Quantcast
Channel: TerrorWeekend.com | Portal cine de terror, peliculas de terror, mejor cine de terror
Viewing all 6343 articles
Browse latest View live

Joe Dante recibirá el galardón “Estrella del FANTástico” del Festival FANT Bilbao, en reconocimiento a toda su carrera dentro del género

$
0
0

El director de “Gremlins” o “El chip prodigioso” recogerá el galardón honorífico en la gala inaugural del festival bilbaino, el 4 de mayo, a partir de las 20:00 horas, en el Teatro Campos.

Además, dentro de la sección FANT2FUN, el sábado 5 de mayo, a las 22:15 horas, el público podrá disfrutar en pantalla grande de la mítica “Gremlins” (1984) y el clásico “The Howling (Aullidos)” (1981)

El Festival de Cine Fantástico de Bilbao – FANT, que organiza el Ayuntamiento de Bilbao y que celebrará su 24ª edición del 4 al 11 de mayo, entregará al director de cine Joe Dante su premio Estrella del FANTástico, un galardón honorífico que reconoce toda una carrera dentro del género fantástico. El realizador estadounidense recogerá el premio, en la gala inaugural del festival, que tendrá lugar el 4 de mayo, a partir de las 20:00 horas, en el Teatro Campos.

Nacido en 1946 en la ciudad de Morristown, Nueva Jersey, Dante se curtió en la factoría del mítico Roger Corman como editor hasta que dio el salto a la dirección codirigiendo junto a Allan Arkush “Hollywood Boulevard” (1976). En 1978 probó suerte en solitario con “Piraña”, escrita por un primerizo John Sayles, con el que volvió a colaborar en “The Howling (Aullidos)” (1981).

En 1983 comenzó una exitosa colaboración con Steven Spielberg como productor, dirigiendo uno de los segmentos de la adaptación cinematográfica de la mítica serie “The Twiligh Zone”. Esta colaboración continuó con la exitosa “Gremlins” (1984), su secuela “Gremlins 2” (1990) o “El chip prodigioso” (1987). Otros conocidos títulos suyos son “Exploradores” (1985), “No matarás al vecino” (1989), “Matinee” (1993), “Pequeños guerreros” (1998) o “Burying the Ex” (2014), su último largometraje hasta la fecha.

Asimismo, como homenaje, dentro de la sección FANT2FUN del festival, el sábado 5 de mayo, a partir de las 22:15 horas, el público podrá disfrutar en pantalla grande de una sesión doble de cine que incluye la proyección de la mítica “Gremlins” (1984) y el clásico “The Howling (Aullidos)” (1981).

El Festival de Cine Fantástico de Bilbao – FANT (www.fantbilbao.eus) entregó el pasado año su primer galardón Estrella del FANTástico, a la actriz Barbara Crampton (Nueva York, 1958), protagonista del clásico de Stuart Gordon “Re-animator (1985), que visitó Bilbao y presentó su hasta entonces última película “Beyond the Gates”.

Ghostland review

$
0
0

Título original: Ghostland

Año: 2018

Duración: 91 min.

País: Canadá

Director: Pascal Laugier

Guion: Pascal Laugier

Música:Todd Bryanton

Fotografía: Danny Nowak

Reparto: Crystal Reed, Anastasia Phillips, Rob Archer, Mylène Farmer

El terror más visceral ha vuelto.


Todo amante del género de terror conoce a Martyrs, pues por allá el 2008 se estrenaba dando mucho que hablar por todos los festivales que pisaba. Pues esa película era el culmen de la nueva oleada de cine de terror francés que estaba azotando al mundo entero. Después de este tremendo éxito, su director viajó a las Américas a hacer fortuna como muchos otros, pero no acabó de funcionar su film El hombre de las sombras. Pero ahora, seis largos años más tarde logra volver a subir al Olimpo del terror con su nueva producción, Ghostland.


Las pequeñas hermanas Beth y Vera acaban de heredar un viejo caserón junto a su madre. Al llegar a esa vieja y lúgubre casa las niñas empezarán a ver lo aterrador que puede llegar a ser ese lugar. Pero todo se tuerce cuando la primera noche aparece una furgoneta con unos misteriosos individuos que intentarán sesgar las vidas de la apacible familia.

El director francés Pascal Laugier vuelve a firmar la dirección y el guion de su nueva obra. Pues este hecho se ha dado a lo largo de toda su filmografía y parece que prefiere seguir ocupándose de sus propios guiones. Creo que Ghostland es la evolución lógica de su anterior éxito, Martyrs, al terror actual. Ha dado con la tecla correcta para conseguir una mezcla muy destacable entre terror visceral y los típicos "jump scares" tan de moda en los films de terror actuales.

Como curiosidad, la oscura y acertada fotografía de Danny Nowak sorprende y más cuando echas un ojo a su dilatada carrera, pues podemos comprobar que no tiene casi contacto con el cine de terror a pesar de haber trabajado en más de una cincuentena de títulos. Creo que Pascal Laugier ha sabido sacar todo el jugo a la experiencia de Nowak consiguiendo un tono muy oscuro que hasta ahora no había alcanzado en las cintas del director.


Antes comentaba que lograr el equilibrio entre el susto y el terror visceral es todo un logro para la cinta y realmente funciona bien, pero sí que es cierto que en la parte más sobrenatural y a pesar de haber tocado este tema a lo largo de toda su filmografía no acaba de acertar, pues cuando llega a escena el terror visceral y sin concesiones, este segundo se impone ante los "jump scares". Es difícil encontrar un equilibrio entre ambos, Laugier no acaba de lograrlo, pero sí que aprueba con nota en este apartado.

Si sois conocedores de toda la filmografía del director francés sabréis que destaca por ser algo irregular en cuanto a la calidad de la misma. Estoy prácticamente seguro que Ghostland no alcanzará la mitomanía que en su día tuvo Martyrs pero analizando ambas producciones estoy seguro que Ghostland es su obra más redonda y se nota su evolución como director y guionista. Estamos ante una de las películas de este 2018 sin duda alguna.

Firma: Omar Parra.
@Omar_FTW

El secreto de Marrowbone review

$
0
0

Título original: El secreto de Marrowbone

Año: 2017

Duración: 110 min.

País: España

Director: Sergio G. Sánchez

Guion: Sergio G. Sánchez

Música: Fernando Velázquez

Fotografía: Xavi Giménez

Reparto: Anya Taylor-Joy, Charlie Heaton, Mia Goth, George MacKay, Kyle Soller, Tom Fisher, Robert Nairne, Matthew Stagg, Nicola Harrison, Laura Brook


Una película técnicamente redonda.

La nueva “superproducción” española viene de la mano de Sergio G. Sánchez, conocido guionista en el territorio español por escribir películas como El orfanato, Lo imposible o Palmeras en la nieve y que tras dirigir la TV movie, Las manos del pianista, se lanza con un ambicioso proyecto escrito por él mismo.


Con la ausencia del padre y al morir su madre, una familia compuesta por cuatro hermanos se verán obligados a refugiarse del mundo en su remota granja hasta que el mayor de todos ellos cumpla la mayoría de edad y de ésta manera poder hacerse cargo legalmente del resto de los hermanos y mantener así a todos ellos unidos. Para lo que no están preparados es para volver a ser atormentados por la parte más oscura de su pasado.

Rodada en Asturias bajo producción española sigue la fórmula de películas como Lo imposible (2012) que combina un equipo técnico formado mayoritariamente por profesionales del país con conocido actores de habla anglosajona para de esta manera internacionalizar la película a mercados extranjeros. Actores en este caso jovencísimos por la temática del film como son el inglés George Mackay, quien podéis recordar por su papel en Captain fantastic. Anya Taylor-Joy magnífica como Thomasin en The Witch o Mia Goth en la socialmente reivindicativa The Survivalist.

