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Entrevista a Arno Frisch actor de Funny Games

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Nacido en Viena, Austria, este actor reconocido por la crítica debutó en la pantalla a los 15 años como protagonista de la premiada película Benny’s Video de Michael Haneke. Cinco años más tarde, colaboró de nuevo con Haneke en la también premiada Funny Games, que estuvo nominada para la prestigiosa Palma de Oro de Cannes; este trabajo le encumbró como actor icónico y de culto en todo el mundo. Cuenta con 30 apariciones en películas y programas televisivos y recientemente se le ha podido ver en Life Guidance de Ruth Mader que se estrenó en competición en Venice Days 2017.


¿Tuviste libertad para interpretar tu papel de Paul en Funny Games?

No había improvisación porque teníamos ordenes muy claras por parte del director y guionista Michael Haneke, de lo que debíamos hacer y como hacerlo.


¿Tuviste instrucciones claras para interpretar tu personaje en concreto o algunas directrices en especial?

El director insistió en que las conversaciones tenían que ser muy serías a pesar de que el contenido fuera totalmente irónico y fuera de lugar con la situación.


¿Qué pensaste al leer por primera vez en tu vida el guion de Funny Games?

Me pareció un guion fantástico, le pregunte a Michael Haneke, de donde había salido y me dijo que es una idea que tenía en la cabeza desde hace tiempo y que la escribió en dos semanas del tirón. A día de hoy me sigue pareciendo magnífico.


¿Qué crees que hace posible esta película?

En Austria como en Alemania el artista es libre para hacer lo que quiera y eso es importante para el arte. Para poder hacer cosas que para otros son tabo.


¿Qué opinas del final de Funny Games?

Me encanta que sea un final abierto, que cada uno pueda sacar sus conclusiones y pensar en que ocurrirá a continuación.


¿Qué opinión te merece el remake americano?

Para mí no es un remake, es una copia de la original pero rodada en inglés.


¿Qué es lo que más te gusta de la película?

Me gusta el sentido del humor en forma irónica.


¿Qué habría hecho si no hubiera encontrado el mando de televisión en la película?

Realmente hay que concentrarse en las cosas importantes como en los momentos que el protagonista mira a cámara y se dirige a ésta directamente. Eso es lo que buscaba el director.


¿Cómo afecto ésta película a tu carrera?

En su mayoría fueron consecuencias positivas, aunque mis amigos me miraban raro y me preguntaban ¿De verdad eres tu el de la película? Pero tras unas cervezas se nos pasaba.


¿Cómo pudiste encarnar este personaje?

Hay que saber lo que es el papel dentro de la película de la persona y la vida real. No fue especialmente difícil para mí aunque fuera un papel un tanto psicológico.


¿Entre Benny’s Video y Funny Games, las dos películas que has trabajado con M. Haneke prefieres alguna en especial y cual crees que es más retorcida?

Me parecen fantásticas ambas películas en las que participo. Benny’s Video me parece más retorcida.


¿Crees que puede haber alguna conexión entre ambos personajes?

No hay conexión… aunque también participa en ella Ulrich Mühe, y parece que haya una venganza no hay conexión, a Michael Haneke le gusta trabajar con actores que ya conoce.


¿Consideras a Funny Games como una película de terror?

No, no lo es. Lo discutía recientemente, y para mí es una película más psicológica o mística que de terror.


¿Cuál es tu película de terror preferida?

Carrie de Brian de Palma.

Funny Games review

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Título original: Funny Games

Año: 1997

Duración: 108 min.

País: Austria

Director: Michael Haneke

Guion: Michael Haneke

Música: Varios

Fotografía: Jürgen Jürges

Reparto: Susanne Lothar, Ulrich Mühe, Arno Frisch, Frank Giering, Stefan Clapczynski, Rolfi


Un hito en el género de terror.

Hay películas que acaban convirtiéndose en un antes y un después en su mundo natural y que lo traspasan incluso, convirtiéndose en iconos de su época. Hay otras que se quedan marcadas a fuego en tu cerebro, como una sucesión de imágenes que en algún momento de tu existencia vuelven a aparecer sin saber cómo ni por qué. También encontramos algunas en las que la unanimidad es total a la hora de calificarla y, lo mejor de todo, tanto para el público como para la crítica, son como tótems a los cuales hay que acercarse alguna vez en la vida. Si juntamos todos los ingredientes de este coctel y los agitamos adecuadamente obtendremos una obra maestra. Funny Games, en su versión de 1997, es una de ellas.


Uno de los factores que influyen a la hora de dar esa clasificación top es su duración en el tiempo o, lo que es lo mismo, el mantenimiento de la fascinación por muchas veces que la veamos. Hay cintas que, a pesar de su indudable calidad, no resisten demasiado bien ni un segundo visionado. En este sentido, me viene a la cabeza en estos momentos [REC] (Jaume Balagueró, Paco Plaza, 2007), film que dejó una gran impronta por su frescura y su aportación al género pero que cuando perdía el factor sorpresa también se desprendía de una parte de su atractivo. La dureza con que te golpea la primera vez que ves Funny Games te obliga a volverla a ver para intentar suavizar esa primera opinión, pero todo es en vano, Haneke juega hábilmente con el espectador sacudiendo sus más básicos sentimientos, cosa habitual en el cine del director austriaco.

Hablar de su filmografía nos llevaría mucho espacio y tiempo, no obstante nombraré las que, en mi opinión, ocupan los primeros lugares, aparte de Funny Games claro está, que come aparte. El orden es lo menos importante pero empezaré con Amour (2012), seguida de Caché (2005) y La Cinta Blanca (2009), tres grandes obras de lo más representativo de un director que empezó su carrera en el mundo del cine a una edad en la que a muchos se les ha secado el manantial creativo, tenía concretamente 47 años.

Lo que cuenta en el film que analizamos es sumamente original, pero lo es aún más la manera como lo cuenta, sobretodo destacar las miradas a cámara del protagonista principal, Arno Frisch acompañadas de unos diálogos que invitan a conectar con un ser que parece que esté de vuelta de todo.

Dos jóvenes bien parecidos y con pinta de no haber roto nunca ningún plato, piden unos huevos a una familia burguesa que llega a su segunda residencia para pasar unas vacaciones. Da la impresión de que son amigos de los vecinos con lo que no les cuesta introducirse en su hogar. Conforme van pasando las horas se van dando cuenta de que ha empezado un juego en el que las posibilidades de ganar son más bien escasas.


En las interpretaciones con encontramos con un gran Arno Frisch en el papel de Paul, el líder de esa dupla de la cual Frank Giering forma la otra parte. A una magistral Susanne Lothar le toca lidiar con el ingrato papel de madre y a Ulrich Mühe con el de padre. Stefan Clapczynski interpreta al hijo único de la familia. Por último nombrar a Rolfi, un maravilloso pastor alemán.

Para finalizar decir que nos encontramos ante uno de los títulos imprescindibles del universo cinematográfico aunque por su país de procedencia no fue del todo bien valorada. Su pertenencia al terror es indiscutible pero es de aquellos films a los que les da igual su encasillamiento. Es simplemente Funny Games.

Firma: Josep M. Luzán.
@Josep_Luzan

Crónica Festival TerrorMolins 2017 día 8

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Viernes 17 de Noviembre

El Festival en su 36 edición está llegando a su fin, no obstante nos queda un largo trecho por recorrer, tendremos que aprovechar los últimos coletazos de una programación que ha rayado a gran altura y que ha colmado nuestros más oscuros deseos.

Por la mañanita tenemos la 9ª. Mostra de Curts de Terror per a Instituts, una introducción al cine de terror en formato cortometraje para chicos y chicas en edad de aprender. No sabemos si el cine está entre sus variados gustos, Terromolins intenta que esto, que se antoja algo difícil, llegue a buen puerto.

Como no podía ser menos, el documental hace acto de presencia. Herederos de la Bestia de David Pizarro y Diego López, trata, como suponemos habéis adivinado, de la película de culto El Día de la Bestia de Álex de la Iglesia. Parece mentira pero ya han transcurrido dos décadas desde su estreno. Destacar que supuso la confirmación como cineasta del director vasco y el descubrimiento de Santiago Segura.

