicap importante, pero si dejas tu cerebro tranquilo durante hora y media poco a reprochar tiene esta cinta.

Firma: Oriol Hernández.

Psychopaths review

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Título original: Psychopaths

Año: 2017

Duración: 85 min.

País: Estados Unidos

Director: Mickey Keating

Guion: Mickey Keating

Música: Shayfer James

Fotografía: Mac Fisken

Reparto: Ashley Bell, Jamie Ann Burke, Larry Fessenden, Angela Trimbur, Mark Kassen, Helen Rogers


Los psicópatas más sangrientos.

La idea de unir una serie de psicópatas en un film no es nueva. En 2012 ya pudimos ver Siete Psicópatas (Seven Psychopaths. Martin McDonagh), aunque el que iba preparado para ver todo tipo de atrocidades quedó bastante defraudado. No obstante, su aire desenfadado y de comedia salvaba los muebles.

Psychopats es todo lo contrario. De gracia no tiene ninguna, teniendo que apechugar el sufrido espectador con una historia algo deslavazada y a ratos incongruente, aunque en ocasiones nos hará mirar para otro lado.


Mickey Keatin es una estrella en ascenso en el mundo del cine de terror indie gracias a títulos como Carnage Park y Darling. En Psychopaths nos presenta una narración con una serie de horribles escenas de violencia y brutalidad, así como un musical compuesto de números de canciones y bailes. El resultado es sorprendente gracias a la experiencia estilística del cineasta, el amor al medio ambiente y el ambiente fresco y retro de los años setenta que harán que los espectadores de cierta época sientan nostalgia de los días de grindhouse de su juventud.

Ante nuestros ojos van pasando unas escenas que intentan provocarnos. La idea es original. Un grupo de psicópatas que no se conocen entre sí la lían parda, en una noche que parece que no va a acabar nunca. El dibujo de estos seres algo desquiciados es demasiado simple, tanto que llega un momento en que no sabemos quién es psicópata y quién no, y no es que nos caigan simpáticos dicho de otra manera. En el origen un discurso apocalíptico, que no acaba de convencer. No penséis que estos angelitos sean unos seres desvalidos, al contrario, cualquiera de ellos podría entrar en el Hall of Fame de la truculencia y, habéis acertado, el uso de máscaras eleva bastante ese sentimiento terrorífico.

Varios psicópatas causan estragos en el transcurso de una noche llena de violencia.

El guion obra de Mickey Keating no es un ejemplo de claridad, no porqué busque algo metafísico, sino porqué se pierde entre tanto personaje. Da la impresión de que esté acabada a toda prisa. De eso dan fe sus escasos 85 minutos que, todo sea dicho, se nos hacen un pelín largos.

La música de Shayfer James es todo un acierto, ayudando a la digestión de un film que no pasará a la historia del cine de terror, pero que cumple con los requisitos mínimos exigidos por un público ávido de escenas fuertes.


En el reparto nos encontramos con Ashley Bell (El Último Exorcismo y Carnage Park), Jamie Ann Burke (C.S.I.) y Larry Fessenden (Southbound y Most Beautiful Island).

Está indicada para los acérrimos seguidores de personajes salvajes y oscuros. Lo que pasa es que al juntarlos a todos pierde la principal premisa de este tipo de films: acongojar.

Firma: Josep M. Luzán.
@Josep_Luzan

Entrevista a Xavier Gens director de La Piel Fría

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Xavier Gens Nació en Dunkerque, Francia, el 27 de abril de 1975. Es un director conocido por títulos cinematográficos como Hitman (2007), Frontière(s) (2007) y The Divide (2011), pero también por su trabajo en televisión en Crossing Lines (2013/2014) y The Last Panthers (2015) junto a Samantha Morton y John Hurt. Recientemente ha terminado dos largometrajes, The Crucifixion (2016) producida por Peter Safran (Expediente Warren: The Conjuring) con guion de los hermanos Hayes (Expediente Warren: The Conjuring) y La Piel Fría, basada en el aclamado best-seller de Albert Sanchez Piñol.


Enganchados a la muerte - Clip exclusivo

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Dirigida por Niels Oplev y protagonizada por Ellen Page (Juno,Origen), Diego Luna (Rogue One, Elysium), James Norton, y Nina Dobrev, entre otros, que llegará a los cines de toda España el próximo3 de noviembre.

Cinco estudiantes de medicina, con la esperanza de desentrañar el misterio de lo que aguarda más allá de los confines de la vida, emprenden un atrevido y peligroso experimento. A base de detener su corazón durante un breve lapso de tiempo, cada uno de ellos sufre una experiencia cercana a la muerte. A medida que la investigación se vuelve cada vez más peligrosa, se verán obligados a afrontar los pecados de su pasado, además de vérselas con las consecuencias paranormales de sus incursiones en el más allá.


Flatliners review

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Título original: Flatliners

Año: 1990

Duración: 210 min.

País: Estados Unidos

Director: Joel Schumacher

Guion: Peter Filardi

Música: James Newton Howard

Fotografía: Jan de Bont

Reparto: Kiefer Sutherland, Julia Roberts, Kevin Bacon, William Baldwin, Oliver Platt


Algunos umbrales NUNCA deberían ser cruzados.

Hoy es un buen día para morir. Con esta frase tan intrigante, se nos presenta un jovencísimo Kiefer Sutherland (Nelson) quien junto con sus compañeros de facultad Rachel, Labraccio, Hurley y Steckle (Julia Roberts, Kevin Bacon, William Baldwin, Oliver Platt, respectivamente) tratarán de dar respuesta a una de las preguntas que más ha cautivado a la humanidad desde el inicio de los tiempos. ¿Existe vida después de la muerte?


Nelson, brillante y egocéntrico, estudiante de medicina, un día cualquiera persuade a sus brillantes compañeros de facultad, para tomar partido en un experimento científico, nunca antes realizado, para ello, se cuelan en uno de los edificios del campus cerrado, en proceso de restauración. A partir de ese momento empezarán uno de los viajes más increíbles y sorprendentes que ha experimentado el ser humano.