El global del film se puede traducir en una obra que ha tratado de cuidar hasta el límite y al mínimo detalle la calidad de cada uno de los apartados técnicos que intervienen, muestra de ellos es la estupenda banda sonora interpretada por la Orquesta sinfónica del principado de Asturias a los mandos de Fernando Velázquez. La fotografía del experimentado Xavi Giménez que con su larga carrera en las espaldas es más fácil preguntarse en qué no ha trabajado que en lo que sí. Unos responsables del atrezzo y vestuario que visten la historia exageradamente bien, unas localizaciones idílicas y unos escenarios como los de la casa que forman un personaje propio dentro de la historia. En definitiva, un ejemplo de obtención de resultados con un presupuesto digno de una película de peso.

Llegado a este punto parece que esté hablando de una película totalmente redonda, incluso perfecta, pero más allá de todo el reconocimiento al apartado técnico en especial, estamos ante una historia que no nos resulta nueva, sorprende que un guionista con antecedentes tan positivos haya decidido contar sin errores de guion, eso sí, una historia que nos recuerda incluso en su giro más importante, tanto y tanto, a un conjunto de películas muy conocidas todas ellas, incluyendo clichés y situaciones muy quemadas ya. Por ello, esta película que podría representar un estandarte como la película española referente de este año, pasa a ser una película a disfrutar por aquellos que no tengan un bagaje en el cine representativo como para no ver todos esos indicios y similitudes con otras historias que a uno le cantan el final.


Para todos aquellos que quieran disfrutar de un trabajo bien hecho más allá de una historia no particularmente inédita.

Firma: Gerard FM.

Matar a Dios review

$
0
0

Título original: Matar a Dios

Año: 2017

Duración: 90 min.

País: España

Director: Caye Casas, Albert Pintó

Guion: Caye Casas, Albert Pintó

Fotografía: Miquel Prohens

Reparto: Itziar Castro, Eduardo Antuña, Boris Ruiz, David Pareja, Emilio Gavira, Francesc Orella


Original y divertida.

Matar a Dios es una película agradable, repleta de comedia y con algunos momentos ingeniosos. Con una crítica religiosa más suave de lo que podría parecer (que la hay, pero en ningún momento se quiere sacar sangre) esta cinta habla sobre la familia, las relaciones, y el rencor. Y no estamos hablando de una película trascendental en lo absoluto, pero hay temas cotidianos camuflados como comedia pero que no dejan de ser serios y dramáticos.


En la cena de nochevieja una pequeña familia se reúne en una casa en la montaña. La noche no está siendo plácida en lo absoluto, ni siquiera normal, pero se traspasará toda línea cuando Dios, en forma de un sin techo enano, se presenta y les informa que en cuanto salga el sol la humanidad se extinguirá excepto para dos sujetos. Les encomienda que ellos decidan quienes serán estos.

Película fácilmente adaptable a obra de teatro, tan solo cinco personajes y un solo escenario en toda la cinta hacen de Matar a Dios una película algo reiterativa, es evidente que esto es por fuerza mayor a no poder añadir más medios para hacer de la cinta algo más dinámico, pero se intenta compensar con unos diálogos cargados de comedia y mala leche y unas interpretaciones muy solventes. De hecho, si el reparto no hubiera estado tan acertado esta película habría salido muy mal parada. Es una película que puede resentirse en su ritmo, no siempre es igual de divertida y se achaca que pueda cansar la reiteración de chistes y algunas escenas que necesitaban ser tan largas, pero cuando se pone ocurrente y los diálogos van volando estamos ante una película altamente recomendable.

Dirigen su primer largometraje, pero enésima producción juntos, Caye Casas y Albert Pintó (Nada S.A, RIP) se les nota encorsetados por un presupuesto limitado, pero se las apañan para hacer una película lo más ágil y entretenida posible, que no es poco. Las mayores bazas de Matar a Dios son su guion, no tanto por su resolución sino por su desarrollo, y su reparto, todos y cada uno de ellos está estupendos y se les nota que lo están pasando en grande. Eduardo Antuña (La comunidad), Itziar Castro (REC 3), David Pareja (Magical Girl), Boris Ruiz (Los Sin Nombre) y Emilio Gavira (El milagro de P. Tinto) se llevan todo el peso de la cinta con unos personajes algo clichés, pero esto juega a favor, pues llevan esas excentricidades de una manera exagerada y eso favorece a la comedia. Los toques gore llegados a cierto punto quedan muy bien y se echa en falta algo más de sangre en otros momentos de la cinta.


Matar a Dios es una película sencilla y original, no esperes la comedia ácida del año porque no es lo que se pretende. Pero si quieres pasar 90 minutos entretenido con un humor ligero con alrededor de una docena de carcajadas esta es tu película.

Firma: Oriol Hernández.

Encontré al diablo (I Saw the Devil) review

$
0
0

Título original: Akmareul boattda

Año: 2010

Duración: 141 min.

País: Corea del Sur

Director: Kim Ji-woon

Guión: Park Hoon-jung

Música: Mowg

Fotografía: Lee Mo-gae

Reparto: Lee Byung-hun, Choi Min-sik, Jeon Kuk-hwan, Oh San-ha, Kim Yun-seo, Choi Moo-sung, Kim In-seo


¿Qué ve el diablo cuando se mira en el espejo?

Si te hundes buscando continuamente en el pozo del mal te puedes encontrar alguna sorpresa, o acabar con la mierda hasta el cuello. Y es que los extremos nunca son buenos y en algunos casos son casi iguales, desgraciadamente solo en lo malo.

Kyung Chul es un cuarentón muy normalito, padre soltero, con un trabajo estable y casa propia. Pero dentro de cada persona normal se puede esconder el más tenebroso diablo, el mal primigenio, la maldad pura, en definitiva, el terror, y Kyung reúne todo eso y más. Fuma como un poseso, bebe como un cosaco y de cada cuatro palabras tres son insultos. La raza humana para él no significa nada, bueno si, el género femenino es para nuestro personaje una diversión, en el aspecto más lúgubre de la palabra.

Kim Soo-hyeon, treintañero guapetón y resultón, es un agente del NIS (Servicio de Inteligencia Coreano), es el yerno que toda madre querría para su hija. Está pendiente siempre de su novia, hasta el extremo de cantarle canciones por el móvil. Parece el James Bond coreano y como hemos comentado antes, nada es lo que parece y hasta el más perfecto de los hombres puede guardar en su interior un verdadero monstruo.


No estaba escrito, nadie lo sabía pero suponemos que estaréis esperando el encuentro de esas dos joyas. El destino hace que dos titanes se enfrenten cara a cara, con el contrasentido de que el diablo en persona hasta nos puede caer simpático, y el más perfecto hombre sobre la tierra puede parecer el cabrón más terrible. En definitiva un choque de trenes. El guión de forma magistral nos acaba llevando a una escena, en la cual se refleja que esos dos extremos casi son iguales, y, sin palabras nos muestra que el mal acaba engendrando el mal. El cazador, en definitiva, es cazado por su presa.

Un asesino en serie de dedica a violar y descuartizar impunemente a sus víctimas, hasta que elige a la equivocada, que no es otra que la prometida de Kim. Esto provoca una reacción desmesurada de venganza de éste, no importándole nada ni nadie por cumplir su objetivo que no es otro que destruir totalmente a Kyung, la cosa se le va de las manos.

Jee-woon Kim director de culto coreano se consagra aquí con esta obra maestra del genero. Hay que estar preparados porque de vez en cuando sale alguna película que marca un antes y un después y esta no es otra que Encontré al diablo (I saw the devil). Y es que lo tiene todo. Una dirección perfecta ayudada por un guión magistral y unas actuaciones de otro mundo. En cuanto al ritmo es trepidante, casi no da ninguna tregua. Subirte en este viaje te llevará a una odisea visual de la cual no querrías descender nunca.


Vamos a centrarnos un poco en el guión de Hoon-jung Park, realmente fantástico por no decir perfecto. Nos lleva de la mano, sin grandes alardes, con unas premisas simples y concisas por toda la cinta. Dándonos una respuesta a todo, sin necesidad de volvernos a explicar la trama una y otra vez y sin nada innecesario. Todo esto queda reflejado en algunas escenas que, si esta película tuviera la bandera americana, pasarían a los anales del cine.

