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Belzebuth review

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Título original: Belzebuth

Año: 2016

Duración: 115 min.

País: México

Director: Emilio Portes

Guion: Luis Carlos Fuentes, Emilio Portes

Música: Aldo Max Rodriguez

Fotografía: Ramon Orozco Stoltenberg

Reparto: Joaquín Cosio, Tobin Bell, Tate Ellington, Giovanna Zacarías, Yunuen Pardo, José Sefami, Aida López, Enoc Leaño, Felipe Tututi, Norma Angélica


Buenas ideas, pero falta de ritmo.

Películas de posesiones y posteriores exorcismos hay a cholones, cientos. Y Belzebuth, sin ser una gran cinta como desgranaré después, tiene una idea realmente original. Relaciona atentados terroristas, tristemente un tema muy actual, con posesiones demoníacas. Evidentemente, esto es pura invención pero relacionar la encarnación del mal más absoluto con atentados masivos y cobardes me parece, hablando en términos de guion, una idea muy acertada.


Tras perder a su familia de manera extremadamente trágica, al detective Ritter debe investigar una matanza en una escuela perpetrada por un estudiante. Lo que parecía un caso bastante claro se torna mucho más denso al aparecer un sacerdote del vaticano con otro punto de vista.

Una persona como yo, curtida en mil batallas, que ni pestañea viendo las escenas más sangrientas y macabras no pude evitar apartar la mirada en una potentísima primera escena. No cabe duda que consigue capturar la atención del espectador, desgraciadamente es el mejor momento de la cinta, tras eso nos esperan casi dos horas (mucho más de lo necesario) de un aburrimiento gradual, incluso supino, hasta el punto que ya solo quieres que termine, salir a la calle y despejarte. Y la cinta tiene buenas ideas y algunas escenas curiosas, pero la falta de ritmo y las idas y venidas de un argumento incoherente (incluso para su género) hacen de Belzebuth una cinta difícilmente recomendable. Pero los numerosos problemas de argumento se ven algo opacados (pero para nada salvados) ante el buen trabajo de dirección, producción y reparto.

Dirige y coguioniza el mexicano Emilio Portes, con una estética que recuerda, salvando las distancias, a Seven de David Fincher, lo cual está bien, pero con un argumento bastante similar a El fin de los días de Peter Hyams, lo cual está mal. Tiene en el ritmo su mayor problema, aderezadas con algunas escenas algo “extrañas” (solo diré una palabra: Jesucristo), que a ratos piensas que te están tomando el pelo. Película mejicana con algunos actores americanos con poco que aportar, aun así el trabajo es correcto, Tobin Bell (saga Saw) y Tate Ellington (The Endless, Sinister 2) como los típicos personajes que dan algo de luz en los enigmas, pero quien sale mejor parado en términos interpretativos es el mejicano Joaquín Cosio (serie The Strain), auténtico protagonista de la cinta que tras la primera escena vas con él a muerte.


Cinta que no aguanta el listón impuesto tras su gran comienzo. Suprimiendo un mínimo treinta minutos habría salido algo bastante disfrutable, pues su lento ritmo y repetitivo argumento hacen de Belzebuth una película mediocre. Destacar, en lo positivo, una estética y una dirección más que decentes y unas interpretaciones tan buenas como desaprovechadas.

Firma: Oriol Hernández.

As Boas Maneiras review

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Título original: As Boas Maneiras

Año: 2017

Duración: 135 min.

País: Brasil

Director: Marco Dutra, Juliana Rojas

Guion: Juliana Rojas, Marco Dutra

Música: Guilherme Garbato, Gustavo Garbato

Fotografía: Rui Poças

Reparto: Isabél Zuaa, Marjorie Estiano, Miguel Lobo, Cida Moreira, Andréa Marquee, Felipe Kenji


Una historia de amor y terror.

En el año 2011 ya tuvimos la oportunidad de disfrutar de una obra tan singular como Trabalhar Cansa que juntó a los directores Marco Dutra y Juliana Rojas, la cual se encasilló como obra de terror, cosa que a muchos de nosotros nos llevó a realizar un ejercicio de comprensión, puesto que era un terror mundano y para nada aterrador, valga la redundancia. Aparte de esto, apuntar la fuerte carga social que cargaba a sus espaldas y que finalizaba de manera electrizante.


En As Boas Maneiras ambos talentos se vuelven a juntar, tanto en la dirección como en el guion. En esta ocasión su aproximación al terror es más evidente ya que nos encontramos de bruces con uno de los monstruitos más clásicos que el cine nos ha dado a través de los tiempos. Eso que puede parecer algo manido, tiene la particularidad que recae en la figura de un niño. Todo esto adobado con la particular manera de rodar de esa pareja brasileña, muy próxima, tierna y que no deja de reflejar la idiosincrasia de su país.

Una de las pegas que podríamos ponerle a esta cinta es su excesiva duración. Sus más de dos horas hacen que la, en principio, sencilla trama se complique por ella sola. La larga presentación de los personajes podría haber sido sustituida por algo más de acción, la cual aparece a cuentagotas.

Clara es una mujer que está buscando trabajo como cuidadora de niños en la súper ciudad de São Paulo. En su búsqueda se topa con Ana, una mujer soltera que está embarazada y que acaba contratándola. La relación entre ambas se va enredando y una chispa de amor salta entre ellas. Una noche, la vida de ambas cambiará para siempre.

Gran película de un cine que nos es algo desconocido. La falta de títulos que llegan a nuestras pantallas, sobretodo de terror, hace que el muro de ese desconocimiento no acabe de derrumbarse. Esperamos que productos tan interesantes como As Boas Maneiras actúen como vulgar abrelatas.

A pesar de lo comentado respecto a su duración, el ritmo es bastante correcto estando sustentado el mismo, en su primera parte, por las grandes interpretaciones de sus dos protagonistas. A partir de allí, la película cambia como si diéramos la vuelta al calcetín, volviéndose más mundana y concentrando la escasa acción que aparece en todo el film.


Isabél Zuaa y Marjorie Estiano encarnan a la pareja protagonista. Sus trabajos son de altura, emocionantes, próximos y sumamente tiernos. Es difícil encontrar una pareja que se compenetre de esa manera. Magistrales. Tenemos que destacar al jovencísimo Miguel Lobo y a la veterana Cida Moreira.

Lo dicho, un film para disfrutar de principio a fin, eso sí, con algo de paciencia y buscando ese trasfondo social que os recomiendo encontréis.

Firma: Josep M. Luzán.
@Josep_Luzan

Bluebeard review

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Título original: Bluebeard

Año: 2017

Duración: 117 min.

País: Corea del sur

Director: Soo-youn Lee

Guion: Soo-youn Lee

Fotografía: Uhm Hye-Jung

Reparto: Cho Jin-Woong, Shin Goo, Kim Dae-Myung, Lee Chung-Ah, Song Young-Chang, Yoon Se-Ah.


Temerás a tus vecinos. Corea es la cuna de todo asesino en serie.

No he tenido el placer de viajar a Corea del Sur, pero gracias al cine proveniente de allí estos últimos años cada vez tengo más miedo, pues la proliferación de asesinos en serie despiadados en las películas surcoreanas no parece ni medio normal. Por suerte o por desgracia, el nivel de estos films es tal que veo difícil que me canse de este tipo de productos con tanta calidad y cuidado a la hora de realizarlos. Hoy me toca descuartizar Bluebeard, un thriller terrorífico donde nos muestra la cara más oscura del gran distrito Gangnam-gu. Prepárate para disfrutar de una película cargada de giros argumentales, y viaja junto al Doctor Seung-hoon al perverso interior de la mente humana.


El director surcoreano Soo-youn Lee, vuelve a adentrarse en el cine de género como ya hizo con su ópera prima por allá en 2003, Uninvited. Por aquel entonces su debut pasó sin pena ni gloria, pues se podría catalogar como otra cinta de género que no llegaba a aportar mucho. Esta vez, Bluebeard muestra la clara evolución en todos los aspectos del director, desde la gran dirección de actores hasta su tempo pasando por un guion, escrito por el mismo director, tan bien hilvanado que te dejará pegado al asiento hasta el último minuto de metraje.

El Doctor Seung-hoon es el jefe de un pequeño centro hospitalario. En una de sus intervenciones un señor mayor, vecino suyo, le confesará entre los efectos de la anestesia que ha asesinado a alguien. Aquí empieza un verdadero calvario para el bueno del doctor. ¿Simplemente estaba soñando? ¿Realmente ha sido una confesión de asesinato? Su propio vecino podría ser un temido asesino en serie y Seung-hoon no dispone de ninguna prueba para saber si está en lo cierto.

Antes de pasar a hablar de las interpretaciones me gustaría retomar el tema del guion. Como dije al principio es cierto que el cine coreano se ha vuelto todo un experto en retratar para la gran pantalla todo tipo de asesinos en serie, desde The Chaser, pasando por I Saw the Devil o la ya película de culto Memories of Murder. Pero aunque hay momentos que pueda recordar a algunas de las ahora mencionadas, esta cinta goza de personalidad propia, ya sea por esa luminosa fotografía, o por los constantes giros en su guion, o simplemente porque hay momentos si no sabes si verdaderamente estás viendo una cinta de género o todo es cosa del director que quiere jugar con el espectador.

Ahora sí, destacar en las interpretaciones tanto a Cho Jin-Woong, protagonista de esta historia, por momentos un perdedor de manual, pero que aun asi lo dará todo por demostrar que está en lo cierto. Y sobre todo a la dupla Shin Goo y Kim Dae-Myung, ejerciendo de padre e hijo respectivamente y a su vez de excéntricos vecinos del bueno de Cho Jin-Woong. Cuando se juntan estos tres personajes en pantalla no sabes cómo va a acabar nunca la cosa, tan imprevisibles como impactantes en pantalla.


En definitiva, si te gusta el cine de género coreano, disfrutarás mucho de esta cinta. Como parte negativa podemos decir que ya hay tantos títulos de una calidad inmensa que abordan este mismo tema que tal vez Bluebeard quede un poco por debajo de ellas. Aun así una cinta disfrutable que tan solo le puedo encontrar una pega, y es el tempo en algunas partes de la cinta, algo lento para avanzar la trama, pero a su vez necesario para comprender la agonía de su protagonista.

Firma: Omar Parra.
@Omar_FTW

Ataúd Blanco: El Juego Diabólico review

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Título original: Ataúd Blanco: El Juego Diabólico

Año: 2016

Duración: 75 min.

País: Argentina

Director: Daniel de la Vega

Guion: Adrián García Bogliano, Rodrigo García Bogliano

Música: Luciano Onetti

Fotografía: Alejandro Giuliani

Reparto: Julieta Cardinali, Rafael Ferro, Eleonora Wexler, Fiorela Duranda, Verónica Intile, Ivan Baumgart, Alma Benitez


Tremenda visión de un terrorífico juego.

Las curiosidades que envuelven Ataúd Blanco: El Juego Diabólico son muchas. Que me haya fijado en esos detalles no quiere decir que la cinta en sí no merezca la atención necesaria, al contrario. Es un film al que si tuviéramos que ponerle una etiqueta esta sería: entretenido.

Daniel de la Vega es un habitual del terror, uno de los nuestros vamos. La mayoría de sus películas se mueven dentro de este tipo de cine, en el que parece que se mueve como pez en el agua. Apuntar la buena acogida que han tenido últimamente las producciones argentinas de género, tanto por parte de la crítica como del público. Cada país tiene su idiosincrasia, Argentina, para no ser la excepción le da un toque muy de allí pero perfectamente extrapolable.


