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Título original: Lux AEterna

Año: 2019

Duración: 50 min.

País: Francia

Director: Gaspar Noé

Guion: Gaspar Noé

Fotografía: Benoît Debie

Reparto: Charlotte Gainsbourg, Béatrice Dalle, Mica Arganaraz, Abbey Lee, Karl Glusman, Félix Maritaud

Provocadora de principio a fin.

Más o menos nos podemos llegar a imaginar el caos que puede organizarse en un rodaje momentos antes de que suene la estereotipada y demodé: “motor, cámara, acción”. Si no lo llegáis a suponer, Lux AEterna puede ayudaros a conseguirlo. De hecho si os dejáis llevar parecerá que estéis dentro del plató, apoderándose de vosotros ese pánico escénico que tan magistralmente retrata Gaspar Noé en otra vuelta de tuerca de un tipo de cine bastante especial y que, nos atreveríamos a decir, no del gusto de todos los públicos.

Tras esta introducción decir que esta película es algo así como una oda al cine, pero no de aquellas en las que a través de unas bellas y pastoriles imágenes se nos intenta mostrar ese lado más bucólico, al contrario, la aparición constante de personajes que entran y salen, un juego de luces no apto para epilépticos, historias paralelas que pasan a toda velocidad y una aparentemente burda puesta en escena para el rodaje de un film de brujas, la hacen mucho más cercana a la realidad.

Un equipo de rodaje está trabajando en una cinta sobre brujas. Lux AEterna se convierte en una muestra, no exenta de amor, de los entresijos de aquello que no se ve pero que acaba siendo, como por arte de magia, una obra cinematográfica.

Otro trabajo impactante del director francés de origen argentino. En él desarrolla alguno de sus tics habituales, esa excusa para llegar a un final apoteósico en el cual parece que subamos a lo más alto abandonando en ese momento al espectador que no sabe cuándo ha de levantarse de la butaca para ir a agenciarse un gintonic cargadito.

Llegados a este punto creo que os asaltan algunas preguntas. Una de ellas podría ser ¿Qué se nos quiere contar con todo esto? No creo que la respuesta sea muy categórica pero puestos a pensar nos asalta otra ¿Cómo habrá sido el rodaje real de este rodaje imaginario?, cuesta imaginárselo puesto que si es tan caótico como el que se nos muestra estamos ante un caos al cuadrado, o al cubo si incluimos la supuesta película de brujas que se está elaborando. En fin, para volverse loco, cosa por otra parte bastante divertida.

Nada sería lo mismo en Lux AEterna sin una fotografía que, sin miramientos, contribuye sobremanera a la sensación de anarquía obra de Benoît Debie. Sin bromear sería conveniente avisar a las personas que tengan algún problemilla con las luces psicodélicas.

Vamos con las interpretaciones. La pareja protagonista, a pesar de ser una obra muy coral, la forman Charlotte Gainsbourg (Anticristo, Melancolía) que se interpreta a ella misma, y Béatrice Dalle (Al Interior. El Tiempo del Lobo) que hace otro tanto. En papeles menos importantes tenemos a Abbey Lee (The Neon Demon, Elizabeth Harvest), Karl Glusman (Love, The Neon Demon) y Félix Maritaud (Sauvage, 120 Pulsaciones por Minuto). Como veis un gran elenco al servicio de una mente perversa.

Una curiosidad que si tenéis la oportunidad tendríais que ver. A pesar de que os quedaréis todos locos, disfrutaréis de una obra muy original que llega a lo más profundo de las entrañas del cine.

Firma: Josep M. Luzán.
@Josep_Luzan

Título original: Shed of the Dead

Año: 2019

Duración: 82 min.

País: Reino Unido

Director: Drew Cullingham

Guion: Drew Cullingham

Música: Reinhard Besser

Fotografía: Stephen Murphy

Reparto: Stephen Brown, Lauren Shocha, Emily Booth, Ewen McIntosh, Kane Hodder, Bill Moseley, Michael Berryman

Buenos ingredientes, mala resolución.

Para mí, Shaun of the Dead fue un antes y un después para el mundo zomedy. En el 2004 el triunvirato Edward Wright, Simon Pegg y Nick Frost estrenaron una cinta que no solo era comedia, sino que los zombies 1.0 – aka los zombies lentos – daban miedo y, al igual que George A. Romero, los muertos vivientes retrataban una sociedad adormecida que sucumbía con rapidez ante el primer conato de peligro. Han pasado los años y no he encontrado una sola zomedy británica que no homenajee/plagie a Shaun of the Dead. ¿Tendremos suerte con Shed of the Dead?

En vez de pasar el tiempo con su mujer o buscando trabajo, los días de Trevor se dividen entre pintar figuras de rol en un cobertizo alquilado y eternas partidas con su amigo Graham. Su vida va cuesta abajo y sin freno cuando estalla un brote zombie y debe elegir entre ocultarse hasta que le llegue la muerte o luchar como los héroes de su juego de rol.

Escrita y dirigida por Drew Cullingham, Shed of the Dead es la enésima zomedy que nace a la sombra de Shaun of the Dead ya que tiene un protagonista con síndrome de Peter Pan, su mejor amigo es un desastre andante, tiene problemas de pareja… Pero aunque los ingredientes sean los mismos y la mezcla distinta, el resultado dista mucho de ser mínimamente entretenido. Está bien dirigida, la fotografía de Stephen Murphy cumple y, sin embargo tiene dos grandes escollos: las continuas referencias al sexo, que no tienen gracia, y unos protagonistas que resultan antipáticos.

El protagonista absoluto, Trevor, es un tipejo que cae mal y eso que Stephen Brown tiene un convincente aspecto a medio camino entre canalla y sabandija; si en el minuto diez ya te importa poco lo que le pase al protagonista es que Drew Cullingham ha hecho mal sus deberes. Más suerte tiene con Ewen McIntosh, quien recuerda mucho al personaje de Nick Frost– física y mentalmente – que a pesar de resultar irritante al principio, tiene algunos de los mejores momentos y frases.

¿Qué es lo peor de Shed of the Dead? Tiene un plantel de actores y actrices que están en el imaginario del fan y desaprovecha a todos: el pobre Michael Berryman es el que sale peor parado con un personaje absurdo y que tiene el momento más bochornoso de la película, Lauren Shocha fue aquella ordinaria Kelly en la serie Misfits y aquí repite esquema y tics, pero resulta anodina e irritante; Kane Hodder– el Victor Crowley de Hatchett– aparece un par de veces hasta cumplir con su cuota, lo mismo ocurre con Bill Moseley con su papel de Doc, hace presencia cuando lo exige el guion y no le dan juego a a pesar de tener el personaje más interesante de la película.

La debacle de Shed of the Dead ya venía desde el guion, cierto, pero alguien debería tirar de las orejas a Drew Cullingham por reunir un casting de ensueño y desaprovecharlo en una cinta tan rutinaria y, sobre todo, tan anodina como esta.

Firma: Javier S. Donate.

Título original: Amigo

Año: 2019

Duración: 85 min.

País: España

Director: Óscar Martín

Guion: Javier Botet, Óscar Martín, David Pareja

Música: Manu Conde

Fotografía: Albert Morago

Reparto: Javier Botet, David Pareja, Esther Gimeno, Zoe Berriatúa, Alfonso Mendiguchía, Luichi Macías, Ana del Arco, Patricia Estremera

Angustioso thriller con grandes interpretaciones.

Prácticamente hoy en día cualquiera puede hacer una película, con la calidad de imagen que te ofrecen objetos tan cotidianos como los smartphones actuales se pueden hacer largometrajes sin demasiadas carencias a nivel técnico que una producción profesional. Tampoco es necesario grandes repartos, ni siquiera extensos para contar una historia. Pero si vas a hacer una película con pocos medios y un reparto muy limitado lo que sí es necesario o directamente básico, es tener un argumento y un guion potentes para aguantarlo todo. Aquí es donde la inmensa mayoría suele fallar y donde Amigo se alza sobre el resto.

David va a cuidar de Javi, su amigo. Ha pasado mucho tiempo en el hospital y necesita cuidados constantes, para ello, se lo lleva a una casa familiar en el campo. Poco a poco, las rencillas y los asuntos sin cerrar entre ambos empezarán a surgir de maneras cada vez más agresivas.

Película muy pequeñita, se le notan muy pocos medios y con un reparto muy corto, salvo Javier Botet y David Pareja quienes se comen la pantalla, van apareciendo algunos personajes de manera esporádica que no hacen más que resaltar el sentimiento de soledad que ambos tienen. Y es que ese es el quid de la cuestión, pese a que el personaje de Javi es quien se lleva la peor parte, físicamente hablando, hay heridas que no se pueden ver y es ahí donde David Pareja apuntala a un ser humano totalmente destrozado, con una culpa infinita y que no sabe cómo arreglar las cosas. Y es por ello, que con un ritmo lento y con muchos espacios silenciosos vamos viendo como el rencor y la culpa se van haciendo cada vez más grandes (mediante temporal de nieve) y nada bueno puede salir de ahí.