La banda sonora de Mowg es realmente impactante, usa en su mayoría la música clásica, solo piano y guitarra española.

En cuanto a las interpretaciones hay que hacer constar que Choi Min-sik se sale, lo borda, marca una actuación que recordareis siempre, realmente sublime. No necesita mucho para mostrar el mal en estado puro. Su mirada es aterradora, cuando la observas te produce animadversión, hay que odiarle desde el primer minuto hasta el último. Si el diablo existe, él es su avatar.


Lee Byung-hun le da la réplica de manera también magistral. Es muy inexpresivo pero sólo necesita los ojos para contarnos la tristeza y la desesperación que siente.

Ahora vamos a hablar de la actuación de la pareja, es como el Yin y el Yan, son el complemento perfecto, una pareja que se recordará como de las más famosas del género. En las escasas pero increíbles escenas cara a cara, llegamos a sentir una fuerza casi sobrenatural que traspasa la pantalla.

Por último, dentro de la parte técnica, destacar aunque sea brevemente, los buenísimos movimientos de la cámara en algunas escenas, con picados y contrapicados que magnifican las mismas.


Masterpiece, no hay otras palabras para definirla. Sobresale en todos los aspectos y es una verdadera lástima que por ser de donde es no haya alcanzado el reconocimiento que se merece, y haya pasado un poco inadvertida, aunque no para los fans del género. No obstante es una cinta la cual se puede recomendar o todos los amantes del cine. Tenemos la ventaja que estamos ante una película asiática y éstos no tienen, como sabemos, ningún miramiento a la hora de mostrarnos cualquier situación, por explicita que sea. Para cerrar la crítica, que dicho sea de paso, es la primera que hacemos conjuntamente Omar y Josep M., y habéis llegado hasta aquí en la lectura, es de visión obligatoria. No nos cabe la menor duda de que no quedareis defraudados. Repetimos MASTERPIECE.

Firma: Korean Bros.

Downrange review

$
0
0

Título original: Downrange

Año: 2017

Duración: 90 min.

País: Estados Unidos

Director: Ryûhei Kitamura

Guion: Ryûhei Kitamura, Joey O’Bryan

Música: Aldo Shllaku

Fotografía: Matthias Schubert

Reparto: Kelly Connaire, Stephanie Pearson, Rod Hernandez, Anthony Kirlew, Alexa Yeames, Jason Tobias, Aion Boyd


Violenta y magistral lección de cine.

Kitamura ya nos deleitó, allá en 2012, con No One Lives, un título muy entretenido y lleno de acción marca de la casa. Rodar ese tipo de películas hace que los directores encargados de filmarlas acaben algo encasillados. El director de origen japonés no es una excepción, pero hay que decir que sus cintas tienen algo que las hace diferentes. Sin abandonar la mala leche, tiene toques infantiles que nos hacen sonreír a pesar de lo que va apareciendo en pantalla.

Esto último no quiere decir que abandone la truculencia, en cierta manera heredada del gran Sam Peckinpah, autor del que beben muchos de los directores actuales, pero ciertos elementos a la vez que inverosímiles resultan hasta simpáticos. La escuela japonesa, tan poco dada a conceder nada al público, parece que tampoco es uno de sus referentes, si no que se lo digan a Takeshi Kitano o a Takashi Miike. Llegamos a la conclusión, por lo tanto, de que Kitamura tiene un estilo propio que cuenta con infinidad de seguidores.


Superar o como mínimo igualar esa gran obra que hemos comentado al principio parecía difícil, pero el director de Osaka lo ha conseguido plenamente con Downrange. Conseguir mantener la tensión durante toda la duración de la cinta mientras vemos a un certero psicópata-francotirador cargándose a todo lo que se mueve tiene su mérito. En la parte central y cuando todo parece que va en caída libre, introduce una escena que al verla se nos sales los ojos de las órbitas, a partir de allí el subidón nos deja pegados a la butaca hasta el final.

Un grupo de amigos que transitan por una carretera pérdida, tienen que detener el vehículo a causa del estallido de uno de los neumáticos. Lo que parecía un vulgar reventón, se convierte en la cacería de un enigmático francotirador, convirtiendo a los protagonistas en el más vulgar de sus objetivos.

Película para pasárselo en grande en un guion sencillo pero muy efectivo y que no escatima todo tipo de escenas en las que la sangre y las vísceras salpican la pantalla para regocijo de unos espectadores que conforme va avanzando quieren más y más, Kitamura, amablemente se los da, además con ese toque que podríamos denominar como travieso.

El dibujo de los personajes es uno de sus escasos puntos débiles, pero como tampoco esperábamos algo dramático tipo Shakespeare, queda diluido entre tanta escena violenta y terrorífica.

En la parte técnica destacar, ¿cómo no?, los fantásticos efectos especiales, maquillaje y stunt. La cantidad y variedad de ellos da una idea del intenso trabajo en ese sentido, y sin un solo CGI.


La parte interpretativa está muy dividida, destacaré no obstante a Kelly ConnaireStephanie PearsonRod Hernandez y Anthony Kirlew por estar más en tiempo en pantalla que el resto, así de simple.

Nos encontramos ante un auténtico bombazo para el disfrute de la legión de seguidores de Kitamura. No quedaran defraudados, estamos ante unos de sus mejores títulos.

Firma: Josep M. Luzán.
@Josep_Luzan

EXCLUSIVA: Presentamos a los personajes de Los Extraños: Cacería Nocturna

$
0
0

En Los Extraños: Cacería Nocturna, tres asaltantes siniestramente disfrazados emergen de la oscuridad para aterrorizar indiscriminadamente a personas desprevenidas e inocentes. Es la secuela de Los Extraños, una película dirigida por Bryan Bertino en 2008, con Liv Tyler y Scott Speedman, explica el director Johannes Roberts. “Soy un gran admirador de la primera película y de lo que Bryan hizo como director. Esta nueva película es la historia de una familia que lleva a su hija a un internado. Se trata de una familia con problemas, a punto de desmoronarse. En su viaje, se detienen en un campamento de caravanas para pasar la noche. A medida que entra la noche, surge la amenazante presencia de tres desconocidos enmascarados que intentarán cazarles y asesinarles, así que la familia no le quedará otra opción que unirse para sobrevivir. Lo que ocurre es bastante oscuro y espantoso".

Como en la película original, los personajes principales son más que un mero dispositivo del guion para derramar sangre. La película original, Los Extraños, se diferenciaba de la típica película de terror gracias a la relación entre los personajes, que la hacía más efectiva cuando los terribles intrusos llegaban para aterrorizarles, dice el productor James Harris. "Con esta nueva película, queríamos que el público se interesara por los personajes, porque si no les interesan, les dará igual que mueran, y ese es un elemento importante para aumentar el suspense y experimentar miedo”.

Dirigida por Johannes Roberts y protagonizada porChristina Hendricks, Mike Henderson, Bailee Madison, Lewis Pullman. Estreno en cines el 1 de junio de la mano de Diamond Films España.

Cindy (Christina Hendricks) y Mike (Martin Henderson) se embarcan en un viaje por carretera y planean pasar una temporada en un campamento de caravanas antes de dejar a su problemática hija Kinsey (Bailee Madison) en un internado. Pero el viaje se ve interrumpido por la llegada de tres psicópatas enmascarados que atacan y matan sin piedad.


Aterrados review

$
0
0

Título original: Aterrados

Año: 2018

Duración: 85 min.

País: Argentina

Director: Demián Rugna

Guion: Demián Rugna

Música: Pablo Isola

Fotografía: Mariano Suárez

Reparto: Ariel Chavarría, Maximiliano Ghione, Norberto Gonzalo, Elvira Onetto, George Lewis


Preparaos para pasar un mal rato.

