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I Trapped the Devil review

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Matt y su esposa deciden pasar la navidad en casa del hermano de él. Así que sin previo aviso se presentan en su casa. Steve esta raro, la noche avanza cada vez más incómoda, hasta que confiesa a su hermano que en el sótano tiene encerrado al Mal. Aquí empieza el difícil dilema si creerle o intentar salvar a esa persona aprisionada en el oscuro sótano.

Título original: I Trapped the Devil

Año: 2019

Duración: 82 min.

País: Estados Unidos

Director: Josh Lobo

Guion: Josh Lobo

Música: Ben Lovett

Fotografía: Bryce Holden

Reparto: AJ Bowen, Scott Poythress, Jocelin Donahue, Rowan Russell, John Marrott, Chris Sullivan


La fina línea entre la locura y la verdad.

Hay veces que la línea mental entre la cordura y la locura es tan fina que no sabes de qué lado estás. A esto juega con el espectador I Trapped the Devil. Siendo sinceros, no veremos nada que no esté inventado en esta película, lo que sí que nos ofrece es la duda suficiente gracias al buen hacer tanto del director como de los actores para mantenernos con la tensión y la incertidumbre durante todo el metraje.


Matt y su esposa deciden pasar la navidad en casa del hermano de él. Así que sin previo aviso se presentan en su casa. Steve esta raro, la noche avanza cada vez más incómoda, hasta que confiesa a su hermano que en el sótano tiene encerrado al Mal. Aquí empieza el difícil dilema si creerle o intentar salvar a esa persona aprisionada en el oscuro sótano.

Estamos ante el debut del director Josh Lobo, que no solo dirige sino también escribe esta perturbadora historia. La verdad es que la trama no es la primera vez que se usa en una cinta de terror, es bastante recurrente el jugar al despiste con el espectador presentándonos un presunto "mal". Pero hay que reconocer el buen hacer el director pues a pesar de todo consigue que no me despegue de la pantalla ni por un segundo.

Como punto negativo tenemos la actuación de Scott Poythress, la cual debería ser el pilar para que todo el engranaje avance, y en parte es así. Pero sus dos compañeros de reparto, tanto AJ Bowen como Jocelin Donahue parecen estar en un estado de gracia, lo cual hacen del conjunto algo muy coral cuando pienso que Poythress debería llevar más la batuta. Esta interpretación algo agridulce sumado a un guion que a pesar de conseguir mantener el interés no llega a sorprender ni llegado su esperado desenlace, hacen sumar algunos puntos negativos a un debut a todas luces interesante.


Por encima de todo esto me gustaría destacar algunos momentos realmente delirantes, que nos ofrece Scott Poythress (porque no todo iban a ser palos para él) cuando nos presenta la caída de su personaje en lo que es su particular descenso a los infiernos. Pese a tener una narrativa un tanto especial en esta parte del film, su ritmo no decae en ningún momento. Cosa realmente difícil, pues estamos hartos de ver cientos de films que acaban provocando que el espectador desconecte totalmente del metraje al volverse tedioso.

Creo que I Trapped the Devil es una buena carta de presentación para su director, Josh Lobo, que pese a tener algunas carencias sabe cómo salir del paso. Creo que a pesar de no sorprender estamos ante una cinta lo suficientemente interesante como para darle una oportunidad.

Firma: Omar Parra.
@Omar_FTW

Entrevista a Jen y Sylvia Soska. Directoras y guionistas de Rabid

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Entrevista realizada en el Festival de Sitges 2019 a Jen y Sylvia Soska. Directoras y guionistas de Rabid.


¿Para Rabid trabajasteis con David Cronenberg o tuvisteis libertad absoluta para llevar adelante el proyecto?

Jen Soska: Lo que pasó es que David Cronenberg recibió un guion que le horrorizó y cuando buscó su nombre en Google acabó leyendo un artículo sobre nosotras. Nos llamó para una entrevista y nos preguntó si podríamos explicarle el concepto de “Cronenberg”, al terminar nos dijo que le había gustado cómo lo habíamos desarrollado y que él se encargaría de buscar la financiación mientras nosotras nos encargábamos de la parte creativa.


¿Cuántas veces visteis la película de David Cronenberg?

Sylvia Soska: No queríamos perder nada de lo principal de la película de Cronenberg, como por ejemplo la escena de Santa Claus, así que la vimos muchas veces. Y lo adaptamos desde la mirada femenina, porque somos mujeres, y hay que tener claro que Cronenberg es un hombre heterosexual y no cree en la vida después de la muerte pero yo soy una mujer pansexual y muy espiritual, me encantan las mujeres pero también las quiero a otro nivel. Rosa, la protagonista, sufre pero no de un modo degradante sino como lo haría una mujer de verdad, es interesante comparar las películas porque en la de David Cronenberg la perspectiva se centra en el novio de Rose y en la nuestra el novio es guapo pero queda relegado a un segundo término.


¿Habéis pensado en hacer una secuela de vuestra primera película, American Mary?

Jen Soska: Tristemente, American Mary fue en nuestros inicios y aun no sabíamos cómo proteger nuestros derechos ante socios con intereses turbios. Pero cuando hicimos Rabid, Cronenberg nos puso en contacto con un abogado así que intentamos recuperar los derechos para hacer una serie de televisión y queríamos hacer unas secuelas llamadas American Black y American Doll. American Mary forma parte de nuestra vida y nuestro trabajo, tengo posters en mi habitación y es lo primero que veo al levantarme.


¿Podéis contarnos un poco sobre otras facetas vuestras como actrices o los trabajos en el mundo del comic?

Sylvia Soska: A veces me gustaría hacer de todo menos dirigir, ser directora es durísimo y cuando actúo solo tengo que aprenderme el guion y desarrollar mi personaje. En lo que se refiere a los comics, creo que nuestro estilo es demasiado crudo y oscuro para entrar en el mainstream. Por ejemplo tenemos un comic llamado Kill Crazy Ninphos Attack que no consiguió editorial en Estados Unidos, luego una empresa china nos timó y se quedó nuestro dinero pero conseguimos colársela a una empresa india.

Jen Soska: También escribimos el guion de Black Widow para Marvel antes que la comprara Disney.


¿Cuál es vuestra película de terror favorita?

Jen Soska/ Sylvia Soska (a la vez): ¡American Pshycho!

Jen Soska: Nos gusta mucho Mary Harron, una directora canadiense que se merece más reconocimiento. Nos hicimos amigas suyas y creo que nunca hemos estado más asustadas que cuando nos preguntó cuál era nuestra película de terror favorita, nos dio vergüenza decirle que American Psycho.

Sylvia Soska: Y nos contó que para la escena del trío con las prostitutas, vieron un montón de películas porno y luego utilizaron figuritas para escenificarlo.

Teaser de la nueva versión de EL PULPO NEGRO. Estreno mundial en el Festival de Sitges

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Esta semana se estrenó mundialmente en el marco del 52º Festival de SITGES (Catalunya), el festival de cine fantástico y terror más importante del mundo, el teaser de la nueva versión de EL PULPO NEGRO, la miniserie de suspense protagonizada por el “Maestro del Terror” Narciso Ibáñez Menta que en la década del ‘80 rompió todos los récords de audiencia en la Argentina.

EL PULPO NEGRO fue uno de los siete proyectos seleccionados para participar del SITGES PITCHBOX, entre más de los doscientos cincuenta presentados provenientes de todas partes del mundo.

El teaser fue dirigido por Nicolás Onetti, quién en el año 2017 fue distinguido en ese mismo certamen con el galardón al Director más prometedor. El guion fue escrito por Luis Murillo, autor original de El Pulpo Negro, junto a su hijo Luis Murillo Arias (guionista de El Internado, la exitosa serie de Antena 3) y al argentino Hernán Moyano; y producido por 16:9 Cine y Black Mandala.

El teaser es protagonizado por Miguel Ángel Solá, quién en su relato en off interpreta al legendario personaje Héctor de Rodas, por Gustavo Pardi (El Marginal) y María Eugenia Rigón (Abrakadabra).

El proyecto es una co-producción entre Argentina, España y Nueva Zelanda que prevé una versión en largometraje cinematográfico y otra en formato serie.


Nuevo tráiler de Zombieland: Mata y Remata

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Nuevo tráiler de Zombieland: Mata y Remata. Ruben Fleischer (Venom) en la dirección y Rhett Reese y Paul Wernick (Deadpool) en el guion, vuelven diez años después del estreno de Bienvenidos a Zombieland, para contarnos qué fue de esos queridos personajes de la que es ya hoy un gran clásico de culto.

La secuela reúne además al brillante reparto original: la oscarizada Emma Stone, y los nominados al máximo galardón de la Academia de Hollywood Woody Harrelson, Jesse Eisenberg y Abigail Breslin, para luchar contra los nuevos tipos de zombis que han evolucionado desde la primera película, así como a nuevos supervivientes humanos... Zoey Deutch, Rosario Dawson, Luke Wilson, Dan Aykroyd, entre muchos otros. Pero por encima de todo, se tendrán que enfrentar a los conflictos de su improvisada "familia" disfuncional. Todo esto lo podremos disfrutar en las salas de cine de toda el España el próximo 18 de ocutbre.