La historia, sin abandonar cierto clasicismo, es bastante original. Tiene todos los tics de los films de este tipo, pero añade otros que le dan personalidad. Una cosa a destacar es el toque de humor de algunas escenas, lo que ayuda a desengrasar la ya de por sí truculenta historia. En el otro bando, no escatima elementos para que se nos revuelva el estómago y otras partes del cuerpo humano menos viscerales.

Virginia huye con su hija Rebeca de una historia personal muy dura. En uno de los descansos del viaje, Rebeca desaparece. Aquí empieza una delirante búsqueda que Virginia, ni en sus más oscuros sueños, imaginó.

Divertida película que alcanza sobradamente el objetivo con el que fue rodada, que no es otro de que paséis un buen o mal rato, según se mire. Su excelente ritmo ayuda a todo ello, junto a su justa duración. En el apartado del guion dos viejos conocidos, los hermanos García BoglianoAdrián y Rodrigo (Sudor Frío), que hacen un excelente trabajo aunque pese demasiado en el resultado final cierta falta de ambición. No es que le falte fuerza, si no que parece que ni ellos mismos se creen la trama. Estoy por decirles: os ha salido algo muy bueno.

Destacar en un aparte, las contadas pero efectistas escenas gore. Están muy bien rodadas, dándoles al mismo tiempo un toque irónico que a más de uno hará, como mínimo, sonreír. Sangre no falta, que conste.

En el apartado musical tenemos al polifacético Luciano Onetti. Gran banda sonora la suya. Recordar la afición del Sr. Onetti por los giallos. Francesca y Sonno Profondo son sus credenciales como director.


En el apartado interpretativo lo tenemos fácil. Julieta Cardinali lleva todo el peso de la cinta. Está perfecta, tanto en su faceta de amantísima madre como en el de forzada heroína. Ya como secundarios, destacar a Rafael Ferro en su papel de Mason y a Eleonora Wexler como Angela.

Lo dicho, una buena película de terror que os hará pasar un rato divertido. Parece sencillo, pero todos sabemos que no lo es.

Firma: Josep M. Luzán.
@Josep_Luzan

Framed tendrá su Premiere Mundial e inaugurará el Festival TerrorMolins

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TerrorMolins acogerá la Premiere Mundial de la película Framed, cinta dirigida por Marc Martínez Jordán que tendrá su estreno el viernes 10 de Noviembre en el Teatre de La Peni de Molins de Rei.

Framed mezcla los componentes más clásicos del cine de terror (y en especial las denominadas “home invasión movies”) con el imparable auge de las nuevas tecnologías de la comunicación (facebook, instagram, twitter, etc:.). Un fenómeno tecnológico que está cambiando la sociedad en la que vivimos y sobretodo la forma en la que nos comunicamos. Framed es un ensayo terrorífico, crítico, y con pinceladas de humor, del uso desmedido y sin filtro por parte de una sociedad cada vez más entregada al fenómeno de la viralidad.

La cinta está dirigida por Marc Martínez Jordán, graduado por la ESCAC en 2012 en la especialidad de Dirección. Su proyecto final de carrera, el cortometraje de terror “Timothy” (2014) estuvo incluido en la Sección oficial del Sitges Film Festival. Tras dos años de exhibición, acumuló 36 premios y cerca de 200 selecciones nacionales e Internacionales.

En 2013 también codigió la película “Los inocentes”, slasher adolescente producido por Escandalo films y realizado íntegramente por alumnos de la Escac. Un film presente en la sección panorama del Festival de Sitges, no solamente cosechando selecciones en diversos festivales si no también varias vendas internacionales.

Su último trabajo, el cortometraje “Caradecaballo” en blanco y negro, con un presupuesto de 20 euros y protagonizado por su abuela y él mismo, le ha reportado más de 60 premios nacionales e internacionales y 250 selecciones. Algunos premios en festivales tan importantes como en Milano Film Festival, Brussels Short Film Festival, Sitges Film Festival o Las Vegas Film Festival.

El guión está firmado por el propio Marc Martínez Jordán y por Jaume Cuspinera, actual tutor de guión de los proyectos finales de carrera de la ESCAC y uno de los responsables del desarrollo de guiones como “Eva” (Kike Maíllo, 2011) y “Animals” (Marçal Forés, 2012).

El debut con este largometraje de Martínez Jordan está apadrinado por el director y productor, Marc Carreté director de títulos como Asmodexia y Afther The Legacy y creador del sello indie Creatures Of The Dark.

El reparto principal está formado por Àlex Maruny (Promoción Fantasma, El Club de los incomprendidos, Barcelona noche de invierno, Pulseras Vermelles), Clàudia Pons (Asmodexia, Elisa K, Desclasificats ) y Joe Manjon (Risen, Megan Leavey, Según Mateo).

Completan el reparto Julia Molins (Hooked Up, La Riera, Sé quien eres), Enric Auquer (Los Inocentes, Ebre del bressol a la batalla), Biel Montoro (Black Snow, L’altra Frontera) , Daniel Horvath (Encouter with a Mirror,Kamikaze, Buscando el Norte), Carlus Fábrega (Los Ojos de Julia, Nit i Dia), Ramon Canals (Asmodexia),Santos Adrián (Rotten Train,The Glorious Seven), Adriana Feito (La Revolución de los Angeles,Mis Ex novias), José García (El Crack, Losers), Marina Durán (Asmodexia, El Dibuix) i Mar Serra (Nit i Dia, Asmodexia).

Además Framed cuenta con la colaboración especial de Pep Sais(Ocho apellidos catalanes, Los Últimos días), Mercè Montalà(Secuestro, Camille) y Ann Perelló (Amor tóxico,Otel.lo).

Framed es una aplicación que permite emitir video en streaming desde cualquier dispositivo móvil conectado a internet. Al no existir censura muchos de sus usuarios hacen cualquier cosa con tal de cosechar el mayor número de audiencia posible: palizas y violaciones se suceden en los streamings, no existe el límite.

Alex se reúne con sus amigos una noche antes de marcharse a Berlín a trabajar. La noche transcurrirá con relativa normalidad hasta que él y sus amigos serán atacados por tres individuos que les obligarán a participar en macabros y crueles juegos mortales. Todo ello será retransmitido en streaming con un solo objetivo: conseguir una audiencia récord en Framed.


The Neighbor review

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Título original: The Neighbor

Año: 2016

Duración: 87 min.

País: Estados Unidos

Director: Marcus Dunstan

Guión: Marcus Dunstan, Patrick Melton.

Música: Charlie Clouser

Fotografía: Eric Leach

Reparto: Josh Stewart, Bill Engvall, Luke Edwards, Jaqueline Fleming, Alex Essoe, Melissa Bolona, Ronnie Gene Blevins, David Kallaway.


Brutalidad sin darnos ningún respiro.

Hay algunas cosas que uno no puede elegir, una es la familia y otra son los vecinos. Es como un sorteo, nefasto en algunas ocasiones. Tampoco penséis que esto lo recree mucho The Neighbor. Es una excusa para explicarnos algo muy sórdido y rodado sin muchos miramientos. No en vano estamos hablando de un producto obra de Marcus Dunstan, guionista de películas que a más de uno no le han dejado dormir. Saw IVSaw VSaw VI y The Collector, esta última también como director, son sus credenciales. Dicho queda.


Comentar que es la típica cinta estadounidense en la que se nos muestra todo tipo de atrocidades con cierto toque de humor, o como mínimo tono irónico. Enseguida nos viene a la memoria la excelente No One Lives, aunque esta tiene la particularidad de estar dirigida por el japonés Ryûhei Kitamura, pero tiene toda la esencia de lo que estamos explicando.

La historia no es muy original, no obstante tiene todos los aditivos que saben valorar los fans de este género. Personajes despiadados, héroes y heroínas, escenas de acción magistrales y un final con cierto toque moralizador.

John es un camello de tres al cuarto que intenta, junto a su novia Rosie, ahorrar el dinero necesario para iniciar una nueva vida lejos de su ciudad en pleno estado de Mississippi. Como pasatiempo se dedican a observar a su vecino Troy, lo que desconocen es el terrible secreto que éste guarda en su sótano.

Buena película de Marcus Dunstan, que como no podía ser menos está escrita por él mismo, con la colaboración de Patrick Melton, otro marcado por la saga Saw. Muy buen guion con continuos giros aunque con un avance muy rectilíneo. Escena a escena nos va llevando a un final que sorprende aunque pueda parecer evidente. También destacar la excelente dirección de actores, puesto que quedan caracterizados con cuatro pinceladas. La poca originalidad de la historia queda compensada con una gran realización. A esto ayuda la excelente fotografía de Eric Leach, puesto que no es para nada convencional.

Vamos con las interpretaciones. Empezamos por un excelente Josh Stewart en su papel de John, no se puede hacer más con menos. A continuación nos toca destacar al veterano y televisivo Bill Engvall, como vecino tocapelotas. Para acabar en la parte masculina un secundario de armas tomar: Ronnie Gene Blevins, aquí le toca representar un personaje malvado, para variar. En su larga trayectoria no encontramos su participación en joyas como Seven PsychopathsTrue Detective y el corto Sequence. En la parte femenina la fascinante Alex Essoe, en un papel algo especial y novia de John. A sus espaldas una obra del calibre de Sterry Eyes.


Para finalizar recomendarla a todos aquellos que disfruten con los thrillers de terror, que pienso que son muchos. Calificarla así es resumir demasiado, pero los más recalcitrantes seguidores de este tipo de cintas ya sabrán a que me refiero.

Firma: Josep M. Luzán.
@Josep_Luzan

It Stains the Sands Red review

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Título original: It Stains the Sands Red

Año: 2016

Duración: 92 min.

País: Estados Unidos

Director: Colin Minihan

Guion: Colin Minihan, Stuart Ortiz

Música: Blitz//Berlin

Fotografía: Clayton Moore

Reparto: Brittany Allen, Juan Riedinger, Merwin Mondesir, Kristopher Higgins, Andrew Supanz, Michael Filipowich, Nico David, Dylan Playfair


¡Una de zombis indispensable!

Tras lo que parece una invasión zombi en la ciudad de las vegas, todo el mundo trata de escapar. Molly es una streeper que parece tener una huida bien pensada, pero nada sale como ella esperaba cuando aparece un zombi en pleno desierto dispuesto a comerse a la chica.


Colin Minihan, uno de los dos componentes de la pareja canadiense que forma The Vicious Brothers y responsables de la película Grave Encounters (2011), coescribe con su hombre de confianza en otros trabajos Stuart Ortiz y dirige en solitario está loca historia de zombis en lo que representa su segundo largometraje en solitario.

La película en sí, sin ser del todo redonda y sin tomarla totalmente en serio, me parece como digo en la frase de cabecera de review, imprescindible, una pieza a destacar entre las del estilo, porque aunque hemos visto cientos de películas de muertos vivientes esta contiene elementos muy destacables e interesantes, además de lo magistral de hacer prácticamente coprotagonista, sin dialogo por supuesto, a un zombi (Juan Riedinger). Un no vivo con estética de leatherface de la mano de quien vienen los momentos álgidos del film. También excepcional la interpretación del dúo en discordia que cierra Brittany Allen, sin la que esta película no podría tener éxito, pues ella es una piedra angular en el resultado final, es de quien vamos de la mano durante toda la película.

Mencionar lo original del guion, aunque igual que le pasa al conjunto del film, no es completo del todo, de hecho, si esta película se cerrara en el segundo acto, eliminando así la subtrama familiar que aparece en el tercero y que además de añadir nuevos personajes irrelevantes en la historia, aburre en consideración ya que es demasiado tarde para el drama a estas alturas de metraje teniendo en cuenta el punto álgido de diversión del público hasta este momento. No es tanto un problema de duración pues podría seguir con el mismo minutaje pero alimentando más la parte brillante de algo imposible como es hacer una película de dos personajes en medio del desierto y que tan bien está resuelto en este caso.