No voy a sorprender a nadie si afirmo que en los últimos 20 años el cine de terror argentino ha resurgido para quedarse, pues todos los amantes del terror tenemos muy presentes a directores como Javier Diment, Ezio Massa, Adrián y Ramiro García Bogliano o Luciano y Nicolás Onetti, son solo algunos ejemplos de nombres que llevan resonando por festivales de todo el mundo en estos últimos años. Pues hoy personalmente creo que con Aterrados se alcanza un paso más en el cine de terror argentino, esta película nada tiene que envidiar a las producciones de terror comercial que nos llegan desde la gran fábrica de cine estadounidense, las comparaciones con Insidious o Sinister son inevitables.


En un tranquilo vecindario empiezan a suceder extraños fenómenos paranormales. ¿Es la paranoia de sus inquilinos o verdaderamente hay fuerzas del más allá que están aterrando a sus habitantes?

El director y guionista Demián Rugna no es la primera vez que se adentra en el género, pues en sus anteriores trabajos ya ha tocado tanto el fantástico como el terror, pero lo que no hay duda es que Aterrados es su obra más redonda, aún con sus pequeñas imperfecciones me ha hecho pasar un rato muy entretenido y me ha hecho dar algún que otro salto de la butaca (cosa nada fácil en estos tiempos que corren).

Pero como antes he comentado, no está carente de algún que otro defecto, sobretodo podemos notarlo en los efectos visuales, tenemos algunos de primera línea pero otros dejan un poco que desear, el contraste en algunos momentos es más que evidente y puede descolocar un poco al espectador. Otro de sus "pecados" es su tempo, pese a su corta duración, tiene algún parón narrativo para gusto personal, que se corrige al último tercio del film.


En cuanto a las actuaciones tenemos a un sobresaliente Maxi Ghione que sabe cargar con todo el peso dramático del film. Interpreta a un comisario tan bien dibujado que hace de perfecto punto de unión entre todos los personajes y además regala una actuación increíble en todos sus aspectos.

Sin temblar el pulso puedo afirmar que estamos ante uno de los mejores films de terror argentino de los últimos años. Que resultará un imprescindible para todos los amantes del terror más comercial, pues Rugna demuestra que con un presupuesto más modesto que muchas producciones hollywoodienses puede crear un producto que nada tiene que envidiar a ninguna de ellas. Aterrados de Demián Rugna es toda una confirmación de que el cine de género vive uno de sus mejores momentos.

Firma: Omar Parra.
@Omar_FTW

Muse review

$
0
0

Título original: Muse

Año: 2017

Duración: 107 min.

País: España

Director: Jaume Balagueró

Guión: Jaume Balageró, Fernando Navarro, José Carlos Somoza

Música: Stephen Rennicks

Fotografía: Pablo Rosso

Reparto: Elliot Cowan, Franka Potente, Ana Ularu, Leonor Watling, Christopher Lloyd, Manuela Vellés, Joanne Whalley


Buena producción para una historia insípida.

Hablar del cine de terror y fantástico en España es hablar de Jaume Balagueró, si bien no es el único exponente, ahí están Paco Plaza, Nacho Vigalondo o Alejandro Amenabar, (por poner algunos de los más representativos), sí que es de los que más expectación consigue tras cada nuevo estreno desde que debutara con una de sus mejores películas, Los sin nombre (1999) y llegando a su máximo pico de popularidad con la saga de cuatro entregas de [REC]. En esta película, la primera tras cerrar la mentada saga con críticas algo tibias, nos vuelve a meter en el fantástico dejando un poco de lado el terror que tanto le representa y centrándose en el thriller, contándonos una historia sobre el destino y las maldiciones.

Samuel es un profesor de universidad con una profunda depresión después de que su novia se suicidara en el mismo baño de su casa. Atormentado por la culpa no puede evitar las recurrentes pesadillas que muestran la ejecución de una mujer en una extraña casa. A las semanas descubre que ha habido un asesinato exactamente igual al de sus sueños y decide investigar el caso para esclarecer lo que está pasando.

En términos argumentales esta cinta es un thriller de investigación de manual, tres cuartas partes se componen de búsqueda de pruebas, recolección de información e interrogatorios a secundarios. La fórmula no deja de repetirse hasta dar la sensación de que los personajes están en una especie de gincana, un juego de ingenio con un ritmo plano y sin despertar el interés de un espectador que ve como los minutos pasan pero la curiosidad por la resolución del enigma no aumenta. Destaca la trama secundaria del personaje de Ana Ularu, que huye del surrealismo de la historia principal para mostrar una trama más terrenal, creíble y con momentos más potentes y desagradables. Es una pena que el argumento no se haya afinado un poco más para hacer un ritmo algo más regular y evitar los diferentes momentos en los que los personajes van dando vueltas en los mismos elementos sin que la trama avance y conseguir que una hora y tres cuartos no se hagan largos.


Dirige su segundo largometraje en inglés Jaume Balagueró, es una adaptación de la novela La dama número 13 de José Carlos Somoza y creo que a esto se debe su ritmo algo lento y recurrente, este estilo puede encajar bien en un libro, son medios distintos y cada uno tiene sus estilos, lo que encaja bien en uno no tiene porque hacerlo en otro. Es por eso que las adaptaciones literarias tienen trampa y hay que saber hacerlas bien, porque la línea de hacer una versión fidedigna y una película con ritmo es muy fina y puede pasar como Muse que por querer hacer un producto de calidad sale algo muy descafeinado. En términos de dirección hay poco que reprochar, la cinta está producida y dirigida con un mimo máximo y es, sin duda, lo que mejor ofrece esta cinta. La atmósfera, la gama cromática, los diferentes escenarios... todos los elementos de producción, fotografía y ambientación sonora son difícilmente mejorables y nos preguntamos la gran película que podría haber salido de aquí si su argumento hubiera estado a la altura del resto de campos. Protagonizan Elliot Cowan (Howl) y Ana Ularu (Camera Trap), sus personajes se van desarrollando a lo largo de la cinta (y no siempre en el buen sentido) y son interpretados de manera solvente por el reparto, se les puede añadir en el cesto de cosas que si funcionan en la cinta. Sorprende el papel secundario del mítico Christopher Lloyd, con un personaje bastante cliché pero el carisma del actor logra que durante un rato pases este dato por alto. Se agradece la presencia de Leonor Watling (Los crímenes de Oxford) excelente actriz a la que últimamente vemos poco por la gran pantalla.

Cinta que recuerda a elementos de Los crímenes de Oxford y El código Da Vinci. No se puede negar que la película ha sido una pequeña decepción por las expectativas creadas, pero si obviamos los problemas con el ritmo argumental y la sensación de que la historia tiene pocos elementos realmente originales, nos encontramos ante una cinta con un gran cuidado a nivel técnico.

Firma: Oriol Hernández.

Mon Mon Mon Monsters review

$
0
0

Título original: Mon Mon Mon Monsters

Año: 2017

Duración: 113 min.

País: Taiwán

Director:  Giddens Ko

Guion:  Giddens Ko

Música: Chris Hou

Fotografía: Chou Yi-Hsien

Reparto:  Kent Tsai, Yu-Kai Teng, James Lai, Eugenie Liu, Bonnie Lang, Carolyn Chen


Una monster movie con crítica social.

Es raro que nos lleguen cintas de terror desde Taiwán, un país donde suelen triunfar más las comedias ligeras o los dramas, pero más sorpresa todavía es ver que no estamos ante una monster movie convencional, Mon Mon Mon Monsters trae sangre y mucho más.


Un grupo de estudiantes adolescentes se dedica a hacer la vida imposible a los más débiles de su clase. Todo cambiará cuando estos pequeños diablos consigan capturar a un monstruo y lo encierren en el sótano de su instituto.

El novelista y director Giddens Ko, aunque ya ha tocado el terror en sus novelas, nunca antes lo había hecho en imagen real. Con Mon Mon Mon Monsters da este paso, no solo como director, sino también como guionista. Aunque esta cinta toca muchos géneros, a medida que avanza su metraje nos deja bien clara sus intenciones. Esta es una monster movie que quiere dar un paso más allá a la hora de introducirnos en su mundo de fantasía y terror.

A nivel visual los efectos del film son de primer nivel, el CGI cuando sale a la luz no chirría y los efectos de maquillaje dejan ver unos monstruos muy logrados.