Diez años después de que Bienvenidos a Zombieland se convirtiera en un gran éxito y un clásico de culto, el reparto principal (Woody Harrelson, Jesse Eisenberg, Abigail Breslin y Emma Stone) se vuelve a unir al director Ruben Fleischer (Venom) y los guionitstas originales Rhett Reese y Paul Wernick (Deadpool) para Zombieland: Mata y Remata. En la secuela, escrita por Rhett Reese, Paul Wernick y Dave Callaham, a través de un divertido y loco caos que va desde la Casa Blanca al corazón del país, estos cuatro cazadores deben luchar contra nuevos tipos de zombis que han evolucionado desde la primera película, así como nuevos supervivientes humanos. Pero por encima de todo, se tendrán que enfrentar a los problemas de su alocada e improvisada familia.


El idilio entre Asia y Sitges se anima con Her Blue Sky y las sugerentes historias de SABU

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La potente producción asiática sigue sorprendiendo un año más en Sitges. Su relevante presencia sigue cogiendo protagonismo con cada edición y la diversidad de propuestas con estrenos mundiales procedentes de todo el continente, confirman la buena salud del género. En la jornada de hoy miércoles se han proyectado seis cintas procedentes de Corea del Sur, Hong Kong, Taiwan y Japón. Además, SynchronicAchouraThe Antenna y Pelican Blood han sorprendido e impactado en su presentación dentro de la Sección Oficial. Y mientras Sitges seduce a un público ávido de las más variadas formas del género fantástico, la organización ya trabaja en la siguiente edición.

La jornada de hoy del Festival ha tenido aquel sabor oriental que tanto gusta en Sitges. Desde Japón, dos estrenos del maestro SABU, responsable junto Takeshi Kitano y Takashi Miike de renovar el cine japonés de los años 90, con el estreno mundial de Dancing Mary y la que puede ser una de las sorpresas del Festival, su otra propuesta de género de autor, marca de la casa, Jam. En Secció Oficial Fantàstic a competición y también en Anima't, el equipo de la punzante El himno del corazón vuelve con el estreno mundial en Sitges de Her Blue Sky, una sorprendente historia llena de aventuras amorosas y anhelos juveniles dirigida por Tatsuyuki Nagai que nos habla de reencuentros, viajes en el tiempo y amores. La cinta que compite por premio en dos secciones en Sitges, cuenta con un equipo de lujo: la guionista, Mari Okada (El himno del corazón) y el productor Genki Kamawura, responsable de películas como Your Name, la cinta más taquillera de Japón de todos los tiempos.

La nueva película de Midi Z, el director birmano criado en Taiwan, se suma a una temática prolífica en los últimos años en la programación del Festival (Starry Eyes, Demons), y pone encima de la mesa la idoneidad de los intimacy coordinators en el cine. En Nina Wu, uno de los directores más importantes del sudeste asiático vuelve a radiografiar perfectamente la realidad, pero esta vez ya no sólo la de Myanmar o Taiwan, sino a nivel mundial al poner directamente el dedo en la llaga del mundo del cine. Corea del Sur también aportará un año más acción y sorpresas en la sección Òrbita con The Gangster, The Cop and the Devil, del director y guionista Won-Tae Lee y uno de sus actores protagonistas Moo-Yul Kim, actor de películas bien conocidas en Sitges como Illang: la brigada del lobo War of Arrows. Las producciones de Billy Acumen, muy reputado en la industria del cine coreano, acostumbran a pasar siempre por Sitges como el caso de A Hard DayThe Outlaws, presentada el año pasado o la otra producción que presenta este año, Unstoppable. En la Secció Panorama hoy se ha estrenado también Super Meel film de debut de Zhang Chong que representa esta tendencia de la producción china hacia el género de ciencia-ficción, con unos efectos visuales espectaculares. Después de la proyección, el director ha estado atendiendo a fans y seguidores en los alrededores del Cine Retiro.

La jornada de miércoles también ha tenido más novedades de otros continentes en el escaparate del cine fantástico que es la sección oficial de Sitges. Después de confirmar su talento en Sitges con The Endless en 2017, la pareja de realizadores Justin Benson & Aaron Moorhead han vuelto al Festival a la Secció Oficial Fantàstic con Synchronic, su propuesta de ciencia-ficción laberíntica interpretada por Jamie Dornan (50 sombras de Grey) y Anthony Mackie (Avengers: Endgame) que han presentado esta mañana en rueda de prensa, remarcando que a pesar de ser la película con más presupuesto y con un planteamiento de la historia aparentemente más "comercial y convencional" la parte artística y del proceso de creación ha seguido el sello propio que tienen como pareja creativa de sus anteriores películas. Casi una década después de Mirages, Talal Selhami regresa con Achoura, una historia de miedo a caballo entre Francia y el folclore marroquí.

El miedo también se podrá oler en la Turquía distópica de Orçun Behram con The Antenna, donde el Gobierno pone en marcha un nuevo sistema de comunicación para tener controlados a todos los habitantes del país; y en la segunda película de Katrin Gebbe, Pelican Blood, ambientada en Alemania, donde la idílica vida de una madre soltera, interpretada sólidamente por Nina Hoss, cambia repentinamente cuando su segunda hija pasa de ser tímida y encantadora a ser peligrosa e incontrolable.

En el Sitges Film Hub se ha celebrado hoy también la quinta edición de Producers Meet Producers, la iniciativa de mentoring en la cual los productores senior apadrinan un grupo de 10 productores júnior durante un año. El programa es desarrollado por la PAC (Productors Audiovisuals de Catalunya) y Nivell 10 en colaboración con el Festival, que se convierte en el espacio de encuentro de estas parejas y de presentación de los primeros frutos de la colaboración.

Y cuando todavía quedan cuatro días de Festival, Ángel Sala y su equipo ya han avanzado en primicia alguna de las líneas de Sitges 2020, que se celebrará del 8 al 18 de octubre y navegará entre el 65 aniversario de La noche del cazador de Charles Laughton y el 60º de La máscara del demonio de Mario Bava, entre muchas otras propuestas que se están empezando a cocinar.

The Antenna review

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Mehmet es el encargado de seguridad y mantenimiento de un gran edificio repleto de apartamentos. Un día aparece un técnico del gobierno para instalar una nueva antena parabólica y posteriormente se suicida. Al poco la antena empezará a desprender un líquido negro que se colará en cada uno de los apartamentos infectando a los inquilinos y creando el caos.

Título original: The Antenna

Año: 2019

Duración: 115 min.

País: Turquía

Director: Orçun Behram

Guion: Orçun Behram

Fotografía: Engin Ozkaya

Reparto: Gül Arici, Ihsan Önal, Elif Carkman, Murat Saglam, Enis Yildiz, Eda Özel, Levent Ünsal


Oscuro relato que tarda en arrancar.

The Antenna tiene dos líneas de comprensión, una es la de pura película de terror y ciencia ficción surrealista, y otra una encarnizada y oportuna crítica al gobierno turco, presidido por Recep Tayyip Erdogan, que ostenta el cargo desde verano del 2014. Un gobierno totalmente autoritario, censurador que reprime al pueblo y a los medios de comunicación. Si enfocamos la cinta en este ámbito, encontramos una película inteligente, sutil y punzante, sobre todo para la misma audiencia turca. En cambio, si la inspeccionamos tan solo como película de género, bueno... no sería la gran cosa.


Mehmet es el encargado de seguridad y mantenimiento de un gran edificio repleto de apartamentos. Un día aparece un técnico del gobierno para instalar una nueva antena parabólica y posteriormente se suicida. Al poco la antena empezará a desprender un líquido negro que se colará en cada uno de los apartamentos infectando a los inquilinos y creando el caos.

La película trata mucho más la forma que el fondo, la estética y la fotografía tienen mucha más atención que no el argumento y el ritmo. Casi dos horas de duración es a todos ojos excesiva, su ritmo, desmesuradamente lento, y su desarrollo a paso de tortuga no ayudan al espectador. Además un mal desarrollo y la excesiva frialdad de los personajes hace que realmente, te de igual lo que les pueda pasar. Aún con esas su atmósfera y estética son de alta calidad, como decía antes, donde verdaderamente se puso empeño. En cuanto a su vertiente más subversiva no deja mucho al enigma, la crítica a un gobierno déspota es evidente pero imagino que ese mensaje debía quedar claro.

Debuta en el mundo del cine Orçun Behram, quien produce, escribe y dirige la cinta. Se notan mucho sus influencias, David Lynch y David Cronenberg están por todas partes en The Antenna, además no podemos evitar ver muchas similitudes entre el edificio de aquí y el de High-Rise (Ben Wheatley, 2015). Fotógrafo de profesión de ahí le debe venir el mimo a lo visual y la imaginación en los planos, y pese a que la fotografía esté firmada por Engin Ozkaya seguramente habrá metido mano ahí. También hay que valorar las agallas para realizar una película de estas características sabiendo que hay multitud de ciudadanos en prisiones turcas por sus declaraciones públicas. En cuanto al reparto no hay mucho que rescatar, pues como decía antes, no hay ninguno que esté bien escrito y no logran involucrarte en la historia, si hubiera que destacar a alguien sería a Ihsan Önal (Baskin) por su interpretación, aunque no sea demasiado interesante como personaje.