Para hacer tiempo bajamos hasta la Sala Gótica para ver Tonight She Comes de Matt Stuertz, autor asimismo del guion. La primera secuencia de la película empieza fuerte, bastante explicita y con mucha sangre, pero tras proyectar el título en pantalla tienes la sensación de que lo que sigue no es la misma película, porque empieza con el humor más chorra posible de la mano de los personajes que te acompañaran hasta el final de la historia. No, no os habéis equivocado, esta película en realidad es una comedia para echar unas risas en “colegueo”, con sangre y posesiones, eso sí. Matt Stuertz, escribe y dirige su segundo largometraje tras RWD (2015), en esta ocasión y a diferencia de la película mencionada escribe el guion de manera individual. Una dirección sin planos complejos en que Matt se ha dedicado a contar la historia de manera ordenada sin querer alterar el curso de los acontecimientos. El elenco de actores al que podéis llegar a odiar, por los caracteres que interpretan está formado por Adam Hartley, quien tiene el rol de joven pasota y fumado obsesionado con el sexo, bastante común en muchas películas, como podéis observar, Brock Rusell, en el carácter de un personaje bastante desvitalizado que a menudo reacciona incoherente a la situación, Larissa White y Cameisha Cotton hacen de una pareja de pánfilas que quieren pasarlo bien sin mucho más que resaltar, Dal Nicole en un rol más exigente que el resto y Jenna McDonald como Felicity más que correcta en su interpretación. Un peculiar cartero y su amigo terminan por casualidad en una casa aislada en mitad del bosque, allí conocerán un par de chicas que dicen estar esperando a su amiga que es la propietaria de la casa. Tras estos acontecimientos todo se volverá del revés.

Volvemos a La Peni vestidos de etiqueta para asistir a una Sesión de Clausura que incluye un merecido homenaje a las 50 ediciones del Festival de Sitges y la lectura del palmarés. Primeramente asistimos a la proyección del corto fuera de concurso y en formato animación stop-motion, Cavalls Morts de Marc Riba i Anna Solanas. Esa pareja de cineastas ya nos dejó con la boca abierta en su obra Canis de 2013, todo un hallazgo en todos los sentidos. Juntos desde hace 15 años, los cineastas llevar explorando la animación fotograma a fotograma en un universo que mezcla la más cruel y terrorífica faceta de la realidad. En este su último trabajo ambos se posicionan a medio camino entre la devastación y la náusea que produce la acción humana y la inocencia del mundo visto a través de los ojos de un niño. En un aislado lugar rural donde la Guerra amenaza, un niño se ve obligado a huir. Por el camino, cadáveres de caballos por doquier. Solo caballos muertos. ¿Por qué? ¿Por qué han decidido los caballos matarse unos a otros?

Para finalizar la jornada que mejor que ver el film A Ghost Story de David Lowery que también se hace cargo del guion. Curiosa esta película, sinceramente no esperábamos nada más que un melodrama romántico de baratillo, una revisión de la película Ghost (1990) actualizada, con un aire hipster y un par de caras conocidas. Y bueno, en sus primeros minutos nada nos hizo cambiar de opinión y sinceramente, no recordamos en qué momento nuestra cabeza empezó a entender que podría aprender algo importante. Fue más bien un arco, una gráfica ascendente que, con mucha tranquilidad y sobre todo silencio, explica al espectador la importancia de la vida y la de los que están a tu alrededor. No la podemos considerar una película de terror, salvo algún momento aislado (totalmente light), sí es una película peculiar que quiere explicar una historia, hay momentos en los que peca de tomarse demasiado tiempo en algunas escenas para ser poética, pero se comprende su intención. Opta por rodearse de un reparto de lujo, que también acostumbra en colaborar con proyectos pequeños junto al director, como es el caso de En un lugar sin ley (2013) como son Casey Affleck (Manchester Frente al Mar, Interstellar) y Rooney Mara(Lion, Carol). La tranquila vida de una joven pareja se trunca cuando él fallece en un accidente de tráfico. Pero su existencia no termina ahí, su fantasma vuelve a su casa para ser observador silencioso del proceso de duelo de su mujer, y de mucho más.

No ha estado mal, ¿no os parece? Ardientes estamos ante el desafío de mañana, pero no corramos tanto, primero descansar, tomar algún refrigerio sin alcohol, comer sano y soñar con los angelitos.

Crónica Festival TerrorMolins 2017 día 9

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Sábado 18 de Noviembre

Ya hemos llegado a uno de los acontecimientos más esperados del año y que ningún otro festival se atreve a programar. Doce horas de terror ininterrumpidas. Solo un público fiel como el que asiste al Festival de Cine de Terror de Molins de Rei se atreve a sufrir, reír, llorar y aterrorizarse durante tan largo periodo de tiempo. Pero todo tiene su recompensa y esta es poder disfrutar de unas proyecciones cuya calidad alcanza cotas máximas.

Vamos a desgranar en que consiste esta maratoniana sesión. Para empezar Les Affamés de Robin Aubert autor también del guion. Si hay una criatura, dentro del género del terror, que ha sido sobre explotada por el cine eso son los zombis. No ha habido otro que haya proliferado más en menos tiempo que los muertos vivientes. Y entendemos que son un caramelito para cineastas que buscan colocar a sus personajes en situaciones extremas con un monstruo tan carismático. Pero con tanta reiteración de películas, que han salido prácticamente de debajo de las piedras no se puede negar cierto desgaste. En Les Affamés también pasa, pero no se puede negar que se esfuerza en mostrar un nuevo punto de vista, una original propuesta que hace que veamos a este monstruo de una manera más humana. Es una película muy triste, los pocos no infectados que quedan se saben que su supervivencia es cuestión de días y cada uno lo sobrelleva de maneras distintas, lo que hace que por algunos momentos un extraño y refrescante humor se apodere de la pantalla logrando volverse deliciosa. Cuenta con menos de una docena de personajes lo que hace que todos tengan su momento, pero sin duda sus protagonistas son Marc-André Grondin (5150 rue des Ormes) y Monia Chokri, dos personajes entrañables y muy bien escritos a los que indudablemente, les cojeras cariño. Los zombis han conquistado el mundo. Los pocos supervivientes que quedan procuran seguir adelante sin cruzarse con ellos en la medida de lo posible. Pero la falta de recursos y la constante expansión de los depredadores les obligará a tener que desplazarse.

La cosa se va volviendo candente por momentos. Seguimos con Revenge, un producto francés escrito y dirigido por Coralie Fargeat que hace su estreno en el exigente mundo del largo y además atreviéndose con un film que provocó en su estreno más de un desmayo. Estamos ante un nuevo rape & revenge, uno de los subgéneros de terror más prolíficos el cual creemos que es una navaja de doble filo. Por una parte, ¿a quién no le gusta ver como una mujer cobra venganza de la manera más cruel posible de sus asaltantes? Por otra parte, estamos ante un subgénero realmente plano, no hay más que ir de A hacia B y de B hacia el desenlace, por eso muchos fans del terror tal vez pidan un algo más que tan solo una simple venganza. A pesar de como dijimos antes la historia es simple, porque realmente este tipo de films es que no tienen gran cosa que contar, pero es tanta su potencia visual, su ritmo, su protagonista, que consiguen atraparte desde el minuto 0 y no es hasta que salen los títulos de crédito que te das cuenta que has estado gozando del mejor rape & revenge durante casi 2 horas de metraje, las cuales pasan en un suspiro. Espero que estéis listos para aplaudir, para situaciones imposibles, para las muertes más dolorosas y para ser testigos de cómo una bellísima Matilda Anna Ingrid Lutz se come la pantalla armada hasta los dientes y con tan poca ropa como escasos miramientos hacia sus captores. Jen y Richard llegan en helicóptero a su nido de amor, una espectacular casa en mitad de la nada. Pronto descubriremos que Richard es un hombre casado y Jen simplemente el ligue para pasar el rato. Todo esto se complicará aún más cuando aparezcan en escena Stan y Dimitri, los amigos de Richard, los cuales quieren unirse a la fiesta. Todo acaba muy mal y tras un intento de huida por parte de Jen, ésta acaba al final de un precipicio... Pero en esta trágica historia esto es solo el principio.

Vamos avanzando sin prisa pero sin pausa. Ahora le toca el turno a The Lodgers, producción de Irlanda dirigida por Brian O'Malley. En el guion David Turpin, profesor de literatura irlandesa. Haciendo un poco de memoria recordamos el anterior trabajo del director: Let Us Pray, que tuvo bastante repercusión allá en el año 2014. Nos encontramos ante una historia gótica de fantasmas ambientada en la Irlanda rural de principios del siglo XX. Tiene un enfoque sobrenatural que también abarca temas de conflicto de clases y el deber patriótico en una sociedad que cambia rápidamente bajo el dominio del colonialismo británico. En las interpretaciones nos encontramos con Charlotte Vega (El Club de los Incomprendidos, Mi Otro Yo), David Bradley (Harry Potter, The Strain) y Eugene Simon (Juego de Tronos, Ben Hur). Ambientada en la zona rural de Irlanda en 1920, esta historia gótica evoca las historias espeluznantes de Shirley Jackson y Oscar Wilde en un cuento de gemelos adolescentes que viven en una mansión embrujada bajo la sombra de una maldición familiar.