Me gusta ver esta película como un dos en uno, la primera parte de la misma me recuerda a otro film asiático, Confessions, del japonés Tetsuya Nakashima, todo sea dicho sin llegar al nivel de esta última que sin lugar a dudas es una obra maestra. La segunda parte es un desenfreno de terror y gore que en un principio puede chocar al espectador (se puede comparar con el efecto que tiene la primera vez que ves Abierto hasta el amanecer) pero una vez que entras en el juego, solo queda que disfrutar.

Uno de los defectos del film es su tempo, pues sumado a un ritmo tremendamente lento en su inicio, no estamos ante una película precisamente ligera (113 minutos tienen la culpa). A todo esto sumado su mezcolanza de géneros, que se mueve entre un drama social sobre bullying y una monster movie. Si, habéis leído bien, no estamos ante una fórmula muy típica que digamos, pero los verdaderos problemas del film empiezan pasada la media hora, ahí caemos en una espiral de sopor que parece que no lleva a ninguna parte. Por suerte para el espectador, es entonces cuando aparece el primer monstruo, a partir de ahí, Mon Mon Mon Monsters se convierte en toda una montaña rusa de emociones y no para hasta los títulos de crédito.


Aún con sus defectos y el metraje un tanto excesivo estamos ante una película que sorprende y eso dentro del género de las monster movies no es algo que suceda habitualmente. Solo puedo decir que es muy recomendable su visionado, ya que el conseguir el emparejar algo tan serio como el bullying con la locura de los monstruos merece toda nuestra atención.

Firma: Omar Parra.
@Omar_FTW

The Lodgers review

$
0
0

Título original: The Lodgers

Año: 2017

Duración: 92 min.

País: Irlanda

Director: Brian O’Malley

Guion: David Turpin

Música: Kevin Murphy, Stephen Shannon, David Turpin

Fotografía: Richard Kendrick

Reparto: David Bradley, Charlotte Vega, Eugene Simon, Moe Dunford, Bill Milner, Deirdre O’Kane, Roisin Murphy


Un cuento de terror gótico.

Como aquella criatura que sale del oscuro pozo, mirando con sus ojos saltones a derecha e izquierda buscando una presa fácil. Como aquel cuervo negro de las largas noches de antaño que vigila las sombras que el tiempo ha dejado allí. Como aquel infecto amontillado de olor nauseabundo ingerido por aquellas gargantas sedientas del más terrible de los sabores. Como aquellos seres enterrados vivos en inmensos panteones, que confunden la vida y la muerte en la más profunda de las desesperaciones.


Como todo eso emerge un guion, obra de David Turpin, que bebe de la literatura del siglo XIX y principios del XX y que marca esta curiosa película llena de romanticismo y un disimulado terror. No en vano Turpin es profesor de literatura irlandesa y eso se nota desde el minuto uno. No escatima la apropiación o quizás homenaje, de los elementos cruciales en los principales autores de esa época. Una generación de escritores y dramaturgos que llegó a hacerse universal.

Otra cosa es la forma de llevarlo a la pantalla. El responsable de ello es Brian O’Malley, que ya nos ofreció en 2014 la sangrienta Let Us Prey (review). La diferencia en cuanto a calidad es de destacar, abandonando aquella manera tan simple y plana de rodar para adentrarse en una obra harto más compleja.

Como ya hemos indicado el screenplay en The Lodgers es decisivo, pero hay que decir que O’Malley ha sabido plasmar lo mencionado en él haciéndolo suyo a través de una atmosfera barroca y decadente. Por otra parte, la comparación con el film The Innocents de Jack Clayton es inevitable aunque injusta ya que se trata de productos muy diferentes, el último que he mencionado no tan influido por las letras a pesar de que en el guion contamos con William Archibald y Truman Capote.

Ambientada en la zona rural de Irlanda en 1920, este relato gótico evoca las historias espeluznantes de Rachel y Edward en un cuento de gemelos adolescentes que viven en una mansión embrujada bajo la sombra de una maldición familiar.

La reiteración de las situaciones hace que baje en cierta manera el resultado final, abandonando lo que podría haber sido una obra espeluznante para llegar a un producto correcto que se sustrae de situaciones perturbadoras o que, como mínimo, nos hagan pasar miedo. Quizás en este aspecto pese excesivamente ese romanticismo que indicamos al comenzar.

Que nos quedemos fascinados con lo que aparece en pantalla es culpa de Richard Kendrick a través de una fotografía que coge algo de ambos mundos. El de la mansión a través de un tono más bien frío y azulado, casi fantasmagórico, y el del mundo rural, mucho más alegre y colorista.


En las interpretaciones tenemos a la actriz británica nacida en Madrid: Charlotte Vega (Mi Otro Yo y Velvet), David Bradley (Juego de Tronos y Harry Potter), Eugene Simon (Juego de Tronos y Ben-Hur) y Bill Milner (Dunkerque y X-Men: Primera Generación).

Una película para los amantes de los films con algo de misterio sin llegar a aterrorizar. Su máxima virtud es su polivalencia aunque se torne en defecto si el que se decide a verla opta por lo más salvaje y extremo.

Firma: Josep M. Luzán.
@Josep_Luzan

Pre-FANT llega a partir del 23 de abril a la sala BBK, Museo Guggenheim Bilbao y Bilborock

$
0
0

El 27 de abril se proyectarán en Bilborock, los finalistas y ganador del concurso de Falsos Trailers DARKFEST, y quienes asistan a esta sesión votarán además a su favorito, que recibirá el Premio del Público FANT.

Ángel Sala, director del Festival de Sitges, presentará su libro “Just imagine. 50 títulos esenciales del cine de ciencia ficción” y conversará con Juan Zapater, en un encuentro en el auditorio del Museo Guggenheim Bilbao, el día 25, a partir de las 19:30 horas.

El Festival de Cine Fantástico de Bilbao – FANT 24, que organiza el Ayuntamiento de Bilbao, y que se celebrará entre el 4 y el 11 de mayo, ofrecerá también esta edición, diferentes actividades previas, –con entrada gratuita–, entre el 23 y el 27 de abril, en la Sala BBK de Gran Vía, el Museo Guggenheim Bilbao y Bilborock. PRE-FANT vuelve a programar esta edición la experiencia Sitges Tour a Contracorriente, con una selección de películas presentes en la última edición del festival catalán y un ciclo dedicado a grandes clásicos del cine fantástico francés.

Los días 23, 24 y 25 se ha programado una sesión doble de cine, a las 18:00 y 20:00 horas, en la Sala BBK de Gran Vía. A las 18:00 horas se podrán ver en versión original subtitulada en castellano, tres títulos clásicos del cine fantástico francés: “La mano del diablo” (1943) de Maurice Rourneur, “El fantasma de la libertad” (1975) de Luis Buñuel y “Los ojos sin rostro” (1960) de Georges Franju.

En la segunda sesión el público podrá ver dos títulos de producción reciente –2017– que pasaron por la última edición del Festival de Sitges; la película estadounidense “Mom and Dand” de Brian Taylor y la australiana, “The Osiris Child” de Shane Abbess. El jueves día 26, se proyectará en esta sesión la sangrienta película de animación china “Have a Nice Day” de Bi Liu Jian.

La programación de PRE-FANT se completará con un encuentro, el día 25, en el auditorio del Museo Guggenheim Bilbao, entre el director del Festival de Sitges, Ángel Sala y el crítico cinematográfico bilbaíno Juan Zapater, Director de BilbaoArte, que conversarán cara al público sobre el libro de Sala “Just imagine. 50 títulos esenciales del cine de ciencia ficción”.

PRE-FANT continuará el viernes día 27 con una sesión doble en Bilborock. A partir de las 20:00 horas se proyectarán los falsos tráilers finalistas y el ganador según el criterio del jurado, así como el más votado por el público del concurso DARKFEST. Quienes asistan a esta sesión tendrán además la ocasión de votar a su favorito que recibirá el Premio del Público de FANT, dotado con 200 euros.