Película recomendable para aquellos amantes de lo visual y el mensaje con segundas. Depende de a qué hora la veas te puede resultar algo dura de tragar, personajes no demasiado desarrollados y una trama que podría haber dado más de sí. En absoluto será lo peor que veas este año, pero no dejará demasiado poso en ti.

Firma: Oriol Hernández.
@Oriol_TW

Nocturna Madrid presenta la mayor selección de cortometrajes de terror y fantástico de su trayectoria

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De entre las 300 obras recibidas, el VII Festival Internacional de Cine Fantástico Nocturna Madrid proyectará más de una treintena de largometrajes y 28 cortometrajes (19 nacionales, 6 internacionales y 3 fuera de competición).

“En este país hay muy buen cine de género que sólo está esperando el apoyo para hacerse visible tanto aquí como a nivel internacional”, afirma el director del Festival, Sergio Molina. “Nuestra selección de esta edición, la mayor de nuestra trayectoria, recoge diferentes estilos para mostrar al público la variedad de las diferentes visiones que ofrecen sus creadores”, añade Marc Castro, programador de la sección. Nocturna Madrid apuesta por apoyar la creación nacional, con el fin de demostrar la calidad y el buen hacer de los artistas locales (directores, guionistas, actores, maquilladores, etc.) para impulsar la cantera de creadores y su promoción dentro y fuera de España.

Una prueba de ello es el triunfo en el extranjero de cortometrajes exhibidos en Nocturna Madrid, como ha ocurrido en la Comic Con de San Diego o en el Festival Korea BIFF, o el apoyo de Sam Raimi a Ángel Gómez Hernández para adaptar a la gran pantalla su cortometraje Behind. 

Cortometrajes nacionales a competición

Entre los cortometrajes nacionales a competición destaca La Habitación Blanca de Carlos Moriana, donde a la oscuridad del cine llega esa luz de la habitación blanca: ¿Qué es real? ¿Qué es alucinación? O Amargo era el postre de Diego H. Kataryniuk Di Costanzo, donde un noble francés invita a cenar a sus amigos. Las conversaciones se convierten en enfrentamientos y afloran los mayores secretos y miserias en un encuentro plagado de sorpresas…

Con la premisa de que los niños nunca son lo que parecen y son capaces de generar esa angustia del horror que acecha a los adultos, se presenta A Little Taste de Víctor Català. Y que no cuenten cuentos, las brujas no existen, pero haberlas, haylas… Lucas Paulino y Ángel Torres muestran el miedo de los niños, que continúa en la etapa de la madurez con El Cuento.

En ocasiones, la realidad puede ser muy cruel, y la mente es la encargada de mantener firme al ser humano o hacerle volar para huir de ella incluso a través de la luz y el color. Así son Hawaii de Jordi Capdevila y Casa de Alberto Evangelio Ramos, con la que este último autor da una vuelta de tuerca a la cruda realidad, llevándola al terror que tanto gusta al público de Nocturna Madrid.

Sonrisas de Javier Chavanel conducirá al público a la complicación de conocer por primera vez a la familia de su pareja, cuando “sólo” es preciso mantener la calma y sonreír. En el nuevo mundo de las aplicaciones para conocer pareja, la primera cita siempre es compleja. La directora Olga Osorio vuelve a Nocturna Madrid para jugar en clave de humor con la ciencia ficción en Tinder Time. 

¿Hasta dónde pueden llegar las fobias? Siempre se puede contar con la ayuda de un médico... O no. Mariam Hernández y Javier Pereira protagonizan esta historia claustrofóbica o agorafóbica de Juan Carlos Mostaza: Amandine. 

También David Salgado propone El Rastro del cazador, una adaptación del relato “El corazón delator” de Edgar Allan Poe que proporciona el carácter gótico que acompaña a Nocturna Madrid; y Daniel Noblom apuesta por una perspectiva diferente sobre el cine negro detectivesco en No Apto para Menores. Además, Abuelita de Wiro Berriatúa aporta una interesante mirada al mundo de los superhéroes y los villanos en clave de humor negro que parece mofarse de los clichés y las ideas preconcebidas.

Estos nuevos títulos se suman a los ya anunciados Tu último día en la Tierra, de Marc Martínez Jordán, El fin de todas las cosas, protagonizado por Paola Bontempi, Equals de Javier Yáñez, Hopes de Raúl Monge, La octava dimensión, dirigido por Kike Maíllo y protagonizado por Najwa Nimri y Cinco Reyes de Alberto Pons.

Seis cortometrajes internacionales procedentes de EEUU, Canadá, Andorra, Francia, Croacia y Perú
Desde países como EEUU, Canadá, Andorra, Francia, Croacia y Perú llegan seis cortos que también competirán por el premio de Nocturna Madrid. Al margen de Lay them straight de Robert DeLeskie, el Festival ofrecerá un cortometraje que explora otros rincones del fantástico en I'm sorry de Kris Carr y Sam Fowler. Los directores británicos tendrán doble motivo para viajar a Madrid, pues su largometraje The Young Cannibals también competirá en la Sección Oficial.

À L'aube de Julien Trauman llega desde Francia para recordar al espectador las locuras de juventud y la manera en que se convierten en pesadillas. Desde Croacia se presenta un futuro donde la escasez de agua es un elemento fundamental. Es The Last Well de Filip Filković.

Ambientado en la II Guerra Mundial, Le Blizzard de Álvaro Rodríguez mostrará la angustiosa huida de un grupo de refugiados encabezado por Aida Folch, que busca desesperadamente a su hija; y El Juego de Rogger Vergara Adrianzén aterriza desde Perú para provocar auténtico terror sin usar ni una sola palabra. La protagonista despierta en una habitación húmeda y oscura con un ser que imita todos sus movimientos.

Fuera de Competición

Nocturna Madrid proyectará también tres cortos fuera de competición que, según Molina, “no se puede perder el público”: La Colleja de Sergio Morcillo. Habitual de este festival y jurado este año de la Sección Oficial, trae esta comedia negra protagonizada por Nacho Guerreros, Itziar Castro y Lluvia Rojo en la que un padre comete un gran error con inesperadas consecuencias.

En inauguración se podrá ver Reality de Alejandro Ibáñez que demuestra que el peor terror es la realidad. Y también se proyectará La Virgen Descalza de Lone Faerch (Lone Fleming), una inquietante obra de intriga y de época alrededor de una joven mujer a punto de casarse.

Películas e historias para no dormir, en homenaje a Narciso Ibáñez Serrador
"El terror es un género muy difícil. Con el terror siempre andas en el filo de la navaja. Si haces comedia o drama y no lo consigues, el espectador reacciona con indiferencia. Si no logras transmitir miedo, provocas el ridículo", reconocía Narciso Ibáñez Serrador en 2016. Nocturna Madrid ofrecerá también en esta edición un ciclo programado conjuntamente con la Fundación SGAE y la Sala Berlanga sobre el mítico autor, con pases gratuitos hasta completar aforo. El ciclo está dedicado al cineasta y se compone de trabajos creados para la serie Películas para no dormir (telefilmes independientes en los que seis prestigiosos directores, entre ellos el propio Ibáñez Serrador, buscan provocar el insomnio) e Historias para no dormir (la famosa serie que desde 1966 abordó el género cinematográfico del terror, por entonces casi desconocido en el cine o la televisión en España, presentada y dirigida por él mismo).

“Es una estupenda guía para iniciarse en la oscuridad, aunque en realidad son series que iluminan y que nos devuelven, como Historias para no dormir, a aquella tele de dos rombos que forma parte de nuestra historia y de la historia del fantaterror en España”, apunta Sergio Molina.

El ciclo comenzará un día antes de la inauguración del Festival, el lunes 21 de octubre a la 21.30h., con la proyección de La Culpa (Película para no dormir), dirigida por Ibáñez Serrador y protagonizada por Nieve de Medina y Montse Mostaza. En ella se narra la historia de un lúgubre hospital en el que se realizan abortos. Previamente (20h.) se realizará la mesa redonda “Chicho, la fantasía conquista la pequeña pantalla española”, con la presencia de Alejandro Ibáñez (cineasta e hijo del autor), Carlos Urrutia (actor y biógrafo de Chicho Ibáñez Serrador) y Sergio Molina (director de Nocturna Madrid).

El martes 22 a las 19.00 h será el turno de Para entrar a vivir de Jaume Balagueró (martes 22 a las 19h.), la historia de un joven matrimonio que busca piso desesperadamente en una pesadilla que dará comienzo en cuanto lo encuentran, y que está protagonizada por Macarena Gómez, Adrià Collado y Nuria González. También ese día se proyectará El muñeco y La zarpa , ambas de Chicho Ibáñez Serrador, creadas en 1966 y 1967, respectivamente para Historias para no dormir. La primera es sobre una niña con graves alteraciones de conducta y visitada por el espíritu de su primera institutriz, ya fallecida, y la segunda un relato sobre la desesperación y el precio de los sueños.

La habitación del niño de Álex de la Iglesia (2005) se verá el miércoles a las 19h. Un joven matrimonio con bebé incluído se traslada a vivir a una casa. Una noche, el marido descubre a través del monitor con el que vigilan al niño, que un hombre se sienta al lado de la cuna. También ese día se proyectará El fin empezó ayer (Historia para no dormir) de Chicho Ibáñez Serrador. Un trabajo de 1982 que narra cómo en una universidad italiana un alumno que sobresale del resto pide al rector poder realizar los seis años de carrera en un solo curso.