Dirigida con solvencia, por Joel Schumacher (Lost Boys, Un día de furia), con guion de Peter Filardi, debut como guionista, la película ha trascendido al tiempo, debido en parte a sus escenarios atemporales creados por Jan de Bont (Die Hard, Cujo, Black Rain), donde se mezclan con acierto, el neoclasicismo, el arte griego, el romano e incluso el gótico, con luces estroboscópicas, neones, que crean escenarios oscuros como de pesadilla. Por otro lado, muchos de los planos (estoy pensando en una escena en particular) podrían estar sacadas directamente de Lost Boys.

La banda sonora de James Newton Howard (Prince of Tides, The Fugitive, The Village) y colaborador habitual de Schumacher, vuelve a ser un elemento importante en el desarrollo de la película con su tono lúgubre, a veces, y con un final que particularmente me parece precioso.

Mencionar el original guion de Peter Filardi, en el que la historia gira en torno a la responsabilidad más allá de la muerte, en una suerte de karma metafísico. Respecto al guion destacar que faltaría un poco de originalidad en las historias de cada personaje, en concreto dos de ellas aunque una es la más potente a mi parecer, son prácticamente similares.

A nivel interpretativo, decir que es una película coral en donde todos los personajes (excepto quizás, Steckle, personaje que da un contrapunto más distendido a la historia) tiene el mismo peso en la película y están interpretados con gran profesionalidad por las jóvenes promesas de la época. Destacar a Sutherland en su interpretación de un carismático megalómano que no duda en poner en peligro a sus amigos más fieles para conseguir su fin último.


Debo admitir que esta película es una de mis debilidades, a mi parecer, nos encontramos con uno de los guiones más originales que se han hecho sobre temas sobrenaturales, de hecho no recuerdo ninguna película que explore de este modo un tema tan delicado. Tal vez y dado a la originalidad y lo nuevo del tema se podían haber hecho muchísimas más concesiones, esto es arriesgarse un poco más y transgredir un poco. A pesar de esto, la película en conjunto me parece una muy buena película, que es totalmente revisionable actualmente, y que como siempre, si le dais una oportunidad descubriréis una película muy interesante y original sin muchas pretensiones, pero muy efectiva.

Curiosidades

Está a punto de estrenarse un remake, inicialmente debía ser una secuela, pero finalmente será un remake dirigido por Niels Arden Oplev (Girl with the dragon tattoo) interpretado por Ellen Page, Nina Dobrev, Kiersey Clemons y con aparición sorpresa de Kiefer Sutherland.

Joel Schumacher, es el perpetrador de una de las ideas más descabelladas de la historia, fue él quien le puso pezones a Batman (tranquilos, ya ha perdido perdón, y está en propósito de enmienda)

Peter Filardi, en el 2004, realizó la adaptación para la televisión de Salem’s Lot de Stephen King. Éste era el primer libro que había leído como adulto y para él se situaba en el panteón de la literatura americana. Otra de las joyas que si no habéis tenido la posibilidad de ver os recomiendo fervientemente.

Uno de los reclamos de la película en la época era la pareja protagonista Kiefer Sutherland y Julia Roberts quienes vivieron un sonado romance durante la filmación. Tanto es así que la pareja estuvo a punto de contraer matrimonio, desgraciadamente, Julia abandonaría a Kiefer en el altar para fugarse con Jason Patrick (compañero de reparto de Sutherland en Lost Boys), ironías del destino, Roberts protagonizaría años más tarde Runaway Bride junto a Richard Gere)

Julia Roberts acababa de estrenar ese mismo año Pretty Woman, por lo que era conocida como la novia de américa, Joel Schumacher y Kiefer Sutherland acababan de estrenar hacía 3 años Lost Boys por lo que la combinación dio muy buen resultado en taquillas.

Firma: Marta P.
@MartaPraOc

Matar a Dios review

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Título original: Matar a Dios

Año: 2017

Duración: 90 min.

País: España

Director: Caye Casas, Albert Pintó

Guion: Caye Casas, Albert Pintó

Fotografía: Miquel Prohens

Reparto: Itziar Castro, Eduardo Antuña, Boris Ruiz, David Pareja, Emilio Gavira, Francesc Orella


Original y divertida.

Matar a Dios es una película agradable, repleta de comedia y con algunos momentos ingeniosos. Con una crítica religiosa más suave de lo que podría parecer (que la hay, pero en ningún momento se quiere sacar sangre) esta cinta habla sobre la familia, las relaciones, y el rencor. Y no estamos hablando de una película trascendental en lo absoluto, pero hay temas cotidianos camuflados como comedia pero que no dejan de ser serios y dramáticos.


En la cena de nochevieja una pequeña familia se reúne en una casa en la montaña. La noche no está siendo plácida en lo absoluto, ni siquiera normal, pero se traspasará toda línea cuando Dios, en forma de un sin techo enano, se presenta y les informa que en cuanto salga el sol la humanidad se extinguirá excepto para dos sujetos. Les encomienda que ellos decidan quienes serán estos.

Película fácilmente adaptable a obra de teatro, tan solo cinco personajes y un solo escenario en toda la cinta hacen de Matar a Dios una película algo reiterativa, es evidente que esto es por fuerza mayor a no poder añadir más medios para hacer de la cinta algo más dinámico, pero se intenta compensar con unos diálogos cargados de comedia y mala leche y unas interpretaciones muy solventes. De hecho, si el reparto no hubiera estado tan acertado esta película habría salido muy mal parada. Es una película que puede resentirse en su ritmo, no siempre es igual de divertida y se achaca que pueda cansar la reiteración de chistes y algunas escenas que necesitaban ser tan largas, pero cuando se pone ocurrente y los diálogos van volando estamos ante una película altamente recomendable.