Un jurado experto del que forman parte los cineastas vascos Koldo Serra y Roberto San Sebastián, seleccionará el mejor falso tráiler, que será premiado con 700 euros. Además, durante todo el periodo del concurso, se podrán ver los tráilers a través de la plataforma, compartirlos en redes sociales y votar al favorito. El preferido por el público será también premiado con 350 euros.

Además de la proyección de los falsos tráilers, la programación para la noche del 27 de abril incluye un concierto con 80´BEAT, que homenajeará en una fiesta-espectáculo a lo mejor de la New Wave más electrónica de los 80; una banda en la que confluyen músicos provenientes de grupos como Mamba Beat y Doctor Deseo, caracterizados con la indumentaria de los visitantes de la mítica serie “V”. Las sesiones de Bilborock serán con entrada libre, siendo necesario recoger invitación –para el control de aforo– en taquilla el mismo día del evento.

Por otro lado, otras localidades vizcaínas se suman también este año al principal evento de cine fantástico del territorio, FANT, programando también proyecciones los días previos: el día 17, a las 21:00 horas, el Aula de Cultura de Getxo ha programado en la Escuela de Música Andrés Isasi de Las Arenas, la proyección de “El ataúd de cristal”, ópera prima del realizador bilbaíno Haritz Zubillaga;  el Teatro Barakaldo por su parte, acogerá el día 24, a partir de las 19:00 horas, una sesión con los cortometrajes ganadores en la última edición de FANT.

Además, FNAC ha programado para el día 24, un taller de guion de cortometrajes impartido por IMVAL – Estudios Audiovisuales, y el día 28, a partir de las 18:00 horas, un taller infantil de maquillaje y caracterización de personajes fantásticos. Todas las actividades a desarrollar en Bilbao serán con entrada libre hasta completar aforo.


Un Lugar Tranquilo supera los 50 millones de dólares en el primer fin de semana de estreno en EE.UU.

$
0
0

Tenemos el inmenso placer de comunicaros que la película dirigida por John Krasinski, Un Lugar Tranquilo, ha tenido un espectacular estreno este fin de semana. En los 40 países donde se ha estrenado, acumula con una taquilla de 71 millones de dólares. En EEUU ha recaudado 50 Millones de dólares, convirtiéndose en la segunda mejor apertura del año solamente detrás de Black Panther.

Comparando el total bruto del fin de semana en términos similares, este resultado es un 79% más que Déjame salir, un 70% por encima de No respires, un 46% por encima de No apagues la luz, un 14% por encima de Expediente Warren: The Conjuring y a la par con Múltiple. El boca a boca ha sido fantástico y ha continuado creciendo durante todo el fin de semana.

En Europa, Inglaterra ha abierto con un total de 3,6 Millones de dólares, un 83% por encima de No respires, un 66% por encima de No apagues la luz, un 15% por debajo de Déjame salir, un 13% por debajo de Expediente Warren: The Conjuring y un 27% por debajo de Múltiple.

En México ha sido número 1 en su primer fin de semana de estreno con 2,7 Millones de dólares, un 204% por encima de Déjame salir, un 76% por encima de No respires, un 24% por encima de No apagues la luz, un 3% sobre Múltiple y un 24% por debajo de Expediente Warren: The Conjuring.

En Brasil ha abierto con un total de 1,9 Millones de dólares, un 132% por encima de Déjame salir, un 107% por encima de No apagues la luz, un 68% por encima de No respires, un 30% por encima de Expediente Warren: The Conjuring y un 22% por encima de Múltiple.

Sinopsis:
Si no te oyen, no te pueden atrapar... John Krasinski (Los Hollar, The Office) dirige esta película basada en un guion escrito por él mismo junto a Scott Beck y Bryan Woods. El reparto principal de la película está encabezado por el propio Krasinski y Emily Blunt (Sicario, Al filo del mañana).

En el thriller de terror, Un Lugar Tranquilo, una familia trata de sobrevivir en silencio amenazados por misteriosas criaturas que intentan eliminarles guiadas por el sonido.

Michael Bay (13 horas, Transformers) junto a Krasinski, Allyson Seeger, Scott Beck y Bryan Woods son los productores ejecutivos de la película.

ESTRENO EN ESPAÑA: 20 DE ABRIL


Trauma review

$
0
0

Título original: Trauma

Año: 2017

Duración: 110 min.

País: Chile

Director: Lucio A. Rojas

Guion: Lucio A. Rojas

Música: Ignacio Redard

Fotografía: Sebastián Ballek

Reparto: Catalina Martin, Macarena Carrere, Ximena del Solar, Dominga Bofill, Daniel Antivilo, Eduardo Paxeco, Felipe Ríos, Claudio Riveros


Un viaje al más profundo terror.

Hemos escuchado en innumerables ocasiones que la realidad supera a la ficción. Cuando esta realidad trata sobre los acontecimientos que ocurrieron bajo el yugo de la dictadura chilena, ya empezamos a menearnos en nuestro cómodo sillón. A pesar de no haberla vivido en persona, la numerosa literatura al respecto nos ha puesto al corriente de ciertas prácticas que dejarían como un tierno infante al más depravado de los psicópatas.


Lucio A. Rojas tampoco se encarniza demasiado en esos hechos, cosa que, por otra parte, hubiera dado para mucho. Lo usa básicamente para explicarnos una historia que, para nuestro asombro y pavor, está basada en una cierta realidad. Sin dejar de ser un slasher, introduce algunos elementos que hacen de este film una obra fresca y sorprendente.

La crudeza con que está rodada es uno de sus puntos fuertes, no ya porqué en pantalla aparezcan unas escenas bastante terribles y muy bien rodadas, si no por como el realizador las plasma. En numerosas ocasiones hemos degustado films en los que la estética hace que acabemos bastante mareados ante tantos movimientos de cámara. Rojas se planta cuando hace falta, en un ejercicio muy interesante cinematográficamente hablando. Es como si quisiera decirnos: “tomad, esto es el terror”.

Cuatro amigas deciden pasar unos días en una aldea rural en el Chile más profundo. Tras la primera impresión de encontrarse en el paraíso, se encuentran con un hombre y su hijo que tienen una forma muy particular de divertirse. Los atacantes llevan encima todo el legado siniestro del periodo más oscuro de la historia de Chile.

Nos encontramos ante una forma muy original de representar el terror. Olvidémonos de psicópatas que se esconden tras todo tipo de máscaras, aquí la realidad nos golpea salvajemente y se nos muestra desnuda, sin muchos aditivos. A pesar de su excesiva duración, creo que algo menos de metraje hubiera ayudado a hacerla más fresca y trepidante, la historia está muy bien hilvanada llevándonos poco a poco, después de un apoteósico inicio, a un final en cierta manera sorpresivo.

Las escenas gore están muy conseguidas y con un elevado grado de verosimilitud, para nuestra desgracia todo hay que decirlo, puesto que en pantalla van apareciendo imágenes que en más de una ocasión harán que giremos la cabeza.

Otro punto a destacar es la fotografía a cargo de Sebastián Ballek. La exigencia en algunas escenas dan fe de su maestría. Es siniestra y al mismo tiempo da un cierto toque optimista.


Vamos con las interpretaciones. Todo el elenco está a gran altura. Empezamos con un gran Daniel Antivilo en el papel de Juan, el angelito. Le siguen el cuarteto femenino, no demasiado afortunado en la ficción, formado por Catalina MartinMacarena CarrereXimena del Solar y Dominga Bofill. Nombrar también a Felipe RíosEduardo Paxeco y Mauricio Rojas.

Para finalizar recomendarla encarecidamente a todos los amantes de las emociones fuertes. No quedaran defraudados. A través de unas turbias imágenes, se acercarán lo más posible al más puro terror.