En la parte artística el maquillaje es un punto importante en la historia y los responsables de hacer creíble el resultado final nada desmerecedor han sido Megan Nicholson y Ryanb Nicholson, sin grandes fornituras me gusta especialmente la evolución física de la protagonista.

Recomendada para echar un buen rato y algunas carcajadas.

Firma: Gerard FM.

Festival TerrorMolins 2017: Programación + reviews

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Viernes 10 de Noviembre (La Peni)
22:00h - Framed (Premiere mundial) - Sesión inaugural + Downunder - Proyección previa del corto fuera de concurso

Sábado 11 de Noviembre (La Peni)
19:00h - Cortos a competición 1
22:00h - Cortos a competición 2

Domingo 12 de Noviembre (La Peni)
17:00h - Eat Local - Sesión Movistar Plus (gratis)
19:00h - 68 Kill (review)- Sesión Movistar Plus (gratis)
21:00h - Dhoom:3 - Festival Nits de cinema oriental (gratis)

Lunes 13 de Noviembre (La Peni)
18:00h - Compulsión + Downrange (review)
21:15h - Habit (Premiere española) + Meatball Machine Kodoku (review)

Lunes 13 de Noviembre (La Gòtica)
19:30h - Cannibals and Carpet Fitters (Premiere española)
21:30h - The Heretics (review)

Martes 14 de Noviembre (La Peni)
18:00h - Phoenix Forgotten (review) Hounds of Love (review)
21:15h - Super Dark Times (review) (Premiere española) + Mayhem (review)

Martes 14 de Noviembre (La Gòtica)
19:00h - CÓDIGO HANEKE Conferencia sobre el director austriaco
20:00h - Presentación del libro MICHAEL HANEKE. LA ESTÉTICA
21:30h - Caché

Miércoles 15 de Noviembre (La Peni)
18:30h - Funny Games
21:15h - Black Hollow Cage - Tragedy Girls (review)

Miércoles 15 de Noviembre (La Gòtica)
19:30h - Jackals
21:30h - Los Olvidados (review)

Jueves 16 de Noviembre (La Peni)
18:00h - Replace (review) + Housewife (review)
21:15h - Trauma (review) (Premiere europea) + Mom and Dad (review)

Jueves 16 de Noviembre (La Gòtica)
19:30h - Mesa redonda. GAMIFICACIÓN Y CINE: JUEGOS DE MESA QUE CUENTAN HISTORIAS
20:00h - Presentación del libro LOVECRAFT. LA ALARGADA SOMBRA DEL TENTÁCULO
21:30h - La Cinta Blanca

Viernes 17 de Noviembre (La Peni)
18:00h - Los Herederos de la Bestia
22:00h - A Ghost Story (review) - Sesión clausura & lectura palmarés + Calls Morts - Proyección previa del corto fuera de concurso

Viernes 17 de Noviembre (La Gòtica)
21:30h - Tonight She Comes (review)

Sábado 18 de Noviembre (La Peni)
19:45h - 12 horas de cine de terror
Les Affamés (review)
Revenge (review)
The Lodgers
Película sorpresa
Game of Death (review)
The Night Watchmen (review)



Crónica Festival TerrorMolins 2017 día 1

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Viernes 10 de Noviembre

Empieza uno de los acontecimientos cinematográficos más esperados del año, el Festival de Cine de Terror de Molins de Rei en su 36ª edición, la cual nos depara algunas interesantes novedades que, junto a lo más clásico, sin duda hará que disfrutemos de principio a fin de un evento cuyo mayor fin es el de la diversión. Si para esto último nos tenemos que freír de pánico, mejor que mejor, no olvidemos que el tipo de cine que se proyecta, salvo honrosas excepciones, es el de Terror palabreja que da nombre al Festival. Por cierto, comentar que el leitmotiv de este año es Haneke or The Edge of Horror. No se nos ocurre un regalo mejor para el director austriaco. No olvidemos que este año es su 75 aniversario. Todo un desafío dedicar el festival a Michael Haneke, un autor que ha dejado, y sin duda dejará, una impronta que se hará más gigantesca con el paso de los años.

Da el pistoletazo de salida una gran sesión inaugural que incluye la proyección del largometraje Framed de Marc Martínez y, previamente, la del cortometraje Downunder de Fernando González.

Vamos por orden, primeramente nos disponemos a visionar Downunder de Fernando González Gómez autor también del guion. En su haber más de una veintena de obras, lo que le otorga un bagaje que exige su paso al difícil mundo del largometraje. Algo hay de eso, puesto que este film es el inicio de un proyecto que incluye ese salto antes mencionado. Mimbres no le faltan ya que es sumamente divertido y con un gran ritmo. La calidad técnica es sorprendente. Parece que estemos asistiendo a una gran producción, que sin duda lo es, pero suponemos que ya entendéis lo que queremos decir. Como obra vista independientemente hay que valorarla por lo que es, no obstante da sensación de un continuará… que es lo que realmente se pretende, aunque quizás un final algo más contundente hubiera ayudado a hacerlo todo más redondo. La historia no es muy original, pero al estar rodada desenfadadamente le otorga ese plus que tanto nos gusta. En el elenco un gran Niko Verona, secundado por Ramiro BlasMaggie CivantosCarmen IbeasFernando TielveManuel Titi y Marcial AlvarezUn hombre va por una carretera en pleno desierto con su Chevrolet Caprice. De repente ha de parar el vehículo a causa de una avería. Un amable camionero aparca su enorme camión Perbilt para ayudarle. Pronto se da cuenta de que el propietario del coche no es lo que parece.

Seguidamente y como plato fuerte de la jornada nos encontramos con Framed de Marc Martínez Jordán. Como guionista tenemos a Jaume Cuspinera. En la producción de esta ópera prima: Marc Carreté, guionista además de director de cine y viejo amigo del festival. A pesar de encontrarnos ante un debut, destacar la anterior obra de Marc Martínez: Caradecaballo, multipremiado cortometraje que sin duda es una excelente carta de presentación. En Framed nos encontramos ante un slasher moderno que nos avisa de los usos y abusos de las nuevas tecnologías y de las redes sociales. Parece ser que lo más moderno y tecnológico también tiene su parte negativa y oscura. La vinculación de esto último y la violencia parece ser que se ha puesto de moda en el mundo cinematográfico, para muestra tenemos The Purge de James DeMonaco. Destacar el impresionante trabajo de maquillaje y la fotografía. En el elenco nos encontramos con Àlex Maruny (Cites), Joe Manjon (El Internado), Clàudia Pons (Asmodexia) y Daniel Horvath (Proyecto Lázaro, Kamikaze). Framed es una extraña y misteriosa página web en la que durante 24 horas los que así lo deseen pueden retransmitir en directo cualquier tipo de crimen. Los que consigan más audiencia ganaran grandes sumas de dinero. Un año después, la página ha vuelto, demostrando que la curiosidad, la avaricia y la crueldad humanas no tienen límites.

Hemos finalizado por hoy con la sensación de haber vivido un gran arranque para esta nueva edición del Festival. Un gran aperitivo de todo lo que vendrá. Nosotros aquí estaremos para dar fe de todo lo que ocurra.


Framed review

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Título original: Framed

Año: 2017

Duración: 80 min.

País: España

Director: Marc Martínez Jordán

Guion: Jaume Cuspinera, Marc Martínez Jordán

Música: Jordi Dalmau

Fotografía: Yuse Riera

Reparto: Àlex Maruny, Joe Manjón, Clàudia Pons, Daniel Horvath, Biel Montoro, Júlia Molins, Mercè Montalà, Pep Sais, José García Ruíz


Cruel y sangriento live streaming.

Hay cineastas que igual les da rodar un film de acción, una comedia o un musical. Su maestría puede con todo y, aunque llegan a ser algo impersonales, la calidad del producto final está garantizada. Valga como ejemplo el director japonés Takashi Miike. Hay otros, sin embargo, que dejan su sello personal y hasta con los ojos cerrados podrías identificar al autor. En este otro extremo tendríamos a Michael Haneke. Marc Martínez Jordán pertenecería a este segundo bloque y lo pongo en condicional por la corta carrera del director catalán desarrollada hasta hoy. Las maneras apuntan en esa dirección. Tras ver Framed eso se confirma con creces.


La forma de rodar es muy sutil puesto que tras unas imágenes llenas de sangre, casquería y amputaciones, se esconde una sucesión de situaciones altamente amenas y divertidas junto a algún que otro mensaje más o menos acertado. Ver en pantalla ese descenso a los infiernos con esa violencia llegaría a cansarnos ya en el minuto dos. Pero el guion, obra de Jaume Cuspinera y el mismo Marc Martínez Jordán, sabe trabajar al público. Lo lleva en volandas (como se suele decir). Parece que, cuando está perdido entre tanto gore, la mano de la ironía aparece a través de unos inteligentes diálogos, y los rescata para así coger fuerzas hasta la siguiente situación digamos que movidita, que haberlas haylas.

Otra cosa es la historia. Se sustenta básicamente en lo terrible que pueden ser las nuevas tecnologías, dicho esto con algo de sorna, que conste. A ver quién es el guapo que después de publicar cualquier cosa, noticia, estado de ánimo, cambio de pareja o lo que sea, no está ya mirando cuantos likes tiene o si alguien ha colgado algún comentario preferiblemente positivo. Esto, que podría parecer banal a simple vista, llevado hasta el extremo nos puede llevar a un relato cruel, violento e inverosímil (o no), de la sociedad actual, más pendiente de las formas que del fondo.

Framed es una página web donde los usuarios pueden transmitir en directo desde sus teléfonos móviles durante 24 horas. La guerra por la audiencia ha comenzado. No hay normas, límites o censura.

En una obra de estas características, el trabajo actoral queda un poco diluido entre tanto protagonista. En Framed pasa todo lo contrario. Cada personaje, dibujado con dos pinceladas, tiene una participación importante, aunque a algunos les penalice excesivamente un doblaje algo burdo. Y no hablo solo de los que aparecen más tiempo en pantalla, los que lo hacen poco se recrean al llegarles la oportunidad. Destacaré a Àlex Maruny, uno de los más prometedores actores del panorama actual español, y que aquí tiene un trabajo estelar y algo sangriento. Seguimos con un comedido Joe Manjón, un alucinante y divertido Daniel Horvath, un sorprendente Enric Auquer y un correcto Biel Montoro. En la parte femenina, todas magnificas, Clàudia Pons, Júlia Molins, Mercè Montalà, y Ann Perelló. Mención aparte merece José García Ruíz, en un papel algo ambivalente y salvaje pero representado de manera magistral ya que da en el clavo en un personaje al que le es igual ocho que ochenta.


He dejado para el final la excelente fotografía de Yuse Riera y un departamento de maquillaje para quitarse el sombrero, capitaneado por David Chapanoff y Laura Lorenzo.

Una gran película de la cual disfrutaréis tanto si os gusta el gore como si no. Los primeros van servidos, los segundos solo tienen que escarbar un poco para encontrar la capa de la calidad.

Firma: Josep M. Luzán.
@Josep_Luzan

Crónica Festival TerrorMolins 2017 día 2

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Sábado 11 de Noviembre

Nos adentramos en la parte más clásica del Festival, la selección de Cortos a Competición, que se divide en dos bloques. Uno de los acontecimientos más competitivos y esperados. Con un ritmo trepidante, las obras pasan ante nuestras narices siendo casi imposible decantarse por alguno en particular debido a la calidad de los mismos. Pero hay que hacerlo y el público da su opinión entre muchas dudas.