Dirigen su primer largometraje, pero enésima producción juntos, Caye Casas y Albert Pintó (Nada S.A, RIP) se les nota encorsetados por un presupuesto limitado, pero se las apañan para hacer una película lo más ágil y entretenida posible, que no es poco. Las mayores bazas de Matar a Dios son su guion, no tanto por su resolución sino por su desarrollo, y su reparto, todos y cada uno de ellos está estupendos y se les nota que lo están pasando en grande. Eduardo Antuña (La comunidad), Itziar Castro (REC 3), David Pareja (Magical Girl), Boris Ruiz (Los Sin Nombre) y Emilio Gavira (El milagro de P. Tinto) se llevan todo el peso de la cinta con unos personajes algo clichés, pero esto juega a favor, pues llevan esas excentricidades de una manera exagerada y eso favorece a la comedia. Los toques gore llegados a cierto punto quedan muy bien y se echa en falta algo más de sangre en otros momentos de la cinta.


Matar a Dios es una película sencilla y original, no esperes la comedia ácida del año porque no es lo que se pretende. Pero si quieres pasar 90 minutos entretenido con un humor ligero con alrededor de una docena de carcajadas esta es tu película.

Firma: Oriol Hernández.

Errementari de Paul Urkijo inaugurará la Semana de Cine Fantástico y de Terror

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El sábado 28 de octubre se inaugurará en el Teatro Principal la 28ª Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián con la proyección de ERREMENTARI (2017), dirigida por el cineasta vitoriano Paul Urkijo Alijo. El pase supondrá el estreno del film en Euskadi tras su paso por el Festival de Sitges.

La película, primer largometraje de Urkijo, está producida por Álex de la Iglesia, Luis de Oza, Carolina Bang y Kiko Martínez con las productoras Kinoskopik, Pokeepsie, Gariza, Nadie es Perfecto, Ikusgarri Films y la francesa The Project. Distribuida por Filmax. Participan EITB y Euskaltel y cuenta con los apoyos de Gobierno Vasco e ICAA.

Protagonizada por Kandido Uranga, Uma Bracaglia, Eneko Sagardoy y Ramón Agirre es un cuento gótico rodado en euskera que se inspira en el mítico personaje del folclore vasco Patxi Errementaria.

SINOPSIS

Han pasado 10 años desde la Primera Guerra Carlista de 1833. En un pequeño pueblo de Álava, un comisario del gobierno llamado Alfredo investiga un suceso que le lleva hasta una siniestra herrería en lo profundo del bosque, donde vive un peligroso y solitario herrero llamado Patxi. Los aldeanos de la zona cuentan oscuras historias sobre él relacionadas con robos, asesinatos y pactos demoníacos. Hasta que por casualidad una niña huérfana llamada Usue consigue colarse en la misteriosa herrería, destapando la terrible verdad que se esconde tras Patxi el Herrero.

Paul Urkijo debuta en el largo tras haber dirigido diversos cortos, como Ohe Azpiko Zera (2011), Monsters Do Not Exist (2012) o El Bosque Negro (2015), el primero y el tercero proyectados en anteriores ediciones de la Semana.



Cronenberg, Argento y Hooper son los protagonistas de la tercera edición del Festival Phantasma

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El cine Phenomena acoge, del 2 al 5 de noviembre, más de veinte films de terror, desde grandes clásicos hasta preestrenos y pequeñas joyas del género.

David Cronenberg, Dario Argento, Abel Ferrara, Wes Craven y Tobe Hooper, a quien se rendirá homenaje, son algunos de los directores más destacados de la tercera edición del festival de cine de terror Phantasma, que tendrá lugar del 2 al 5 de noviembre en el cine Phenomena de Barcelona.

La programación de este año comenzará el jueves 2 de noviembre por la noche con la premiere de Tokyo Ghoul, adaptación del manga de Sui Ishida. El festival acogerá también la premiere de Jigsaw (Saw 8), octava entrega de una de las sagas más famosas del terror.

El director Tobe Hooper, fallecido el pasado verano, será uno de los protagonistas de la edición con la proyección de tres de sus films más conocidos: Lifeforce, La casa de los horrores y El misterio de Salem’s Lot.
Otro director muy presente en la programación será David Cronenberg, de quién se podrá ver Scanners y Cromosoma 3, dos films cargados de impactantes imágenes con las que Cronenberg alterna ciencia-ficción y puro terror.
El siempre personal Abel Ferrara estará también presente por partida doble en esta edición con su versión de Secuestradores de cuerpos, con un toque más sangriento que sus antecesoras, y El asesino del taladro, uno de sus primeros largometrajes.

La nueva copia de Suspiria en 4K, de Dario Argento, es una de las sesiones imprescindibles del festival, que recuperará también el film de culto Henry. Retrato de un asesino y el rencuentro con Norman Bates en Psicosis II, una secuela escrita por el director Tom Holland, responsable de El muñeco diabólico.

Una de las sesiones más esperadas de cada año es la All Night Grindhouse Marathon, que en esta ocasión contará con asesinos en serie y seres demoníacos, entre otras perversas criaturas. La maratón estará formada por Sabe que estás sola, Elvira, Demons 2 y una película sorpresa.

La magia negra y el vudú se colarán en Phantasma con títulos como Los creyentes, de John Schlesinger, y La serpiente y el arco iris, de Wes Craven. El terror más clásico llegará con La novia del diablo, de Terence Fisher, y el programa doble Universal Monsters, formado por Frankenstein y el hombre lobo y El hombre invisible vuelve, donde se reunirán actores como Bela Lugosi, Vincent Price o Lon Chaney Jr.

Puedes descargar aquí el programa completo:

Phantasma 2017

Entradas y abonos ya a la venta en la web y taquillas del cine.
www.phenomena-experience.com

Still/Born review

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Título original: Still/Born

Año: 2017

Duración: 87 min.

País: Canadá

Director: Brandon Christensen

Guion: Brandon Christensen y Colin Minihan

Música: Blitz//Berlin

Fotografía: Bradley Stuckel

Reparto: Christie Burke, Jesse Moss, Rebecca Olson, Jenn Griffin, Sheila McCarthy, Sean Rogerson, Dylan Playfair, Michael Ironside


Para los consumidores de género empedernidos.