El jueves le tocará el turno a Adivina quién soy (Película para no dormir) de Enrique Urbizu (2005), protagonizada por Goya Toledo y José Mª Pou, en la que no todo es imaginario en la hija de una enfermera, inmersa en un mundo de fantasía, monstruos y vampiros; Cuento de Navidad (Película para no dormir) de Paco Plaza, sobre cinco amigos que viven en un pueblo de veraneo de la Costa Brava, una ladrona que merodea la zona y un crimen en el que la víctima desaparece; y El trasplante (Historia para no dormir) de Chicho Ibáñez Serrador (1968) con José Mª Parada y Lola Herrera, en la que un hombre rechaza de plano los trasplantes de órganos porque cree que de esa manera conserva su integridad.

Finalizará el ciclo el viernes 25 con la proyección de Regreso a Moira (Película para no dormir) de Mateo Gil (2005), con Natalia Millán, Juan José Ballesta y Jordi Dauder, en la que un escritor de éxito de edad avanzada, tras la súbita y violenta muerte de su esposa, recibe, inesperadamente, una vieja carta del tarot: la carta del “Enamorado”, que parece tener para él un inquietante significado. También ese día se podrá visionar El televisor (Especial Historias para no dormir), uno de los más queridos y recordados especiales de Chicho para televisión, en un aterrador retrato de una época donde los televisores podían cambiar la vida de las personas hasta límites insospechados.

Los días 22 y 23 el ciclo Historias para no dormir será presentado por el cineasta Elio Quiroga, mientras que los días 24 y 25 será el crítico Jesús Palacios quien se encargue.

Hipnosis. Homenaje a Eugenio Martín 

"¡Grite, no se avergüence, le disculpará la tensión emocional de Hipnosis!", rezaba el eslogan publicitario que formaba parte de los programas de mano de Hipnosis, la coproducción hispano-italo-germánica de 1962 con la que Nocturna Madrid homenajeará también a Eugenio Martín y que se proyectará el día 22 a las 17h. en la Sala Berlanga, en colaboración con el Consejo Territorial de Madrid de la Fundación SGAE y patrocinado por 8 Madrid TV. 

Antes de dirigir Pánico en el Transiberiano (1973), Eugenio Martín había apostado por el género con esta película que juega con la ambigüedad de una presencia maléfica e incomprensible como el muñeco Grog y su ventrílocuo -interpretado por Jean Sorel- que, a pesar de ser consciente de que ha cometido un crimen, no es capaz de parar la oleada de asesinatos que se ve obligado a seguir perpetrando para tapar el primero. Su título en la versión alemana, Sólo los testigos muertos están en silencio, transmite la esencia de este film de culto del denominado cine giallo, “admirado y objeto de interés cinéfilo como casi todo lo que ha dirigido Eugenio Martín”, cuenta Sergio Molina.

Joker review

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Arthur Fleck es un desgraciado, tiene un trabajo en el que nadie le respeta, una madre que necesita de sus cuidados a todas horas, problemas psicológicos importantes y en definitiva, una existencia gris y triste. Pero cuando Arthur empiece a descubrir su pasado le empujará irremediablemente a abrazar su terrible destino.

Título original: Joker

Año: 2019

Duración: 121 min.

País: Estados Unidos

Director: Todd Phillips

Guion: Todd Phillips, Scott Silver

Música: Hildur Guónadóttir

Fotografía: Lawrence Sher

Reparto: Joaquin Phoenix, Robert De Niro, Zazie Beetz, Frances Conroy, Brett Cullen, Bill Camp, Sean Whigham, Dante Pereira-Olson, Douglas Hodge


El príncipe payaso en todo su apogeo.

Pues por fin se ha estrenado Joker. Una cosa de la que nadie te advirtió que pasaría cuando te ibas haciendo mayor es que poco a poco, dejas de emocionarte y motivarte por según qué cosas, o por lo menos lo haces pero con menor intensidad. Pero eso no significa que dejes de hacerlo y de hecho cuando esto ocurre te lo tomas bastante en serio, porque no es lo habitual. A Joker la cogí con ganas, todo (lo poco) que me había ido enterando de la película no mermaba nada mis ganas de verla, de hecho todo lo contrario. Una vez vista y sopesada en mi cabeza ¿es una película esplendida? Sin duda ¿Será la mejor película del año? Espero que no.


Arthur Fleck es un desgraciado, tiene un trabajo en el que nadie le respeta, una madre que necesita de sus cuidados a todas horas, problemas psicológicos importantes y en definitiva, una existencia gris y triste. Pero cuando Arthur empiece a descubrir su pasado le empujará irremediablemente a abrazar su terrible destino.

Como ya hizo Logan (James Mangold, 2017), Joker se aleja de los fuegos artificiales y los super héroes con armadura para contarnos un thriller con mensaje social que nadie vio venir. Alejada totalmente de ese especie de universo cinematográfico de Warner/DC (y menos mal) dio la oportunidad de tener un tablero totalmente despejado para probar cosas nuevas y con mucha menos presión. Pero hablemos de la película. Creo que le ha jugado en contra tanta repercusión y expectativa (siempre lo hace). Se la llegó a comparar con Martin Scorsese en general y Taxi Driver en particular, eso son palabras mayores, y aunque se entiende que se mencionen esos nombres son más una puñalada que una bendición. El mundo que tenemos en 2019 es muy diferente al de los 70 y sabes que aunque se intente transgredir, es evidente que un titan del entretenimiento como es Warner no va a romper el status quo del sistema con una de sus películas porque él mismo es una parte importante del pastel.

Pero no nos pongamos sociólogos, Joker es sin duda una gran película, a su manera bastante necesaria e inteligente en su ritmo. Una cuenta atrás que comienza en el primer minuto de la película y que avanza sin impedimentos hacia el final que todos conocemos, pero como tanto se dice lo importante no es llegar, sino el trayecto. Y aunque cruce algunas líneas rojas a ojos de los entendidos del personaje en los cómics, como nueva visión del eterno villano es impecable por su total lógica, en contrapunto a la locura absoluta. Aun así hay pequeñas cosas que me hicieron salir de la película, nada demasiado importante pero que me disgustaron, comentarlas aquí sería entrar en el terreno de los spoilers, de modo que, para los que ya la hayan visto, mencionar que son algunas acciones que son protagonizadas por el personaje de Robert De Niro y que encontré algo perezosas por parte del guion y raras viendo que el resto de la historia estaba tan bien ligada.

Interesante volantazo en la carrera de su director, Todd Phillips, que aunque ya marcara tendencia con su anterior film, Juegos de Armas (2016) no hay que olvidar que es el director de la trilogía de Resacón, la adaptación de Starsky & Hutch, Road Trip, o (para mí un peliculón) Salidos de Cuentas. Su influencia en Scorsese es más que evidente, aunque por supuesto, a años luz de él. Se comenta mucho la influencia de Taxi Driver en Joker aunque la verdad, me parece infinitamente más influenciada por El Rey de la Comedia, y no solo porque el personaje de Robert De Niro sea prácticamente el mismo, sino porque, cada una a su manera, cuentan una historia muy similar aunque con desenlaces distintos (pero no tanto como se pueda imaginar).


Si algo ha convenció a todo el mundo sobre este proyecto desde el primer momento, fue la decisión de poner a Joaquin Phoenix (El Bosque, Puro Vicio) a interpretar al payaso del crimen, el personaje ya tiene un recorrido en la gran pantalla y se ha visto tanto lo mejor, Heath Ledger y Mark Hamill, como lo peor, Jared Leto. Quedaba por ver en qué grupo se colocaba esta nueva visión. Para mí lo de este actor es de otro mundo, sin duda el mejor de su generación, y con Joker no hace más que apuntalar su reputación. Todo, su físico, su risa, su expresión corporal (que me recuerda a un muñeco de trapo), su mirada... no me extenderé más con esto porque es una cosa que hay que ver.

Una película que por lo tiempos que corren es transgresora, que sus comparaciones le han hecho un flaco favor pero a su vez, necesaria y reivindicativa. Si no te van mucho las películas de super héroes... ves a ver Joker.

Firma: Oriol Hernández.
@Oriol_TW

Luz review

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Un predicador, apodado El Señor, vive alejado en las montañas con sus tres hijas. La difícil convivencia se ve alterada con la aparición de un niño al cual El Señor etiqueta como el nuevo mesías. Su llegada desencadena todo tipo de sentimientos. Entre ellos cuestionarse la fe, y la duda de si acabará traspasando esa débil frontera entre el bien y el mal.

Título original: Luz

Año: 2019

Duración: 103 min.

País: Colombia / Canadá / Estados Unidos

Director: Juan Diego Escobar Alzate

Guion: Juan Diego Escobar Alzate

Música: Brian Heater

Fotografía: Nicolás Caballero Arenas

Reparto: Andrea Esquivel, Yuri Vargas, Conrado Osorio, Jim Muñoz, Daniel Páez, Sharon Guzmán, Johan Camacho, Marcela Robledo


Atrevida, poética y descarnada.