Vamos a detallar las obras que componen la Sección Oficial de Cortos 2017:

We Together– 7’ 10” - Henry Kaplan– Estados Unidos – Un zombi empieza a recordar la persona que fue.

Ellos– 3’ 35” - Hermanos Tirado– España – Un desconocido quiere entrar en casa. El terror y la angustia invaden a un niño y a su familia.

L’Ora del Buio– 11’ 55” - Domenico de Feudis– Italia – Una niña es cautiva de una misteriosa secuestradora. Solo hay una manera de salvarse: pedir ayuda.

Aprieta pero Raramente Ahoga– 14’ - David Pérez– España – Daniel va a una entrevista de trabajo. Si lo seleccionan será el encargado de pasear a Sigfried, el perro de Cosme.

Hell of a Day– 12’ 09” - Evan Hughes– Australia – En un mundo post-apocalíptico, una superviviente se encuentra atrapada en el subterráneo de un lugar plagado de zombis. La batalla también se librará contra la soledad. 

Le Cowboy du Mont Laurier– 11’ - Gabriel Vilandré– Canadá – Amélie se encuentra con un misterioso hombre en la lavandería.

Petul– 15’ 52” - Charles Cheval– Francia – El extraordinario viaje de un gran roedor en el horrible mundo de una familia humana.

Cauchemar Capitonné– 9’ 20” - Jean-Claude Leblanc– Canadá – Una pareja quiere deshacerse de una silla en la cual se suicidó un hombre.

Filippa– 4’ 45” – Alexander Rönnberg– Suecia – Un padre llega a casa después de trabajar. Su hija quiere jugar al escondite. ¿Pero es realmente su hija?

Juliette– 6’ 37” – Lora D’Addazio– Belgica – Juliette sale de paseo en coche con dos amigas que critican a todo lo que se mueve y que no están atentas a la carretera.

9 Pasos– 7’ 04” – Marisa Crespo Abril, Moisés Romera Pérez– España – Tan solo 9 pasos para el miedo acabe para siempre.

Goodnight, Gracie– 3’ 54” – Stellan Kendrick– Estados Unidos – Una niña escucha desde su habitación como el último amigo de su madre la ataca.

Liz Drives– 7’ 59” – Mia’kate Russell– Australia – Dos hermanas viajan en coche. Por el camino tendrán un susto.

Daemonrunner – 4’ 40” – Kiah Roache-Turner– Australia – Los cazadores de demonios rastrean y someten a una chica poseída.

Blood Shed– 13’ 18” – James Moran– Reino Unido – Jack y Helen compran una cobertizo para su jardín. No será una cobertizo normal.

Féroce– 15’ – Izú Troin– Francia – Un joven ejecutivo es secuestrado. Se despierta en medio de un bosque solo para ser perseguido por un misterioso cazador.

Jitterman– 12’ 03” – Alex Mathieson– Reino Unido – Una niñera que tiene a cargo un muchacho, siente que en la casa hay una presencia extraña.

Centrifugado– 10’ 49” – Mireia Noguera– España - Un joven ayuda a una señora mayor a subir la colada hasta su casa. Una vez dentro, la señora no parece dispuesta a dejarle marchar.

Health, Wealth & Happiness – 10’ 57” – Nic Alderton– Reino Unido – Un ladronzuelo intenta atracar a una misteriosa mujer que le ofrece tres deseos a cambio de su alma.

Como habéis podido comprobar cantidad y calidad han ido de la mano en una sesión realmente estratosférica. La cosa no ha hecho más que empezar y ya deseamos que llegue el siguiente aluvión de buen cine.


Crónica Festival TerrorMolins 2017 día 3

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Domingo 12 de Noviembre

Por tercer año consecutivo la organización del Festival, muy acertadamente, ha programado una Sesión Infantil de Cortometrajes dividida en dos partes. La primera de ellas va dirigida a niñas y niños de 6 a 9 años y la segunda de 10 a 12 años.

Desde la organización se sigue apostando por la cultura y la gestión de las emociones, aprovechando el potencial del audiovisual, para aprender y disfrutar del miedo.

Contamos con la presencia de cortometrajes de España, Polonia, Moldavia, Islandia, Gran Bretaña, Estados Unidos, Canadá, México y Argentina. El Centro Cultural Cuquera de Molins de Rei, trae dos cortometrajes creados y realizados por los asistentes al “Estiu de Cine”.

Recordar que esta doble sesión se utilizará para recaudar fondos para la asociación AFANOC, que trabaja para ayudar a los niños con cáncer y a sus familias.

Tras una breve parada nos disponemos a ver proyección de los tres finalistas del Concurso de vídeos 20 segundos de Terror Movistar+ donde sale vencedor veintiuna:treinta.


Continuamos con Eat Local de Jason Flemyng dentro de la Sesión Movistar Plus. En el guion Danny King. Nos encontramos ante el debut como director de un veterano actor. Estamos hablando de un secundario de lujo que ha participado en más de 120 obras entre cine y televisión. Entre ellas podemos destacar El Curioso Caso de Benjamin Batton, Black Mirror, Grandes Esperanzas y X-Men: Primera Generación. Flemyng se atreve en su debut con una de vampiros, pero para nuestra suerte no se lo toma demasiado en serio destacando algunos chistes realmente divertidos y unos diálogos muy bien hilvanados. En las interpretaciones nos encontramos con Charlie Cox (Daredevil, Stardust), Mackenzie Crook (Saga Piratas del Caribe, Las Aventuras de Tintin), Tony Curran (Gladiator, La Liga de los Hombres Extraordinarios), Freema Agyeman (Doctor Who, Londres: Distrito Criminal) y Dexter Fletcher (El Hombre Elefante). En una casa de campo, los vampiros de Gran Bretaña celebran una reunión cada 50 años. Hasta allí llega el joven Sebastian Crockett, dispuesto a pasar una noche de lujuria con una mujer más madura.

Antes de continuar asistimos a la proyección del cortometraje fuera de concurso:

Versus– 8’ – Demetrio Elorz– España – Dos jugadores de tenis se preparan para afrontar un intenso partido. El juego se acaba súbitamente en el primer punto. Los espectadores aclaman al ganador.

Sin abandonar la Sesión Movistar Plus, nos disponemos a ver a continuación la producción estadounidense 68 Kill de Trent Haaga que también se hace cargo del guion. Trent Haaga es un hombre de cine como se suele decir. En su faceta de screenwriter destacar Cheap Thrills (Juegos Sucios), El Vengador Tóxico 4 y Deadgirl. No nos olvidamos de sus trabajos como actor. Nos encontramos con títulos tan sugerentes como Bonnie & Clyde vs. Drácula y Starry Eyes. Vamos con 68 Kill, una obra desmesurada y exagerada que aspira al estatus de película de culto. Femme fatales, basura y psicópatas asesinos dentro de la mejor tradición del cine negro. En el reparto Matthew Gray Gubler (Suburban Gothic, Trash Fire), AnnaLynne MacCord (Excision), Alisha Boe (Paranormal Activity 4) y Sheila Band (A Girl Walks Home Alone at Night, Argo). Chip es un tipo cualquiera, pero tiene una novia excepcional, Liza, que se gana un dinero extra acompañando a un viejo forrado. Un día, ella propone un plan brillante: hacerse con el dinero de su rico benefactor. Chip comienza a ver un lado de Liza que desconocía y se mete en un lío mayúsculo, en una jornada larga y complicada, que desemboca en una delirante comedia punk-rock.

Para acabar este gran día de cine, y dentro de la Sesión Nits de Cinema Oriental, que mejor que ver una película que estamos seguros que hará levantar de sus asientos a unos atónitos espectadores que se han atrevido con una gran producción india que nada tiene que envidiar con otras occidentales. Estamos hablando de Dhoom:3 de Vijay Krishna Acharya. En el guion cuenta con la colaboración de Aditya Chopra. Dhoom 3 la podríamos definir como una película de acción y es la tercera entrega de la serie Dhoom. Hasta la llegada de Baahubali: The Beginning fue el film indio más caro en la producción. Tras batir todos los records de recaudación acabó convirtiéndose en la película de Bollywood más taquillera de todos los tiempos en los mercados internacionales. Con una banda sonora espectacular, la acción transcurre casi sin descanso apoyada en unas escenas que nos harán enloquecer por su espectacularidad y el más difícil todavía. En las interpretaciones tenemos a Aamir Khan, Katrina Kaif, Abhishek Bachchan y Uday Chopra. Sahir que entrena en magia y acrobacias, está robando bancos en Chicago que pertenecen al hombre responsable de la muerte de su padre. Prestos a ayudar, los oficiales de la policía india Jai y Ali.

Ha sido un día especialmente intenso, y ¡solo llevamos tres! Esperemos que las cosas se calmen y el día a día nos haga reflexionar. Interiormente estamos deseando lo contrario, es lo que tiene amar el cine.

Eat Locals review

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Título original: Eat Locals

Año: 2017

Duración: 94 min.

País: Reino Unido

Director: Jason Flemyng

Guion: Danny King

Música: James Seymour Brett

Fotografía: Alex Fenn

Reparto: Charlie Cox, Mackenzie Crook, Tony Curran, Freema Agyeman, Dexter Fletcher, Eve Myles, Vincent Regan, Ruth Jones, Billy Cook, Annette Crosbie, Nick Moran


Entretenida comedia negra.

Todo éxito cinematográfico tiene su efecto mimético. Otros autores con posterioridad realizan obras que imitan en parte a la original. Esto lo definiría como un riesgo, puesto que si te sale bien tan solo logras dar continuidad a una idea de la cual no puedes decir que sea tuya del todo y eso, para un creativo, es el peor de los insultos. No os digo nada si la cosa no sale redonda, entonces todo queda en una caricatura.


En Eat Locals el acercamiento a la comedia de terror es bastante evidente. El hecho de que trate sobre vampiros la acerca excesivamente a Lo Que Hacemos en las Sombras (WhatWe Do in the Shadows. Taika Waititi y Jemaine Clement, 2014), película a la cual es bastante difícil aproximarse en cuanto a la diversión, por su irreverencia y desparpajo.

Nos encontramos ante el debut como director de un veterano actor. Estamos hablando de un secundario de lujo que ha participado en más de 120 obras entre cine y televisión. Entre ellas podemos destacar El Curioso Caso de Benjamin Batton, Black Mirror, Grandes Esperanzas y X-Men: Primera Generación. Flemyng se atreve en su debut con una de vampiros, pero para nuestra suerte no se lo toma demasiado en serio destacando algunos chistes realmente divertidos.

Los vampiros son vampiros aquí y en Sebastopol, siendo su fin principal el de chupar sangre y dejarte más seco que una mojama, lo que choca bastante con esa manía que últimamente ha adquirido el mundo del cine de disfrazarlos de seres cachondos y elegantes, los cuales nos quieren dar lecciones de mundanidad.

En una casa de campo, los vampiros de Gran Bretaña celebran una reunión cada 50 años. Hasta allí llega el joven Sebastian Crockett, dispuesto a pasar una noche de lujuria con una mujer más madura.

El desarrollo de la trama se parece demasiado a una montaña rusa. Las continuas subidas y bajadas en un guion algo flojo, hacen que nos distraigamos de la historia original, a la cual le cuesta mantener el pulso, aunque el ritmo sea el adecuado. Una de las cosas positivas son unos mordaces y agudos diálogos, muy en la línea del más tradicional cine británico. También mencionar unos acertados efectos especiales, junto a un maquillaje resultón y bastante austero.


En las interpretaciones nos encontramos con Charlie Cox (Daredevil, Stardust), Mackenzie Crook(Saga Piratas del Caribe, Las Aventuras de Tintin), Tony Curran (Gladiator, La Liga de los Hombres Extraordinarios), Freema Agyeman (Doctor Who, Londres: Distrito Criminal) y Dexter Fletcher (El Hombre Elefante).