Ópera prima para el director y guionista Brandon Christensen, que se estrena con un largometraje de género con grandes momentos de tensión en sus inicios y un final un tanto retorcido que dará que hablar a quienes vean la película. Guion coescrito con el director y guionista Colin Minihan, que recordaréis por una original película del 2016 que gustó en terrorweekend.com llamada It Stains the sands Red.


Una mujer embarazada de gemelos pierde a uno de los recién nacidos en el parto, afectada por el suceso padece depresión posparto, lo que la llevará a pensar que alguien o algo le quiere robar a su bebé de la gran casa a la que el matrimonio se ha mudado recientemente.

Son muchos los títulos donde se utiliza el terror cotidiano como leit motiv, también los que hablan de madres y bebés en apuros, a pesar de ello, Still/Born, título muy bien buscado por otra parte, mantiene una frescura muy interesante, lo que la convierte en una película muy recomendable para ver, pues con sus escasos 87 minutos de duración se pasa volando el tiempo entre tensas escenas en su inicio y pura especulación por parte del espectador en la recta final del film. Decir que es un poco tramposa en el resultado final, pues se dan muchas pistas que llevan a confusión para dilucidar si estamos ante un caso puro de espiritismo, fantasmas y demás malos augurios o por el contrario ante el brote psicótico por parte de una madre desesperada en profunda depresión. En cualquier caso y como he mencionado, film de consumo rápido con buenos momentos de tensión y terror.

Estamos ante un trabajo sin excesivo presupuesto, que no altera demasiado el resultado final, más allá de algunas escenas con efectos digitales en postproducción que son un poco básicos, es apreciable mucho más aquello que está bien hecho que lo que no es redondo del todo.

La protagonista principal indiscutible de la película es Christie Burke, quien se mete de lleno y de manera remarcable en su papel para exteriorizar la locura psicótica más profunda y el miedo más real a perder a su único hijo en manos de un espectro. Su marido en la ficción y coprotagonista con bastante menos minutos en pantalla es Jesse Moss, a quien conoceréis de numerables películas de género. Como curiosidad mencionar la participación casi a modo de cameo del conocidísimo y responsable en pantalla de muchísimas películas de acción y ciencia ficción, así como títulos de nuevo culto como Scanners (1981) o Total Recall (1990), el actor canadiense Michael Ironside, que cuenta en sus espaldas con unas 250 películas como actor.


Si consumes género de manera compulsiva o consideras que no hay suficientes películas de terror al año, ésta es una película de visión obligatoria para ti, igual que lo ha sido para mí.

Firma: Gerard FM.

Entrevista a Alexandre Aja (director) y Robert Englund (actor) de Campfire Creepers

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Alexandre Aja es conocido por ser uno de los directores de terror más prolíficos de la pasada década. Su ópera prima Alta Tensión (2003) obtuvo el premio al mejor director en el Festival de Sitges. Desde entonces ha dirigido películas de culto como Las colinas tienen ojos (2006), Reflejos (Mirrors) (2008), Piraña 3D (2010) y Horns (2013), también ha producido P2 (2007), Maniac (2012), La Pirámide (2014) y El otro lado de la puerta (2016). Este año en paralelo a otras producciones de género, ha apostado por la VR como una nueva forma de realización con la cual explorar los límites de la narrativa.

Robert Englund actor, director, cantante, actor de doblaje, con más de 80 películas a sus espaldas, se hizo famoso en 1983 como "Willie", el lagarto bueno de la exitosa serie de televisión, V, los visitantes; y se convertiría en icono y leyenda en 1985, con su papel de Freddy Krueger en la saga Pesadilla en Elm Street, de Wes Craven. Desde entonces ha sido el monstruo más recurrente de nuestras pesadillas en las siete primeras partes de la saga y en Freddy contra Jason (2003). Sin olvidar la serie de televisión Las pesadillas de Freddy (1988-1990).


Housewife review

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Título original: Housewife

Año: 2017

Duración: 89 min.

País: Estados Unidos

Director: Can Evrenol

Guion: Can Evrenol, Cem Özüduru

Música: Antoni Maiovvi

Fotografía: Tayman Tekin

Reparto: Ali Aksöz, Resit Berker Enhos, Defne Halman, Clémentine Poidatz, David Sakurai


Can Evrenol se convierte en uno de los grandes del terror.

Hace unos años no imaginaba estar aquí escribiendo sobre cine de terror de un director de cine de terror turco, pues no es un país muy dado a producir este tipo de cine. Pero primero Can Evrenol se abrió paso con su potente cortometraje Baskin, que años más tarde se convertiría en su primer exitoso largometraje. Hoy estamos para hablaros de su segundo largo, Housewife, se nota que el director turco ha ido madurando con los años y su nueva obra es más completa en todos los sentidos que su anterior trabajo.


Holly tuvo un gran trauma de pequeña, pues vio cómo su propia madre asesinaba a su hermana y luego intentaba lo propio con ella. Los años pasaron y Holly construyó una familia propia, pero cuando deciden visitar a un grupo llamado "Umbrella of loveland Mind" sus miedos del pasado florecerán de nuevo.

Can Evrenol, da un gran paso en su carrera, esta vez debuta con una producción americana, pues su primer film estaba realizado en Turquía. Esto significa parte del equipo artístico nuevo, lo que se refleja de manera positiva al haber trabajado con gente con experiencia en grandes producciones.

La dirección de Can sigue firme pero continúa cometiendo el mismo fallo que personalmente vi en Baskin. Este fallo es el ritmo, también veo el mayor problema en su guion, escrito junto a Cem Özüduru, los cuales ya firmaron su primer largometraje. Veo un patrón en ambas cintas, un comienzo interesante, hacia mitad de película decae en interés, solo para remontar de manera espectacular en su último tercio. Esto es así en sus dos producciones, pero Housewife no se resiente tanto pues en general es un film mucho más redondo.

Su anterior cinta ya destacaba en el apartado artístico, que tenía muchísimas reminiscencias a H.P. Lovecraft. Este ambiente oscuro, vicioso y terrorífico persiste en su nueva película. Es más, parece casi un spin off de este universo perverso creado por el propio director. Creo que ha sido un acierto hacia donde ha encarado la ambientación de este film, una mezcla obvia entre el macabro universo lovecraftiano y un toque de giallo, lo que transforman a Housewife en un producto único en su especie. Pese a sus carencias, principalmente en ritmo, es totalmente recomendable el darle una oportunidad, tanto si te gustó Baskin como si no.