Con cierto aire a la excelente Muere, Monstruo, Muere (Alejandro Fadel, 2018), Luz hace su aparición en el debut en el largometraje de su director Juan Diego Escobar Alzate. Esa mezcla de terror y miedos ancestrales, aderezada poéticamente, resulta la mar de resultona. Y es que la belleza de las imágenes que aparecen en pantalla y que hacen de envoltorio, remarcan aún más la sensación de terror. Pero no es un terror visceral y salvaje, es algo que está latente, que flota en el ambiente. Algo parecido a la película, denostada por muchos y alabada por pocos también de origen colombiano, El Páramo (Jaime Osorio Márquez, 2011).


La historia es oscura y bastante alejada de lo que podríamos denominar modernidad. Tampoco habla de brujería o algo que se le parezca. Se trata simplemente de la lucha dicotómica entre el bien y el mal, entre Dios y el Demonio o entre la alegría y la decrepitud. Unos extremos que Luz se obstina en colocarlos muy cercanos uno del otro, sin saber muy bien cuál de los dos acaba venciendo.

Un predicador, apodado El Señor, vive alejado en las montañas con sus tres hijas. La difícil convivencia se ve alterada con la aparición de un niño al cual El Señor etiqueta como el nuevo mesías. Su llegada desencadena todo tipo de sentimientos. Entre ellos cuestionarse la fe, y la duda de si acabará traspasando esa débil frontera entre el bien y el mal.

Estamos ante un debut que impresiona. Primero por la complejidad de un guion que consigue plasmar algo tan difícil como los sentimientos. Seguidamente por la manera en que está rodado, evitando todas a aquellas situaciones que podríamos encontrar en un mundo cuasi rural. Introduce algunos elementos que, a pesar de ser sumamente clásicos en cintas con el demonio como protagonista, no molestan, es decir se convierten en un aderezo más de este delicioso plato.

El difícil encaje de todo esto con cierto toque de melodrama la hacen algo complicada de seguir, sobre todo para los acérrimos seguidores del terror más sanguinario. Al resto indicarles que tendrán que hacer un esfuerzo adicional al cual, si no están preparados, se les puede hacer más larga que un día sin pan. Tampoco ayudan sus 103 minutos de duración.

Casi nos olvidamos. Tenemos que destacar la excelente fotografía de Nicolás Caballero Arenas, tremendamente clara en ocasiones y obstinadamente oscura en otras, y la buena banda sonora a cargo de Brian Heater.


En las interpretaciones contamos con un gran Conrado Osorio en el papel de El Señor y una terna femenina formada por Andrea Esquivel, Yuri Vargas y Sharon Guzmán como hijas del predicador. En papeles algo menores tenemos a Jim Muñoz, Johan Camacho y Daniel Páez.

Para acabar decir que Luz es una cinta que hay que visionar con la calma. Es de aquellas que esconden mensajes y guiños continuos. Hay que estar atentos para degustarla. Si hacéis el esfuerzo no os arrepentiréis.

Firma: Josep M. Luzán.
@Josep_Luzan

Entrevista a Orçun Behram. Director y guionista de The Antenna

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Entrevista realizada en el Festival de Sitges 2019 a Orçun Behram. Director y guionista de The Antenna.


¿A qué crees que es debido el repunte del terror turco?

Bueno, creo que es porque el mundo ahora es global y en Turquía hay una generación que pudo acceder a todo tipo de películas y por eso en el cine turco ahora hay otros enfoques a la hora de escribir y rodar, y se amplía el tipo de género.


¿De dónde has sacado las referencias para The Antenna, ya que encontramos ecos de David Cronenberg y Shinya Tsukamoto?

Cuando estaba escribiendo The Antenna, las únicas ideas que tenía en mente era la influencia de los medios de comunicación, la filosofía de los que dirigen, pero crecí viendo películas de John Carpenter, Cronenberg, Dario Argento, The Nightmare on Elm Street… Así que hay un montón de películas con las que podría establecer relación.


A la hora de la crítica social en The Antenna, ¿Cuál es tu opinión de los medios de comunicación, especialmente en Turquía?

Hay mucha relación entre los medios de comunicación y el poder, ya sean gobiernos o corporaciones. Está claro que no puede haber una democracia plena sin unos medios de comunicación libres. He intentado que mi historia sea mundial, sin señalar un lugar específico, pero es cierto que en Turquía el gobierno controla los medios de comunicación.


¿Es The Antenna un reflejo de la realidad o un aviso sobre el futuro?

Un poco de todo, soy muy pesimista acerca de la relación entre los medios de comunicación y la sociedad. Nos dicen qué pensar, sentir, etc… creo que nos acercamos a un punto de no retorno. En el futuro habrá grandes cambios en la tecnología, así que espero que las cosas cambien aunque soy bastante pesimista el respecto.


¿En qué genero situarías The Antenna?

Es difícil establecer un género, tiene elementos de terror pero también de ciencia ficción, thriller, misterio… No sé, es una mezcla de géneros pero sobre todo es ciencia ficción.


¿Qué ha sido lo más complicado de rodar en una película tan claustrofóbica?

Toda la película ha sido difícil de rodar porque teníamos muy pocos medios, rodamos casi todo en una oficina postal que estaba a punto de ser demolida y tuvimos que adaptarla. Todos los días eran una aventura, ¿Qué pasará hoy? ¿qué fallará?


¿Puedes contarnos alguna anécdota del rodaje?

Hubo problemas con la sala de calderas, no había presión y, de pronto, se inundó el interior de la oficina postal.


¿El líquido negro que aparece en la película es real o digital?

El 99% del líquido es real, era una mezcla entre agua, pintura negra y goma para darle esa textura. Lo teníamos en cajas y había que recogerlo cada vez que terminábamos, y era muy difícil sacarlo de las esquinas.


¿Has pensado en expandir el mundo de The Antenna en otras películas o series de televisión?

Si, es cierto que establezco un mundo con sus propias reglas, y se podrían contar más historias. En principio no he pensado en hacerlo, pero un amigo periodista, Glenn Johnson, está escribiendo un libro ambientado en el mundo de The Antenna, a ver dónde conduce la historia.


¿Cuáles son tus próximos proyectos?

Lo siguiente que voy a rodar es The Funeral, es una película de terror acerca de un vehículo funerario, sus conductores y el cadáver que lleva en su interior. Tiene cierto elemento zombi, pero introduciendo variaciones y con aire a Bonnie And Clyde pero en Turquía.


¿Cómo está siendo la acogida de The Antenna en los festivales?

Creo que positiva, ha estado en cinco festivales incluyendo Toronto o el FrightFest de Londres. Las reviews han sido positivas y negativas, pero estoy contento con la acogida general.


¿Película de terror favorita?

Uff, qué difícil. Me encanta Suspiria de Dario Argento, A Nightmare On Elm Street y su tercera parte, The Dream Warriors. Me gusta Hellraiser de Clive Barker, Videodrome de David Cronenberg, They Live de Carpenter, son demasiadas.

El nuevo hijo del Baztán crece en Sitges junto con el joven talento del fantástico distinguido en la Blood Red Carpet

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La entrega de distinciones de la Blood Red Carpet ha sido amadrinada este año por Goya Toledo, una de las actrices españolas con más proyección internacional

Ocho photocalls, dos ruedas de prensa y dos alfombras rojas en un intenso jueves que, además de una gran lista de presentaciones en las distintas secciones del Festival, ha vivido el estreno mundial de Legado en los huesos con Marta Etura y Imanol Arias, se han presentado dentro de la Sitges Coming Soon los proyectos de género que próximamente se harán realidad y los jóvenes nuevos talentos del fantástico de la Blood Red Carpet han tenido todo el protagonismo en un Sitges que ha terminado el día celebrando el buen estado de salud del cine de género en la esperada fiesta Minstinguett celebrada sobre el mar del Vivero Beach Club.

Hoy el Festival se ha convertido en escenario de estrenos mundiales, presentaciones de películas muy esperadas por todos los seguidores del fantástico y en la jornada que cada año Sitges dedica al talento más prometedor del género con la celebración de la quinta edición de la Blood Red Carpet. La mañana un poco lluviosa he empezado con la rueda de prensa de Legado en los huesos, la segunda entrega de la exitosa trilogía literaria del Baztán (El guardián invisibleLegado en los huesos y Ofrenda a la tormenta), de Dolores Redondo. La película, dirigida de nuevo por Fernando González Molina (Palmeras en la nieveFuga de cerebros), quien también se encarga de la tercera y última parte de la saga, vuelve sobre los pasos de la inspectora Amaia Salazar (Marta Etura) en un film con dosis de misterio y suspense a prueba de los nervios más templados. A Etura se le suman Leonardo Sbaraglia, Imanol Arias, Ana Wagener y Francesc Orella en este thriller que tendrá su resolución en los cines a finales del próximo año. Como ha comentado su productores esta mañana, Adrián Guerra, rodamos la segunda y tercera entrega de la trilogía a la vez, sin orden cronológico y durante 19 semanas seguidas, siendo la primera vez que se hace en España. La protagonista de la película, Marta Etura, ha hablado de los cambios de roles en la sociedad actual y que por fin la mujer forma parte también del mercado laboral, como es el caso de su personaje en el film, que sufre un fuerte cambio y se enfrenta a los problemas con mucha más fortaleza, consecuencia de su nueva maternidad. En este sentido, González Molina, ha destacado que esta evolución del personaje se ha traducido en una segunda entrega más abierta y emocional que el anterior, en un thriller de acción donde las historias de los personajes toman más relevancia.