Nos encontramos con un film destinado a que pasemos un buen rato. Si lo consigue o no ya es cosa de cada uno. Se le puede dar una oportunidad.

Firma: Josep M. Luzán.
@Josep_Luzan

Crónica Festival TerrorMolins 2017 día 4

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Lunes 13 de Noviembre

Entramos en la parte más rutinaria del Festival que consiste en la proyección en dos bloques de la extensa programación de este año. Una de las novedades de esta edición es la aparición de una nueva sala de proyección. Se trata de la Sala Gótica y tiene la particularidad de que todos los actos y proyecciones son gratuitos. Eso no quiere decir que la programación sea infecta, al contrario, poco a poco iremos desgranando las películas que componen una parrilla llena de grandes títulos.

Sin más dilación vamos a explicaros lo que ha ocurrido en esta jornada inter-semanal. Para empezar una sesión doble. La primera de las proyecciones es la española Compulsión de Ángel González que asimismo se encarga del guion.  Nos encontramos ante un debut en el largometraje de ficción, con anterioridad tuvo su incursión en el documental. Nos encontramos ante un thriller de terror en el que uno de los temas principales es el precio que se paga por descubrir la verdad. Ésta, en ocasiones, puede llegar a ser terrible y destructiva si no somos capaces de manejarla o aceptarla. Haciendo uso del refranero podríamos decir: La curiosidad mató al gato. Todo eso para descubrir a un personaje sin consciencia ni sentimiento de culpa y que en realidad no es quién parecía ser. En las interpretaciones tenemos a Susana Abaitua (Stockholm), Pol Cardona (Patria), Marina Esteve (Orden, Mar de Plástico) y Paco Manzanedo ([REC] 4: Apocalipsis). Una tímida joven tiene razones para sospechar que su enigmático novio le está siendo infiel. Decidida a revelar la verdad, descubrirá un siniestro secreto que convertirá su vida en una terrible pesadilla.

Vamos con la segunda de las proyecciones de esta primera sesión. Se trata de Downrange de Ryûhei Kitamura, uno de los bombazos de la temporada, sin duda. En el guion está ayudado por Joey O'Bryan. Kitamura ya nos deleitó, allá en 2012, con No One Lives, un título muy entretenido y lleno de acción marca de la casa. Rodar ese tipo de películas hace que los directores encargados de filmarlas acaben algo encasillados. El director de origen japonés no es una excepción, pero hay que decir que sus cintas tienen algo que las hace diferentes. Sin abandonar la mala leche, tiene toques infantiles que nos hacen sonreír a pesar de lo que va apareciendo en pantalla. Esto último no quiere decir que abandone la truculencia, en cierta manera heredada del gran Sam Peckinpah, autor del que beben muchos de los directores actuales, pero ciertos elementos a la vez que inverosímiles resultan hasta simpáticos. La escuela japonesa, tan poco dada a conceder nada al público, parece que tampoco es uno de sus referentes, si no que se lo digan a Takeshi Kitano o a Takashi Miike. Llegamos a la conclusión, por lo tanto, de que Kitamura tiene un estilo propio que cuenta con infinidad de seguidores. La parte actoral está muy dividida, destacaré no obstante a Kelly ConnaireStephanie PearsonRod Hernandez y Anthony Kirlew por estar más en tiempo en pantalla que el resto, así de simple. Un grupo de amigos que transitan por una carretera pérdida, tienen que detener el vehículo a causa del estallido de uno de los neumáticos. Lo que parecía un vulgar reventón, se convierte en la cacería de un enigmático francotirador, convirtiendo a los protagonistas en el más vulgar de sus objetivos.

Tras una breve pausa vamos con otra sesión doble, esta vez de carácter nocturno, como tiene que ser. El primero de los films es Habit de Simeon Halligan, estando el guion también a su cargo. Está basado en la novela de culto obra de Stephen McGeagh. Simeon Halligan es un habitual del terror, como ya demostró con Splintered y Los Intrusos, dando continuidad con el film que comentamos. La película sigue a un hombre en su descenso a la locura mientras trata frenéticamente de encontrar su lugar en el mundo. Una de las protagonistas involuntarias de la cinta es la ciudad de Manchester, que se torna refugio de almas oscuras y depravadas. Las imágenes que van apareciendo en pantalla son granulosas y oscuras. La música es ruidosa y bastante alejada de la de Oasis. Los personajes son de aquellos que no nos gustaría encontrarnos en un callejón oscuro. Vamos con las interpretaciones. Primero nombrar a Jessica Barden (Langosta), Roxanne Pallett (Camino Sangriento 6), William Ash (Desafío a la Muerte), Elliot James Langridge (Beatiful Devils) y Louis Emerick (Crimen Organizado). Michael es un joven con mala suerte. Después de presenciar la muerte de su madre, luchó para encajar en la Sociedad. Un día conoce a Lee y entra en el oscuro y peligroso mundo del sexo, los gánsteres y el asesinato.

Por primera vez en el Festival nos dirigimos a Asia, concretamente a Japón para ver la segunda de las cintas que componen esta sesión de noche. Se trata de un film con un título tan sugerente como Meatball Machine Kodoku de Yoshihiro Nishimura. En el guion está ayudado por Sakichi Satô, que para el que no lo sepa, es el encargado del screenplay de obras tales como Ichi The Killer y actor en otras como Kill Bill: Volumen 1 y 2. Si hablamos del director, especialista en cintas de acción, destacar algunas de sus obras: Tokyo Gore Police y Vampire Girl vs. Frankenstein Girl. La unión de esos dos genios nos lleva a una cinta hiperviolenta y empapada de sangre, donde las extremidades vuelan y las pistolas de pezón disparan con maniaco júbilo. Recordad la maestría de Nishimura en los efectos especiales. Sus creaciones alucinógenas van a caballo entre Tetsuo, The Iron Man o las películas de Takashi Miike y Sion Sono. En el elenco Tomori Abe, Kensuke Ashihara, Satoshi Eishima. Cuando el nefasto alienígena Necroborg llega a Japón, convierte a los seres humanos en máquinas asesinas. Entre ellos se encuentra un cobrador de morosos al que hace poco le han diagnosticado una grave enfermedad.

A la misma hora, pero en la Sala Gótica se proyecta la producción canadiense The Heretics de Chad Archibald, estando el guion a cargo de Jayme Laforest. Nos encontramos ante la nueva obra del prolífico cineasta canadiense. Como era de esperar en las producciones de Black Fawn, la calidad está garantizada. Es de agradecer que esta vez, aunque perdure esta corriente interna por parte de la productora en ofrecernos terror al estilo "body horror", hayan optado por mostrarnos un punto más añadiendo sectas a la ecuación. Se vuelve a unir la dupla Chad Archibald y Jayme Laforest, como director y guionista respectivamente. Una pareja la cual creemos que funcionó muy bien en Bite, y es un acierto volver a verlos unidos para The Heretics. Hablando del trabajo de Laforest, podemos apreciar cierto cambio o evolución desde su anterior trabajo. Pues en Bite, la historia se centraba casi en su totalidad en un solo personaje principal, y tampoco gozaba de un guion demasiado profundo. En el film que nos ocupa hoy, esto se solventa con una interacción entre los varios personajes principales muy interesante y a su vez un guion que evoluciona minuto a minuto y no deja de sorprender. En cuanto a las interpretaciones, empezar por su sufridora protagonista, Nina Kiri la cual tuvimos oportunidad de ver en Let Her Out, película de uno de los productores de esta cinta, Cody Calahan y que en The Heretics se confirma como toda una Scream Queen a tener en cuenta en futuras producciones. Como contrapunto interpretativo tenemos a Jorja Cadence que, a pesar de su corta trayectoria, mantiene el ritmo en un frenético duelo interpretativo. En mitad de un bosque, sin posibilidad a escapar, una chica es usada como sacrificio en un ritual satánico. A la mañana siguiente ella despierta rodeada por los cadáveres de sus captores, los cuales se han suicidado frente a ella. Ahora es libre, pero lo que parece una nueva vida llena de posibilidades, pronto se convertirá en una auténtica pesadilla que se repite.

La jornada ha llegado a su fin.  Habéis notado nuestro sentido de la ubicuidad, es algo que hemos desarrollado tras largos años en todo tipo de festivales y actos clandestinos. Tenemos que aprovecharnos de la parte más positiva del asunto. La otra es mejor dejarla oculta.


EFFFF y Blood Window se enorgullecen en anunciar la creación del premio a la Mejor Película Fantástica Latinoamericana del Año

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EFFFF (Federación Europea de Festivales de Cine Fantástico) y Blood Window se enorgullecen en anunciar la creación de un premio a la Mejor Película Fantástica Latinoamericana del Año.

A partir de ahora, el talento emergente de América Latina se destacará, conectando Europa y América Latina:

"Entendemos que es importante establecer vínculos entre ambas industrias y comunidades cinematográficas de Europa y Latinoamérica. Hoy América Latina representa un lugar muy emocionante para el cine fantástico actual, y Blood Window ha desempeñado un papel fundamental en esto. Para el EFFFF, este la colaboración es un placer y un honor ", dijo el presidente de EFFFF, Chris Oosterom.

"Celebramos con mucho entusiasmo la creación de este premio. Creemos que esta iniciativa elaborada en conjunto entre la EFFFF y Blood Window va a permitir estrechar mayores vínculos entre la comunidad de cine de género latinoamericano y la familia de Festivales de Cine Fantástico Europeos. No caben dudas que la continuidad de esta alianza va a fomentar el descubrimiento de nuevos talentos especializados en cine de género fantástico. Javier Fernández, director de Blood Window.

La película seleccionada debe haber sido parte de al menos dos festivales en el EFFFF. El premio se otorgará al ganador en noviembre, durante la próxima edición de Blood Window en Buenos Aires.

Crónica Festival TerrorMolins 2017 día 5

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Martes 14 de Noviembre

Hoy es uno de esos días en los que la duda nos asalta. Bendita sea esa duda por eso, los dos espacios que ofrece el Festival para ver cine del bueno se visten de gala y nos ofrecen una programación y actos paralelos que rayan a gran altura. Intentaremos no dejarnos nada y es que hoy se merece que pongamos los cinco sentidos.

La primera sesión, doble por cierto, empieza bien pronto. La primera de las películas que la componen es Phoenix Forgotten de Justin Barber que hace su debut en el largometraje. En el guion cuenta con la colaboración de T.S. Nowlin. Nos encontramos ante un film de ciencia ficción de metraje encontrado, lo cual encontrábamos a faltar dada la invasión que últimamente habíamos tenido por parte de zombis de todo tipo. Comentar que en la producción nos encontramos, entre otros, con Ridley Scott (Alien, el Octavo Pasajero; Blade Runner; Thelma & Louise, Gladiator). Como toda buena cinta found footage tiene que pasar el examen de la comparación con The Blair Witch Project. Por lo que parece no sale muy bien parada de ese examen, y es que el que da primero, da dos veces. Entre los actores nos encontramos con Florence Hartigan, Luke Spencer Roberts, Chelsea López y Clint Jordan. Tres adolescentes desaparecen al intentar encontrar la fuente del fenómeno OVNI de 1997 más conocido como las “Luces de Phoenix”

Como segunda parte de esta gran sesión nos llega la película australiana Hounds of Love, escrita y dirigida por Ben Young. Su carrera ha transcurrido en el mundo de la televisión, haciendo su estreno en el mundo del largometraje con este título. Con cierto aire al cine de Haneke, Ben Young le da una vuelta de tuerca al cine sobre asesinos en serie, todo ello mezclado con dinámicas de pareja, relaciones materno-filiales y opresión patriarcal. Sin ser un ‘torture porn’ es cine del que emana una tensión acentuada, intensa y perturbadora. Más de uno girará la cabeza para no ver lo que sale en pantalla, pero los espectadores más valientes se verán recompensados. En el apartado actoral contamos con la presencia de Emma Booth (La Masacre de Town Creek), Ashleigh Cummings y Stephen Curry. John y Evelyn White son una pareja aparentemente normal con un hobby nada normal: les encanta coleccionar colegialas. Un buen día se fijan en Vicki. Parece ser que esa elección no es tan acertada como habían pensado.