Firma: Josep M. Luzán.
@Josep_Luzan

Mr.Dentonn es el cortometraje de horror más premiado y seleccionado de la historia. DISPONIBLE ONLINE

$
0
0

“Mr.Dentonn” ha batido records en su género, convirtiéndose en el cortometraje de horror más premiado y seleccionado de toda la historia del formato corto en todo el mundo, obteniendo más de 500 selecciones oficiales y más de 120 premios internacionales, además de más de 1200 nominaciones a premios y 1500 proyecciones alrededor del mundo. Ha formado parte de festivales de referencia a nivel mundial en genero fantástico/horror ; “Festival Internacional de Cine Fantástico de Sitges”, “Screamfest Horror Film Festival Los Ángeles”, “Fantasia International Film Festival”, etc…entre una inabarcable lista de referentes que incluye festivales pre-seleccionadores a los Oscars de Hollywood (“Cleveland International Film Festival”, “Leeds Internacional Film Festival”), tres veces nominado al prestigioso Meliès de Plata al Mejor Corto Fantástico Europeo o una pre-candidatura a los premios Goya del año 2015. Su recorrido en festivales convierte a “Mr.Dentonn” en una excepción dentro del género de horror, consiguiendo esa marca histórica de cortometraje de horror más premiado y seleccionado de la historia. Sus creadores ya están trabajando para buscar financiación para el proyecto de largometraje de “Dentonn”, donde se podría desarrollar completamente la mitología del personaje.

SINOPSIS
“En una fría noche de invierno, Laura lee a su hermano David el cuento de un extraño ser que ataca a los niños. De repente, un escalofrío recorre el cuerpo de Laura, sintiendo una extraña presencia en la casa. Es él.”


SOBRE EL CORTO
“Mr.Dentonn” es un homenaje al cine fantástico de los 80, un juego de referencias que quiere transportar a toda una generación de espectadores a las mismas sensaciones que tenían cuando eran niños. El cortometraje está influenciado por las primeras películas de John Carpenter, cineasta al que admiran sus creadores, y las películas de la factoría Amblin. El cortometraje se ha rodado pensando cada elemento visual y sonoro basado en la estética del cine de aquella época. El cortometraje quiere reflexionar sobre como los niños están indefensos cuando los adultos no les escuchan y no les prestan atención, como el mundo adulto afecta a los niños. Usa la figura clásica del hombre del saco para enseñar al espectador una versión muy original del mito, convirtiéndolo en un ladrón de almas. Una pequeña película de 10 minutos, para espectadores de todas las edades, sugerente e imaginativa.


SOBRE EL DIRECTOR
Nacido en Barcelona y graduado por las escuelas de cine “CECC” (Centro de Estudios Cinematográficos de Cataluña) y “Bande a Part – Escuela de Cine” en Dirección, Guión y Producción. Ha recibido formación de contrastados profesionales como Santiago Zannou (“El truco del manco”, “Alacrán enamorado”), Enrique Urbizu (“La caja 507”, “No habrá paz para los malvados”), Luis Aller (“Transeuntes”) o Michel Gaztambide (ganador del Goya al mejor guión original por “No habrá paz para los malvados”).
“Refugio 115” (2011) fue su primer cortometraje profesional (rodado en 35mm aun siendo estudiante), después de dirigir y escribir varios spots publicitarios, entre ellos uno para el Festival International de Cine Fantástico de Sitges 2010. “Refugio 115” fue seleccionado en más de 200 festivales y ganó más de una treintena de premios internacionales (con dos nominaciones al Melies de Plata al mejor corto fantástico europeo), convirtiéndose en el cortometraje de horror de estudiante de cine más seleccionado de la historia. “Mr.Dentonn” (2014) es su segundo cortometraje.



Este viernes 13 llegan LOS HAMBRIENTOS

$
0
0

Robin Aubert, una de las voces más personales del cine quebequés, firma Los Hambrientos, la película de zombies que causó sensación en los festivales de Sitges y Toronto y que llega al cine de la mano de La Aventura el próximo 13 de abril.

En esta cinta de estética hiperrealista, los no-muertos aterrorizan una remota zona rural en una historia que mezcla terror con humor retorcido y situaciones surrealistas. Aubert por fin le da una vuelta al género y filma una propuesta fresca y diferente.

Los muertos vivientes han conquistado el mundo. Los pocos supervivientes que quedan procuran seguir adelante sin cruzarse con ellos en la medida de lo posible. Pero la falta de recursos y la constante expansión de los depredadores les obligarán a tener que desplazarse.


Doubleplusungood review

$
0
0

Título original: Doubleplusungood

Año: 2017

Duración: 90 min.

País: Bélgica

Director: Marco Laguna

Guion: Marco Laguna, Wild Dee

Música: Ashtoreth, Moaning Cities, Jean-Marc Lederman, The Manarays, Renaud Mayeur, The Nick Leonardo Orchestra, Jack O'Roonie

Fotografía: Son Doan

Reparto: Wild Dee, Delfine Bafort, Bouli Lanners, Philippe Genion, Yourek Dury


Una obra de culto instantánea.

Es cierto que en el cine ya poco queda por mostrarnos, las hemos visto venir de todos los colores y formas, pero eso no implica que el cine aún tenga la capacidad de sorprendernos. Doubleplusungood es una pequeña producción belga donde el cariño y el cuidado se notan desde el minuto uno hasta el último de sus créditos. Estamos ante una película noir, con algunas explosiones gore y sobretodo mucho homenaje al cine setentero y ochentero de ese que nos gustaba alquilar en los antiguos videoclubs.


Dago Cassandra es un ladrón que por infortunios del destino ve como se pasa 15 años de su vida entre rejas. Al salir de prisión sólo tiene una cosa en mente: Acabar con los doce apóstoles demoníacos que le han estado atormentando todos estos años en su cabeza.

Solo hace falta ver el tráiler para tener claro que estamos a punto de ver algo para nada normal. Pues el debut tras la cámara de Marco Laguna es de todo menos convencional. Aunque tampoco estamos ante un novato, pues indagando un poco sobre el director si nos remontamos más de una década atrás, el protagonista y co-guionista Wild Dee junto a Laguna de Doubleplusungood ya habían trabajado en cortometrajes donde el mismo personaje empezaba a esbozarse tal y como lo vemos en este largometraje.

Parece que tanto Marco Laguna como Wild Dee han estado toda su vida preparándose para ejecutar este film, y aunque debido a sus locuras oníricas, algún salpicón de gore y un tempo algo loco no estamos ante una película comercial, creo que quien llegue a verla, sobretodo amantes de ese cine ya casi inexistente llamado cine negro, podrían ver en Doubleplusungood un reflejo de épocas pasadas.
Cabe destacar la fotografía, a cargo de Son Doan, que consigue trasladarnos atrás en el tiempo y a su vez nos embarga ese sentimiento de desolación y decadencia. Ese mismo sentimiento que acompaña a lo largo de todo el metraje a Dago Cassandra, el único y total protagonista de esta historia, que como he dicho antes parece que Wild Dee haya nacido para interpretar dicho papel.


Antes de terminar vuelvo a remarcar que no estamos ante una película para el gran público, pero a su vez os recomiendo a todos que le deis una oportunidad a esta pequeña joya belga, una de esas joyas que muchas veces acabamos por perder la pista. Esperemos que este no sea el caso de Doubleplusungood.

Firma: Omar Parra.
@Omar_FTW

House of the Disappeared review

$
0
0

Título original: Si-gan-wi-ui jib

Año: 2017

Duración: 100 min.

País: Corea del sur

Director: Lim Dae-Woong

Guión: Jae-hyun Jang, Alejandro Hidalgo (basado en su guión)

Reparto: Kim Yunjin, TaecYeon, Jo Jae-Yun, Baek Do-Bin


Te dejará helado. Aterradora adaptación de La casa del fin de los tiempos.

Al empezar a ver este film tenía la constante sensación de que esto ya lo había visto, es cierto que bebe de otras producciones recientes como The Conjuring, Insidious o la también coreana The Priests. Lo que no sabía que estamos ante una adaptación de la venezolana La casa del fin de los tiempos del director Alejandro Hidalgo.


La verdad que una vez que sabes esto, puedes caer en algunas escenas parecidas, pero lo que acaba de convencerme totalmente de su adaptación coreana es que esta juega mucho más con el terror que con el suspense, que era lo predominante en la cinta de Hidalgo. Esto no lo hace mejor ni peor, pero personalmente y como amante del terror me gusta esta nueva dirección que toma House of the Disappeared.