Dirige su primer largometraje Óscar Martín tras un buen puñado de cortos. Un trabajo realmente brillante si nos fijamos en los pequeños detalles. Todos los elementos de ambientación, empezando por esa televisión repleta de referencias cinéfilas de manera constante, un vestuario muy cuidado y una fotografía muy fría y minimista colorean una historia triste y absorbente. Desde TerrorWeekend esperamos que haga una película totalmente de terror, pues en esta cinta las breves escenas de género son posiblemente las más interesantes. Mencionar también la estupenda banda sonora de Manu Conde. El guion, escrito a seis manos por el director y los propios actores es de una sencillez pero a la vez de una profundidad notables. Nunca se acaba de explicar el trasfondo con demasiado detalle pero todo lo suficientemente implícito para su comprensión. Hablar del reparto es hablar de David Pareja (Matar a Dios) y Javier Botet (REC, It, por poner un par de ejemplos rápidos), el trabajo de David no es necesario de reivindicar, pues todos sabemos que es uno de los mejores actores de su generación tanto a nivel dramático como cómico. A quien sí me parece que esta película hace necesaria justicia es a Javier Botet, quien siempre acostumbramos a verlo tras capas y capas de maquillaje y prótesis y aunque en ese campo lo haga genial (el Andy Serkis español) muy pocas veces podemos ver sus facetas más dramáticas, en Amigo se come la pantalla y nos muestra un personaje destrozado por fuera y por dentro, y con una muy interesante línea argumental en relación a su rehabilitación. Destacar también el interesante ejercicio de respiración y de voz que despliega durante toda la cinta.

Una película que sin duda recomiendo, ahora bien, no es para todo el público. Pese a su corta duración, Amigo es una historia densa y muy tranquila, aunque siempre esté ocurriendo algo (casi siempre en las cabezas de los personajes) el ritmo puede parecer lento. Recomiendo una película actual, Piedra, Papel y Tijera de Martin Blousson y Macarena Garcia, que aunque las dos vayan por caminos separados sí que tienen dos premisas con bastantes similitudes.

Firma: Oriol Hernández.
@Oriol_TW

Temporada: 2
Capítulo: 22
Duración: 122 min.
Colaboradores: Oriol Hernández, Javier S. Donate, Josep Luzán, Omar Parra
Invitados: Óscar Lladó, programador del Festival B-Retina
Entrevistas: Laurence R. Harvey, Luigi Cozzi, Hugo Cobo

¡Bienvenidos a un nuevo episodio! Seguimos recorriendo el mundo, vamos a taaantos festivales que al final se acaban solapando unos con otros, así es el caso de hoy que hablaremos de dos que ocurrieron a la vez, el B-Retina de Cornellá y el MOTELx Film Festival de Lisboa. Te contaremos todo lo que ocurrió por ahí, sus proyecciones, palmarés, invitados...

No olvides darnos un buen Like, compartir este audio y suscribirte en nuestra cuenta de iVoox, se bueno con tus padres y visita a tu abuela de vez en cuando. ¡Hasta la próxima!

The Lighthouse, Lux Aeterna, The Room, Vivarium, y The Forest of Love, entre las películas destacadas de la jornada

Hoy domingo se ha vivido una auténtica 'giornata' italiana para concluir el primer fin de semana del Festival. El director Pupi Avati ha recibido el Premio Nosferatu, Asia Argento será homenajeada esta noche con el Mèliés Career Award, premio organizado por la Méliès International Festivals Federation, el equipo de The Nest (Il Nido) sorprende con la película de terror gótico italiana y Ángel Sala y todo el equipo de colaboradores presentan el libro oficial de Sitges 2019: Apocalypse domani. La década dorada de la exploitation italiana de ciencia-ficción (1977-1990).

Esta mañana se ha presentado en rueda de prensa The Nest (Il nido) con su director, Roberto De Feo, y toda la familia de intérpretes que protagonizan esta película de horror gótico. El film que renueva la esperanza de un renacer del cine italiano de género y que participa en la Sección Oficial Fantàstic, según De Feo, "intenté hacer una película de terror no clásica, diferente, que no fuese de monstruos ni de hacer saltar el espectador de la butaca. Podría ser una película normal dramática de cine francés o italiano y así lo parece durante el 95% de la película, pero al final, con este último 5%, vuelve el final clásico de película de terror". Los actores han coincidido en que hay una pregunta importante que define muy bien la película y el carácter de sus personajes: ¿Cuánta ira, obsesión y violencia serías capaz de infligir por amor?

Poco después, la directora y actriz italiana, Asia Argento, ha participado del Sitges Encounter en una Carpa Noray llena hasta la bandera donde durante una hora ha contado anécdotas familiares y profesionales sobre su trayectoria como actriz y directora de cine. Argento ha venido a Sitges para recibir el Méliès Career Award que, por segundo año consecutivo, se entregará en Sitges dentro de la Méliès d'Or Ceremony 2019, la entrega de premios organizada por la Méliès International Festivals Federation. La ceremonia también incluye el Méliès d'Or Feature film y el Méliès d'Or Short film que se anunciarán en la gala de esta noche a les 22.45h, antes de la proyección de Lux Aeterna de Gaspar Noé, que el año pasado recibió el Méliès d'Or 2018 por la película CLÍMAX, que se presentó en Sitges.

Al mediodía se ha presentado en la Carpa FNAC el libro oficial de Sitges 2019: Apocalypse domani. La década dorada de la exploitation italiana de ciencia-ficción (1977-1990), con la presencia de sus autores. Coordinado por Ángel Sala y publicado por el editorial Hermenaute, el libro analiza el fenómeno de la exploitation italiana des de la perspectiva del género de la ciencia ficción, repasando sus precedentes, sus contenidos y el impacto que suscitaron este tipo de producciones. Un recorrido didáctico a través de sus películas más representativas, cintas que aún hoy en día cuentan con miles de fans por todo el mundo.

Pasadas las dos de la tarde y antes de la proyección de la esperada película de Roberto De Feo, The Nest (Il Nido), Pupi Avati se ha convertido en el protagonista del momento. El director de cine, guionista y productor italiano ha recibido el Premio Nosferatu que otorga la sección Brigadoon. El cineasta ha combinado varios géneros a lo largo de su trayectoria, como la comedia o el cine de aventuras, pero ha destacado en el terror, con títulos como La casa dalle finestre che ridono (1976) o L’arcano incantatore (1996), que se recuperan en Brigadoon 2019. En sesión especial –fuera de esta sección ayer se pudo ver en Sitges su nueva película Il signor diavolo.

En Sección Oficial Fantàstic a Competició llega hoy desde Francia, The Room una original y brillante combinación de terror y ciencia ficción, dirigida por el francés Christian Volckman y protagonizada por Olga Kurylenko, que han pasado por la alfombra roja antes de la proyección. Y de la sección Noves Visions destacar hoy también la premiere mundial de la mano de Netflix, TheForest of Love de Sion Sono, un clásico del certamen que vuelve a los territorios extremos e impredecibles de películas como Love Exposure o Cold Fish. Asia siempre es una zona de producción de suma importancia para Sitges y el nuevo film de Sion Sono se confirma como una de las grandes novedades para esta edición.

Otra presentación importante de hoy en la Secció Oficial Fantàstic a Competició, a las 20.45h en el Auditori, es la esperada Vivarium, de Lorcan Finnegan, que se presentó en Cannes y aterriza en Sitges con su arriesgada puesta en escena y un reparto encabezado por Imogen Poots y Jesse Eisenberg. El segundo largo de Finnegan –director de Without Name, proyectada en Sitges hace tres años– prolonga esta angustiosa e inquietante visión que el cine, entre los límites del terror y del fantástico, no ha legado a menudo respecto a los barrios residenciales. Según el director en rueda de prensa esta mañana en el Festival, la película es una metáfora de la sociedad actual, con el paralelismo entre los agentes de bienes y raíces que buscan parejas jóvenes para hacerles vivir en un mundo horrendo, igual que los cucos, pájaros que cuando encuentran huevos de otra ave, los devoran y los sustituyen por los suyos. Los polluelos de estos cucos se adaptan y fingen ser de otra especie, para que sus 'padres adoptivos' no les descubran y, así, poder seguir viviendo en el mundo que les fue entregado.

In Fabric de Peter Strickland, Wild de Jan Verdijk, y la directora y actriz Asia Argento, premiados en la presente edición

El Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya acoge de nuevo la ceremonia de los premios Méliès d’Or, otorgados por la red Méliès International Festivals Federation y que premian cada año los mejores largometrajes y cortometrajes de Europa.

Por segundo año consecutivo el Festival ha sido elegido para celebrar en su sede, en el Auditorio del Meliá Sitges,la Méliès d'Or Ceremony 2019. In Fabric, la cinta del británico Peter Strickland, que ya recibió el Méliès d'Argent en el Festival Européen du Film Fantastique de Strasbourg, ha sido la ganadora en la categoría de largometraje. El corto Wild, de Jan Verdijk, ganador del Méliès d'Argent en el Imagine Film Festival de Amsterdam, se ha llevado el galardón en la categoría de mejor cortometraje. La entrega de premios se ha completado con el Méliès Career Award para la directora y actriz italiana, Asia Argento, por su aportación al cine fantástico.

Los premios Méliès d'Or y Méliès d'Argent se otorgan cada año a las mejores películas y cortometrajes fantásticos de Europa. Los premios reconocen la calidad y la creatividad, y generan una visibilidad única para la película y sus directores. Los ganadores se muestran en los festivales de la Federación, incluidos sus miembros de soporte, de forma que se fomenta su participación por todo el mundo.

La Méliès International Festivals Federation es una red muy unida de 25 festivales de cine de 19 países, con una asistencia global de más de 800.000 visitantes, lo que la convierte en un actor económico y cultural vital en la escena cinematográfica fantástica.

Su misión es promover producciones cinematográficas fantásticas europeas en toda Europa y el mundo, mejorando su visibilidad y su posición entre el público y dentro de la industria, y fomentando su circulación. La Federación trabaja para cumplir esta misión a través de su red de festivales en Europa, sus miembros de apoyo en Asia, América del Norte y América del Sur, así como sus premios Méliès a las películas de género europeo sobresalientes.