Hacemos un alto en el camino para dirigirnos a la Sala Gótica y asistir a la presentación del libro de esta edición del Festival editado por la Editorial Hermenaute: Michael Haneke. La Estética del Dolor, cuyo prólogo es obra del reconocido crítico de cine Carlos Losilla. Dicha mise-en-scéne corre a cargo del coordinador de la obra Albert Galera y de Lluís Rueda, editor. Entre los asistentes, y formando parte de la mesa, los autores del libro: Gerard Fossas, Joan Domènech, Jaume Claver, Albert Galera, Josep M. Luzán (redactor de TerrorWeekend.com) y Javier Rueda.

Volvemos a La Peni y al cine para iniciar la sesión nocturna. Para empezar, nos disponemos a ver Super Dark Times de Kevin Phillips. En el guion Ben Collins (Stephanie) y Luke Piotrowski. Nos encontramos ante otro debut. Kevin Phillips tiene una larga trayectoria en el mundo del cortometraje, tanto en la faceta de director como en la de director de fotografía, sin olvidar su vertiente como actor. En esta producción crea un estado de ánimo desde el primer plano, manteniéndolo durante toda la cinta. Lo que importa en Super Dark Times no es lo que sucede sino cómo sucede y como el paisaje (un pintoresco pueblo de Nueva Inglaterra) se filtra en la psique de los personajes como una especie de malestar frío y solitario. Por otro lado es una historia de adolescentes, virginales y frustrados cuya violencia latente lleva directamente a la tragedia. Owen Campbell (Boardwalk Empire) encabeza el reparto. Le siguen Charlie Tahan (Soy Leyenda), Elizabeth Cappuccino y Max Talisman. Zach y Josh son dos desgarbados estudiantes de secundaria que van en bicicleta por el suburbio norte de Nueva York disfrutando de las libertades cotidianas de una adolescencia sin supervisión.

Antes de seguir con la sesión vespertina, vamos a pasarnos por la Sala Gótica para ver que narices están haciendo y ¡Oh sorpresa!, y de las gordas. Están a punto de proyectar uno de los más destacados films del director austriaco Michael Haneke. Estamos hablando de Caché, del año 2005. Se trata de una coproducción Austria, Francia, Alemania e Italia. Se estrenó el 14 de mayo de 2005 en el Festival Internacional de Cannes, donde Michael Haneke recibió el galardón al mejor director. Como es habitual, en esta cinta Haneke juega con el espectador con la única premisa de que éste quiera participar en su juego. Las reglas de este pasatiempo no están claras del todo, quizás él tome ventaja. El camino está lleno de trampas y puede ser que cuando lleguemos al final no tengamos el merecido premio. Las interpretaciones son de altura, al menos los nombres, ya sabemos que a Haneke le gusta controlar hasta el más mínimo de los detalles. Empezamos con Daniel Auteuil (Asuntos Pendientes, El Juego de los Idiotas), seguimos con Juliette Binoche (El Paciente Inglés, Tres Colores: Azul, Godzilla) y Maurice Bénichou (Amelie, Le Temps du Loup) y acabamos con Annie Girardot (Rocco y Sus Hermanos, La Pianista, Votad al Señor Alcalde). Georges, de profesión periodista, empieza a recibir vídeos, rodados a escondidas en la calle, en los que se le ve con su familia, acompañados por extraños e inquietantes dibujos difíciles de interpretar. No sabe quién se los manda. Poco a poco, el contenido de los vídeos se hace más personal. Georges empieza a pensar que se trata de alguien que le conoce desde hace mucho tiempo. Siente que tanto él como su familia están amenazados. Por desgracia, dicha amenaza no es explícita y la policía rehúsa tomar cartas en el asunto.  

Volvemos a la sesión que dejamos abandonada. Tenemos que decir que ha sido por una buena causa. Sin más preámbulos nos disponemos a ver Mayhem de Joe Lynch. En el guion Matias Caruso. Con cierto bagaje a sus espaldas, Joe Lynch (Everly, Wrong Turn 2, 12 Deadly Days) se mueve como pez en el agua en el cine de acción. En Mayhem mezcla ese género con el que más nos gusta, el terror, saliendo de la coctelera una de las películas más entretenidas del año cinematográfico. Está protagonizada por Steven Yeun (The Walking Dead) que se deleita en su papel, sirviendo éste como un excelente recordatorio de porqué debería estar encabezando las listas de casting de Hollywood, con todo lo bueno y lo malo que esto conlleva en cuanto a comercialidad. Completan el reparto Samara Weaving (The Babysitter), Steven Brand (El Rey Escorpión, Hellraiser: Revelations) y Caroline Chikezie (Aeon Flux, Everly). Derek Cho es un trepa que descubre que el edificio de la firma de abogados está en cuarentena a causa de un peligroso virus que impulsa a los afectados a actuar según sus impulsos más salvajes.

No nos negaréis que ha sido un día muy intenso. Juramos y perjuramos que para poder seguir todos los acontecimientos solo hemos ingerido agua mineral sin gas con un par de aceitunas. De todas maneras, hay algo en nuestro interior que no necesita ningún tipo de aditivos, solo oler, como los tiburones, la sangre y ya seguimos el rastro del buen cine y de eso en TerrorMolins van sobrados.


Crónica Festival TerrorMolins 2017 día 6

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Miercoles 15 de Noviembre

La magia del cine ha invadido Molins de Rei y eso nos lleva directamente a la más pura diversión sin pasar por ningún otro estado intermedio. La organización se empeña año tras año en que todo sea así, y a fe que lo consigue.

Dejémonos de rollos y vamos al grano. Nos tenemos que vestir de etiqueta para asistir a la Sesión Retrospectiva y presenciar la obra maestra Funny Games de Michael Haneke, que también se hace cargo del guion. Rodada en 1997 supuso todo un shock para un público que se hacía cruces intentando clasificarla. La aproximación al terror es bastante evidente, pero es un terror muy particular que no tiene ningún ánimo en que el espectador bote de su butaca o pegue algún que otro grito. Haneke, como en toda su filmografía, juega con el público, le quiere hacer partícipe de una historia suculenta y salvaje en la que el protagonista principal se dirige a cámara buscando la complicidad de una atónita platea. Los intérpretes están extraordinarios todos ellos pero tenemos que hacer énfasis en la maestría de Arno Frisch (El Video de Benny) a la hora de recrear a un Paul disfrazado de buen chico. A su lado nos encontramos con una gran Susanne Lothar (La Pianista, La Cinta Blanca), un magnifico Ulrich Mühe (El Video de Benny, La Vida de los Otros), un superado Frank Giering, un correcto Stefan Clapczynski y un maravilloso Rolfi. Ane se dirige a su casa de verano junto al lago con su marido George y su hijo Georgie para desconectarse del trabajo. Poco después de instalarse, un par de jóvenes llaman a la puerta para darles la bienvenida a la zona, sin embargo, a pesar de las buenas palabras, atizan a George sin perder la sonrisa en su cara. A partir de ahí, los jóvenes confesarán a la familia que todo se trata de un simple juego: apuestan a la familia, a que al día siguiente, a las 9 de la mañana, estarán todos muertos.

Posteriormente a la proyección asistimos a una interesante Q&A con la participación de Arno Frisch.

Tras un breve descanso nos preparamos para la correspondiente Sesión Doble del día. Rompe el hielo Black Hollow Cage cuya dirección y guion corren a cargo de Sadrac González-Perellón. Estamos ante un film fantacientífico que no solo incluye viajes en el tiempo, sino elementos de home invasión al estilo de la comentada anteriormente Funny Games. Es de aquellos films en los que no hay término medio, o lo amas o lo odias. Su experimentación es evidente, hay tomas individuales que superan los cinco minutos y crean tal tensión que quedas exhausto. No hay miedo al silencio, todo esto le permite llegar a picos devastadores y, en cierta manera, hermosos. En las interpretaciones tenemos a Lowena McDonell, Julian Nicholson y Haydée Lysander. Alice es una niña traumatizada por la pérdida de un brazo, que vive en una extraña casa en mitad del bosque con la única compañía de su padre. Un día, Alice encuentra entre los árboles un extraño artefacto cúbico con la capacidad de cambiar el pasado.

Antes de proseguir decidimos darnos una vuelta por la Sala Gótica, no sea caso que se nos escape algo. Allí nos encontramos con la interesante proyección del film argentino Los Olvidados de Luciano y Nicolás Onetti. En el guion cuentan con la colaboración de Carlos Goitia. El slasher es un género inventado hace muchos años. Sin remontarnos a sus inicios, allá por los años sesenta, tenemos que recordar la mítica La Matanza de Texas (The Texas Chain Saw Massacre. Tobe Hooper, 1974) como una de las pioneras de la concepción más moderna del término y que inició un camino de no retorno. De la misma han bebido innumerables obras, pero su elevación a la categoría de obra maestra, la hacen un producto único e insuperable. Los Olvidados de los hermanos Onetti (Sonno Profondo, Francesca), camina en la misma dirección en cuanto a truculencia e historia escabrosa. Intentar acercarse a lo comentado anteriormente parece algo arriesgado, cuando no suicida, pero las imágenes que paulatinamente van apareciendo en pantalla te dejan mal cuerpo. Suponemos que ese fue uno de los objetivos iniciales del proyecto. Sin aportar mucha novedad en esta ocasión, el estilizado y bien construido guion logra que enseguida nos adentremos de lleno en un relato de puro terror. Su buen ritmo nos lleva de la mano, introduciendo en medio del horror unas historias paralelas que tampoco son excesivamente originales, pero ¿a quién le importa?, unos impactantes efectos especiales y de maquillaje nos introducen en un mundo donde la locura parece ser la cosa más natural del mundo. Al ser una obra muy coral, es difícil destacar a los protagonistas. No obstante nombrar a Victoria Maurette, Victorio D’Alessandro, Mirta Busnelli y Gustavo Garzón. Un grupo de personas, que se dirigen a la devastada Epecuen para rodar un documental sobre como las aguas se tragaron la ciudad y sus alrededores, quedan varados a causa de una avería en su vehículo. Pronto se darán cuenta de que tienen más de un indeseable vecino.