Todo comenzó hace 25 años, Mi-Hee una ama de casa normal y corriente ve como su marido muere en extrañas condiciones y como su único hijo desaparece ante sus propios ojos. Esto provoca que como única testigo y posible culpable acabe en prisión durante estos 25 años. Ahora tras su liberación volverá a la casa donde todo empezó, esta vez para descubrir la oscura verdad que llevo a ese fatídico desenlace.

Este es el segundo largometraje para el director coreano Lim Dae-Woong, el cual siempre ha estado vinculado al terror. Su ópera prima Reunión sangrienta quedó como un slasher que pasaría por las estanterías de videoclub sin pena ni gloria, después nos regaló uno de los mejores episodios  (Fear Plane) de la antología de terror Horror Stories. Ahora con esta adaptación pienso que se completa como director, sin duda estamos ante su obra más redonda y esperamos que tenga un gran recorrido pues es un director muy a tener en cuenta.

En cuanto al guión pese a ser una adaptación del escrito por Alejandro Hidalgo, se nota la mano de  Jae-hyun Jang, guionista de la antes mencionada The Priests, que sabe trasladar toda esa oscuridad que desprendía la película de exorcismos.

Como parte negativa tal vez aquí tengan algo que decir los que quedaron encantados con la obra original La casa del fin de los tiempos, pues como dije antes esta nueva adaptación se aleja bastante de la original cambiando algunas cosas, pudiendo alejar a los que disfrutaron con el film venezolano.


Repasando un poco el casting me quedo con dos nombres, la vuelta a la gran pantalla de  Kim Yunjin conocida en occidente por ser una de las protagonistas de la serie Perdidos, y que desde su finalización tan solo había participado en dos largometrajes y que a mi parecer en esta película demuestra que es una gran actriz y que transmite muchísimo con su interpretación. Por otra banda un nombre algo más desconocido para los occidentales alejados del K-pop, pues tenemos al cantante, modelo y actor Taecyeon del cual estoy seguro atraerá a muchos de sus fans hasta esta película tan solo por la curiosidad de verlo en el papel de cura.

En resumen, ¿qué os espera si decidís ver House of the Disappeared? Pues esta cinta logra crear una atmósfera única y terrorífica, aderezada con una Kim Yunjin estelar y más de un susto. Mención aparte merece un rito realmente ACOJONANTE que no quiero contar mucho más y vosotros mismos os daréis cuenta en cuanto esto suceda. Alejaos los que queráis ver la versión de La casa del fin de los tiempos, pues el director coreano ha optado por darle más terror al asunto y alejarse algo del misterio que imponía la original.

Firma: Omar Parra.
@Omar_FTW

AFTER THE LETHARGY celebrará su World Premiere en Fantaspoa

$
0
0

AFTER THE LETHARGY, la nueva película escrita y dirigida por Marc Carreté, celebrará su World Premiere el próximo 26 de mayo en FANTASPOA, uno de los festivales de cine de terror con mayor reputación de Sudamérica, donde Carreté se llevó el premio a la mejor película de la Sección Iberoamericana, con Asmodexia, en 2014.

(…) Es un honor. Me hace mucha ilusión celebrar la World Premiere en un festival tan cool y bien organizado, que me acogió con tanto cariño en mi debut con ASMODEXIA. Y es especialmente excitante hacerlo estando también presente, como productor, con FRAMED la ópera prima de mi querido amigo y compañero, Marc Martínez Jordán, que también formará parte de la Sección Oficial del festival.

AFTER THE LETHARGY es, después de FRAMED, la segunda producción salida de CREATURES OF THE DARK, el sello de cine indie de terror creado por Carreté en 2016.

Se trata, según su creador, de un perturbador relato de alienígenas, enmarcado dentro del subgénero de las monster movies (…) La película tiene un tono atrevido, gamberro e incluso puede que descarado. Y rinde un humilde tributo a las cintas episódicas más creepy que tanto siguen gustándome. Me refiero, por ejemplo, a los míticos Creepshow y los añorados Tales from the Crypt.

El film se rodó en inglés, íntegramente en territorio nacional, a principios del pasado verano, durante tan solo tres semanas. Y para la ocasión Carreté volvió a contar con el núcleo duro de su equipo, con Xavi Garriga y Llorenç Mas, al frente de la dirección de fotografía y la dirección de arte, respectivamente. Jordi Dalmau repite también como compositor de la banda sonora, y Jordi San Agustín, desde ECLAIR, cómo supervisor de los efectos digitales de la película.

Encabezan el reparto Andrea Guasch (Cambio de Clase, Submergence), Joe Manjón (Risen, Framed) y Ramon Canals (Castidermia, Asmodexia), secundados por Mark Schardan, Sue Flack, Liliana Cabal, Ben Vinnicombe, Julius Cotter y Lucy Tillett.

Tras recibir un paquete con un documental, Sara Hamilton (Andrea Guasch), viaja al punto caliente en el que supuestamente tuvo lugar uno de los episodios de contacto con extraterrestres, silenciados por el gobierno, más extraordinarios de la historia. La espera Joe (Joe Manjón), el guarda forestal que habrá de guiarla y salvaguardarla de los depredadores que habitan esa parte de la montaña, hasta llegar a una antigua caserna militar. Pero la repentina irrupción de alguien que habita en las profundidades del bosque, dará lugar a un macabro juego del gato y el ratón que les llevará hasta las mismísimas entrañas del infierno. 

Charismata review

$
0
0

Título original: Charismata

Año: 2017

Duración: 96 min.

País: Reino Unido

Director:  Andy Collier, Toor Mian

Guion: Andy Collier, Toor Mian

Música: Chris Roe

Fotografía: Fernando Ruiz

Reparto:  Sarah Beck Mather, Jamie Satterthwaite, Andonis Anthony, Johnny Vivash


Terror muy descafeinado.

Estamos ante una película que intenta desesperadamente crear una atmósfera de terror pero que no consigue en ningún momento. Esto es solo el principio de la debacle que resulta esta cinta. Charismata intenta jugar entre dos terrenos que suelen funcionar a las mil maravillas como lo son el terror y el thriller, pero no acaba de funcionar en ninguno de ambos géneros, tropezando en todos sus intentos por agradar.


La detective Rebecca Faraway y su compañero siguen un truculento caso sobre lo que parece un asesino en serie donde las pistas parecen llevar a ninguna parte. A medida que avanza la investigación Rebecca empezará a cuestionar su propia cordura cuando empiece a sufrir una serie de perturbadoras y terroríficas visiones.

La dupla de directores Andy Collier y Toor Mian parece que no saben cómo marcar un ritmo adecuado para que el espectador no acabe desesperado con una historia tan tópica y típica que no tiene un trasfondo interesante que pueda mantener nuestra atención. A todo esto, nos topamos con un guion insulso firmado por los mismos directores. No sabemos si achacar el hecho que la pareja de directores no había trabajado en anterioridad o simplemente no aciertan en la toma de decisiones que atañen a la película.

 En cuanto al apartado técnico uno de los puntos donde más sufre el film es por una fotografía de Fernando Ruiz bastante irregular, con muchos problemas de iluminación tanto en interiores como exteriores que por momentos parece que estamos viendo un telefilm.


Como guinda para acabar con las esperanzas que el metraje pueda mejorar en algún momento, añadimos a sus dos protagonistas, Sarah Beck Mather y Jamie Satterthwaite que parecen muy desubicados dentro del caos de guion y sus personajes resultan poco convincentes en todo momento.

Creo que Charismata dista mucho de ser una buena película. Posiblemente una de las mayores decepciones del año dentro del terror. Si quieres un buen thriller sobrenatural actual podemos disfrutar de títulos como Belzebuth donde mezclan ambos géneros de manera muy efectiva. En serio, actualmente podemos optar por opciones mucho más interesantes.

Firma: Omar Parra.
@Omar_FTW
Viewing all 6343 articles
Browse latest View live