La ceremonia de entrega del Méliès d'Or se ha celebrado este domingo 6 de octubre a las 22.45h en el Auditori Meliá Sitges, antes de la proyección de Lux Aeterna de Gaspar Noé, quien recibió el año pasado el Méliès d'Or 2018 con CLÍMAX.

Título original: Starfish

Año: 2018

Duración: 99 min.

País: Estados Unidos

Director: A. T. White

Guion: A. T. White

Fotografía: Alberto Bañares

Música: A. T. White

Reparto: Virginia Gardner, Christina Masterson, Eric Breecroft, Natalie Mitchell

Atípica mezcla de drama, ciencia ficción y terror.

La ópera prima de A.T. White responde, según la dedicatoria final, a una muerte que le resultó terriblemente dolorosa, pero su medio de purgar dicho dolor, Starfish, se convierte en una losa para todo aquel espectador que no conecte con su historia.

La amistad entre Aubrey y Grace se ve bruscamente interrumpida debido a que una cruel enfermedad acabó con la vida de esta. Sumida en el dolor, y para intentar curar heridas sentimentales recientes, Aubrey se refugia en la casa de Grace. A la mañana siguiente, el pueblo está medio destrozado y unos seres terribles acaban con la vida de los humanos. Unas cintas que Grace dejó a Aubrey, repartidas por todo el pueblo, pueden ser la única esperanza del mundo, ¿O será la llave para su destrucción?

En esta oda al dolor que es Starfish– donde White es guionista/director y que a veces parece un videoclip, otras veces un coming of age y, tristemente las menos, una cinta catastrofista -, es imposible negar que el apartado estético es exquisito e incluso hay imágenes muy potentes repartidas a lo largo del metraje; pero las imágenes potentes se quedan en tierra de nadie sin una buena historia detrás y ese es el mayor escollo de esta película: la terrible sensación de que hay algo que se nos escapa, que nos asomamos a un mundo críptico del que solo A.T. White tiene las claves.

El ritmo es lento, exasperadamente lento, y esas pequeñas secuencias de acción y los elementos de terror se dan con cuentagotas, lo que puede aburrir al espectador que no entre al juego de los sentimientos y el dolor. En esta cinta preciosista, la fotografía de Alberto Bañares funciona como anillo al dedo y es de lo más rescatable de Starfish junto a la sorprendente parte de animación llevada a cabo por Yuichiro Fujimoto y Kazunori Aoki, que apena cuando termina por su dinamismo respecto al resto de la película. Atención al diseño de los monstruos, porque es una mezcla entre Venom y los seres que Gareth Edwards creó en Monsters.

Y lo que funciona a la perfección, lo único que hace mantener el interés de Starfish, es el tour de force que se marca Virginia Gardner, una actriz repleta de naturalidad y que ya atrajo mi atención en Monster Party; sin Gardner al frente, Starfish se haría aún más cuesta arriba. Christina Masterson– aka Pink Power Ranger – aparece de vez en cuando para empujar la historia y Eric Beecroft aporta su presencia física a un personaje que no habla en momento alguno.

¿Es recomendable Starfish? Si estas deprimido evítala, si estás muy contento creo que te aburriría; pero dale una oportunidad aunque solo sea para dejarse llevar por los momentos videoclip, lo bien rodada que está, echar un ojo a la secuencia de animación o ese momento final – el único momento emotivo – al ritmo de Sigur Ros.

Firma: Javier S. Donate.

Entrevista realizada en el Festival de Sitges 2019 a Patrick Wilson y Vincenzo Natali. Actor y director de En la Hierba Alta.

¿Aunque habéis trabajado en muchos tipos de géneros, el género de terror os ha elegido o habéis elegido el género de terror?

Patrick Wilson: Bueno realmente fue James Wan quien me eligió para el género. Antes de trabajar con él en Insidious en el 2010 mi única relación con el terror fue Hard Candy en el 2005, pero ya había trabajado en un montón de películas. Antes de trabajar con James Wan tenía que luchar duro por conseguir un papel, pero desde Insidious todo fue mucho más fácil y como vengo del teatro, donde haces lo mismo cada sesión, cuando hago cualquier secuela me digo: “eh, es muy fácil retomar el papel”.
Vincenzo Natali: En mi caso elegí el género, porque siempre me han gustado las películas de monstruos. Y creo que es mi cuerpo el que genera el terror como una proteína, no creo que tenga que ver con algún proceso psicológico (risas).

¿Has trabajado directamente con Stephen King para la adaptación de En la Hierba Alta?

V. N.: No, lo que hice fue presentarle mi idea de la adaptación, cómo me aproximaría a la historia y cuando conseguí su OK, me dejó libertad absoluta. Pero me apoyó mucho.

¿Sentisteis una responsabilidad extra por adaptar una historia de Stephen King?

V. N.: Totalmente. Aunque no quería hacer una adaptación literal de la historia, sí quería captar el espíritu y creo que hemos conseguido trasladarlo intacto desde el relato a las imágenes.

Los dos habéis trabajado en películas donde la violencia y la sangre están muy presentes. ¿Disfrutáis trabajando con personajes fascinados con la sangre?

P. W.: Me fascina como los hombres pueden transformarse en monstruos, por eso me gusta ver documentales sobre psicópatas, asesinos en serie… Mi padre vio morir a Ted Bundy, estaba en la habitación donde fue ejecutado, por eso me interesa como un humano corriente puede hacer algo tan horrible, porque muestra lo extraño que un hombre tiene en su interior. Respecto a la hora de interpretar, es divertido jugar a encontrarse en el lado oscuro.

Eres un director muy visual, con un enfoque específico que no solo vemos en tus películas sino también en las series de televisión que has trabajado como American Gods o Hannibal. Cuando ruedas cómo transmites ese universo visual a los actores.

V. N.: No creo que sea tan específico, pero hago storyboards de todo y cuando el guion está cerrado tengo la película dibujada de principio a fin. Pero luego escucho las propuestas del equipo técnico y los actores. Realmente lo que busco es un consenso entre todos, para que tengamos la misma idea de qué hay que hacer.
P. W.: Me ha encantado el trabajo de Vincenzo. Vengo del teatro donde es vital que entiendas la visión del director y que Vincenzo sea tan visual es importante porque pone un especial cuidado en todo y hace que te comprometas con su visión de la historia… Aunque eso signifique con no puedas sentarte con él a hablar. (risas)

¿La hierba que aparece en la película es digital o real?

V. N.: ¡No quiero hablar de la hierba! (risas) Bueno, fue real y digital real porque cuando rodamos en Canadá supuestamente la hierba debería haber llegado a la altura que necesitábamos, pero estaba creciendo demasiado lentamente y me dije “Dios mío, esto es una pesadilla como el rodaje de Apocalipse Now”, así que tuvimos que utilizar parte de hierba digital.

¿Cómo preparaste un papel tan físico?

P. W.: Me gustan los papeles físicos, no es algo que me asuste sino que me motiva.

En la Hierba Alta se ha rodado para Netflix, ¿Cómo pensáis que las plataformas han cambiado el mundo del cine?

V. N.: He rodado películas de alto presupuesto o de bajo presupuesto que desaparecen de los cines al poco de estrenarse. Me encanta que las películas se estrenen en cine, pero siendo realistas es importante que existan plataformas como Netflix o Amazon Prime porque llegará a más público que si se estrena en cine.
P. W.: Me encanta ir al cine, pero es cierto que últimamente solo llegan películas que han costado veinte millones de dólares o más. ¿Qué ocurre con esas películas que cuestan cinco millones, un millón? Generalmente tienen estrenos muy limitados y muy poca gente la ve. Por eso es importante que existan las plataformas, para acoger películas más pequeñas que, de otra manera, se perderían. Siempre deben existir los cines, me gusta escuchar música en streaming o ponerme un disco, pero jamás es igual que ver un concierto. Cintas como Once Upon a Time in America son mucho más disfrutables en pantalla grande.

Los dos habéis trabajado en televisión, con Hannibal y Fargo, ¿Cuáles son las fronteras entre una película y una serie de televisión?

P. W.: Me encanta la película de los hermanos Coen, me parecía imposible que pudieran adaptarla (risas) y el resultado me sorprendió. Cuando firmé para la segunda temporada solo estaban escritos los primeros capítulos y no sabía qué iba a pasar con mi personaje, así que fue como un viaje apasionante.
V. N.: Creo que las fronteras entre cine y televisión están desapareciendo, lo que es esperanzador porque generalmente tienes más libertad en televisión.

Título original: Antrum: The Deadliest Film Ever Made

Año: 2018

Duración: 93 min.

País: Estados Unidos

Director: David Amito, Michael Laicini

Guion: David Amito, Michael Laicini

Música: Alicia Fricker

Reparto: Nicole Tompkins, Rowan Smyth, Dan Istrate

Buena premisa, que se diluye minuto a minuto.

Cuando una película te la venden con tags tan sugerentes como: La más terrorífica del mundo, el metraje maldito, la más provocadora, etc.… sabes que estas apunto de ver lo más emocionante en tu vida o justamente todo lo contrario. Por desgracia Antrum entraría en el grupo del segundo caso.

El caso, es que su inicio en formato mockumentary está realmente interesante y hace que entres al trapo. El problema viene en el segundo acto, cuando supuestamente nos disponemos a ver la maldita cinta, que no, la cinta maldita.