Ahora sí, volvemos a La Peni para continuar con la Sesión Nocturna. En esta segunda parte tenemos Tragedy Girls de Tyler MacIntyre. En el guion Chris Lee Hill, Tyler MacIntyre y Justin Olson. Saliendo de su argumento principal bastante original pero que tampoco sorprenderá, nos encontramos una advertencia, un aviso hacía donde estamos conduciendo los valores de esta sociedad, desde el punto de vista de unas adolescentes vemos como lo primario, lo básico de un ser humano va siendo distorsionado y desplazando principios como el respeto y la bondad a otros mucho menos necesarios como la popularidad, la aceptación de la masa y la egolatría por encima de todo. Y no es una hipótesis que te muestra esta cinta, esto ya está ocurriendo en nuestros días. Absurdos retos, pruebas o “bromas” a gente anónima campan a sus anchas por multitud de redes sociales con la aceptación de un target muy específico que no hace más que retro alimentarse. La película es, ante todo, una comedia de humor negrísimo, tomándose el valor de la vida con un cachondeo brillante. Pues en sus dos primeros tercios el humor es constante y muy ocurrente, las dos protagonistas están geniales y la historia, por pura locura exagerada, engancha al espectador totalmente. Gran mérito del éxito de la cinta se debe al trabajo de sus dos protagonistas, Alexandra Shipp (X-Men: Apocalipsis) y Brianna Hildebrand (Prism, Deadpool), por la relación de ambas, por lo bien que las trata el guion y por su buena interpretación. Por ahí está Craig Robinson(Juerga hasta el fin) y Kevin Durand (Dark Was the Night) en papeles secundarios pero con grandes momentos para ambos. Dos jóvenes amigas adolescentes son dos chicas alegres y amables, pero todo eso es una fachada, en realidad son dos sociópatas que disfrutan asesinando a quien les plazca, para que sus alter egos puedan sacar rédito haciendo sus propias investigaciones en las redes sociales.

Somos como chacales y no podemos evitar pasarnos otra vez por la Sala B del Festival para acabar el día viendo Jackals de Kevin Greutert. En el guion tenemos a Jared Rivet. Greutert, para el que no lo sepa, dirigió Saw VI, Saw VII 3D y Jessabelle. Como anécdota, los protagonistas de la ficción de ésta última se apellidan Laurent, no sabemos en este momento si ese supuesto homenaje iba dirigido a David Lynch (Lost Highway) o a Michael Haneke (Caché), por antigüedad tendría que ser el primero aunque tenemos que observar que Rivet escribió el guion en 2006, justo un año después que la película del director austriaco. Volvamos a Jackals, entre los actores nos encontramos con Deborah Kara Unger (Silent Hill, The Game, Payback), Stephen Dorff (Blade, Enemigos Públicos), Johnathon Schaech (Una Noche para Morir, Ray Donovan) y Jason Scott Jenkins (American Horror Story). Jimmy Levine es un desprogramador de personas captadas por todo tipo de sectas que ha sido contratado por una familia para recuperar a su hijo adolescente. Mientras está desprogramando al chico, se encuentra bajo el asedio de los sectarios que exigen que les sea devuelto.

Creo que no os podéis quejar, hemos dado buena cuenta de lo que ha dado de sí esta pletórica jornada, plagada de buen cine y con un ambiente extraordinario. Nosotros por allí en medio intentando no molestar demasiado, ya que aparte de realizar nuestro trabajo nos convertimos en un hooligan, gritando y pataleando como el que más. Si habéis visto a alguien así ya sabéis por dónde anda TerrorWeekend, yo por si acaso no me acercaría demasiado.

Entrevista a Ángel González director de Compulsión

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Diplomado en producción por la ECAM, cuenta con una amplia experiencia en el sector de la exhibición cinematográfica, y es cofundador de la compañía Shock Film Factory. Compulsión es su ópera prima.


¿Cuáles fueron tus referencias para hacer la historia?

Para hablar de referencias siempre es un tema peliagudo. El rodaje duró diez jornadas, y a la hora de tener referencias. Hablamos de algunas películas en la pre producción, pero en realidad procuramos no tratar de ser muy influenciados, pero nos interesa mucho los thrillers coreanos de principios de los 2000, y a pesar de que en España no hay demasiado interés por productores y directores para este tipo de planteamientos a nosotros sí que nos gusta bastante. Nos interesaba también mucho el terror de los 70, Wes Craven, Carpenter... Sí que hubo algo en concreto que me fascinó, aunque no tiene mucho que ver con Compulsión pero que me fascinó, fue À l'intériour, por el germen de la idea de hacer algo entre dos personas en una urbanización, pero realmente no tiene mucho que ver.


¿Cuéntanos como fue el proceso de casting?

Fue muy diferente para elegir a los distintos personajes. Una vez tuvimos el guion vimos que el personaje masculino era el que deberíamos buscar primero y a partir de ahí al resto, porque él tiene un papel por el que los actores españoles no están acostumbrados a este tipo de personajes. Entonces buscábamos a alguien con una importante presencia física y que fuese capaz de tener una capacidad intimidatoria como la que necesitábamos. Contactamos con Paco Manzanedo después de verle en REC 4 y nos pareció que cumplía los requisitos, sobretodo en cuanto a presencia física. Le enviamos el guion, se mostró interesado desde el principio y los siguientes seis o siete meses hasta que se puso en marcha la producción estuvo muy implicado en las diferentes fases del guion. En el caso de Susana Abaitua, el personaje que hace de scort, fue también muy fácil, la vimos en un cortometraje, le enviamos el guion y también le interesó mucho. Los problemas los tuvimos con el personaje de la protagonista. Hablamos con varias actrices que no les interesó hacerlo, nos dijeron que no estaban de acuerdo en hacer este tipo de proyecto. Nos costó bastante, la verdad. Finalmente tuvimos suerte, a dos o tres semanas de empezar el rodaje nos encontramos con Marina Esteve y era perfecta, estaba completamente preparada para empezar el rodaje pese que, en ese momento, no tenía experiencia actuando. Venía del mundo del baile y estaba haciendo la transición a la interpretación. Nos vino caída del cielo. Jugamos un poco con fuego.


Es una cinta de suspense para luego pasar al slasher ¿cambiaste la técnica de dirección?

Para nada, como comentaba antes con el tema de las influencias, queríamos hacer una especie de survival horror, un slasher muy extremo. Pero sabíamos que necesitábamos hacer una transición para llegar a ese momento. Por eso la primera parte es más thriller, y la segunda es más slasher. Pero con la técnica de dirección, de manera inconsciente, sí que hay planos más largos y que duran más tiempo en la primera mitad y en la segunda más cortos en el montaje. No fue deliberado, pero ha sido el resultado.


Sabiendo que también eres guionista y productor además de director, cuéntanos cuanto tiempo llevas trabajando en este proyecto.

Este proyecto surge en unas condiciones determinadas. José Pastor y yo somos amigos a parte de socios. Teníamos el sueño de crear una productora. Lo hicimos hace un par de años y necesitábamos una historia, un guion muy barato que pudiera ser grabado rápidamente y estuvimos años dándole vueltas a esto, la mayoría de guiones los desechamos por cuestiones logísticas y presupuestarias. Teníamos cuatro duros y sabíamos que no podríamos disponer de más de 10 días. La idea aparece en el verano de 2014, me pongo a trabajar en serio en el guion en enero del 2015. El desarrollo del guion es casi de año y medio, hasta que no se rueda no dejamos de trabajar en él. En cuanto a la preproducción, sobretodo yo y algún técnico buscando localizaciones y proceso de casting. No se puede hablar de una producción normal en el que todo el mundo está contratado desde el día 0. Eso nos llevó varios meses. La producción real fue cuatro semanas muy intensas para solo 10 días de rodaje. La postproducción también fue un proceso muy largo tanto en imagen y sonido. Hasta terminar la película en mayo de este año.


¿Puedes contarnos alguna anécdota del rodaje?

Hay una de las que se pueden contar. Parte de la película ocurre en una finca en la Sierra. Los dueños tenían una parcela anexa con unos caballos que estaban sueltos. En un momento teníamos que hacer una toma de un coche entrando en esa finca y los dueños de esa casa no nos avisaron de que si abríamos esa puerta podían escaparse unos cuantos de esos caballos. Y efectivamente nada más abrir una serie de caballos cruzaron la puerta y se escaparon. Nosotros no podíamos hacer más que mirar como subían carretera arriba, interrumpiendo la circulación. Afortunadamente era una carretera secundaria, de un solo carril y con una afluencia de coches escasa y no hubo que lamentar ninguna tragedia. Pero durante un momento yo vi como la película se alejaba junto con los caballos. Hubo dos personas, la jefa de maquillaje y la ayudante de producción que no sé de dónde sacaron unas manzanas y, milagrosamente, consiguieron que los caballos volvieran. Luego la dueña de la casa ni siquiera se enfadó, se rió bastante, cosa que me sorprendió.


Cuéntanos tus futuros proyectos.

La creación de la productora no fue solo para esta película, de hecho Compulsión es una especie de carta de presentación para hacer otros proyectos. Ahora estamos en plena re escritura de guion y búsqueda de financiación para una película que se rodará en España pero en inglés, de terror sobrenatural. Ocurre en el Kurdistán sirio, una historia de milicianos kurdos en colaboración con un grupo de boinas verdes americanos sufren una emboscada de unos terroristas y deben esconderse en una cueva cercana, pero no cuentan que en esa cueva hay algo más. Esperamos rodar en verano del 2018.


¿Cuál es tu película de terror favorita?

Esa es difícil. La película que más miedo me ha dado era Pesadilla en Elm Street vista en su momento. Recuerdo que me hizo pasar un verano horrible. La película de terror más redonda sería La semilla del diablo o El resplandor.

Cannibals and Carpet Fitters review

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Título original: Cannibals and Carpet Fitters

Año: 2017

Duración: 83 min.

País: Reino Unido

Dirección: James Bushe

Guion: Richard Lee O'Donnell

Música: Juan Iglesias

Fotografía: Gerard Giorgi-Coll

Reparto: Darren Sean Enright, Richard Lee O'Donnell, Zara Phythian, Christopher Whitlow, Dominic Holmes, Jessica-Jane Stafford.


Comedia negra sin pretensiones, pero desaprovechada.

El cine británico si una cosa le sale bien, si en algo se les puede llamar auténticos especialistas es en la comedia negra, y si además le añades la variable de toques gore pues ya tenemos al caballo ganador. Ahí quedan Shaun of the Dead de Edgar Wright (2004), The Rocky Horror Picture Show de Jim Sharman (1975) o An American Werewolf in London de John Landis (1981). Y es injusto comparar estas grandes obras con Cannibals and Carpet Fitters, pues es una cinta de bastante menor envergadura y con un guion mucho más plano, pero también es de recibo comentar que si bien es una cinta entretenida y en algunos momentos divertida, podría haber sido mucho más redonda si se hubiera afinado un poco más la comedia.


Una empresa de instaladores de moquetas repleta de peculiares trabajadores llega a una mansión en medio del bosque para colocar el nuevo suelo de la planta baja. Lo que no sabían es que la familia que habita allí tiene otros planes para ellos.

Es una cinta muy sencilla, con un desarrollo muy básico y centrada absolutamente en las escenas de enfrentamiento entre los desgraciados trabajadores y la agresiva familia. No se puede evitar la comparación con La matanza de Texas (1974), que cambiando el árido escenario del sur de Estados Unidos por la campiña inglesa y, evidentemente, suprimiendo todo el humor de Cannibals..., nos quedan dos cintas con muchísimos paralelismos entre ellas. Donde sí que ésta película destaca en positivo son las escenas más sangrientas, un trabajo de maquillaje y prótesis muy notable, utilizando técnicas clásicas pero con pequeños elementos más modernos que hacen el resultado final de un nivel altísimo.