Como viene siendo habitual en mitad de la noche la peli sorpresa. Como escribimos a toro pasado, no tenemos ningún inconveniente en decir cuál es: The Crazies de George A. Romero, en el guion está ayudado por Paul McCollough. Nombrar toda la biografía del director norteamericano nos llevaría hasta las doce horas del año próximo, así que destacaremos La Noche de los Muertos Vivientes, Creepshow, Zombi y El Día de los Muertos. Como podéis comprobar todas y cada una de ellas dentro del género terrorífico. The Crazies es una película acerca del accidentado ensayo de un arma biológica militar en los habitantes de un pequeño pueblo estadounidense. Aunque el film fue un fracaso de taquilla en su estreno, acabó convirtiéndose en una película de culto. Un remake de la película fue hecho en 2010 por Breck Eisner. En las interpretaciones Lane Carroll, Will MacMillan (El Gran Héroe Americano), Lynn Lowry (Vinieron de Dentro De) y Richard Liberty (El Día de los Muertos). Una plaga biológica ataca un pueblo de Pennsylvania provocando una incontrolable sed de sangre en sus habitantes. El ejército es llamado a contenerla, pero la gente, afectada por la enfermedad, se rebela y atenta contra los soldados.

Como penúltimo film tenemos Game of Death de Sebastien Landry y Laurence Morais-Lagace. En el guion un póker: Edouard H. Bond, Philip Kalin-HadjuSebastien Landry y Laurence Morais-Lagace. Game of Death es una fiesta de gore y nostalgia ochentera a partes iguales, estamos ante una fórmula muy parecida que nos ofrecía Turbo Kid o Beyond the Gates. Aunque es cierto que el humor en este film queda en un plano más secundario, y a cada minuto que avanza en el metraje nos introducimos en un juego de terror bastante sórdido. Estamos ante el primer largometraje de terror que dirigen juntos los directores Laurence Morais-Lagace  y Sebastien Landry, los cuales ya habían trabajado juntos en anterioridad en algún cortometraje. Estamos ante una gran película de género, que estoy seguro hará las delicias de los fans del terror más festivaleros. En las interpretaciones Sam Earle (Defiance), Victoria Diamond (Los Demonios), Emelia Hellman (19-2) y Catherine Saindon (Say Goodbye).  Un grupo de amigos están pasando el día juntos, el alcohol y el buen rollo reinan en el ambiente. Es entonces cuando descubren un viejo y polvoriento juego de mesa. Cuando todos deciden que es momento de probarlo, descubrirán que han escogido la peor elección de sus vidas. El juego les obligará a tomar la imposible decisión constante de matar o morir si es que quieren tener alguna posibilidad de sobrevivir. EL JUEGO EMPIEZA AQUÍ.

Luchando como unos cosacos contra el enemigo más encarnizado a estas horas: el sueño, llegamos al final de una maratón que ha llenado nuestros más bajos instintos. Para ello que mejor que degustar The Night Watchmen de Mitchell Altieri. En la confección del screenplay: Ken Arnold, Dan DeLuca y Jamie Nash. El cine se puede tomar de muchas maneras, y en películas de género el abanico está abierto de igual manera, pudiéndose mezclar sin demasiados problemas con otros estilos cinematográficos con los que encaja más o menos bien. Uno de ellos, y de los que mejor combina, es la comedia pues la comparación de criaturas o situaciones terroríficas con un buen chiste colocado a contrapié convierte la situación en todavía más increíble e inverosímil. The Night Watchmen sería probablemente la demostración perfecta a la anterior frase. Lo que ofrece esta cinta es diversión de principio a fin, ella misma sabe que como valor audiovisual no tiene nada memorable pero como simple y sano divertimento es un producto con grandes cualidades. En el trabajo actoral Ken Arnold (The office of Doom) y Dan DeLuca (The Jersey Devil) protagonistas y guionistas de la cinta (junto a Jamie Nash), pero también hay que destacar a Kara Luiz (A Beguinner's Guide to Snuff), Kevin Jiggets (One Penny) y Max Gray Wilbur (Thrill Kill). Un grupo de vigilantes nocturnos de unas oficinas algo “flipados” alucinan al ver por las cámaras de seguridad que una extraña criatura ataca a todos los empleados convirtiéndolos en monstruos como él. El deber llama a la puerta. Alguien tiene que acabar con ellos.

Hemos llegado al final y casi sin ningún rasguño. Esperamos que hayáis podido disfrutar, como nosotros realizándolas, de unas crónicas que han intentado plasmar todo lo que ocurría a nuestro alrededor. Dar las gracias a la organización por las facilidades para realizar nuestro trabajo y felicitarles por una edición que marcará época. De eso nos daremos cuenta de aquí unos años.

¡Larga vida a TerrorMolins!

Palmarés del TerrorMolins 2017

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Premios Largometrajes

Mejor Director: Bryan Taylor (Mom abd Dad)
Mejor Película: The Lodgers
Mejor Actor: Owen Campbell (Super Dark Times)
Mejor Actriz: Emma Booth (Hounds Of love)
Mejores FX: 68 Kill
Mejor Guion: Ben Young (Hounds of love)
Mención Especial del Jurado para el guión de Super Dark Times (Ben Collins)
Premio del Público Sección Oficial: Hounds Of Love
Premio del Público Being Different: Tragedy Girls
Premio de la Crítica De Oro (otorgado por Blogos de Oro): Super Dark Times

Premios Cortometrajes

Mejor Cortometraje: Centrifugado
Mejores FX: Cauchemar Capitonné
Mejor Guion: Nic Alderton (Health, Wealth & Hapiness)
Mejor Interpretación: Fernando Albizu (Aprieta pero raramente ahoga)
Melies Argent to Best European Fantastic Short Film: 9 pasos
Premio de la Crítica De Oro (otorgado por Blogos de Oro): Cauchemar Capitonné

The Lodgers review

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Título original: The Lodgers

Año: 2017

Duración: 92 min.

País: Irlanda

Director: Brian O’Malley

Guion: David Turpin

Música: Kevin Murphy, Stephen Shannon, David Turpin

Fotografía: Richard Kendrick

Reparto: David Bradley, Charlotte Vega, Eugene Simon, Moe Dunford, Bill Milner, Deirdre O’Kane, Roisin Murphy


Un cuento de terror gótico.

Como aquella criatura que sale del oscuro pozo, mirando con sus ojos saltones a derecha e izquierda buscando una presa fácil. Como aquel cuervo negro de las largas noches de antaño que vigila las sombras que el tiempo ha dejado allí. Como aquel infecto amontillado de olor nauseabundo ingerido por aquellas gargantas sedientas del más terrible de los sabores. Como aquellos seres enterrados vivos en inmensos panteones, que confunden la vida y la muerte en la más profunda de las desesperaciones.


Como todo eso emerge un guion, obra de David Turpin, que bebe de la literatura del siglo XIX y principios del XX y que marca esta curiosa película llena de romanticismo y un disimulado terror. No en vano Turpin es profesor de literatura irlandesa y eso se nota desde el minuto uno. No escatima la apropiación o quizás homenaje, de los elementos cruciales en los principales autores de esa época. Una generación de escritores y dramaturgos que llegó a hacerse universal.

Otra cosa es la forma de llevarlo a la pantalla. El responsable de ello es Brian O’Malley, que ya nos ofreció en 2014 la sangrienta Let Us Prey (review). La diferencia en cuanto a calidad es de destacar, abandonando aquella manera tan simple y plana de rodar para adentrarse en una obra harto más compleja.

Como ya hemos indicado el screenplay en The Lodgers es decisivo, pero hay que decir que O’Malley ha sabido plasmar lo mencionado en él haciéndolo suyo a través de una atmosfera barroca y decadente. Por otra parte, la comparación con el film The Innocents de Jack Clayton es inevitable aunque injusta ya que se trata de productos muy diferentes, el último que he mencionado no tan influido por las letras a pesar de que en el guion contamos con William Archibald y Truman Capote.

Ambientada en la zona rural de Irlanda en 1920, este relato gótico evoca las historias espeluznantes de Rachel y Edward en un cuento de gemelos adolescentes que viven en una mansión embrujada bajo la sombra de una maldición familiar.

La reiteración de las situaciones hace que baje en cierta manera el resultado final, abandonando lo que podría haber sido una obra espeluznante para llegar a un producto correcto que se sustrae de situaciones perturbadoras o que, como mínimo, nos hagan pasar miedo. Quizás en este aspecto pese excesivamente ese romanticismo que indicamos al comenzar.