Esta es la historia de Antrum, es una misteriosa película creada en 1979. La cual todo aquel programador de festival que tuvo el coraje de verla para programarla murió en misteriosas circunstancias. Después de una exhaustiva investigación se ha conseguido recuperar ese metraje maldito. No todo el mundo está preparado para ver su contenido.

Esta curiosa película está dirigida y escrita por David Amito y Michael Laicini. Creo que ambos nos proponen un inicio interesante en forma de ese mockumentary, pero que pierde todo interés cuando comprobamos que la cinta maldita en sí, tiene poco de maldita y más bien de soporífera. Por otra parte, esta premisa es posible que a muchos os pueda recordar al mítico episodio de Masters of Horror dirigido por el gran John Carpenter, El fin del mundo en 35mm. Pues parten casi del mismo concepto, pero la gran diferencia es que Carpenter nos dejó un gran episodio para el recuerdo, cosa que dudo pueda suceder con este film.

Vamos a descuartizar un poco el film, pues después de una pequeña introducción y nos aparece en pantalla un aviso diciendo que nos disponemos a visionar el metraje prohibido y maldito. Las expectativas suben, pero a medida que pasan los minutos, comprobamos que el mayor interés de la susodicha cinta se limita a intercalar pequeñas señales satánicas y frases en latín. La trama presentada es más bien pobre y solo sube en interés en sus últimos minutos, aunque sinceramente tampoco es para tirar cohetes.

Antrum sin duda alguna defrauda. Pues si en su inicio hemos contado que empieza muy bien pronto nos damos cuenta que el pretexto del film más peligroso del mundo es todo propaganda barata. Como film maldito hizo mucho más los escasos dos minutos de perturbador vídeo en The Ring que aquí en hora y media. En definitiva, estamos ante una cinta bastante prescindible.

Firma: Omar Parra.
@Omar_FTW

Título original: Kuru

Año: 2018

Duración: 135 min.

País: Japón

Director: Tetsuya Nakashima

Guion: Hideto Iwai, Tetsuya Nakashima, Ichi Sawamura (Novela)

Música: Yûta Bandoh

Fotografía: Ryoken Okamura

Reparto: Junichi Okada, Nana Komatsu, Satoshi Tsumabuki, Haru Kuroki, Takako Matsu

Debut en el terror por todo lo alto.

Tetsuya Nakashima había flirteado con elementos del terror en varias de sus anteriores obras, pero con It Comes se mete de lleno, y para suerte de sus seguidores de manera muy acertada.

It Comes se aleja en cuanto al ritmo de las frenéticas Confessions y El mundo de Kanako, para dar paso a una narrativa mucho más sobria. Eso sí, lo que no va faltar es un guion que nos obligará a estar atentos al film en todo momento, pues la trama se complica minuto a minuto y los saltos temporales, cosas habituales en la filmografía del nipón tampoco faltaran en esta cinta.

Hideki vive felizmente casado con Kana, parece que estamos ante la típica pareja feliz sin ninguna preocupación. Todo su pequeño mundo se derrumbará en el momento que un compañero de Hideki le avise que tiene visita en el trabajo, "Chisa" ha venido a verle. Justamente este fue el nombre elegido por la pareja para su bebé, aunque lo más extraño es que el nombre aun no lo sabe nadie. Poco tiempo después del suceso, el compañero que le trajo la misteriosa noticia muere. Es aquí donde la vida de la pareja se tornará un verdadero infierno.

It Comes sorprenderá a todos los seguidores del director, pues estamos ante la nota discordante a su extensa filmografía. Si tuviera que comprar este film podríamos decir que tiene similitudes con la coreana The Wailing, aunque como dije antes el ritmo y la narrativa de la cinta está algo alejada a lo que nos tiene acostumbrados, el sello Nakashima sigue presente en todo el metraje.

Destacar el casting de esta película, pues si algo tiene el director a parte de su peculiar forma de narrar acontecimientos, esto es su acertado hacer a la hora de dirigir actores. Se nota en la sinergia que tienen Satoshi Tsumabuki junto a Haru Kuroki, Hideki y Kana respectivamente. O personajes tan peculiares como interesantes como los de Takako Matsu o el de la actriz que nos robó a todos el corazón en El mundo de Kanako, Nana Komatsu.

Como gusto personal echo de menos esas alocadas escenas que en sus dos últimos films Nakashima nos contaba al más puro estilo videoclip las peripecias de sus protagonistas, pero cuando avanza la cinta te das cuenta que ese estilo no encajaría en esta película.

Estoy seguro que a todos los seguidores del director, esta nueva obra les gustará, pese a las diferencias notables con sus anteriores trabajos sigue estando el sello distintivo que lo hace único. En cambio para todos aquellos ajenos a su cine tal vez les resulte una cinta algo engorrosa o difícil de seguir, debido a su trama algo densa. Pero de algo estoy seguro. Es una película que todo amante del terror no debería pasar por alto.

Firma: Omar Parra.
@Omar_FTW

Título original: The Deeper You Dig

Año: 2019

Duración: 92 min.

País: Canadá

Director: John Adams, Toby Poser

Guion: John Adams, Toby Poser

Música: John Adams

Fotografía: John Adams, Zelda Adams

Reparto: John Adams, Toby Poser, Zelda Adams, Izzy Figueredo, Bob Lane, Shawn Wilson, Inderpreet Sihn Khangura, Mike Childs

Intenso drama fantasmal.

Doble experiencia visualizando esta película, la primera pues la más obvia, la propia película en si. Estamos ante un duro drama familiar con presencias fantasmales y algunos toques surrealistas. Pero la sorpresa llega cuando, una vez acabada la cinta, me dispongo a recabar información para ayudarme al escribir la review y me encuentro con la sorpresa de que el reparto, el equipo técnico y el artístico son el mismo grupo de personas. Bueno, esto ocurre en algunas ocasiones especialmente cuando, y es el caso, hablamos de cine independiente de bajo presupuesto. Pero la sorpresa llega cuando estas mismas personas son realmente familia, los dos personajes adultos son pareja y la chica es la hija de ambos. Una sorpresa sin duda.

Kurt es un forastero que trabaja reformando completamente una casa. Una noche en la que iba ebrio al volante atropella sin querer a Echo, una adolescente del pueblo. Sin tiempo para pensar decide llevarse al cuerpo y enterrarlo en el bosque. Pero no sabe que la madre de la chica hará lo que sea para recuperarla.

La película empieza fuerte con un tono siempre muy frío (en fotografía y personajes) y un ritmo lento, quizás un poco demasiado. Estamos ante una producción muy pequeña, con muy pocos personajes y localizaciones, pero que aguanta la mayoría del metraje sin demasiados problemas, hasta llegado a un punto, alrededor de la hora, que el argumento empieza a dar demasiadas vueltas y pierde un poco el sentido original. Tal vez si hubiera tirado más por el argumento de la investigación y del tormento de Kurt habría aguantado mejor. En cambio la película opta por centrarse más en la madre de la chica, por lo que la estética mejora con escenas inquietantes que recuerda, salvando las distancias a Twin Peaks, pero que ralentiza el ritmo significativamente y pone a prueba la atención del espectador.

Dirigen la pareja protagonista John Adams y Toby Poser y también se encargan de la escritura del guion y en el caso de él, la parte sonora y de fotografía. La hija, interpretada con bastante acierto por Zelda Adams además de encargarse junto a su padre de la fotografía también es directora de segunda unidad y, si lees entre líneas, la operadora de cámara y encargada de la mayoría de tareas técnicas. No se puede negar que la polivalencia no sea indispensable en esta productora.

La cinta cumple los estandartes de calidad al contar una historia bastante dura y en ocasiones inquietante, se pierde un poco en si misma dándole más vueltas al argumento, pero en definitiva estamos ante una cinta correcta. Si podemos sacar una lección de todo esto es: Todo queda en familia.

Firma: Oriol Hernández.

Título original: Body at Brighton Rock

Año: 2019

Duración: 87 min.

País: Estados Unidos

Director: Roxanne Benjamin

Guion: Roxanne Benjamin

Fotografía: Hanna Getz

Música: The Gifted

Reparto: Karina Fontes, Casey Adams, Emily Althaus, Miranda Bailey

Una sorpresa divertida, sencilla y efectiva.

Por prescripción médica, nunca veo trailers y evito leer las opiniones de otros espectadores cuando me siento a ver una película; una vez terminada ya puedo sentarme a ver si mi opinión es general o si, como en este caso, voy a contracorriente.

Wendy trabaja como guía forestal en un parque y ese día, por hacer un favor a su amiga Maya, cambia turnos y se interna en los senderos del bosque. Craso error Wendy, primero porque te perderás y luego, mala suerte, te topas con un cadáver. Las órdenes son claras: debes permanecer junto al cadáver hasta que llegue el equipo y eso no ocurrirá hasta el día siguiente. La noche será larga y los sonidos del bosque no auguran nada bueno.

Body at Brighton Rock tiene una premisa sencilla, tan sencilla que podría ser un cortometraje o una historia de los comics de El Guardián de la Cripta: pasar una noche junto al cadáver de un desconocido. Roxanne Benjamin, en su puesta de largo tras los segmentos rodados para dos películas de antología como V/H/S y Southbound, apuesta por el minimalismo y aunque su ópera prima parece demasiado sencilla de primeras, casi anodina, construye una historia que apela a los primeros tiempos de la humanidad: una hoguera para ahuyentar la oscuridad y a los animales, las estrellas y el terror ante lo desconocido. Aunque cuenta con pocos elementos, el guion en ágil, divertido y, lo principal, va a más cada pocos minutos. La sencillez de su propuesta nos remite al mundo de Andy Mitton en sus cintas We Go On y The Witch In The Window… Y lo dejo ahí para generar interés.