A destacar el desenlace de esta película, sin duda es de esos finales que no se olvidan fácilmente, todo un carrusel de emociones y sobretodo terror es lo que te espera con la nueva película del gran Can Evrenol. Sin duda esta cinta posiciona al director turco entre los más destacados en la actualidad del cine de terror independiente.

Firma: Omar Parra.
@Omar_FTW

La Residencia review

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Título original: La Residencia

Año: 1969

Duración: 98 min.

País: España

Director: Narciso Ibáñez Serrador

Guion: Narciso Ibáñez Serrador (Historia: Juan Tebar)

Música: Waldo de los Ríos

Fotografía: Manuel Berenguer

Reparto: Lilli Palmer, Cristina Galbó, John Moulder-Brown, Cándida Losada, Maribel Martín, Pauline Challoner, Mary Maude, Paloma Pagés, Teresa Hurtado, Blanca Sendino


Cine Hammer made in Spain.

Uno de los mayores íconos del terror español sin duda alguna es Narciso Ibáñez Serrador, que tan solo con dos largometrajes en su haber supo ganarse a todo el público y crítica tanto a nivel nacional como internacional. Hoy toca traeros su obra tal vez menos reconocida, La Residencia.


Desde un inicio su mayor virtud es esa gran ambientación que nos traslada directamente al terror made in Hammer, todo un acierto que sumado a su magnífica banda sonora de Waldo de los Ríos da un empaque único al film.

Teresa acaba de llegar al internado para señoritas regentado por Ms Fourneour. La joven pronto se dará cuanta que algo raro sucede allí. Debido a la mano dura que ejerce Forneour varias de las alumnas se han fugado del lugar. Aunque dentro de esa gran residencia hay algo más, una figura misteriosa acecha a las jóvenes desde las sombras. El terror y la incertidumbre es palpable en el ambiente.

La residencia es el primer largometraje del maestro del terror Chicho Ibáñez Serrador, que queriendo homenajear al cine de la Hammer nos regala esta obra de culto, siendo su mayor virtud esa ambientación tan única que he comentado con anterioridad. Su guión escrito por el mismo director basado en la historia de Juan Tebar, originalmente debía ver la luz como un episodio de Historias para no dormir. Tal vez por eso mismo pueda pecar de contar una historia bastante simple y sin demasiadas florituras, o de recordarnos inevitablemente a otra de las grandes del género como es Psicosis.


Hablaré ahora de las actuaciones en este film, para empezar debo destacar a John Moulder-Brown, uno de los escasos actores masculinos que aparecen en todo el metraje y que sin duda destaca incluso de otras grandes actuaciones. Destacar a la gran Lilli Palmer, sin duda acabas odiando a su personaje, pero el bueno de Brown sabe dar a su personaje ese misticismo que lo hace único.

La residencia es sin duda un must see para todo amante del cine, no hace falta cruzar el charco para ver el terror que nos ofrece Hollywood teniendo tan cerca nuestros grandes títulos como este. Aun así, opino que la obra cumbre del director español llegaría años más tarde con ¿Quién puede matar a un niño? Si no conocéis al director, cosa que dudo, espero que no dudéis en recuperar estos dos grandes títulos, estoy seguro que no quedaréis defraudados.

Firma: Omar Parra.
@Omar_FTW

Stephanie review

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Título original: Stephanie

Año: 2017

Duración: 89 min.

País: Estados Unidos

Director: Akiva Goldsman

Guion: Ben Collins, Luke Piotrowski

Música: Nathan Whitehead

Fotografía: Antonio Riestra

Reparto: Anna Torv, Frank Grillo, Shree Crooks, Harold Perrineau, Kenneth Choi


El siguiente paso en el terror de Blumhouse.

En los 90 vimos nacer la nueva oleada de slashers con Scream o Sé lo que hicisteis el último verano. En los 2000 vimos nacer cosas tan destacables como Frontière[s], Martyrs, Alta Tensión o À l'intérieur, por parte de Les Enfants Terribles. Ahora desde que Blumhouse ha llegado para quedarse, el cine de terror comercial se ha pasado al lado de los jump scares. Personalmente creo que este tipo de cine está destinado a un público adolescente el cual cuenta con poco bagaje dentro del género y se convierten en consumidores potenciales de este tipo de cine. Pero este 2017 Blumhouse ha dado un golpe en la mesa con una cinta tan curiosa como Stephanie.


La pequeña Stephanie está sola en casa... ¿dónde está todo el mundo? Pasan las horas, los días, hasta que aparecen sus padres de manera abrupta. Parece que ellos ocultan la verdad... ¿Qué sucede con la pequeña Stephanie? Tal vez sea mejor no descubrir la aterradora verdad.

El director Akiva Goldsman nos trae un soplo de aire fresco para la productora norteamericana que parece que se había estancado un poco con el terror juvenil repleto de jump scares. Lo más destacable de todo esto es que mirando la filmografía de Goldsman vemos que este es su segundo largometraje como director y Cuento de invierno. Estamos ante un hombre que en cambio sí destaca por sus guiones (Yo Robot, Soy Leyenda, Rings, La Torre Oscura) pero esta vez los encargados de escribir el guion son Ben Collins y Luke Piotrowski, que aciertan de pleno con la historia que nos quieren contar.

Algunos fans de la animación japonesa puedan ver algún paralelismo entre Stephanie y el anime Elfen Lied, tampoco contaré mucho más para evitar spoilers, pero atentos fans del anime a esta curiosidad. Una pequeña puya a la narración de esta cinta, es el uso en alguna ocasión de las temidas subidas de volumen para asustar al personal, totalmente innecesarios, pero se los acabas perdonando pues quedan como una desagradable anécdota.

Hablamos ahora de sus protagonistas. Como protagonista absoluta tenemos a Shree Crooks como la pequeña Stephanie, que a pesar de su corta edad sabe cómo comerse toda la pantalla.