Que nos quedemos fascinados con lo que aparece en pantalla es culpa de Richard Kendrick a través de una fotografía que coge algo de ambos mundos. El de la mansión a través de un tono más bien frío y azulado, casi fantasmagórico, y el del mundo rural, mucho más alegre y colorista.


En las interpretaciones tenemos a la actriz británica nacida en Madrid: Charlotte Vega (Mi Otro Yo y Velvet), David Bradley (Juego de Tronos y Harry Potter), Eugene Simon (Juego de Tronos y Ben-Hur) y Bill Milner (Dunkerque y X-Men: Primera Generación).

Una película para los amantes de los films con algo de misterio sin llegar a aterrorizar. Su máxima virtud es su polivalencia aunque se torne en defecto si el que se decide a verla opta por lo más salvaje y extremo.

Firma: Josep M. Luzán.
@Josep_Luzan

Entrevista en EXCLUSIVA a Callum Keith Rennie​ y Hannah Emily Anderson actores de Saw​ VIII

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CALLUM KEITH RENNIE nació en Sunderland (Inglaterra) y se crió en Alberta (Canadá). La vocación de actor le vino estando en Edmonton (Canadá). Dio sus primeros pasos en la radio universitaria y llegó a participar en el famoso Shaw Festival, tras lo que se trasladó a Vancouver y llamó la atención de la industria del cine y la televisión. Después de coprotagonizar la exitosa serie Due South, logró su primer papel en el filme independiente Double Happiness y empalmó este trabajo con Hard Core Logo, muy bien recibida por la crítica.

HANNAH EMILY ANDERSON trabaja como actriz, guionista, productora y directora. Comenzó su carrera profesional tras estudiar arte dramático en el George Brown College. Hannah nació y se crió en el campo y vive en Toronto. Su historial en cine y televisión incluye papeles protagonistas en Saw VIII (Lionsgate) y Love of My Life (Paragraph Pictures Inc.). Anderson escribió y dirigió su primer corto Come Back, dedicado a Kent Nolan, que se estrenará en festivales. Recientemente codirigió un corto titulado Open All Night, protagonizado por Abigail Winter.


Saw VIII review

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Título original: Saw VIII

Año: 2017

Duración: 92 min.

País: Estados Unidos

Director: Peter Spierig, Michael Spierig

Guión: Josh Stolberg, Pete Goldfinger

Música: Charlie Clouser

Fotografía: Ben Nott

Reparto: Matt Passmore, Tobin Bell, Callum Keith Rennie, Hannah Emily Anderson, Clé Bennett, Laura Vandervoort, Paul Braunstein, Mandela Van Peebles, Brittany Allen, Josiah Black, Edward Ruttle


Sangre y misterio para volver a jugar a un juego.

Intentadlo, todos aquellos que cayerais en algún momento de la saga e incluso para los que dijisteis que Saw VII era vuestra última película de Saw ya que así es como se anunciaba en su momento. A todos vosotros os digo, intentadlo de nuevo. Aunque no carente de algún matiz propio de la marca, esta última parte en cines, estoy seguro que no de la colección, fideliza con el público que disfrutó con la saga sangrienta más entretenida de todas.


Al parecer John Kramer o mejor conocido como JIGSAW parece haber vuelto, un asesinato con la misma firma del mencionado, junto alguna sorpresa más, así lo anuncia y promete no detenerse aquí. El detective Halloran y el detective Keith Hunt junto a dos médicos forenses tratarán de encontrar al culpable que se esconde tras los crímenes.

Para desmembrar o diseccionar el film, nunca mejor dicho, hay que remontarse a sus predecesoras, pues ésta es una saga, donde sabes lo que vas a ver, sabes lo que quieres encontrar, pero además existe un hilo conductor entre todas ellas, quizás ahora más que nunca. Pero desgraciadamente la última entrega que vimos en 2010, y a pesar de su gran inicio con tintes voyeur, Saw VII 3D (The Final Chapter), realizada en plena oleada febril de películas 3D, incluso aunque no fueran originalmente grabadas en este formato, no hizo justicia con sus seguidores. La que se anunciaba como el cierre de la saga, fue para muchos una total decepción, pues además de estar más cerca que nunca de parecer una de las secuelas de Destino Final (saga que nos encanta y quienes también lo intentaron con el 3D), los seguidores no sintieron la fidelización con la marca que habían continuado sus predecesoras.

Lealtad que sí continua en la saga sin fallar en ni tan sola una de las entregas es la música tan característica de Charlie Clouser, de lo cual nos alegramos gratamente.

Dicho esto, Saw VIII se convierte, aunque se hubiera dicho que no habrían más, en una continuación necesaria para los fans, y no solo eso, si no que deja en el aire las intenciones claras de continuar con la rentable saga de los más de 800 millones de dólares recaudados, o dicho de otra manera, este no es el cierre que no gustó en su precuela. Lo digo de manera positiva, pues al menos por mí parte, esta es una de esas historias en que no necesito fin, pues lo divertido, y a excepción de la original Saw (2003), nunca fue la trama, aunque se le haya ido añadiendo esa continuidad a base de giros totalmente imposibles, de la cual seguimos siendo espectadores en 2017. A pesar de que en esta nueva entrega, hay un giro, realmente bueno, que nos tendrá cabreados parte de la película y que sabremos reconocer con gusto al final de ella. Bravo pues, por el montaje de Kevin Greutert y el guion de Josh Stolberg, junto a uno de los hermanos a la dirección Pete Goldfinger, que aunque incluye como he dicho, algún incrédulo giro en pro de la continuidad de la historia, como ya estamos acostumbrados, el resto y aunque siga el plan de juego de Saw V, en una versión visualmente mucho más oscura, merece la pena.

Citado éste, comentar que su hermano gemelo y codirector es Michael Spierig, ambos dirigen con buen resultado a pesar que en las escenas más jugosas se haya optado por saltos de plano que restan fuerza al gore y que tan desacorde va con el nombre que titula su nuevo film. Ambos los recordareis por su carrera relacionada con la ciencia ficción especialmente por la estupenda Predestination (2014).

A sus órdenes, un cast mencionado en la ficha técnica que sin mencionar a nadie de manera especial, todos cumplen con la línea de los actores que hemos ido viendo pasar todos estos años por la historia, correctos, acertados en su mayoría, pero sin papeles importantes donde destacar de manera sobresaliente al resto.


Partes negativas en la historia, especialmente por la película de la que estamos hablando, falta chicha, vísceras, gore, sangre, carnaza, kétchup o como se le quiera llamar. ¡Estamos hablando de Saw!  probablemente una de las sagas más sangrientas de la historia del cine, queremos ver esos extremos que hacen que en alguno de los países más atrasados moralmente hablando, hagan catalogar la película como le ocurrió a alguna de sus predecesoras con la distinción X. Queremos ese salseo que te obliga a apartar la vista de la pantalla. Con esto, estaríamos hablando de una película con prácticamente una estrella más en su puntación.

Como dije al principio intentadlo, pues es realmente entretenida e intuyo que así seguirán siendo las que vendrán detrás.

Firma: Gerard FM.

Entrevista a Sadrac González-Perellón director de Black Hollow Cage

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Sadrac González-Perellón (ganador del premio de honor del jurado en el Festival de Cine de Austin por su anterior trabajo, Myna se va) escribe y dirige Black Hollow Cage, película española que tuvo su Premiere Mundial en el Festival Internacional de Cine Fantástico de Neuchâtel, en Suiza y se alzó con el Premio del Jurado en el BiFan. Protagonizan la película Lowena McDonell, Julian Nicholson, Haydée Lysander y Marc Puiggener.


¿Esperabas la buena recepción que está teniendo tu película en el circuito de los festivales?

Pues la verdad es que si, cuando escribía el guion recuerdo que pensaba que no tendría demasiada repercusión en salas comerciales y al final la hemos podido vender en todo el mundo. Que sería más una película para festivales, que suelen coger más este tipo de producción.


¿Cuáles han sido tus influencias a la hora de dirigir Black Hollow Cage?

Tengo muchas influencias, pero aprovechando que estamos en el festival de Molins de Rei que hace una introspección al cine de Haneke, pues él sería uno de los más importantes.


Hitchcock decía que lo más difícil es rodar con niños y animales, tú haces ambas cosas, ¿fue un rodaje difícil?