No todo es perfecto en Body at Brighton Rock, cierto, la fotografía de Hanna Getz va justita muchas veces, sus noches son demasiado luminosas para la inquietud que debe provocar; al mismo tiempo la música de The Gifted está demasiado presente, posiblemente por el miedo de Roxeanne Benjamin a perder el interés del público, y con ello desaprovecha algo que da realmente terror: los sonidos en la oscuridad, los crujidos que surgen de entre los árboles y despiertan los peores augurios.

Imposible no rendirse ante el encanto que transmite la actriz Karina Fontes, esos bailes ridículos que ejecuta por el bosque antes de encontrarse con el cadáver, podríamos exigirle un poco más de crescendo terrorífico pero cumple sin problemas aunque la torpedad de su personaje a veces irrite; Casey Adams resulta más justito, un mejor actor podría haber generado una mayor inquietud, pero tengamos en cuenta que aparte de actor es un especialista y ahí sí que funciona.

Si buscas acción desde el minuto cero, Body … te decepcionará, lo mismo si necesitas que el terror brote de la pantalla a borbotones porque hay sangre pero llega al final. Mi recomendación para ver Body at Brighton Rock es esta: no veas el tráiler porque te vende una película distinta, disfruta con esta noche infernal y esas sorpresas que Roxeanne Benjamin va soltando gota a gota para que cuando llegues al final descubras que sí, Body at Brighton Rock es una película de terror a la vieja usanza. Como esos cuentos de miedo que contaban nuestros antepasados a la luz de la hoguera.

Firma: Javier S. Donate.

Título original: El Hoyo

Año: 2019

Duración: 94 min.

País: España

Director: Galder Gaztelu-Urrutia

Guion: David Desola, Pedro Rivero

Música: Aránzazu Calleja

Fotografía: Jon D. Domínguez

Reparto: Ivan Massagué, Antonia San Juan, Algis Arlauskas, Alexandra Masangkay, Eric Goode, Emilio Buale, Miriam Martín, Zorion Eguileor

Las buenas ideas lo pueden todo.

De vez en cuando nos encontramos con películas que son indudablemente pequeñas pero que tienen algo que contar, y aunque parezca algo obvio lo cierto es que no lo es en absoluto. El cine comercial actual está repleto de grandes superproducciones con unos presupuestos que se equiparan al PIB de más de un país. Y aunque este camino nos lleve al desastre todavía queda un tipo de cine, como es el caso de El Hoyo, que logra abrirse paso a golpe de buenas historias e inventiva para suplir la falta de medios.

Un hombre se despierta en una extraña sala cuadrada con un agujero en el centro. Su compañero de habitación le cuenta las claves del experimento: Debe comer cuando llega la plataforma cargada de comida por el agujero. Nada más. Pero las peculiares características del lugar convertirán la experiencia en un auténtico infierno.

Película de ciencia ficción con toques de distopia, en el que nos cuenta, sin demasiados tapujos ni metáforas, la falta de humanidad de nuestra sociedad y la inexistencia de empatía para con el prójimo. Para ello El Hoyo se ayuda de situaciones en los que se pone al límite la resistencia física y mental de un individuo y las repercusiones que esto trae en su futuro. Pues la particularidad del piso en el que se encuentra el personaje es tan aleatorio como condenatoria mostrando, una vez más sin tapujos, la parte de nuestra sociedad que es simplemente carne de cañón sin saber muy bien el motivo. Aun así la historia, llegados a cierto punto, pierde pie en su argumento y se enzarza en una quimera en forma de un niño que se vuelve algo confuso si lo comparamos por donde iba la historia, y no lo arregla un abrupto final que deja más preguntas que respuestas. Pero no es más que una pequeña merma tras hora y media de reflexión y entretenimiento.

Debuta en la dirección de un largometraje Galder Gaztelu-Urrutia tras los cortometrajes La casa del Lago y 913, también produjo la recomendable El Ataúd de Cristal (Haritz Zubillaga, 2016). No son pocas las peripecias a las que se enfrenta con una producción previsiblemente tan pequeña, pero con todo ello logra un trabajo bastante redondo que cae como agua de mayo viendo la falta de trabajos españoles de ciencia ficción oscura. Destacar la creatividad del guion obra de David Desola y Pedro Rivero teniendo en cuenta su aturullado final. Y otra mención especial al director de fotografía Jon D. Domínguez que logra que una misma habitación parezca distinta a cada piso que se va moviendo. Protagoniza Ivan Massagué (El Año de la Plaga, Los Últimos Días) que no deja de ser la representación del espectador en la película, es el personaje menos excéntrico y aprendemos el funcionamiento a la vez que él. No siendo una película especialmente coral, personajes de importancia no hay que cinco, era importante un acertado casting y este ha sido el caso.

El Hoyo recuerda indudablemente a Cube, pero ambas van por caminos distintos. Película que se recomienda sin problema ninguno, que nos demuestra que otro tipo de cine es posible, alejado de efectismos y con un discurso propio. Parece que esta debería ser la norma pero desgraciadamente, se convierte en la resistencia.

Firma: Oriol Hernández.
@Oriol_TW

Título original: The Lighthouse

Año: 2019

Duración: 109 min.

País: Estados Unidos

Director: Robert Eggers

Guion: Max Eggers, Robert Eggers

Música: Mark Korven

Fotografía: Jarin Blaschke

Reparto: Willem Dafoe, Robert Pattinson, Valeriia Karaman

Impactante título que raya la perfección.

Las etiquetas en ocasiones pesan mucho. A The Lighthouse se le podría endosar la de cine experimental aunque esto, en nuestra opinión, se aleja bastante de la realidad. Tampoco penséis que sea una película que podamos catalogar de corte clásico. Contiene elementos que nos pueden llevar a engaño, por ejemplo que esté rodada en un impoluto blanco y negro o que la pantalla se quede reducida a un 4:3, cosas que en lugar de ir en contra engrandece una obra que podríamos calificar de perfecta.

Dejando aparte esos apuntes más técnicos indicar que los elementos que podríamos valorar como más importantes dentro de un film, como podrían ser historia, guion, interpretaciones, efectos especiales, diseño de la producción y dirección, colman nuestros más bajos instintos en cuanto a calidad. Ahora estaréis pensando que puede que no sea para tanto, pero solo comentar que hacía tiempo que no disfrutábamos tanto dentro de una sala. En contraposición a esto, es un film que, según hemos podido comprobar, provoca diversidad de opiniones, cosa que suponemos hará saltar el resorte de la curiosidad de los más adictos al cine.

Todo esto lo hace a través de una historia que no por ser sencilla en su planteamiento inicial, deja de sorprendernos en toda su duración, alternando momentos de alta tensión con otros más dramáticos que no hacen más que engrandecer el resultado final.

Thomas y Ephraim toman el relevo en el mantenimiento de un faro situado en una isla de Nueva Inglaterra en 1890. La relación entre ellos no es todo lo fluida que tendría que ser.

El pilar fundamental de la cinta es la relación entre los dos protagonistas, interpretados maravillosamente por un excelso Willem Dafoe y por un sorprendente Robert Pattinson. Los diálogos que les toca soltar son de aquellos que uno tendría que grabar y pasárselos de vez en cuando como penitencia o redención, recordando vagamente al universo del gran Orson Welles, ayudado esto último por unos planos de picados y contrapicados puestos, eso sí, con mucho mimo.

El salto que da Robert Eggers en esta producción es como si un atleta pasara de hacer los 100 metros en 12 segundos a 9,58 en tan solo tres meses. Esto tiene el peligro que bajar de esa barrera en estos momentos se nos antoja como imposible, pero tiempo al tiempo. No hay que olvidar que partíamos de un título tuvo tanta notoriedad como The Witch: A New-England Folktale (2015), aunque entre ellas no tengan ningún punto en común.

No podemos obviar algunos detalles que no hacen más que engrandecer esta película, como podrían ser unos efectos de sonido que ponen los pelos de punta a pesar de ser muy repetitivos, y las abundantes referencias a la mitología marina y a otra fauna que pulula por la zona, con alguno que otro homenaje no sabemos si hecho a propósito, pero que queda óptimo.

Me he estrujado el cerebro intentando no dejarme llevar por la euforia tras su visionado. Con una opinión muy personal decir que el final podría haberse acortado un poco, minutos solamente, con una escena de aquellas que se te queda grabada para siempre estando magistralmente rodada.

Para acabar decir que es una producción altamente recomendable para todo aquel que le guste ver un tipo de cine que va más allá de lo estrictamente visual.

Firma: Josep M. Luzán.
@Josep_Luzan

Título original: Bacurau

Año: 2019

Duración: 131 min.

País: Brasil

Director: Juliano Dornelles, Kleber Mendonça Filho

Guion: Kleber Mendonça Filho, Juliano Dornelles

Música: Mateus Alves, Tomaz Alves Souza

Fotografía: Pedro Sotero

Reparto: Barbara Colen, Thomas Aquino, Silvero Pereira, Wilson Rabelo, Sônia Braga, Karine Teles, Antonio Saboia, Luciana Souza, Udo Kier, Thardelly Lima, Rubens Santos

Una crudeza que va más allá del western.

Bacurau es una de esas cintas difíciles de definir, otra de tantas que busca moverse entre géneros. Lo que más destacaría de la película es su crudeza a la hora de narrar los acontecimientos. En ese sentido puede recordar a Ciudad de Dios, pero el nivel de violencia se eleva a cotas bastante más altas. Toparse con esta cinta es toda una sorpresa y pese a estar alejada del género del terror como tal sí que comparte muchos elementos con él.