Como progenitores de la pequeña, primero tenemos a todo un habitual de Blumhouse como es Frank Grillo, junto con Anna Torv, que los fans de la serie Fringe celebrarán el volver a verla.

Ahora tenéis la oportunidad de poder ver la otra cara de Blumhouse, si os gustó Get Out (review), o si os gusta cuando la ciencia ficción abraza al terror, os recomiendo probéis a ver Stephanie. Para mí una grata sorpresa y confirma que Get Out parece que no fue tan solo una excepción ante una productora empeñada en asustarnos a golpe de subida de volumen y sustos repentinos.

Firma: Omar Parra.
@Omar_FTW

Trauma review

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Título original: Trauma

Año: 2017

Duración: 110 min.

País: Chile

Director: Lucio A. Rojas

Guion: Lucio A. Rojas

Música: Ignacio Redard

Fotografía: Sebastián Ballek

Reparto: Catalina Martin, Macarena Carrere, Ximena del Solar, Dominga Bofill, Daniel Antivilo, Eduardo Paxeco, Felipe Ríos, Claudio Riveros


Un viaje al más profundo terror.

Hemos escuchado en innumerables ocasiones que la realidad supera a la ficción. Cuando esta realidad trata sobre los acontecimientos que ocurrieron bajo el yugo de la dictadura chilena, ya empezamos a menearnos en nuestro cómodo sillón. A pesar de no haberla vivido en persona, la numerosa literatura al respecto nos ha puesto al corriente de ciertas prácticas que dejarían como un tierno infante al más depravado de los psicópatas.


Lucio A. Rojas tampoco se encarniza demasiado en esos hechos, cosa que, por otra parte, hubiera dado para mucho. Lo usa básicamente para explicarnos una historia que, para nuestro asombro y pavor, está basada en una cierta realidad. Sin dejar de ser un slasher, introduce algunos elementos que hacen de este film una obra fresca y sorprendente.

La crudeza con que está rodada es uno de sus puntos fuertes, no ya porqué en pantalla aparezcan unas escenas bastante terribles y muy bien rodadas, si no por como el realizador las plasma. En numerosas ocasiones hemos degustado films en los que la estética hace que acabemos bastante mareados ante tantos movimientos de cámara. Rojas se planta cuando hace falta, en un ejercicio muy interesante cinematográficamente hablando. Es como si quisiera decirnos: “tomad, esto es el terror”.

Cuatro amigas deciden pasar unos días en una aldea rural en el Chile más profundo. Tras la primera impresión de encontrarse en el paraíso, se encuentran con un hombre y su hijo que tienen una forma muy particular de divertirse. Los atacantes llevan encima todo el legado siniestro del periodo más oscuro de la historia de Chile.

Nos encontramos ante una forma muy original de representar el terror. Olvidémonos de psicópatas que se esconden tras todo tipo de máscaras, aquí la realidad nos golpea salvajemente y se nos muestra desnuda, sin muchos aditivos. A pesar de su excesiva duración, creo que algo menos de metraje hubiera ayudado a hacerla más fresca y trepidante, la historia está muy bien hilvanada llevándonos poco a poco, después de un apoteósico inicio, a un final en cierta manera sorpresivo.

Las escenas gore están muy conseguidas y con un elevado grado de verosimilitud, para nuestra desgracia todo hay que decirlo, puesto que en pantalla van apareciendo imágenes que en más de una ocasión harán que giremos la cabeza.

Otro punto a destacar es la fotografía a cargo de Sebastián Ballek. La exigencia en algunas escenas dan fe de su maestría. Es siniestra y al mismo tiempo da un cierto toque optimista.


Vamos con las interpretaciones. Todo el elenco está a gran altura. Empezamos con un gran Daniel Antivilo en el papel de Juan, el angelito. Le siguen el cuarteto femenino, no demasiado afortunado en la ficción, formado por Catalina MartinMacarena CarrereXimena del Solar y Dominga Bofill. Nombrar también a Felipe RíosEduardo Paxeco y Mauricio Rojas.

Para finalizar recomendarla encarecidamente a todos los amantes de las emociones fuertes. No quedaran defraudados. A través de unas turbias imágenes, se acercarán lo más posible al más puro terror.

Firma: Josep M. Luzán.
@Josep_Luzan

Phantasm review

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Título original: Phantasm

Año: 1979

Duración: 88 min.

País: Estados Unidos

Director: Don Coscarelli

Guion: Don Coscarelli

Música: Fred Myrow, Malcolm Seagrave

Fotografía: Don Coscarelli

Reparto: A. Michael Baldwin, Bill Thornbury, Reggie Bannister, Angus Scrimm


Terror en estado puro.

Mike es un chico que ha quedado huérfano recientemente. Esquivo y melancólico, vive pendiente de su querido hermano mayor. Cierto día, al curiosear por el funeral de un vecino, descubre las extrañas prácticas del siniestro enterrador y su ejército de duendes. El joven intentará demostrar que algo muy oscuro ocurre en el cementerio de Morningside.


Phantasm es una de esas producciones que, por méritos propios, consiguen pasar a la historia del terror. Película de culto sin discusión, lo extraño de la propuesta hizo que se situase entre los más impactantes largometrajes del género en los setenta y ochenta. Rodada con un presupuesto minúsculo y con actores desconocidos, el film rebosa originalidad y marcó con fuerza a toda una generación, que crecimos con aversión a los mausoleos y a los trabajadores de los mismos. Parte de la culpa la tiene el gran AngusScrimm, por desgracia fallecido a principios de 2016 y que, al interpretar el personaje de Tall Man, le otorgó la categoría de leyenda.

Precursora de varias secuelas, ninguna ha conseguido el reconocimiento de la primera entrega. El maestro Coscarelli, con una nutrida carrera especializada en horror y fantástico, no ha parado de trabajar y ha colaborado en el guion de Phantasm: Ravager (2016), la última entrega de la saga. Dirigida por David Hartman, podremos disfrutar con la presencia de Angus Scrimm y parte del elenco de 1979. La quinta secuela promete fuertes emociones, a los seguidores del Hombre Alto más tétrico de la historia.