Dirige su primer largometraje James Bushe pero con una interesante carrera en el corto, enfocada en el terror con monstruos y algunos toques gore. Destacan el corto del 2014 que sirvió de inspiración para esta película y de idéntico título, y Predator: Dark Ages (2015), trabajo no oficial de casi media hora de duración enfocada en la cacería de la emblemática criatura en la época de las cruzadas, en mi opinión, su trabajo más interesante hasta la fecha. En términos de dirección ya está preparado para dar el salto a trabajos con más pretensiones, pues esta cinta se le nota un encorsetamiento importante, imagino que debido a temas presupuestarios, pues casi toda la cinta ocurre en dos o tres escenarios muy recurrentes y algunos miembros del reparto no se puede decir que hagan un gran trabajo, lo que le da a la cinta un aire a película amateur que no hace justicia a la dificultad en este tipo de rodajes. Donde yo creo que la cinta pincha verdaderamente es en el guion, no tanto en el argumento, que no tiene nada del otro mundo pero es que tampoco lo necesita, sino más bien en los “gags”, en las escenas puramente cómicas, pues salvo algún momento puntual no es una cinta especialmente graciosa, si es divertida, pero no hay picos de humor que te saquen una carcajada, una media sonrisa como mucho en un par de momentos. Y si una comedia pura no te hace reír entonces aquí falla algo. Protagonizan Darren Sean Enright (Cockneys vs Zombies) y Richard Lee O'Donnell (Zombie Hood), además este último es el único guionista de la cinta, y aunque su trabajo en la interpretación es correcta (dentro de los parámetros de cachondeo que hay) sí que podría haber desarrollado un poco más el humor más allá de chistes fallidos y que en ocasiones no superan la comedia física.


En definitiva, no es una cinta terrible y tiene algunas ideas interesantes, pero está lejos de grandes cintas con planteamientos similares que si se atreven a ir a un paso más allá, sobretodo en cuestión de diversión. Destacar el trabajo en el gore y su más que correcta dirección.

Firma: Oriol Henández.

Crónica Festival TerrorMolins 2017 día 7

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Jueves 16 de Noviembre

Hoy es un día de mucho movimiento. Para afrontarlo con garantías necesitamos deglutir todo lo que caiga en nuestras manos sin mirar mucho la procedencia. Lo importante es estar a punto para poder ofreceros una crónica que se asemeje lo más posible a la realidad. Nuestras castigadas neuronas se resisten un poco, pero contándoles cuentos chinos logramos apaciguarlas, esperamos lograrlo todo lo que dura el día.

Bien prontito nos dirigimos a La Peni. Un año más, el Festival de Cine de Terror de Molins de Rei, la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de Molins de Rei y la Biblioteca Pau Vila organizan, dentro de la programación de actividades destinada a los centros educativos, la conferencia «Oficis del cinema» del AULA DE CINEMA, que es un proyecto conjunto entre la Xarxa de Biblioteques Municipals de la Diputació de Barcelona y la Escola de Cinema i Audiovisuals de Catalunya (ESCAC), y pretende difundir la cultura cinematográfica entre los ciudadanos, promover el papel de las bibliotecas públicas como equipamientos culturales de proximidad que trabajan por el acceso universal a la cultura y dar visibilidad a las actividades de la Fundación ESCAC. La conferencia «Oficis del cinema», impartida por un profesor del ESCAC, pretende fomentar el gusto del público por el cine y acercarlo al proceso de creación de una película, ofreciendo una visión general de los diferentes profesionales que intervienen en el rodaje.
Seguidamente nos dirigimos a la Federación Obrera de Molins de Rei. El Festival de Cine de Terror de Molins de Rei organiza un nuevo Networking como punto de encuentro entre cineastas emergentes y la industria. Todos aquellos directores con proyecto están invitados a presentarlos. También pueden asistir los espectadores a disfrutar del pitch y los workshops.
  
Tras un poco de descanso la primera de las sesiones dobles de hoy. En la de la tarde nos estrenamos con Replace de Norbert Keil. En el guion, aparte del director, nos encontramos con Richard Stanley, Scarlett Amaris y Bernd Strack. Este es el primer largometraje dentro del género para el director Norbert Keil, el cual ya había estado jugueteando con el terror en un cortometraje. Llama la atención el tratamiento que le da al film, pues juega a ser un drama por encima del terror durante casi la mitad de la cinta. Replace es un arma de doble filo, como parte positiva intenta alejarse del tópico de estas cintas, donde juegan con la descomposición del cuerpo y el efecto de provocar repugnancia en el público, en este apartado tal vez sea la que menos asco provoca. Pero creemos que este género está concebido para esto mismo. Si estamos viendo una cinta de body horror como consumidor esperamos un mínimo de casquería, tal vez sea muy simplón pero para ver algo más profundo ya iremos en busca de otros títulos, que cine no nos va a faltar. En las interpretaciones Rebecca Forsythe, Lucie Aron y la incombustible Barbara Crampton (Re-Animator, We Are Still Here, Beyond the Gates). Kira despierta aturdida, no recuerda su pasado. Pronto se dará cuenta que algo en su cuerpo no funciona bien, su piel empieza a deteriorarse rápidamente. Sin saber bien lo que está pasando empezará a indagar en quién es y que le está pasando. Descubriendo una terrible verdad, y aún más fatídica solución a su problema cutáneo. Sustituir su piel muerta por la de otras personas.

Como cada día echamos un ojo a la Sala Gótica. En la programación de tarde nos encontramos con la conferencia Gamificación y Cine: Juegos de mesa que cuentan historias. A continuación os presentamos a los integrantes de esta interesante ponencia: Josep Maria Allué Esteve (Diseñador de Juegos), José Manuel Pedraz (Consultor de Estrategia y Operaciones), Pak Gallego (Diseñador y Editor de Juegos) y Álvaro Lerma (Co-fundador de la editorial de juegos de mesa 2Tomatoes).

Volviendo a la olvidada sesión doble, nos trasladamos a la un poco lejana, cinematográficamente hablando, Turquía para ver Housewife, la nueva de Can Evrenol, que cuenta con la colaboración de Cem Özüduru (Baskin) en el guion. En 2015 ya tuvimos ocasión de disfrutar con el pase de Baskin y comprobar el gran éxito de público que cosechó. Esto hace que Housewife haya despertado una gran expectación, y, no os preocupéis, el terror y el gore están garantizados. La violencia extrema, el sexo más insano y unas imágenes de lo más sangrientas parece que se han convertido en marca de la casa para regocijo de los suporters de este tipo de cintas. En el reparto una extraña mezcla de nacionalidades. Empezamos por el turco Ali Aksöz, seguimos con la francesa Clémentine Poidatz y acabamos con el japonés, aunque nacido en Dinamarca, David Sakurai (Dark Samurai). La infancia de Holly ha sido una auténtica pesadilla. A los siete años vio cómo su madre asesinaba a su hermana y a su padre. Veinte años después los dolorosos recuerdos han regresado a través de sus sueños. Una inesperada reunión con un viejo amigo complicará aún más la situación. Un extraño culto ha puesto su punto de mira en ella. Ahora sus peores pesadillas se harán realidad.
  
Iniciamos la segunda y nocturna sesión doble con una película chilena. Se trata de Trauma de Lucio A. Rojas autor también del guion. Hemos escuchado en innumerables ocasiones que la realidad supera a la ficción. Cuando esta realidad trata sobre los acontecimientos que ocurrieron bajo el yugo de la dictadura chilena, ya empezamos a menearnos en nuestro cómodo sillón. A pesar de no haberla vivido en persona, la numerosa literatura al respecto nos ha puesto al corriente de ciertas prácticas que dejarían como un tierno infante al más depravado de los psicópatas. Lucio A. Rojas tampoco se encarniza demasiado en esos hechos, cosa que, por otra parte, hubiera dado para mucho. Lo usa básicamente para explicarnos una historia que, para nuestro asombro y pavor, está basada en una cierta realidad. Sin dejar de ser un slasher, introduce algunos elementos que hacen de este film una obra fresca y sorprendente. La crudeza con que está rodada es uno de sus puntos fuertes, no ya porqué en pantalla aparezcan unas escenas bastante terribles y muy bien rodadas, si no por como el realizador las plasma. En numerosas ocasiones hemos degustado films en los que la estética hace que acabemos bastante mareados ante tantos movimientos de cámara. Rojas se planta cuando hace falta, en un ejercicio muy interesante cinematográficamente hablando. Es como si quisiera decirnos: “tomad, esto es el terror”. Vamos con las interpretaciones. Todo el elenco está a gran altura. Empezamos con un gran Daniel Antivilo en el papel de Juan, el angelito. Le siguen el cuarteto femenino, no demasiado afortunado en la ficción, formado por Catalina MartinMacarena CarrereXimena del Solar y Dominga Bofill. Nombrar también a Felipe RíosEduardo Paxeco y Mauricio Rojas. Cuatro amigas deciden pasar unos días en una aldea rural en el Chile más profundo. Tras la primera impresión de encontrarse en el paraíso, se encuentran con un hombre y su hijo que tienen una forma muy particular de divertirse. Los atacantes llevan encima todo el legado siniestro del periodo más oscuro de la historia de Chile.
  
Para finalizar esta sesión Mom and Dad. En su dirección y guion Brian Taylor, especialista en cintas de acción que en esta ocasión se pasa al terror. En su biografía películas del calibre de Ghost Rider: Espíritu de Venganza, Gamer: Juegan Contigo y Crank – Alto Voltaje, para que veáis por dónde van los tiros. Como iréis suponiendo nos encontramos ante un título violento, con un montón de asesinatos groseros y con un ritmo frenético. No se me ocurre otra cosa que recomendarla a todo aquel que se lo quiera pasar bien, lo cual quiere decir que las salas dónde se proyecte estarán llenas. El elenco es de lo más atractivo. Para empezar nuestro querido Nicolas Cage. Curtido en innumerables batallas de todo tipo, parece que a medida que transcurre el tiempo se atreve con obras que nunca llegaríamos a pensar que protagonizaría. Entre sus numerosas apariciones en la gran pantalla destacaríamos Cotton Club, Leaving Las Vegas, Asesinato en 8 mm. y, más recientemente, Dog Eat Dog. Como partenaire Selma Blair (Hellboy, In Their Skin). Una adolescente y su hermano pequeño deben sobrevivir a las 24 horas más peligrosas de sus vidas, en un día en el que una masa de histeria y odio, de orígenes desconocidos, obliga a los padres a comportarse de manera violenta contra sus propios hijos.

Cuando creíais que esto había llegado a su fin, volvemos a la Sala Gótica para ver uno de los grandes films de Michael Haneke, La Cinta Blanca de 2009, haciéndose cargo él mismo del guion. Sin ser totalmente histórica, acaba con el atentado en Sarajevo contra el archiduque Francisco Fernando de Austria, sucesor al trono del Imperio Austrohúngaro y la declaración de guerra de Austria-Hungría contra Serbia, que dio inicio a la Primera Guerra Mundial. Retrata fidedignamente lo que era la sociedad en esa época y en ese lugar, con cierto olor a fascismo, por cierto. Tiene un ligero toque de intriga a causa de unos oscuros acontecimientos que el director austriaco se encarga hábilmente de escondernos. ¿Quién no recuerda el brutal inicio de El caballo de Turín (A torinói lo. Béla Tarr,Ágnes Hranitzky, 2011)? La primera escena de La cinta blanca también es de aquellas que se te quedan en las retinas. Abriendo de negro, durante el cual se escucha la voz en off del maestro de escuela que hace de cicerone, se ve la llegada de un caballo con su jinete. Cuando ya lo tenemos casi encima, la montura cae a causa de tropezarse con un invisible cable metálico puesto en mitad del camino. El jinete es el médico del pueblo que queda malherido. El caballo tiene peor suerte ya que muere tras el supuesto accidente. En las interpretaciones Christian Friedel, Ernst Jacobi (El Tambor de Hojalata), Leonie Benesch (The Crown) y Burghart Klaußner (Good Bye, Lenin!). Suceden acontecimientos extraños en un pequeño pueblo del norte de Alemania durante los años anteriores a la Primera Guerra Mundial, que parecen ser un castigo ritual. ¿Quién es el responsable? 

Creíamos que no llegaríamos al final, pero aquí estamos, más frescos que una lechuga. Esperamos que os lo hayáis pasado bien leyendo todo lo que ha acontecido en esta gran jornada en la que no solo hemos vivido de cine.
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