Me encanta trabajar con niños, mis cortometrajes siempre han sido protagonizados por niños, de hecho, en el caso de Lowena McDonell, la actriz protagonista, cuando hicimos el casting buscábamos a una niña que tuviera talento, pero también que pudiera aguantar el rodaje como un adulto. Recuerdo que mi amiga Sonia Escolano siempre dice que los actores deben trabajar como si fueran soldados, y creo que por ser niño no creo que debas trabajar menos. Así que realmente trabajar con Lowena fue genial, porque es como una adulta, lleva actuando desde los seis años. Lo difícil fue trabajar con el perro, tenía muchos inconvenientes porque quise que fuera mi perro por fetichismos míos. Eso costó que repitiéramos y repitiéramos, perdiendo mucho tiempo de rodaje hasta que nos dimos cuenta de que teníamos que volver a rodar todas las escenas del perro, los últimos tres días solo rodamos escenas con el perro. Al final teníamos que poner jamón en la cara de los actores para que les mirara a la cara.


¿Crees que las escuelas de cine te preparan para salir ahí fuera y rodar una película?

No. Yo estudié Comunicación Audiovisual, eso no es estudiar Cine. Además que ni lo terminé. Porque me di cuenta que mientras yo estaba estudiando otros ya estaban rodando cortos y cuando yo saliera de ahí ya estarían rodando largos. Me parecía que estaba perdiendo el tiempo. Obviamente aquí en Catalunya tenemos la ESCAC, que es una escuela a nivel mundial muy potente, de hecho la mayoría de mi equipo ha salido de ahí, lo cual es genial. Pero esta y otras escuelas quizás tengan el defecto de no tener una asignatura para saber dirigir a actores, enseñan a rodar planos preciosos y una estética fantástica pero no a tratar con los actores. Entonces te encuentras a directores que no tienen ni puta idea de dirigir a actores.


Podemos ver que la película toca varios géneros, ¿lo planteaste originalmente así?

Sí, es un retrato intimista que habla sobre la redención, la perdida, la venganza, la imposibilidad de volver en el tiempo para arreglar algún error. La relación entre padres e hijos es una tema que me parecía muy interesante de contar. Pero ya en el guion cuando escribo escenas tengo tendencia a llevarlas un poco al extremo. Hay un par de escenas que no sabes si es un drama o una especie de comedia. Me apetecía jugar a eso, escribir todas las locuras que se me pasaran por la cabeza. Me lo pasé muy bien escribiendo el guion porque quería hacer una película para festivales y me pareció que lo mejor que podía hacer era lo más anti comercial posible, al menos durante la fase del guion, luego en montaje y post producción sí que intentas hacer algo un poco más convencional, porque había que venderla.


¿Puedes contarnos alguna anécdota del rodaje?

Me encanta contar esta. Era la escena más complicada para Julian Nicholson que interpreta al padre de Álex. En esta escena, es difícil explicarla sin destripar nada, digamos que se encuentra en una situación muy complicada a nivel dramático. En este tipo de escenas los personajes tienen tendencia a llorar y ya está, y como consideré que ya habían suficientes lágrimas en esta película pensé que la reacción del padre debía ser diferente, como si fuera un animal. Julian me dijo que no la quería ensayar, que quería que fuera algo espontáneo. El día que tocaba rodar esa escena me dijo que no se encontraba muy bien y entonces la escena no salió demasiado bien, por lo que decidimos volver a rodarla al día siguiente. Y tampoco le salió. Como ya nos habíamos comido muchos días de rodaje por culpa de las escenas con el perro solo nos quedaba tiempo para hacerla una vez más. Mientras la estamos rodando el actor se fue, yo pensé que era parte de la interpretación pero resulta que se había marchado porque estaba cabreado con él mismo porque no le salía. Empezó a gritar en la terraza, fui para allá y me agredió físicamente, me gritó, me cogió de la chaqueta... una vez terminó le pregunté si ya estaba mejor y si ya podíamos volver a rodar. Entonces le salió genial, me encanta como quedó. Aquella noche durante la cena él se escondió avergonzado y le dije que yo estaba encantado porque los directores juegan con las emociones de los actores. Y debo decir que no fue la primera vez que recibo una hostia de un actor.


¿Cuál es tu película de terror preferida?

Tengo muchas favoritas. Es complicado. Si hablamos de mi infancia hablamos sobre The Thing de John Carpenter, no sé si es mi favorita, pero es la primera que se me viene a la cabeza.

Habit review

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Título original: Habit

Año: 2017

Duración: 90 min.

País: Reino Unido

Director: Simeon Halligan

Guion: Simeon Halligan (novela: Stephen McGeagh)

Música: Claude Foisy

Fotografía: James Swift

Reparto: Elliot James Langridge, Jessica Barden, Roxanne Pallett, William Ash, Louis Emerick, Sally Carman, Andrew Ellis, Joanne Mitchell, Emmanuel Ighodaro, Natalie Ferrigno, Robert Beck, Garth Maunders


Terror inglés desde las calles de Manchester.

Desde la decadencia y la desesperación de una juventud que no tiene opciones de trabajo ni de prosperar en la vida, viviendo siempre al filo del precipicio nace esta historia casi de suburbio y calles vacías de personas con buenas intenciones, para dar paso a todos aquellos refugiados en la medianoche que buscan encontrar todo aquello que durante el día se les tiene prohibido o censurado y que de seguro cruza la barrera de la legalidad y la moralidad.


Un joven llamado Michael sobrevive en una ciudad que no tiene oportunidades para él. En su camino hacia la mediocridad se topa con una peculiar chica llamada Lee, este encuentro fortuito hará que su nueva amiga le abra los ojos para descubrir una oscura y peligrosa realidad de su ciudad que no podía ni haber imaginado.

El director Simeon Halligan, sin dejar el terror de lado y siguiendo la estela de sus dos obras predecesoras, nos presenta su tercer largometraje. En esta ocasión escribe en solitario el guion basado en la novela de Stephen McGeagh, para dar en el clavo, con una película de actualidad y con grandes puntos de originalidad en su historia principal, teniendo en cuenta que el tema principal de terror en la película es algo de lo que ya hemos visto metraje en otras cintas. Digo “algo” para tratar de no entrar en spoilers y que podáis ser sorprendidos como yo, con la sorpresa mayúscula y el rumbo que toma el film sin ni tan solo pasarnos por la cabeza esa opción. Aunque incluso siendo desvelado esta trama en la historia, lo cual no seré yo quien lo haga, decir que uno de los puntos más interesantes de la historia es ver cómo reacciona y hacia dónde se dirige el protagonista principal en su nueva realidad, en su nuevo mundo.

Papel encarnado por Elliot James Langridge, quién no parará de evolucionar de principio a fin su personaje hasta llegar a puntos donde apenas reconoceremos ese inocente chaval de la introducción del film. En el pulso interpretativo para el protagonismo absoluto y aunque en un papel más definido pero quizás más complicado también, la polifacética Jessica Barden la que recordaréis de películas como The Lobster, donde tenía un papel totalmente opuesto al que representa en esta ocasión. Andrew Ellis como Dig el amigo capullo de Michael, aporta aire fresco a las dos primeras partes del metraje, para servir en bandeja de plata un final que sorprende por su lealtad al film sin querer dibujar nada que no haya pintado la historia.


Una de las cosas que se aprecia en la película y que en general todos los personajes nos transmiten, a excepción de un par de ellos a quienes no situó muy bien en la ciudad en la que ocurren los hechos, el resto nos hace respirar Manchester, el acento marcado y particular de la zona, las calles, el ambiente y la situación laboral de tantas personas, son reflejados tras la fotografía de James Swift.

Muy recomendable para ver una interesante historia de terror dentro de un marco de completa y oscura normalidad. Así como para asistir a una nueva realidad basada en la sangre.

Firma: Gerard FM.

Jackals review

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Título original: Jackals

Año: 2017

Duración: 85 min.

País: Estados Unidos

Director: Kevin Greutert

Guion: Jared Rivet

Música: Anton Sanko

Fotografía: Andrew Russo

Reparto: Deborah Kara Unger, Stephen Dorff, Johnathon Schaech, Jason Scott Jenkins, Nick Roux, Chelsea Ricketts


Una historia sobre el oscuro mundo de las sectas.

De alguien que dirigió obras del calibre de Saw VI, Saw VII 3D y Jessabelle tendríamos que esperar un producto sangriento y perturbador. Kevin Greutert nos quiere dar una sorpresa y se olvida en parte de eso. Intenta adentrarse en la parte más psicológica de una historia de aquellas que siempre capta la atención del espectador, bien porque conoce a alguien que ha sufrido en sus carnes esa lacra o porque en su interior se ve como un corderito degollado que se encamina lloroso hasta el matadero. Me estoy refiriendo a las sectas y entre estas, las destructivas.