Después de la muerte de su abuela, Teresa decide volver a su pueblo natal. Un pequeño pueblo brasileño en mitad de la nada. Es tanto esto que sus gentes tienen una dura pelea con el gobierno para que su pueblo siga apareciendo en los mapas. La vida en el pueblo no ha cambiado y parece que Teresa se adapta de nuevo rápido a sus viejas costumbres. Pero todo esa paz y cotidianidad se verá interrumpida cuando un grupo de cazadores armado hasta los dientes irrumpa en el pueblo. Aquí empezará la verdadera guerra por la supervivencia.

Los directores Kleber Mendonça Filho, Juliano Dornelles abrazan el cine de género en esta nueva producción. Estamos ante una película que no deja de evolucionar. Empezando casi como un drama costumbrista, pronto nos damos cuenta que estamos ante una distopía con algún punto hasta de ciencia ficción, hasta llegar a su sangriento y crepuscular clímax donde abraza a lo grande el western y el terror.

Estamos ante un film donde está cuidado hasta el último detalle, y lo mejor es que coge el cine de grandes maestros como Peckinpah o Leone y lo llevan a su propio terreno. Esta pareja de directores sorprenderá a aquellos despistados que no sepan bien qué van a ver. Sorprende y mucho si tan solo echas la vista atrás en su filmografía, pues podríamos considerar Bacurau como una rara avis en ella.

Sumado al buen hacer de sus directores, dicho sea de paso que a su vez son responsables de este sencillo y a la vez sorpresivo guion. Por otra parte contamos con caras tan conocidas como Udo Kier, que sin entrar en spoilers protagoniza algunos de los mejores momentos de la cinta, como a Sônia Braga, un par de actores de alto nivel que funcionan como un gran reclamo para la audiencia menos avezada. Pero la gran sorpresa del film creo que son sus secundarios, gente como Thomas Aquino o Silvero Pereira en los papeles de Pacote y Lunga respectivamente, son los que le dan una fuerza inusual a esta cinta.

Para que tengáis una idea de con qué ojos encarar este film, es como si Sergio Leone llamara a John Carpenter para hacer un western brutal y sin ninguna concesión, rozando el terror más que el western. Pues bebe de películas como Battle Royal, Soilent Green o algo tan distante como Por un puñado de dólares.

Bacurau puede que no sea a lo que los lectores de TerrorWeekend están acostumbrados pues no estamos hablando de una cinta de terror al uso, pero sí que usa sabiamente elementos del mencionado, como su gore y una atmósfera opresiva. Espero que le deis una oportunidad a esta joya, la cual estoy seguro que tras su buen paso por Cannes la veremos triunfando en muchos otros festivales tanto de género como generalistas.

Firma: Omar Parra.
@Omar_FTW

Título original: Harpoon

Año: 2019

Duración: 83 min.

País: Canadá

Director: Rob Grant

Guion: Rob Grant, Mike Kovac

Música: Michelle Osis

Fotografía: Charles Hamilton

Reparto: Brett Gelman, Munro Chambers, Emily Tyra, Christopher Gray

Retorcida comedia negra.

Desgraciadamente el director Rob Grant no es tan conocido como otros directores de género, cosa que espero con este título eso empiece a cambiar. Después de realizar varias películas con un tono serio, vuelve a sus inicios mezclando la comedia negra con toques de terror. Si algo destaca de Grant es que sabe cómo darle un toque único plagado de humor negro y mucha mala leche todo sumado con unos diálogos elaborados y un ritmo trepidante. Harpoon es el siguiente paso del director hacia el reconocimiento internacional.

Jonah, Sasha y Richard son tres amigos que darían todo el uno por el otro. ¿Pero qué sucederá cuando las mentiras, traiciones y sobretodo la tensión sexual surja en mitad de su viaje en yate? Llegado el momento tendrán que poner a prueba si realmente su amistad está por encima de todo y todos.

Años atrás tuvimos la suerte de toparnos con Mon Ami, el segundo largometraje de Rob Grant, por los festivales que pasó no dejó a nadie indiferente. Fue de las primeras junto a Tucker & Dale Contra el Mal en traer este tipo de humor negro tan descarnado y que tan bien funciona. Ahora con su nueva producción, Harpoon decide retomar esta fórmula que tan bien sabe llevarla a pantalla y con tan solo tres personajes y un yate en alta mar consigue una historia cargada de mala leche, mucho humor negro, traiciones y sobretodo violencia.

En un film de estas características donde los actores tienen suma importancia, creo que han sido un total acierto, aunque tenemos que destacar a un Munro Chambers que año tras año nos sorprende con sus actuaciones en films de género. Por su parte, los compañeros en esta aventura para Munro son Emily Tyra y Christopher Gray. La primera cumple pero no llega a destacar frente a sus dos compañeros de reparto, en cambio Christopher Gray lo hace bien pero le encuentro el problema que le falta un poco de carisma para el papel que aborda. Aun así, hay buena química entre los tres y eso hace que la película funcione aunque no llegue a ser tan redonda como debería.

Si antes he comentado que el director Rob Grant destaca por imprimir un ritmo trepidante a sus producciones, tal vez Harpoon adolezca de unos veinte minutos de bajón una vez realiza la presentación de sus personajes. Aunque pronto subsana esto cuando empieza a ocurrir el remolino de acontecimientos que ya no frenará hasta los títulos de crédito.

Creo que la apuesta de rodar el 90% del film en un yate metido en alta mar es arriesgado, como dije dependes de tus actores al 100% y en este caso no sucede como en su anterior película, Mon Ami, donde la pareja protagonista se come la pantalla y dejan unas actuaciones para el recuerdo.

Harpoon os gustará a cualquier seguidor de las comedias negras como las que se han ido mencionando a lo largo de la review. Sin duda alguna es un buen momento para entrar a conocer a este director, para mi uno de los mejores en cuanto a este subgénero del terror se refiere. Dadle una oportunidad pues aunque no sea su mejor film, sí que destaca por encima de la media y sobre todo es una cinta totalmente entretenida.

Firma: Omar Parra.
@Omar_FTW

Título original: Ready or Not

Año: 2019

Duración: 95 min.

País: Canadá / Estados Unidos

Director: Matt Bettinelli-Olpin, Tyler Gillett

Guion: Guy Busick, Ryan Murphy

Música: Brian Tyler

Fotografía: Brett Jutkiewicz

Reparto: Samara Weaving, Adam Brody, Mark O'Brien, Henry Czerny, Andie MacDowell, Melanie Scrofano, Kristian Bruun, Nicky Guadagni, Elyse Levesque, John Ralston, Liam MacDonald

La película más gamberra del año.

Es un tema recurrente y la comidilla entre los jóvenes, muchos son los que temen al matrimonio, ya sabéis, el compromiso eterno como si no existiera el divorcio, pero poco se ha hablado de las familias políticas y de las noches de boda. ¿Recordáis películas como Novia a la fuga? Pues olvidaos por completo, estamos ante un survival de libro con base firme de humor, un auténtico manual de cómo sobrevivir a una noche de bodas en casa de tu familia política.

Grace es una joven que contrae matrimonio con un chico de familia pudiente que han forjado su imperio gracias a los juegos de mesa. Para dar la bienvenida a la familia a los nuevos miembros estos tienen una tradición ancestral basada en el azar para la noche de bodas que puede resultar de los más sangrienta. Grace no será una excepción.

Equilibrio perfecto en una cinta agradable para el público generalista y los seguidores del terror sin dejar a nadie de lado, esta es la poción mágica que han conseguido los directores Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillett, responsables de El heredero del diablo y V/H/S entre otras, junto con los guionistas Guy Busick y Ryan Murphy, que han sabido conducir esta descabellada idea que desprende humor desde el arranque prácticamente de la película hasta el sorprendente cierre y que nos regala auténticos momentos de celebración y aplauso con situaciones de apoteosis absoluta en forma de regalo hacia el público, en una película para reír y disfrutar sin complejos.

El reparto es gran parte del éxito dentro del conjunto, no sólo por quién interpreta a quién sino por el diseño de personajes a modo del mítico juego de mesa Cluedo con resultados y objetivo más sanguinolentos que en la partida de tablero, eso sí. La novia o lo que es lo mismo, la protagonista de este survival es la actriz Samara Weaving, la que recordaréis por The Babysitter o Mayhem títulos por los que se está convirtiendo en una auténtica scream queen de la época moderna, sobra decir que se desenvuelve con soltura en un papel que parece hecho a medida para aquello de guerrera vestida de princesa. El resto del cast hace gala de unos personajes muy bien definidos de entre los que destacaría los gags de Fitch Bradley, el carácter interpretado por Kristian Bruun.

Algunos podrían entender este como un relato para ahuyentar a futuros matrimonios, y en cierta manera así lo es, pero no solo eso, el relato está tan bien construido y los tempos en los que entran las bromas y los gags en ocasiones apoyados en flashbacks que después servirán para entrelazar toda la historia de una forma redonda están tan bien colocados, que funciona además como una sátira sobre la riqueza y los propios protagonistas de ellas, así como la de sus almas. Ingerimos todo como si fuera un bocadillo con mayonesa, bien suave y con gusto.

Muchas gracias por 95 minutos tan divertidos.