Una jornada completa e intensa en Sitges en la que se ha podido descubrir el nuevo talento del cine fantástico. Por un lado, con el Sitges Coming Soon, la sección donde se presentan proyectos de género que próximamente ser harán realidad, que entre otros clips se han presentado Baby, producido por el cineasta vasco Juanma Bajo Ulloa, y Orígenes secretos, presentado por Antonio Resines. Y por otro lado, hoy se ha celebrado el quinto aniversario del Blood Red Carpet, el programa promotor del joven talento actoral del Festival y pionero en todo el estado que selecciona dos jóvenes actrices, dos jóvenes actores y dos jóvenes realizadores que hayan demostrado una prometedora trayectoria para ser presentados a la industria y a los medios internacionales. En esta edición los candidatos seleccionados han sido las actrices Claudia Trujillo y Mireia Oriol, los actores David Solans y Pol Monen, y en el apartado de directores, Rudy Riverón y Sergi Páez. A lo largo del día les han acompañado los directores de cásting internacional Nancy Bishop y Stéphane Foenkinos, invitados para conocer a los jóvenes actores y finalmente, a las seis de la tarde, después de una concurrida red carpet han recibido en el Auditori las distinciones como futuras promesas de la mano de Goya Toledo, madrina de la gala, antes de la proyección de  Le daim.

En sección Oficial Fantàstic a competición hoy hemos vivido la presentación de cinco película muy esperadas por todos los seguidores del Festival. Desde Francia ha llegado la última producción de Quentin Dupieux, Le daim, uno de los grandes éxitos de la Quincena de Realizadores de Cannes y una de las películas francesas con mejores críticas del año, que ha confirmado la fidelidad del director a Sitges. También hemos podido ver el debut en la dirección de Ant Timpson–productor neozelandés de ABCs of DeathTurbo Kid o The Greasy Strangler– con Come to Daddy, una comedia negra protagonizada por Elijah Wood que explora la surrealista experiencia de haber convivido con el cadáver de tu padre en un largo sepelio de siete días. Otra sorpresa esperadísima ha sido la presentación de The Cleansing Hour, donde el director Damien LeVeck y el coguionista Aaron Horwitz adaptan su corto original en una pieza de demonios y exorcismos entre millennials y emprendedores.

El thriller y el terror también han tenido un espacio destacado en la sección. Swallow, el film de Carlo Mirabella-Davis construye un oscuro thriller en torno al cuerpo, a partir de un trastorno que conducirá a la protagonista a una transformación difícil de digerir. Y en Les particules (Particles), la producción franco-suiza dirigida por Blaise Harrison, queda claro que estar en plena adolescencia y a la vez rodeado del mayor acelerador de partículas del mundo no es la mejor opción para atravesar esa edad tan compleja.

En la sección Òrbita se ha podido ver por fin Huachicolero, de Edgar Nito, una reflexión sobre la realidad social de México y gran triunfadora del neoyorkino festival de Tribeca, así como la esperada The Wild Goose Lake, de Diao Yinan, en sesión especial, una película de ritmo frenético y de formas estilizadas que en la platea del pasado Festival de Cannes, Quentin Tarantino se puso en pie para aplaudir.

Braid review

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Petula y Tilda tuvieron un momento de gloria pero, al no saber gestionarlo, han acabado como traficantes de drogas. Al escapar de la policía y dejar atrás su mercancía, contraen una importante deuda con el traficante; su única solución es ir a la casa de una amiga de la infancia, Daphne, y robar el contenido de su caja fuerte.

Título original: Braid

Año: 2019

Duración: 82 min.

País: Estados Unidos

Director: Mitzi Peirone

Guion: Mitzi Peirone

Fotografía: Todd Banhazl

Música: Michael Gatt

Reparto: Madeline Brewer, Imogen Waterhouse, Sarah Hay, Scott Cohen


Un refrescante tratado sobre la locura.

Si hay algo que me ponga en contra de una película es que sus primeros quince minutos me resulten irritantes debido a un exceso de esteticismo que, me temo, esconde la falta de guion.


Petula y Tilda tuvieron un momento de gloria pero, al no saber gestionarlo, han acabado como traficantes de drogas. Al escapar de la policía y dejar atrás su mercancía, contraen una importante deuda con el traficante; su única solución es ir a la casa de una amiga de la infancia, Daphne, y robar el contenido de su caja fuerte.

Braid es la ópera prima de Mitzi Peirone, una joven actriz italiana, y sus primeros veinte minutos nos hacen temer lo peor: estética muy cuidada, cambios de formato en la pantalla, jovencitas rebeldes y cool que resultan estomagantes, drogas, música… Pero ahí está la trampa de Braid ya que su interior esconde una historia que se desarrolla poco a poco, con secuencias que parecen no llevar a ninguna parte y movimientos de cámara entre hipnóticos y mareantes. Sé que algunos me mataran al leer esto pero, salvando las distancias, hay algo de Peter Strickland– la críptica mente tras The Duke Of Burgundy, In Traffic o Berberian Sound Studio– en ese universo cerrado que tiene lugar entre las paredes de la mansión decadente y los juegos perversos – cuyas reglas son estrictas – a los que Petula y Tilda se someten una vez llegan a la casa de Daphne, quien desde el principio se nota loca de atar. Hay preciosismo en Braid, tal vez demasiado, pero es innegable que la labor del director de fotografía Todd Banhazl es para dejar la boca abierta: el principio sucio, los interiores de la mansión o los delirios producidos por las drogas nos muestran una enorme e intensa paleta de colores.

El reparto es casi exclusivamente femenino y muy joven, Madeline Brewer, Imogen Waterhouse y Sarah Hay se notan sueltas en sus interpretaciones y, más que probable, haya mucho de improvisación en todos esos momentos donde el juego se desarrolla. Scott Cohen, la contrapartida masculina, cumple sin más pero también es debido a la inexistencia - justificada, eso si - de su personaje.


Braid es una cinta que sorprende, especialmente porque sus primeros quince minutos hacen prever un desastre narrativo debido a la búsqueda de lo cool y lo estético, pero cuando revela sus trucos internos, especialmente en la revelación final, descubrimos que oculta mucho más. Es de esas películas que exigen y atrapan si uno se deja llevar, que invitan tras su final a un buen rato de conversación para colocar todas las piezas del Puzzle.

Yo, por si acaso, me quedo con el nombre de Mitzi Peirone para ver si Braid es un espejismo o el inicio de una interesante carrera.

Firma: Javier S. Donate.

Entrevista a Rob Grant. Director y coguionista de Harpoon

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Entrevista realizada en el Festival de Sitges 2019 a Rob Grant. Director y coguionista de Harpoon.


¿Harpoon está rodada en alta mar o en un plató?

Los interiores los rodamos en Calgary, lejos del Océano, y como no conseguimos los permisos para rodar en la zona, nos trasladamos a Belice para grabar los exteriores.


¿Tenías pensado desde el principio que toda la acción sucediera en alta mar?
Sí, desde el principio, porque no teníamos mucho dinero y un amigo mío tenía un barco que nos podía prestar.


¿Es difícil rodar con una sola localización y tan pocos actores como hiciste en Mon Ami y ahora en Harpoon?

Escribo siempre pensando en que seré yo quien dirija y produzca, así que busco tener los mínimos elementos y me gusta explorar la amistad, la soledad, como trata las relaciones y secretos entre la gente. También me gusta explorar cualquier elemento loco que se me ocurra.


Respecto a los protagonistas ¿Tuviste alguno en mente desde el principio o hicieron casting?

Cuando escribí no tenía a nadie en mente, pero Mike Peterson, mi productor, me convenció para contratar a Munro Chambers, tanto a Christopher Gray como Emily Tyra los encontramos a través de agencias. Lo que intentamos fue generar dinámicas entre los tres y utilizarlo en Harpoon.


¿Cómo es tu proceso de creación?

Escribo ideas en mi móvil, todo tipo de ideas, y luego las doy muchas vueltas porque hay historias que no puedo continuar desde la página trece porque la idea se muere.


Mon Ami y Harpoon siguen la misma línea de comedia negra mientras tu película anterior, Alive, es completamente diferente ¿En qué estilo te sientes más cómodo, la comedia negra o películas más serias?

Me encantan los dramas pero o lo haces bien o a nadie le interesa. Me siento más seguro con mi propio mundo porque Alive tenía guion de Chuck McCue y Jules Vincent, Harpoon es mi última oportunidad de hacer una buena película o dedicarme a otra cosa. (risas)


¿Cuál fue la escena más difícil de rodar en Harpoon?

Todos los exteriores fueron muy complicados, porque no puedes controlar el tiempo que hacía o, por ejemplo, se suponía que estábamos perdidos en medio del océano y de pronto aparecía alguien con un Kayak.


¿Te sientes más cómodo rodando tus historias o guiones de otras personas?

Lo que me gusta es participar en los guiones, soy partidario de reescribir una y otra vez. Si un guion no se ajusta a lo que tengo en mente, quiero tener la oportunidad de poder cambiar cosas. En ese sentido el guion de Harpoon es totalmente diferente a lo que ves en pantalla.


¿Diste libertad a los actores para que añadieran a la película?