Cinematográficamente hablando nos encontramos con numerosas películas que han tratado este tema, con diferente suerte por cierto. Desde obras maestras como Rosemary’s Baby (Roman Polanski, 1968), pasando por productos muy bien manufacturados como The Sacrament (Ti West, 2014) y acabando con súper valoradas producciones como Red State (Kevin Smith, 2011). El factor común de todas ellas es la fascinación que provocan al dejar al descubierto ese agujero negro o como queráis llamarlo que tiene todo cerebro humano y que casi le obliga a dirigirse hacia el mal. Evidentemente los más débiles son los clientes habituales de ese tipo de religiones, y es que la simple descripción del concepto secta ya provoca algún que otro escalofrío.

En el film que analizamos no se profundiza mucho en lo que puede dar de sí una organización que, para regocijo de los espectadores, esconde a sus miembros tras unas burdas máscaras de chacales. Aunque peor hubiera sido que se hubieran vestido de nazarenos emulando a una de las más famosas, y con un nombre más roquero, de la historia: el Ku Klux Klan.

Jimmy Levine es un desprogramador de personas captadas por todo tipo de sectas que ha sido contratado por una familia para recuperar a su hijo adolescente. Mientras está desprogramando al chico, se encuentra bajo el asedio de los sectarios que exigen que les sea devuelto.

Nos encontramos ante una cinta que se queda a medias en todo. No se acerca en absoluto al terror en el sentido estricto de la palabra. Tampoco alcanza un dibujo de los personajes que permita clasificarla como terror psicológico. Tan solo nos muestra las situaciones del conflicto de una familia al intentar recuperar a uno de sus miembros. Poca cosa, ya que un giro hacía lo más escabroso le hubiera sentado de maravilla.


Entre los actores nos encontramos con Deborah Kara Unger(Silent Hill, The Game, Payback), Stephen Dorff (Blade, Enemigos Públicos), Johnathon Schaech (Una Noche para Morir, Ray Donovan) y Jason Scott Jenkins(American Horror Story).

Película algo prescindible que se nos antoja idónea para los que les guste el drama con un leve toque siniestro o, como mínimo, intrigante.

Firma: Josep M. Luzán.
@Josep_Luzan

El Vacío de Steven Kostanski y Jeremy Gillespie se estrena en nuestros cines el 8 de diciembre

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El próximo 8 de diciembre llega a la pantallas españolas El Vacío, nuevo trabajo de Steven Kostanski y Jeremy Gillespie que dirigen y escriben este film que combina la actitud estética del cine de terror moderno tal y como surgió en los años 70, con los sofisticados efectos especiales que predominaron en las criaturas de los 80 y principios de los 90. Los directores crean una historia terrorífica con la tensión de pesadilla e intensa claustrofobia que nos recuerda a La Cosa de John Carpenter.

El Vacío está protagonizada por Aaron Poole, Kathleen Munro, Kenneth Welsh y Daniel Fathers, y llega a las pantallas españolas de la mano de Segarra Distribución.

Ganadora de Mejor Película en el Nevermore Film Festival (North Carolina, EUA), El Vacío tuvo su estreno mundial en el Fantastic Fest de Austin, ya un clásico de los festivales de género de Estados Unidos, y su estreno canadiense en el Toronto After Dark Film Festival. También fue presentada en la Sección Oficial del Festival de Sitges 2016.

Cuando una misteriosa y violenta secta amenaza con irrumpir en un hospital aislado, un policía y el personal médico se unen para encerrarse en su interior. Mientras se preparan para luchar por sus vidas, descubrirán que la auténtica pesadilla ya está dentro.


The Boy review

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Título original: The Boy

Año: 2015

Duración: 110 min.

País: Estados Unidos

Director: Craig William Macneill

Guion: Craig William Macneill, Clay McLeod Chapman

Música: Volker Bertelmann

Fotografía: Noah Greenberg

Reparto: Jared Breeze, David Morse, Rainn Wilson, Mike Vogel, Zuleikha Robinson, Bill Sage, Aiden Lovekamp, Amalia Santa Maria, David Valencia


Este niño es un demonio.

Como indica el título, toda la película se centra exclusivamente en el niño, interpretado magistralmente por el pequeño Jared Breeze. Un crío retorcido y maquiavélico, carne de manicomio, heredero natural de Norman Bates, y una mezcla de Macaulay Culkin en El buen hijo, Chuckie y el anticristo. Si, así de malo.


John y Ted son un padre e hijo que regentan un viejo motel de carretera. La vida es solitaria, y los pocos amigos que consigue hacer Ted se marchan al poco tiempo de llegar.

Está rodada inteligentemente por su director Craig William Macneill, pues puede cansar un ritmo tan lento y silencioso, planos muy largos con poco dialogo, y es que ese es el principal problema del chiquillo, su soberano aburrimiento que no hace más que empeorar una mente ya trastornada. Ted es un personaje que quiere estar en cualquier parte menos en esa, con una curva de carretera por el que pasan los pocos clientes como único contacto con el mundo exterior. Entiendo que el espectador se queje de ese ritmo tan tranquilo, y es evidente que divertido no sería, pero ver al crío mirando al horizonte por más de dos minutos sin ningún sonido salvo el viento explica bastante lo que se le debe de estar pasando por la cabeza.

El pequeño Jared está muy bien cubierto por dos grandes, David Morse (La milla verde, Horns) que interpreta a un padre con una profunda depresión después de que su mujer se fuera con un cliente. Interpretación muy competente del actor, que no sorprende pues es de los buenos. Se huele la tostada acerca de su hijo, sabe que algo no va del todo bien, pero nada tan grave como tener al demonio en casa. Rainn Wilson (The office, Super) cambia completamente el humor, su registro habitual, por el drama. Interpreta a un viajero que después de un accidente de tráfico se hospeda en el motel para recuperarse. No lo sabe pero por una conversación, en principio intrascendente con el pequeño Ted será su catalizador.


Película muy pequeña y lenta, con sonidos metálicos que recordará (y por muchos motivos más) a la banda sonora de Psicosis. Fotografía muy bella, mostrando lo agreste de la zona. No es una película para todo tipo de público, la agradecerán los que gusten de conversaciones interiores y desarrollo de personajes.

Firma: Oriol Hernández.

Don’t Knock Twice review

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Título original: Don’t Knock Twice

Año: 2016

Duración: 93 min.

País: Reino Unido

Director: Caradog W. James

Guion: Mark Huckerby, Nick Ostler

Música: James Edward Barker, Steve Moore

Fotografía: Adam Frisch

Reparto: Katee Sackhoff, Javier Botet, Nick Moran, Lucy Boynton, Pooneh Hajimohammadi


Una historia mil veces vista. 

Estamos ante una de esas tantas cintas de terror que tras terminarla tienes la sensación de haber visto una más, genérica en todos sus sentidos, que solo algunos de los amantes más acérrimos al género de fantasmas pueden llegar a disfrutar, personalmente llegue hasta Don’t Knock Twice por un nombre propio, y es que ver a Katee Sackhoff (Battlestar Galactica) siempre es una buena excusa para disfrutar de una película de terror que a priori no llama demasiado.


Todo pueblo tiene un mito o leyenda para asustar a los niños, Chloe estaba convencido de ello, es por eso que ella y su novio deciden que no les pasará nada retando a la bruja que vive en una vieja casa abandonada. Pues tres picar en la decrépita puerta por segunda vez, un mal de otro mundo despierta en busca de lo prometido. Chloe huyendo de su fantasma acusador aprovechará esta oportunidad para volver a conectar con su desaparecida madre Jess, la cual no veía desde hace años.

Estamos ante la primera película de terror para el director Caradog W. James, el cual ya había encarado otros géneros tan dispares como el drama, humor o la ciencia ficción. Ciertamente creo que Don’t Knock Twice no arriesga ni sorprende al público. En cuanto al guión de Mark Huckerby, Nick Ostler mezcla el terror con el drama, creo que restando fuerza al film, pues precisamente donde más brilla esta historia de fantasmas es a la hora de crear tensión y he podido gozar de algún que otro susto que te hace subir por la butaca. Lástima que por querer profundizar tanto en la parte de la trama madre/hija perdamos algo de esta potencia en cuanto al terror más puro.

En cuanto a las interpretaciones, nos topamos con una Katee Sackhoff, algo desubicada que lejos de dar sensación de desamparada tengo la constante sensación que en cualquier momento va a coger al fantasma y machacarlo a ostias. Pero para grata sorpresa me he topado con una desconocida para mí, Lucy Boynton, es la verdadera y única protagonista del film, por el momento ha participado en alguna serie para televisión y tiene algún papel menor en varios largometrajes. Espero que en un futuro próximo pueda lucirse con más papeles protagonistas como en este film, pues sin duda alguna es una actriz a seguir de cerca.