Firma: Gerard FM.
@tmagerard

Maribel Verdú y Javier Botet reciben un premio Màquina del Temps por su brillante trayectoria

Gaspar Noé presenta la breve pero intensa visión sobre la fe y el cine en 'Lux Aeterna' mientras que 'The Room' explora con terror los límites de la mente humana

Sitges 2019 propone abiertamente un debate en torno al estado del cine de género en España y lo hace desde la mejor perspectiva posible, con cinco óperas primas compitiendo en su Sección Oficial Fantastic y cuatro premieres -tres mundiales y una europea- en la Secció Òrbita. Amigo y El asesino de los caprichos que se han presentado hoy con sus protagonistas, son dos claras muestras de este tipo de cine de género que intenta romper con los cánones establecidos y abrir nuevos caminos.

Como ya se anunció, las últimas producciones españolas de género se están exhibiendo en Sitges 2019, una clara apuesta para dar voz y consolidar una nueva generación de creadores españoles, destinados a conformar una marca de identidad de éxito comercial y prestigio en los nuevos mapas del audiovisual contemporáneo global. Uno de los ejemplos más claros es la premiere europea de esta tarde a les 18.30h en el Auditori, Amigo la carta de presentación en el largometraje de Óscar Martín. Entre la comedia negra, el thriller psicológico y el horror, esta ópera prima rodada en una semana tiene como protagonistas a David Pareja y Javier Botet, coguionista y productor ejecutivo. Botet protagoniza un doblete interpretativo en Sitges 2019, apareciendo también en el sorprendente film coral a competición de Aritz Moreno, Ventajas de viajar en tren, presentado ayer en el Festival.

Antes de la proyección de Amigo, el actor recibirá el premio Màquina del Temps del Festival, por su contribución al género, con casi un centenar de interpretaciones en franquicias como Alien, Insidious oIt,hasta la mítica niña de Medeiros de la saga REC de Jaume Balagueróo la inquietante criatura de The Conjuring 2. En la rueda de prensa de esta mañana de Amigo, Botet que también ha coescrito el guion ha explicado que la semilla de la historia eran las películas pequeñas y angustiosas, y su intención y la del resto del equipo es poder seguir haciendo cine y ser autosuficientes con cada película para poder seguir haciendo otras. Sobre el homenaje que recibe del Festival ha explicado que está muy emocionado y agradecido por el reconocimiento. "En Sitges me siento en casa. Este premio es como el abrazo de una madre en el hogar. La primera vez que vine a Sitges fue hace 11 once años a ver REC en el Cine Retiro y desde entonces vuelvo cada año porque sé que es un sitio donde veré películas que me gustan". Antes de la proyección de Amigo, se ha proyectado el cortoNorman, de Gigi Romero, protagonizado por Botet y que la directora ha venido a presentar a Sitges.

La otra cara de la moneda -pero también ganadora- de las producciones españolas por las que apuesta Sitges es la nueva propuesta de Gerardo Herrero, un cine español abierto al gran público que explora el thriller de misterio desde una perspectiva comercial con una calidad artística impecable. Dentro de la Secció Òrbita en sesión especial y estreno mundial se ha presentado El asesino de los caprichos, un psycho-thriller protagonizado por Maribel Verdú y Aura Garrido con Daniel Grao, que han pasado por la alfombra roja antes de la proyección, acompañados de Gerardo Herrero. Una presentación en sociedad que ha servido para vivir otro de los momentos de la jornada con la entrega a Maribel Verdú del premio Màquina del Temps por su brillante carrera. Con grandes papeles dentro del género del fantástico como en El laberinto del Fauno (2006) de Guillermo del Toro, que le valió el premio Ariel, el más prestigioso del cine mexicano, pasando por Blancanieves (2012) de Pablo Berger, Tetro, película firmada por Francis Ford Coppola, hasta villana de Superlópez, presentada el año pasado en el Festival, la actriz madrileña recibirá el reconocimiento del Festival a una carrera de más de 30 años que la ha llevado a formar parte en la actualidad de las Academias de Cine de Hollywood, España, México y la Academia Europea. En la rueda de prensa de presentación de la película este mediodía, la actriz ha declarado: "Este premio me hace sentir de nuevo que la pasión siempre puede con el miedo", agradeciendo al Festival haber pensado en ella por este reconocimiento.

Después de una larga noche de domingo en el Auditori, con alfombra roja compartida con su amiga Asia Argento, que anoche recibió el Méliès Career Award, Gaspar Noé ha atendido esta mañana en rueda de prensa a todos los periodistas para hablar de su nueva película que presentó ayer en Secció Oficial Fantàstic fuera de competición, Lux Aeterna, justo un año después de ganar el premio a la mejor película en Sitges 2018 con Clímax. El cineasta ha vuelto al Festival con una sorpresa para todos sus seguidores, En Lux Aeterna–un mediometraje de 50 minutos protagonizado por Béatrice Dalle y Charlotte Gainsbourg– el cineasta francés presenta una película ensayo sobre el respeto de las creencias, el trabajo de actor y el arte de la dirección con un final, como siempre, sorprendente. El nuevo experimento de Noé, según sus propias palabras, al tratarse de una película en formato de documental ha habido mucha libertad de guion para los actores. "Yo dejaba las cámaras grabando 15 minutos antes de empezar la secuencia y los actores estaban en el papel todo el rato, incluso antes de empezar a grabar. Cada toma era distinta a la anterior y algunas de ellas no tenían nada que ver con el guion que había escrito". El director también ha hablado del proceso de rodaje y de la buena química entre todo el equipo: "Te lo tienes que pasar siempre bien haciendo una película y compartirlo con todo el equipo; las películas grabadas con energías negativas, el espectador lo nota al instante". A la pregunta sobre su siguiente proyecto ha comentado que será una película sobre religión. "Y yo soy ateo, así que será muy divertida".

Ayer también se presentó en Secció Oficial Fantàstic a competición The Room,una original y brillante combinación de terror y ciencia-ficción, dirigida por el francés Christian Volckman y protagonizada por Olga Kurylenko, donde Kate (Olga Kurylenko) y Matt (Kevin Janssens), hartos de la vida que llevan en la ciudad, deciden dar un giro a sus vidas y se trasladan a una casa en medio de la nada. Indagando en su nuevo hogar se encuentran una sorpresa inesperada. Bajo esta premisa, después de la animación de Renacimiento, Christian Volckman filma una película con actores reales que ganó el premio del público del Festival de Estrasburgo.

En la rueda de prensa celebrada este mediodía, con Volckman y Kurylenko, el director ha explicado los motivos y el porqué de esta película: "Quería explorar desde una vertiente artística cómo funciona la mente humana, nuestros deseos y la búsqueda sin límites de la felicidad. Pero siempre existen unos límites y estos tienen un precio. Con esta historia pretendía hacer un retrato del desequilibrio entre el primer y el tercer mundo, que como especie estamos relacionados, pero actualmente estamos creando un monstruo como sociedad ya que todos lo queremos todo de forma rápida y directa, y no sabemos dónde está el límite". La actriz protagonista, Olga Kurylenko, ha añadido que "nos estamos perdiendo en este mundo tan material y tenemos que darnos cuenta de una vez que la felicidad está en nuestro interior y no podemos depender de nadie ni de nada materia, sólo de nosotros mismos como individuos. Me he dado cuenta que cuantas menos cosas materiales tengo, más feliz y libre me siento".

Bacurau, Adoration, Corporate Animals y Daniel Isn't Real, entre las sorpresas destacadas de la Secció Oficial Fantàstic a competición

Hoy se ha celebrado en el Sitges Film Hub la tercera edición de Taboo'ks, la iniciativa del Festival que busca acercar la literatura i el cine fantástico

Sitges 2019 ha echado humo en una sexta jornada de martes con las proyecciones y estrenos en la sección Oficial Fantàstic a competición que han sorprendido y animado al público del Festival. Desde el vibrante último pase de Daniel Isn't Real, la ganadora del Premio del Jurado el pasado Festival de Cannes, Bacurau, o la hilarante Corporate Animals con Demi Moore, y acabando con la llegada de Adoration, la cinta de culto del realizador habitual de Sitges, Fabrice Du Welz.

Dos personas por nivel. Un número desconocido de niveles. Una plataforma con comida para todos ellos. ¿Eres de los que piensan demasiado cuando están arriba? O de los que no tienen coraje cuando están abajo? De esta inquietante forma se presenta el thriller El hoyo, el debut en el largo de Galder Gaztelu-Urrutia, una de les grandes sorpresas de producción española del año y una de las cinco óperas primas presentadas en sección oficial a competición en Sitges 2019. Gaztelu-Urrutia presenta una escabrosa y contundente crítica social apostando por una ciencia ficción cerebral, distópica pero gráfica y violenta que ya ha seducido en festivales como Toronto o Fantastic Fest. La premiare europea ha sido esta tarde en Sitges 2019, con alfombra roja incluida, donde hemos visto al director acompañado de los intérpretes Ivan Massagué, Antonia San Juan, Alexandra Masangkai y Emilio Buale. En rueda de prensa por la mañana, junto con el actor Zorion Eguileor, el guionista David Desola y el productor de la película, Carlos Juárez, han hablado de todos los detalles del film.

Galder Gaztelu-Urrutia ha empezado con un mensaje claro: "Me gusta decir que un thriller de ciencia ficción con mensaje y no al revés. Las películas con sólo mensaje me sugieren aburrimiento. Con esta historia teníamos claro que no debíamos ser doctrinarios ni dar lecciones a nadie. Por eso la idea fue llevarlo más hacia el thriller. Hacia el punto onírico y oscuro que tiene la película y que se entiende en todas partes, como ha pasado en Toronto o Austin". Sobre el recorrido del film, el productor Carlos Juárez ha hablado sobre la alianza con Netflix. "El Hoyo ha sido financiada con dinero público, pero hemos llegado a un acuerdo con Netflix después que vieran la película en Toronto para que después de su estreno en salas en noviembre-diciembre, la plataforma la ofrezca a nivel mundial". La actriz Antonia San Juan ha explicado que hacía 14 años que no hacía cine porque estaba ocupada en proyectos teatrales y televisivos. "Acepté el papel porque me encantó el guion y la historia y me apetecía volver a hacer cine en España. El teatro es como el marido y el cine como el amante que va y viene".