Tuvimos tres días de aislamiento con los actores para conocernos todos y explorar secuencias. Pero el 99% es el guion. Trabajamos mucho la escena de cuando están borrachos, les di libertad para que interaccionasen entre ellos porque todo el mundo al beber se libera.


¿Puedes hablarnos de tus próximos proyectos?

Estoy escribiendo una nueva película, Tales Man, que se desarrolla en Vancouver porque al ser ciudad fronteriza tiene mucha violencia, asesinatos, traficantes…


¿Cuál es tu película de terror favorita?

¡Madre mía! Hay muchas, pero me quedaré con The Shining que es una película que me relaja, es tan lenta entre los momentos de violencia que aporta más que las historias que es todo el rato susto, susto, susto. Sí, The Shining es muy relajante para mí.

4x4 review

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Ciro es un delincuente de poca monta, aunque con un siniestro historial detrás, que tiene la ocasión de robar dentro de un vehículo que más parece un carro blindado que un simple turismo. La “víctima” inicia un juego con el agresor en el cual no sabemos quién sale más mal parado.

Título original: 4x4

Año: 2019

Duración: 90 min.

País: Argentina

Director: Mariano Cohn

Guion: Mariano Cohn, Gastón Duprat

Música: Dante Spinetta

Fotografía: Kiko de la Rica

Reparto: Peter Lanzani, Ailén Mazioni, Dady Brieva, Luis Brandoni, Noelia Castaño.


Poderosamente perturbadora.

La inseguridad es un tema bastante de moda y que, creemos, siempre estará en el candelero. Es una cosa a la cual los argentinos están bastante acostumbrados, sobre todo a la hora de discutir sobre ello. Mientras tanto los delincuentes van haciendo, importándoles bien poco las consecuencias que sus actos puedan provocar.


Ahora bien, todo tiene su límite y las sufridas víctimas en ocasiones se revelan como refleja de manera magistral 4x4, un film arriesgado por un planteamiento que intenta meterse tanto en el cuerpo de la víctima como en el del verdugo.

Ciro es un delincuente de poca monta, aunque con un siniestro historial detrás, que tiene la ocasión de robar dentro de un vehículo que más parece un carro blindado que un simple turismo. La “víctima” inicia un juego con el agresor en el cual no sabemos quién sale más mal parado.

Con un gran bagaje detrás en el mundo del documental, el director argentino se logra sacar de encima ese tipo de hacer cine, metiéndonos dentro de algo claustrofóbico, sugerente, dramático y ¿por qué no decirlo?, terrorífico. A pesar de las limitaciones del rodaje, el ritmo es altísimo, no decayendo en ningún momento salvo en su parte final. Aquí ya aparece, como una sombra, ese toque de explicación de una realidad que parece sacada de un noticiario.

Dentro de la sordidez de lo que se nos está explicando, emerge ese toque de intentar humanizar unos acontecimientos que, aunque cueste creerlo, están basados en un hecho real, según palabras del propio director.

También tenemos que destacar un cierto aire a las películas de venganza basadas en el cuento del gato y el ratón, de las cuales se han realizado infinidad de producciones. En esta ocasión entre los protagonistas no existe ningún nexo de unión anterior. Su relación, por llamarla de alguna manera, se inicia y se termina con los hechos desencadenantes, lo que choca bastante y a la vez la hace más atractiva puesto que la espiral de violencia se nos antoja un sin sentido que poco a poco va adquiriendo tintes de tragedia.

Tenemos que nombrar el excelente trabajo de fotografía a cargo de Kiko de la Rica, por la dificultad de un rodaje en espacios súper pequeños y con escenas de alto voltaje que se resuelven con gran brillantez.


En las interpretaciones tenemos a un gran Peter Lanzani en el papel de Ciro, el cual se basta y se sobra para mantener la intensidad de un rodaje digamos que dificultoso. Le secunda Dady Brieva en un papel algo más sencillo pero que tiene el mérito de interpretar a alguién a quien le toca bailar con la más fea. A cierta distancia de ambos contamos con el veterano Luis Brandoni.

Para finalizar comentar que es un film que os cautivará desde el primer minuto, como pega, un final que, en nuestra opinión, baja algo el listón. De todas maneras es un film altamente recomendable.

Firma: Omar Parra.
@Omar_FTW

Judy & Punch review

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Judy y Punch son una pareja de marionetistas con grandes habilidades que podrían apuntar bien alto, pero por desgracia, la fortuna debido a la adicción de Punch por el licor no les acompaña. Tanto es así que cuanto más bebe más empeoran las cosas hasta llegar a irreversibles consecuencias que harán que Judy tenga que luchar para no perderlo todo.

Título original: Judy & Punch

Año: 2019

Duración: 105 min.

País: Australia

Director: Mirrah Foulkes

Guion: Mirrah Foulkes

Música: François Tétaz

Fotografía: Stefan Duscio

Reparto: Damon Herriman, Mia Wasikowska, Benedict Hardie, Eddie Baroo, Virginia Gay, Tom Budge, Amy Christian, Don Bridges, Terry Norris


Un cuento de marionetas y brujas.

Desde Australia nos llega un cuento de marionetas contada con audacia y sátira, impecablemente interpretada estamos ante una película con buena banda sonora y una ambientación destacable.


Judy y Punch son una pareja de marionetistas con grandes habilidades que podrían apuntar bien alto, pero por desgracia, la fortuna debido a la adicción de Punch por el licor no les acompaña. Tanto es así que cuanto más bebe más empeoran las cosas hasta llegar a irreversibles consecuencias que harán que Judy tenga que luchar para no perderlo todo.

Fantástico arranque y de gran sutileza el hacer uso de las marionetas para dar inicio e introducción a la historia. Un elemento que junto al derroche de arte en el speech que promulga Mia Wasikowska en la piel de Judy, en un entorno de magníficos pueblerinos bien vestidos por parte del departamento correspondiente y la iluminación de Stefan Duscio, nos hayamos sin tiempo para dudar en el pueblo de Seaside con la atención puesta al espectáculo de marionetas que estamos apunto de presenciar.

Ópera prima como directora de la actriz Mia Wasikowska que tras filmar tres cortos ha decidido emprender este nuevo reto tras la cámara, en un aprobado de sobras por el gran desarrollo de la historia además de una dirección solvente que no desencaja en ningún momento respecto a lo que se pretende explicar en este cuento escrito por ella misma. Como única crítica negativa decir que se excede tanto en la repetición de ciertas reivindicaciones que termina por distanciarnos de la historia que nos mantiene frente a la proyección, algo más de soltura y naturalidad habrían dejado de manera mucho más clara el mensaje que esta película trae en el interior mismo de la historia original de marionetas.


Cabe destacar que esta película no podría funcionar si no hubiera sido por la atmósfera cercana y la magnífica interpretación de la señalada protagonista así como del actor Damon Herriman encargado de dar vida a Punch, o de la mayoría de extras de los cuales no podría mencionar solo dos o tres.

Una historia sobrecogedora que nos cuenta realidades pasadas y actuales realmente incómodas, una historia de maldad, pero también de piedad, venganza, concienciación, evolución y orgullo.

Firma: Gerard FM.
@tmagerard

El universo de Lovecraft planea sobre Sitges con Color Out of Space, el retorno de Richard Stanley

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Cuerdas se estrena en primicia mundial en Sitges y ya es la quinta opera prima española presentada en Sección Oficial

Yves y Samurai Marathon entre los nuevos estrenos en Secció Oficial Fantàstic a competición para encarar un fin de semana de infarto

Sam Neill, que recogerá el Gran Premio Honorífico del Festival ha atendido a los medios en rueda de prensa, la montadora Mary Jo Markey ha hecho una master class sobre el montaje de Star Wars, Katharina Kubrick ha presentado la proyección de Eyes Wide Shut en Sitges Classics, mientras los responsables de Color Out of Space y Cuerdas han paseado por la alfombra roja en un principio de fin de semana final cargado de estrenos, visitas, presentaciones y actividades de industria. El día también ha tenido su momento más emotivo con la entrega del Premio Honorífico a toda una carrera a Luis Gasca, uno de los estudiosos y escritores más proactivos del cine y el cómic del país.

Las colas alrededor del Auditori a primera hora de la mañana confirmaban las expectativas creadas alrededor de Color Out of Space, el regreso a la dirección del Richard Stanley, que en 1990 sorprendió en el Festival con Hardware y que ha vuelto al Festival para la presentación en premiere mundial dentro de la Secció Oficial Fantàstic de esta obra basada en el mítico relato de H.P. Lovecraft y protagonizada por Nicolas Cage, Gran Permio Honorífico de Sitges 2018. Richard Stanley en rueda de prensa ha destacado el trabajo de la fotografía y la música como papel fundamental para que el público pueda percibir lo imperceptible de la cuarta dimensión, con este nuevo largometraje de ficción después de tantos años.

Otro estreno, en este caso mundial, que ha despertado el interés de público y medios en el día de hoy ha sido la quinta opera prima española que se ha presentado en esta edición en Sección Oficial a competición: Cuerdas, el debut en el largometraje del tarraconense José Luis Montesinos –ganador del Goya por el cortometraje El corredor–. En rueda de prensa esta mañana el director y los actores protagonistas, la actriz Paula del Río y Miguel Ángel Jenner han hablado de este trabajo hecho desde la libertad y el esfuerzo de una producción independiente que juega con los espacios cerrados, el terror y el suspense de forma admirable. "Es una historia de supervivientes en la que no queríamos apartarnos de la realidad. Es terror doméstico, un terror que puede pasarle a cualquiera y esto es lo que convierte la historia en interesante".