Para finalizar como dije antes, su mayor virtud es su capacidad para crear tensión y algunos sustos bastante notables. Parte de la culpa de esto es del gran Javier Botet, siempre imponente en este tipo de papeles y que ya se ha convertido en todo un sello de calidad en este tipo de cintas. No voy a recomendar Don’t Knock Twice, pues a día de hoy tenemos una oferta tan amplia en este tipo de films que no vale la pena, a no ser que ya tengas todo visto y seas un fan acérrimo del género. No llega a aburrir, pues su duración es bastante justa, pero queda como una más en la interminable estantería del terror.

Firma: Omar Parra.
@Omar_FTW

1922 review

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Título original: 1922

Año: 2017

Duración: 101 min.

País: Estados Unidos

Dirección: Zak Hilditch

Guion: Zak Hilditch, Stephen King

Música: Mike Patton

Fotografía: Ben Richardson

Reparto: Thomas Jane, Molly Parker, Neal McDonough, Brian D'Arcy James, Dylan Schmid, Kaitlyn Bernard, Nikolai Witschl, Bruce Blain


Interesante película con excesiva duración.

No hace mucho, en la review de la nueva versión de IT dirigida por Andrés Muschietti, comenté la poca dificultad que tiene Stephen King para vender los derechos cinematográficos de sus obras,  sumando la popularidad del autor (debido precisamente a su explotación audiovisual) y a lo extremadamente prolífico que es tenemos como resultado que por ejemplo en 2017 tengamos alrededor de una docena de adaptaciones del autor incluyendo cintas comerciales, miniseries, telefilms y cortometrajes de diferentes novelas y relatos cortos. Y precisamente es una adaptación de un relato corto del que hablaremos hoy, 1922, incluido en su libro de cuentos Todo oscuro, sin estrellas (2010).


Wilfred está solo en un hotel de mala muerte cuando empieza a escribir una carta de confesión acerca del asesinato de su mujer. Ocurrió en 1922 cuando ella amenazó de vender sus tierras y marcharse a la ciudad, él no lo podía permitir, así que convenció a su hijo para que juntos la asesinaran.

Cinta intensamente depresiva y oscura, que cuenta la caída a los infiernos de una familia que lo podría haber tenido todo pero por intransigencia y cabezonería de todas las partes acaba de la peor de las maneras. La cinta, que alarga la historia mucho más de lo necesario, es seria y con pocos momentos para escenas ligeramente más superficiales, todo lo que se cuenta en 1922 tiene una mala leche y una falta de escrúpulos que atropellarán al espectador e incomodarán a los que tenemos otro punto de vista de los valores que debe tener una familia. Aunque no es una película propiamente de terror sí que tiene un puñado de escenas muy logradas, consiguiendo más por la atmósfera que por efectismos baratos (cosa que se agradece) que en algunos momentos lo pases realmente mal. Destacar sobre todas las demás la escena del pozo, con un giro que te costará olvidar.

Dirige y adapta el guion Zak Hilditch. Desconocía la existencia de este director y no he visto nada suyo hasta esta película pero hay que destacar el gran trabajo de ambientación y utilización de espacios, pues tres cuartas partes de cinta ocurren en la granja y sus alrededores sin llegar a cansar al espectador, y las pocas escenas que hay en urbes más extensas parecen transportadas en el tiempo para el rodaje de la cinta. Un gran trabajo sin lugar a dudas. Pero en los puntos negativos hay que volver a sacar el tema de la duración de la cinta. El número de escenas clave en 1922 es bastante reducido lo que hace que la duración, que llega a los 100 minutos, se vea demasiado extenso para lo que se quiere contar, por lo que el ritmo se resiente constantemente y una vez terminada la cinta, sorprenderte de que solo ha pasado poco más de hora y media cuando la sensación es que ha llegado fácilmente a las dos horas. Si se hubiera adaptado a un episodio de 45 minutos en alguna antología de terror hubiera salido algo mucho más redondo, precisamente como se publicó el relato literario. En el campo interpretativo no hay más que alabanzas para un eternamente infravalorado Thomas Jane, que si no me equivoco esta es ya la tercera adaptación de Stephen King que protagoniza tras El cazador de sueños (2003) y La niebla (2007). Esta película es de obligado visionado en versión original solo para ver el excelente trabajo que hace el actor en su acento, que parece que se ha pasado la vida en el campo y se le ha sacado de ahí solo para la rodar esta película. Excelente trabajo del resto del reparto protagonista, Molly Parker (La carretera, House of Cards) y Dylan Schmid (Horns), quienes también logran mimetizarse en la vida campestre con sutiles expresiones y acentos.


En definitiva, es una cinta con una historia muy potente e incómoda, que tiene algunos momentos que podríamos calificar como “hardcore” (vuelvo a mencionar el pozo) pero que el resultado global se diluye en gran medida por la excesiva duración que hace que la cinta vaya a un ritmo bastante pausado. Aun así es bastante recomendable.

Firma: Oriol Hernández.

Quenottes review

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Título original: Quenottes

Año: 2016

Duración: 13 min.

País: Francia

Director: Gil Pinheiro, Pascal Thiebaux

Guion: Pascal Thiebaux

Música: Mathieu Alvado

Fotografía: Serge Benassutti

Reparto: Lionel Abelanski, Frédérique Bel, Matthieu Clément-Lescop


Delirante e hilarante cuento.

El Ratoncito Pérez es el nombre que le ponemos en esta parte del mundo al mito infantil de que un hada, o lo que sea, trae bajo su brazo algún que otro regalito cuando se caen los dientes de leche. Esta historia se podría rodar de muchas maneras. Una podría ser: tiernos infantes revoloteando alborozados alrededor de la almohada, viendo cuan generoso ha sido el incombustible roedor. Lo que no podemos esperar es la manera en la que Gil Pinheiro y Pascal Thiebaux se ponen manos a la obra. Un cortometraje lleno de mala leche y fina o gruesa, según como se mire, ironía.


Habéis adivinado, no es aconsejable mostrarlo a los niños, lo cual eleva la insana curiosidad que adivinamos en vuestros malvados corazones. Los directores saben jugar perfectamente entre una distorsionada realidad y una animación que raya a gran altura, aunque con un solo personaje: un taimado ratón con pinta de zombi.

Tampoco esperéis una criatura súper-original. Es un vulgar roedor blanco, bastante feo, más veloz que Speedy González (¿Por qué a los ratones se les ponen apellidos latinos?) y mucho más inteligente y malvado que Micky Mouse. Nuestro héroe lleva de culo al pequeño universo formado por un padre y su hijo, los cuales acaban aterrorizados por tan pequeñajo engendro.

¿Qué pasa si en vez de encontrarnos con un pequeño ratón benevolente y generoso se presenta un psicópata neurótico obsesionado con su colección dental? Si falta un diente, simplemente debe ser reemplazado. Por cualquier medio...

Maravilloso en todos los sentidos, Quenottes es un cortometraje divertido, con un ritmo frenético, en cierto modo sorprendente y con un final de traca. Estamos ante un gran debut de los directores Gil Pinheiro y Pascal Thiebaux. El guion a cargo de éste último se encarga de transportarnos a un mundo de fantasía que, para variar, no lo forman criaturas edulcoradas y con rostro angelical, al contrario.

Punto y aparte merece la animación del animalito de marras. A su cargo Ghayth Chegaar y Mickael Coedel como director de animación, que cuenta en su historial con la participación en films como Star Wars: El Despertar de la FuerzaTransformers: La Era de la Extinción e Iron Man 2. Creo que todo está dicho.


En el apartado interpretativo acabamos rápido. Lionel Abelanski interpreta a un histérico padre. A Matthieu Clément-Lescop le toca interpretar al disperso niño. El papel estrella es para Frédérique Bel. Adivinad el motivo.

Para finalizar alabarlo de principio a fin. Disfrutaréis de un producto muy bien acabado y que reúne todos los alicientes para pasar un buen rato. Esto que parece tan simple seguro que ha costado mucho trabajo.

Firma: Josep M. Luzán.
@Josep_Luzan

Thelma review

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Título original: Thelma

Año: 2017

Duración: 116 min.

País: Noruega

Director: Joachim Trier

Guion: Eskil Vogt, Joachim Trier

Música: Ola Fløttum

Fotografía: Jakob Ihre

Reparto: Eili Harboe, Kaya Wilkins, Henrik Rafaelsen, Ellen Dorrit Petersen, Grethe Eltervåg, Marte Magnusdotter Solem


El amor retroalimenta lo perverso.