Para la banda sonora se contó con Fred Myrow un viejo amigo de Coscarelli que ya habían trabajado juntos en Jim, The World's Greatest (1976) y que ha colaborado con el director en repetidas ocasiones. La música sigue los cánones de la época y se asemeja, quizá demasiado, a los compases de MikeOldfield en El Exorcista (1973). En cualquier caso, es una buena composición y nos ayuda a introducirnos, en los lúgubres dominios de la Funeraria Morningside.


Con un ritmo pausado y sin caer en lo excesivo, combina lo onírico con lo real de manera sugestiva. El realizador, ofrece una película de bajo presupuesto compensada por una historia original y brillante. Rodada con actores aficionados pero entusiastas, la obra de Coscarelli ha marcado una época y una manera de hacer cine de terror, vigente a lo largo de los años.

Firma: Sergio Bosch.
@SergioBoschTW

The Evil Within review

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Título original: The Evil Within

Año: 2017

Duración: 98 min.

País: Estados Unidos

Director: Andrew Getty

Guion: Andrew Getty

Música: Mario Grigorov

Fotografía: Stephen Sheridan

Reparto: Frederick Koehler, Sean Patrick Flanery, Brianna Brown, Dina Meyer, Michael Berryman, Francis Guinan, Kim Darby, Tim Bagley, Greyson Turner, De Anna Joy Brooks, Robert Alvarez, David Banks, Nicole Brandon, Dayna Riesgo, Sebastien Stella, Matthew McGrory


Un acercamiento a los terrores nocturnos.

El juego que nos presenta el director Andrew Getty con su film The Evil Within es un acercamiento de forma única al terror nocturno. Su juego con lo onírico es genial, sabe cómo volver loco al espectador. El mayor problema que sufre esta película es sin duda su extensa fase de producción que se ha extendido a lo largo de una década, vamos, toda una epopeya. Esto se traduce en un montaje bastante torpe que convierte al film es una retorcida pesadilla onírica tanto para su protagonista como para el espectador.


John tiene un problema que le está quitando años de vida, pues el cuidar de Dennis, su hermano discapacitado mental y mantener una relación con su chica expectante de matrimonio, no es fácil. A todo esto, se suma el comportamiento extraño y perturbador que Dennis ha adquirido desde que un nuevo espejo, regalo de su propio hermano, ha llegado a su habitación.

Estamos ante un proyecto muy personal para el trágicamente fallecido director Andrew Getty, pues creo que el resultado final de esta ópera prima se resiente a esa dilatada producción. Antes he comentado que su mayor pecado es el montaje, este fue responsabilidad de Michael Palmeiro y Michael Luceri, pero en mi opinión al tratarse evidentemente de un proyecto tan personal The Evil Within montado por el propio Getty hubiese sido algo mucho más grande. Aunque especulaciones aparte, sí que es cierto que su resultado final pienso que como mínimo no dejará indiferente a nadie, pues ésta arriesgada apuesta de terror onírico da mucho juego.

Uno de los puntos a favor es el casting escogido para esta cinta. La interpretación de Frederick Koehler es merecedora de todo elogio, no quiero entrar en spoilers, pero en cuanto veáis la película entenderéis mis palabras. Después el contar con tantas caras icónicas del cine de género como Dina Meyer, Matthew McGrory o un inmenso y siempre terrorífico Michael Berryman ayudan mucho a crear un producto único.


Ciertamente por momentos la cinta tiene el aspecto de tv movie bastante genérica, pero si resistes alguna tentación de apagar la televisión y sigues hasta el final puedes descubrir un producto que aunque no es para nada redondo, tiene elementos muy interesantes que la convierten en una cinta única. Personalmente he tenido la sensación de estar viendo un episodio de Masters of Horror. Por momentos la odias, por momentos la amas.

Firma: Omar Parra.
@Omar_FTW

Kuso review

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Título original: Kuso

Año: 2017

Duración: 93 min.

País: Estados Unidos

Director: Steven Ellison

Guion: Steven Ellison, David Firth, Zach Fox

Música: Aphex Twin, Flying Lotus, Akira Yamaoka

Fotografía: Benjamin A. Goodman, Danny Hiele, Norm Li

Reparto: Byron Bowers, Hannibal Buress, Shane Carpenter, George Clinton, Regan Farquhar, Tim Heidecker, Bob Heslip, Anders Holm


No recomendable para estómagos sensibles.

Kuso es la película marciana del año. Es grosera, asquerosa, surrealista, repugnante y ofensiva, pero también inquietante, inmersiva, moderna, artística, e irónicamente después de todo esto... inclasificable. La cinta juega con lo marrano y lo desconcertante para NO contarte una historia, es una antología de diferentes historias que se van intercalando unas con otras sin cruzarse en ningún momento. Advertir a todo aquel despistado que esta cinta, muy probablemente, no sea para ti y si te atreves a verla puede ser que tengas algún problema, sobre todo si eres algo aprensivo. Sin ir más lejos, yo cometí el error de ver la película justo después de comer.


Y en este caso, y sin que sirva de precedente, no voy ni a escribir la sinopsis, porque Kuso, no tiene una línea argumental clara, se achaca a un desastre natural (un terremoto) como desencadenante de la extraña locura y mutaciones de los personajes, pero tampoco importa mucho. Simplemente son escenas estrafalarias (la cinta roza el sketch) protagonizada por sujetos raros y con momentos absolutamente indecentes, aunque esto no lo digo como algo negativo. En su hora y media de duración el despliegue de ingeniosas escenas es numeroso, pero automáticamente después nos encontramos con una réplica desconcertantemente marrana. El humor absurdo campa a sus anchas con una falta de escrúpulos mayúsculo.

Debuta en la dirección cinematográfica el músico Steven Ellison, más conocido como Flying Lotus, y con un guion firmado por David Firth, Zach Fox y él mismo. Resaltar sobre todo la buena mano que tiene con la cámara, es una película realmente con buena fotografía y, relativamente, bella. Pero probablemente no te percates de ello debido a que estarás más ocupado horrorizándote con según qué escenas. Destacar las maravillosas escenas de animación que recuerdan a los que hacía Terry Gilliam en la maravillosa Monty Python's Flyng Circus.