Las 11 de la mañana ha sido la hora elegida para inaugurar en el Industry Hub Talks la tercera edición de Taboo’ks, la iniciativa del Festival que busca acercar la literatura y el cine fantástico, eligiendo cuatro obras literarias y un study-case de un proyecto en vías de adaptación. La guionista Nicole Perlman, responsable de las adaptaciones de Guardianes de la Galaxia (James Gunn, 2014) y Capitana Marvel (Anna Boden y Ryan Fleck, 2019), ha sido la invitada especial encargada de abrir el acto con una charla sobre el proceso de adaptación del comic al cine con un Q&A posterior con todos los asistentes. A continuación se ha celebrado con una gran asistencia la mesa redonda “From Books to Movies: Film Festivals as Matchmakers”, un encuentro con los principales responsables de los programas de adaptaciones del libro a la pantalla con Nathalie Piaskowski (Festival de Cannes), Chiara Marin (La Biennale di Venezia) y Mònica Garcia (Sitges) y moderada per Elena Neira.

Después de un pequeño descanso se han celebrado las presentaciones de los cuatro proyectos seleccionados: Iménez de Luis Noriega, L’últim esmolet de Aniol Florensa, Els àngels ens miren de Marc Pastor y Rojo, una trilogía de novelas vampíricas de Carlos Sisí (Los caminantes), publicada por Ediciones Minotauro. La jornada ha finalizado con la presentación del study-case “L’altre costat del mirall: adaptacions screen-to-book” hecho por Javier Sanz Grajera, director de la agencia literaria del Grupo Planeta, que ha tratado casos contrarios: productos audiovisuales que se llevan al papel, y que ha explicado con ejemplos gracias al acuerdo que Planeta ha negociado con Netflix.

El cine fantástico latinoamericano también está brillando en la 52ª edición del Festival con los mejores títulos de la temporada. Hoy es el turno de la colombiana Luz, la opera prima del director y guionista Juan Diego Escobar Alzate, que se adentra en una comunidad que vive en las montañas y espera un nuevo mesías. Definida por su propio director como un cruce entre drama y película del oeste con elementos de terror, Luz nos arrastra hacia un universo ajeno, recóndito, donde nuestras propias concepciones sobre la moral y la fe serán puestas a prueba, en una atmósfera que bascula constantemente entre la intimidad, las conversaciones murmuradas entre las tres hermanastras y la amenaza que representa la vigilancia constante de El Señor. En rueda de prensa esta mañana con el director Juan Diego Escobar, la actriz Yuri Vargas y los actores Conrado Osorio y Jim Muñoz, y el productor Andrés Gómez, han hablado de la película que se estrenó anoche en el Auditori i que esta mañana se ha proyectado en segundo pase en el Cine Prado.

Un director, Juan Diego Escobar, que ha mostrado desde el inicio de la rueda de prensa la emoción y el agradecimiento de haber sido seleccionado en Secció Oficial Fantàstic a competición. "Lo he dicho desde el primer día: soy un geek del género fantástico. Yo nunca he soñado con Oscars ni Sundance, yo siempre he soñado con Sitges, y aquí estamos". La "visión" de Luz, según el director, surgió de una toma de ayahuasca". "Luz es una oda al Dios de Spinoza, no de creer o no creer, sino más bien en un Dios que está en todas partes. El arte es para sanar y con esta historia sané el dolor que tenía respecto a la religión". Además de la parte espiritual de la película, Escobar ha querido remarcar las dificultades de financiación y producción del cine latinoamericano y más en el caso de un proyecto como el suyo, una película de género, intelectual, muy poco comercial. En este sentido, la actriz Yuri Vargas ha destacado la importancia de proyectos como este para consolidar un cine colombiano de género de calidad que a menudo cuesta distribuir y estrenar en el exterior.

Y siguiendo con las novedades de sección oficial a competición que se presentan hoy, a las 22.45h se proyectará en el Auditori el estreno de la ganadora del Premio del Jurado en el pasado Festival de Cannes, Bacurau, de Kleber Mendonça Filho y Juliano Dornelles que firman esta distopía profundamente irónica, brutal y crítica con los tiempos que corren, imperdible.

A las 00.30h en el Retiro se podrá ver el último pase del thriller sobrenatural Daniel Isn’t Real, la nueva propuesta de Adam Egypt Mortimer, que el 2015 presentó en Sitges Some Kind of Hate. Este film, que está triunfando en Sitges, cuenta con una factura visual y un ritmo que te engancha a la pantalla. Todo ello gracias al trabajo de profesionales como Brett W. Bachman (montador de Mandy, de quien este año también se proyecta The Vigil y Color Out of Space); y de Lyle Vicent, director de fotografía de las dos primeras películas de Ana Lily Amirpour.

Cuando faltaba un cuarto de hora para las siete de la tarde, ha llegado el momento de las risas sonoras en el Auditori con la proyección de Corporate Animals, donde el director de Creep, Patrick Brice, orquesta una comedia negrísima de terror encabezada por una Demi Moore maravillosamente odiable, donde las tensiones laborales derivan, literalmente, en canibalismo.

Y para terminar una jornada clásica del mejor fantástico en Sitges, esta noche, a las 22.45h en la Sala Tramuntana, vuelve uno de los realizadores conocidos del certamen con una nueva propuesta para la sección Oficial Fantàstic, Fabrice Du Welz y la sugerente Adoration, donde el director vuelve a los bosques de Ardenes, donde filmó Calvaire y Alleluia, para relatar una odisea juvenil de libertad, amor y locura, en que las emociones son tan puras que duelen.

Título original: Come to Daddy

Año: 2019

Duración: 93 min.

País: Canadá

Director: Ant Timpson

Guion: Toby Harvard, Ant Timpson (idea)

Música: Karl Steven

Fotografía: Daniel Katz

Reparto: Elijah Wood, Stephen McHattie, Garfield Wilson, Ona Grauer, Michael Smiley, Martin Donovan, Madeleine Sami, Simon Chin

Una de las películas del año.

Estamos ante una de las películas de terror del año. Estoy seguro que por allá donde pase dará mucho que hablar y es que no es para menos. Sin lugar a dudas el trabajo tras la dirección de Ant Timpson es de gran elogio. Consigue mezclar varios géneros como el terror, sobrenatural, comedia negra, drama, suspense... todos ellos conviven de manera única en esta cinta. Vamos que puede que te guste más o menos, pero desde aquí puedo afirmar que no dejará indiferente a nadie.

Norval tiene una vida anodina, aún vive con su madre y se las pasa entrando y saliendo de terapias de rehabilitación para alcohólicos. Pero su vida cambiará cuando recibe una misteriosa carta de su padre, el cual lo abandonó cuando era niño. Sin nada que perder se embarca en un viaje para reencontrarse con su ausente padre. Norval pronto se dará cuenta que esta supuesta idílica reunión familiar dista mucho de sus expectativas. Lo que aún no sabe es que su vida está a punto de dar un giro de 180 grados y que su padre guarda más de un secreto.

Sinceramente estoy impresionado con este debut, pues como dije antes Ant Timpson se pone tras los mandos de esta alocada aventura protagonizada por un sobresaliente Elijah Wood. Me encanta pensar cómo a partir de una loca idea del director, Toby Harvard ha creado este endiablado guion. Digo endiablado porque cuando veáis cómo avanza el metraje entenderéis que esta es la mejor palabra para definir esta peculiar aventura.

Algo que hace única a esta cinta es que como espectador sientes esa mosca detrás de la oreja, como que algo está a punto de suceder, y esto sucede a cada momento. Y a pesar de estar rodeados de paisajes idílicos y la mayor parte de la acción sucede en un lugar que cualquiera de nosotros querría pasar unas buenas vacaciones... nunca estás del todo seguro, como su protagonista Norval, siempre vas a estar con esa sensación de inseguridad. Precisamente ese es el gran juego, al que apuesta el director, mantener al espectador mareado y con el temor en el cuerpo durante todo el metraje.

Pero esta película no es grande solo al gran trabajo de su protagonista y su director, pues Elijah no está solo en pantalla y todos los actores que aparecen a lo largo de la cinta están a un nivel estelar. Por mencionar algunos nombres tenemos a un inquietante Stephen McHattie en el papel de Gordon. O el papelón que se marca el señor Michael Smiley (Kill List), tan pintoresco como peligroso. Cierto es que todo este elenco de peculiares personajes me recuerda a algunos de esos también personajes únicos que los hermanos Cohen nos regalan en sus películas.

Me parece acertadísima la evolución o mutación por varios géneros que va sufriendo la cinta, aunque con el terror como eje central. Vamos, Come to Daddy va a ser una de las películas que más vamos a oír hablar durante esta recta final de 2019. Pero antes de acabar quiero reivindicar el gran papel que hace Elijah Wood, de los mejores de toda su carrera, pero sobre todo volver a insistir en que hay que seguir muy de cerca los futuros trabajos de este director, si sigue por este mismo camino pronto volveremos a oír hablar de él.

Firma: Omar Parra.
@Omar_FTW

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