Que las mujeres tienen poderes es sabido por todo el mundo. No los voy a nombrar para no meterme en líos y no despertar a la bestia. Thelma (Eili Harboe) tiene uno bastante molón aunque puede llegar a ser peligroso, como nos cuenta esta historia explicada de manera triste, lenta y muy lejos de provocar en nosotros eso que denominamos vulgarmente terror. Pero no os preocupéis, la calidad de la cinta lo solventa todo, convirtiéndose en un gran ejercicio cinematográfico, que es en el fondo el motivo por el cual Joachim Trier se ha puesto manos a la obra.


Esa sucesión de imágenes que aparecen en pantalla de manera bucólica se tienen que apoyar en algo consistente. Una de las columnas de Hércules de esta película es una hermosa historia de amor entre dos mujeres. Habéis acertado, Thelma es una de ellas, concretamente la que representa la represión que arrastra de una familia muy religiosa y practicante. La otra es Anja (Kaya Wilkins), una chica mundana que inicia la relación en ese enamoramiento enternecedor.

A causa de esa represión, Thelma desarrolla un poder, heredado de sus ancestros, que la lleva, a través de un duro enfrentamientos con sus padres, a la redención.

Thelma es una estudiante que conoce a Anja, su compañera de carrera. Entre ambas se entabla algo más que una amistad o camaradería. Esa incursión en lo más profundo de sus sentimientos provoca que Thelma descubra que tiene poderes fantásticos.

Con cierto aire al filme Jack and Diane (Bradley Rust Gray, 2012), explica la historia sin ninguna prisa. El guion de Eskil Vogt y Joachim Trier es de altura con una mise en scene inteligente. La única pega de no desarrollar ese poder antes mencionado el cual, hasta casi la mitad de su duración, no sabemos exactamente en que consiste. El público en general, y el de terror en particular, tienen una ávida curiosidad, por lo que os tendréis que armar de paciencia, vale la pena esperar.

Encontramos también reminiscencias hanekianas en algunas escenas, sobre todo de la gran obra del director austriaco La Pianista (La Pianiste. Michael Haneke, 2001). La protagonista de ambos films tiene que luchar con la interiorización del dolor, la forma, como es lógico, es diferente.

Destacar, en el apartado más técnico, la fotografía de Jakob Ihre, tenue y suave como el terciopelo.


Uno de los puntos fuertes de Thelma son las interpretaciones. Para empezar una excelsa Eili Harboe, que llena completamente la pantalla. Le acompaña de manera magnifica Kaya Wilkins. En el resto del reparto Henrik Rafaelsen y Ellen Dorrit Petersen, como padres de Thelma.

Gran película para tomársela con toda la calma del mundo. No esperéis sobresaltos ni grandes escenas de acción o escabrosas. En cambio degustaréis un film hecho con mucho amor, parte imprescindible de toda la historia.

Firma: Josep M. Luzán.
@Josep_Luzan

Poster oficial de GOTAS, el nuevo proyecto de Sergio Morcillo

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El pasado 26 de octubre tuvo lugar el estreno oficial en el Festival Internacional de Cine Fantástico de Nocturna el nuevo cortometraje de Sergio Morcillo titulado GOTAS.

Ahora nos llega su poster oficial realizado por el artista KIPON. Un poster realmente inquietante que muestra a su protagonista Marta, interpretada por Marina Romero.

La distribución corre a cargo de SALON INDIEN FILMS que ha cosechado muchos éxitos como su último proyecto Indestructible, el Alma de la Salsa que relata la incursión del artista Diego "El cigala" en el mundo de la salsa.

En GOTAS, su director Sergio Morcillo nos muestra su lado más oscuro ofreciéndonos un thriller psicológico lleno de sustos y tensión, metiéndonos de lleno en un viaje que nos hará conocer la truculenta historia de Marta.

Marta es una adolescente cuyos padres murieron hace dos años. Una noche, mientras esta sola en casa, descubrirá la verdad acerca del dolor que la está atormentando en su interior.

GOTAS está producido por Darko Decimavilla, escrito por Santiago Taboada y cuenta con el apoyo de la Comunidad de Madrid.

Contacto distribución Gotas: info@salonindienfilms.com

Top 10 mejores películas TerrorWeekend 2017 - Josep M. Luzán

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Hounds of Love (Review)

En un suburbio de Perth, a mediados de los años ochenta, se producen una serie de desapariciones de adolescentes femeninas. Los causantes no son otros que los perturbados John y Evelyn White. A Vicki Malone le toca la china e intenta zafarse de esos malvados buscando algún punto de ruptura entre la pareja.
A Ghost Story (Review)

La tranquila vida de una joven pareja se trunca cuando él fallece en un accidente de tráfico. Pero su existencia no termina ahí, su fantasma vuelve a su casa para ser observador silencioso del proceso de duelo de su mujer, y de mucho más.
Downrange (Review)

Un grupo de amigos que transitan por una carretera pérdida, tienen que detener el vehículo a causa del estallido de uno de los neumáticos. Lo que parecía un vulgar reventón, se convierte en la cacería de un enigmático francotirador, convirtiendo a los protagonistas en el más vulgar de sus objetivos.
Lowlife (Review)

El Monstruo está a las órdenes de Teddy. Su trabajo consiste en conducir a tipos de dudosa calaña al sótano del restaurante donde oculta a chicas para violarlas. El Monstruo tiene una relación con la hija adoptiva de Teddy, de la cual está esperando un hijo, un hijo que llevará estigmatizado el legado de su saga.
Verónica (Review)

Verónica y sus amigas deciden "jugar" a la ouija en el sótano del colegio, lo que empieza como eso, un simple juego pronto descubrirán que el tocar ciertos temas esotéricos conlleva peligrosas consecuencias. Las niñas acaban de despertar algo que no es de este mundo y que buscará hacer daño a Verónica y todos sus seres queridos.
Framed (Review)

Framed es una página web donde los usuarios pueden transmitir en directo desde sus teléfonos móviles durante 24 horas. La guerra por la audiencia ha comenzado. No hay normas, límites o censura.
Mom and Dad (Review)

Una adolescente y su hermano pequeño deben sobrevivir a las veinticuatro horas más peligrosas de sus vidas, en un día en el que una masa de histeria y odio, de orígenes desconocidos, obliga a los padres a comportarse de manera violenta contra sus propios hijos.
Revenge (Review)

Jen y Richard llegan en helicóptero a su nido de amor, una espectacular casa en mitad de la nada. Pronto descubriremos que Richard es un hombre casado y Jen simplemente el ligue para pasar el rato. Todo esto se complicará aún más cuando aparezcan en escena Stan y Dimitri, los amigos de Richard, los cuales quieren unirse a la fiesta. Todo acaba muy mal y tras un intento de huida por parte de Jen, ésta acaba al final de un precipicio... Pero en esta trágica historia esto es solo el principio.
The Killing of a Sacred Deer (Review)

Steven es un grandioso cirujano que decide acercarse a un pequeño joven que perdió a su padre durante unas de sus intervenciones en quirófano. Cuando llega el momento de introducir al pequeño a su familia, Steven empezara a comprobar que algo raro sucede. Parece ser que no todo es lo que parece.
Most Beautiful Island (Review)

Luciana es una mujer indocumentada que mora por Nueva York ganándose la vida como puede. En su evasión intenta redimirse de un oscuro pasado que la atormenta, no dudando en introducirse en un peligroso juego a cambio de unos sucios billetes.

Finaliza el rodaje de Destajo la nueva película producida por los hermanos Prada

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Finaliza el rodaje de Destajo que tuvo lugar en Madrid entre los días 12 y 16 de diciembre. En la dirección se encuentra José Ángel en su debut en el largometraje.

En el reparto principal el debutante Cristian Festa acompañado por Ana Rujas, Javier Godino, David Pareja, Kimberley Tell, Sergio Torrico, Toni Nievas, Óscar González y Manuel de Blas.

En palabras del productor Kiko Prada.
Ha sido un reto poder sacar una película en tan pocos días, pero el guion escrito por José Ángel era muy bueno y teníamos que ir a por ello.

La respuesta del equipo técnico y artístico ha sido sublime. Todos lo han dado todo. Estoy deseoso de que podáis ver el resultado final.

Ángel es un joven que vive al borde del desahucio y está al cargo de su hermana pequeña. Sufre mobbing laboral y se siente acosado en el trabajo.

Un día recibe una oferta de empleo mejor y decide abandonar la empresa. Pero no será tan fácil. No le dejarán salir del lugar, así que tendrá que defenderse.
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