Evidentemente no estamos hablando de una película convencional, de hecho no la recomiendo. Pero si logras entrar en su extraño mundo descubrirás una película fascinante, casi mágica. La nota que le he puesto a Kuso no tiene ningún valor. Le puedes poner un 10 o un 0, tanto da.

Firma: Oriol Hernández.

Gotas review

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Título original: Gotas

Año: 2017

Duración: 15 min.

País: España

Director: Sergio Morcillo

Guion: Santiago Taboada

Música: Jesús Calderón

Fotografía: Daniel Borbujo

Reparto: Marina Romero, Ismael de las Heras, Patricia Arizmendi, Adrián López


Te llevará al límite.

Estamos ante el nuevo cortometraje del prolifero director madrileño Sergio Morcillo producido en esta ocasión por Darko Decimavilla. Desde TerrorWeekend.com nos topamos con su trabajo desde hace años y lo hemos estado siguiendo muy de cerca ya que era un director prometedor y hoy día ya podemos afirmar con total rotundidad que el director es todo un referente en cuanto al cortometraje de género en nuestro país.


Marta tiene muy presente la muerte de sus padres, pese a que ya pasan dos años del fatídico hecho. Un día empezará a sentir un dolor muy intenso, como nunca antes lo había hecho. Sola en casa deberá enfrentarse a sus miedos interiores si es que quiere salir con vida.

Sergio Morcillo nos trae su último cortometraje como director, Gotas, supone un punto de inflexión en su carrera, pues estamos ante su trabajo con una narrativa más profunda. Se acabaron los homenajes, se acabaron los clichés. Esta vez la historia que nos ofrece el guionista Santiago Taboada no huele a refritos, todo el cortometraje es un viaje macabro hacia lo desconocido acompañando a la actriz Marina Romero.

No estamos ante el trabajo más redondo de Morcillo, pues creo que eso lo alcanzó con Metamorphose, pero sí que es cierto que con Gotas ha madurado, creo que este cortometraje es el más completo en todos los sentidos. Por primera vez se profundiza un punto más en su protagonista, la historia que aquí nos cuenta, tiene su propio universo, cosa que hasta la fecha no había sucedido en sus anteriores trabajos.

Quiero destacar a un nombre habitual en los trabajos del director madrileño, y es que el sonido de Roberto HG en conjunto con la música de Jesús Calderón engrandece cada escena del metraje, creo que es el mejor trabajo de Roberto entre todas las colaboraciones con el director.


Como punto negativo, no acabo de empatizar con el personaje interpretado por Marina Romero, y justamente cuando no empatizas con el protagonista de la cinta algo falla. Pero creo que el resto de apartados dan un salto cualitativo respecto a sus anteriores trabajos.

Como ya he comentado en alguna ocasión, muero de ganas por ver el salto al largometraje de este director y ver por fin como madura al 100%, siempre es un placer el poder seguir a jóvenes directores que empiezan con cortos amateur y acaban triunfando con producciones que no tienen nada que envidiar a ninguna de las grandes producciones que vemos en nuestras salas de cine.

Firma: Omar Parra.
@Omar_FTW

Phantasm: Ravager review

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Título original: Phantasm: Ravager

Año: 2016

Duración: 101 min.

País: Estados Unidos

Director: David Hartman

Guion: Don Coscarelli, David Hartman

Música: Reggie Bannister

Fotografía: Justin Paul Warren

Reparto: Reggie Bannister, A. Michael Baldwin, Kathy Lester, Bill Thornbury, Angus Scrimm


Convincente conclusión para la saga más tétrica.

Tras décadas de lucha interdimensional contra el siniestro personaje conocido como Tall Man, la mente de Reggie comienza a mostrar signos de cansancio. Desde la institución donde se encuentra recluido, el veterano guerrero se abstrae del mundo, para volver a rememorar las épicas batallas frente a su archienemigo.


Una de las sagas más auténticas dentro del género es, sin duda, Phantasm. Desde el año 1979 mantiene intacta su identidad y su peculiar manera de narrar la historia, que le dieron la fama hace ya 38 años. El proyecto corre a cargo de David Hartman, un realizador que cuenta con toda la confianza de Don Coscarelli ya que trabajaron juntos en películas como John Dies at the End (2012) y Buba Ho-tep (2002). El mismo Coscarelli, como productor, comentaba la sobrada experiencia y el profundo conocimiento sobre Phantasm de Hatman, para llevar a cabo el proyecto con éxito.

Como en las anteriores entregas, el guion escrito por Coscarelli y Hartman, avanza dando saltos en el tiempo y viajando entre dimensiones para, de forma expresamente confusa, mantener la esencia que siempre ha caracterizado a la franquicia. También se mantiene un presupuesto bajo, aunque ofrece unos dignos efectos especiales, que utilizan el CGI y el modo tradicional de manera conveniente, para sumergir toda la cinta en ese aire a serie B, tan típico del resto de entregas.

Para no perder ni un ápice de autenticidad, el elenco está formado por los mismos personajes de la cinta original. A los seguidores del gran AngusScrimm, nos resulta difícil retener una lágrima al ver su última actuación como el Hombre Alto antes de fallecer. Además, podemos ver a los tres paladines de la humanidad, en su incansable lucha para acabar con los planes del maligno profanador de tumbas. Reggie Bannister, Michael Baldwin y Bill Thornbury, interpretan a sus personajes más icónicos con soltura, gracias a la experiencia que proporcionan todos estos años de rodajes.


Una buena conclusión para una saga que ha aterrorizado a varias generaciones de aficionados. Con un austero presupuesto y una trama enmarañada, la última entrega llega dispuesta a dejar un buen sabor de boca a su legión de seguidores, que nunca han dejado de dar apoyo a la oscura idea que engendró Coscarelli, allá por los setenta.

Firma: Sergio Bosch.
@SergioBoschTW
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