También en Sección Oficial Fantàstic a competición la jornada ha dado para dos sorpresas más a tener mucho en cuenta: la presentación de Samurai Marathon, dirigida por Bernard Rose, que ha venido hasta Sitges para presentar este film inspirado en una carrera que se celebra cada año en Japón, que despliega acción, épica e intriga, entre samurais, señores feudales y ninjas infiltrados; y directo desde Cannes, la divertidísima Yves, de Benoit Forgeard, la historia de una nevera inteligente adicta a la canción que se presenta a Eurovisión.

En la jornada de hoy dos mujeres han acaparado todos los focos de atención del Festival. Por un lado, Katharina Kubrick ha presentado la proyección de Eyes Wide Shut en el Cine Prado, la película que su padre rodó en 1999 y que se ha proyectado este año dentro de la sección Sitges Classics. Y el otro momento del día con firma femenina ha sido la clase magistral que ha hecho la Jurado Oficial Fantàstic de este año, Mary Jo Markey, Editing 'Star Wars VII-The Force Awakens, montadora de la película, que ha explicado los secretos mejor guardados del proceso de edición de la saga.

Serial Sitges se ha sumado hoy a la gran celebración del género fantástico en todos sus formatos y expresiones. Movistar+ ha presentado en primicia mundial tres nuevos episodios de Capítulo 0, la serie que parodia géneros y formatos televisivos, con un Q&A posterior en el que han participado los creadores de la serie, Joaquín Reyes y Ernesto Sevilla, y su guionista, Miguel Esteban. A continuación se ha presentado Terror.app, la serie de terror juvenil de Flooxer (Atresmedia) donde las aplicaciones móviles se apoderan de los miedos adolescentes, con la presencia de las cinco actrices protagonistas.

Y esta noche, con la luna llena iluminando todas las estrellas de Sitges, se celebrará la esperada cita gastronómica del Festival en L'Òpera Bistro Sitges: la Sitges Bacanal, un menú diseñado por el chef Albert Jubany, que reinterpreta el leit motiv de Mad Max en una experiencia única junto a los invitados más exclusivos de la 52ª edición. Y mientras tanto, los más melómanos, estarán disfrutando del concierto especial de Hermann Kopp y Nightcrawler en la Carpa Norai del Meliá, un concierto para los amantes de las atmósferas inquietantes y cautivadoras de las bandas sonoras del cine de terror.

After Midnight review

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Abby, ha dejado una nota y se ha marchado de casa sin dejar ni rastro. Tras diez años de relación su novio Hank no entiende el motivo y esto le está generando un estado de ansiedad y desesperación que le hace creer que cada noche cuando cae el sol una bestia desconocida ataca la puerta de su casa pidiendo entrar.

Título original: After Midnight

Año: 2019

Duración: 83 min.

País: Estados Unidos

Director: Jeremy Gardner, Christian Stella

Guion: Jeremy Gardner

Fotografía: Christian Stella

Reparto: Jeremy Gardner, Brea Grant, Justin Benson, Ashley Song, Nicola Masciotra, Keith Arbuthnot, Henry Zebrowski


Una película que te sorprenderá.

Al realizar una película son muchas cosas a las que se puede optar con un gran presupuesto, pero por desgracia también vemos de manera cada vez más repetida que son muchas las cosas que se están perdiendo en grandes producciones al fabricar más que cine, un producto de consumo rápido, donde se olvida por completo, que el cine es arte y emociones. De esto va toda esta historia, de sentir algo, volver a tener de nuevo la sensación de que lo que vemos en pantalla, mucho más allá de que el monstruo sea probablemente el menos real que hayas visto en tiempo, es de verdad, hablo de emociones, de sentir algo.


Abby, ha dejado una nota y se ha marchado de casa sin dejar ni rastro. Tras diez años de relación su novio Hank no entiende el motivo y esto le está generando un estado de ansiedad y desesperación que le hace creer que cada noche cuando cae el sol una bestia desconocida ataca la puerta de su casa pidiendo entrar.

El actor, guionista y director Jeremy Gardner lo vuelve a hacer, en esta ocasión acompañado con su socio más prolifero, el polifacético todoterreno Christian Stella, ambos habían coincidido en The Bags, The Battery (película que nos encanta y de la cual podéis leer la review en la web), y su más reciente colaboración, la comedia Tex Montana Will Survive!.

Jeremy Gardner, con absolutamente nada logra de nuevo engancharnos a una historia totalmente cotidiana, en una separación de pareja como podría ser la de cualquiera, con un guion inteligente y bromas afiladas, además de momentos de auténtica reivindicación en forma de frase de piel de gallina para poner un punto y final encima de la mesa. Todo mérito propio no solo por haber escrito un guion tan avispado sino además por una naturalidad ante la cámara a pesar de tener el reto de largas duraciones en pleno plano fijo, logrando como dije al principio, que nos lo creamos absolutamente todo.

Un conjunto de situaciones sencillas, apenas media decena de actores reales muy secundarios, una dirección sin complicaciones, pero una historia que entretiene y de la que comentas escenas al salir del cine, una historia como digo directa y sencilla que nos creemos con gusto.


Difícil encontrar puntos negativos, no se puede hacer más con menos, quizás para los más puritanos, encontrarán a la bestia excesivamente low cost, pero considero que incluso eso se toma con cariño.

Como digo, otra demostración más de cómo estos amantes del cine (Jeremy Gardner & Christian Stella) sin pretensiones consiguen dar al espectador lo que venía buscando en un film de estas características.

Firma: Gerard FM.
@tmagerard

Punto Muerto review

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Un escritor famoso de novela de misterio ha creado en la ficción su propio asesino así como su opuesto del lado de la ley. En este serial de intriga policíaca el autor propondrá el crimen perfecto en una habitación cerrada. Lo que el novelista no sabe es que en una convención de escritores será víctima de su propia creación, teniendo que agudizar su ingenio al máximo para poder escapar impune de la acusación de asesinato que se cernirá sobre él, así como de su propia muerte a manos de su personaje principal.

Título original: Punto Muerto

Año: 2018

Duración: 77 min.

País: Argentina

Director: Daniel de la Vega

Guion: Daniel de la Vega

Música: Luciano Onetti

Fotografía: Alejandro Giuliani

Reparto: Sergio Boris, Diego Cremonesi, Luciano Cáceres, Nicolás Galvagno, Rodrigo Guirao Díaz, Natalia Lobo, Daniel Miglioranza, Osmar Núñez, Eugenia Rigón


Asesinatos, intriga y misterio.

Hace ya unas cuantas décadas que el cine clásico quedó atrás y con ello los seriales policíacos y de crimen también, aquellos casos en que los detectives tenían que adivinar qué malhechor había cometido tan terribles asesinatos, de igual manera pasó con los giallo, aunque de estos últimos hemos tenido algunas recuperaciones en forma de homenaje, ahora es el turno de los que he mencionado primero, y este, es el caso perfecto.


Un escritor famoso de novela de misterio ha creado en la ficción su propio asesino así como su opuesto del lado de la ley. En este serial de intriga policíaca el autor propondrá el crimen perfecto en una habitación cerrada. Lo que el novelista no sabe es que en una convención de escritores será víctima de su propia creación, teniendo que agudizar su ingenio al máximo para poder escapar impune de la acusación de asesinato que se cernirá sobre él, así como de su propia muerte a manos de su personaje principal. 

El responsable de tan retorcido caso de misterio es el guionista y director Daniel de la Vega quien también ha realizado este año Soy Tóxico y además es conocido por tomar parte como actor en películas como 2/11 Día de los muertos de Ezio Massa.

Si bien es justo destacar la acertada dirección por parte del director argentino sacando partido de todos los recursos y haciendo totalmente crédulo el periodo así como la época en que se nos plantea la historia y el formato en que se nos ofrece, a modo de película clásica, podemos decir que el verdadero acierto es un complicado guion que aunque lleno de referencias como no podía ser de otra manera, por el innombrable número de novelas así como películas de misterio basadas en crímenes que ya existen en la actualidad, consigue desarrollar un caso interesante para el espectador que se verá implicado en la trama para tratar de averiguar qué es lo que está pasando.

Una película entretenida con diálogos inteligentes y una estética de personajes digna de la historia, figuras eso sí, interpretadas a diferentes escalas de nivel, siendo bastante evidente quien no está a la altura de una cinta tan redonda en los aspectos anteriormente mencionados. A pesar de ello, este inconveniente no termina por despistar y la historia sigue resultando atractiva.


La música es uno de los elementos que también están creados a conciencia para lograr la atmósfera que se pretende, el compositor responsable de este trabajo es Luciano Onetti, nombre que quizás recordéis ya que junto a su hermano Nicolás Onetti son los creadores de la trilogía del giallo argentino compuesto por Sonno profondo, Francesca y Abrakadabra.

Queda clara la recomendación para todos aquellos nostálgicos de aquel cine que tanto disfrutamos hace un tiempo atrás.

Firma: Gerard FM.
@tmagerard

Ghost Master review

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Akira Kurosawa es un patoso ayudante de dirección que está trabajando en el típico film edulcorado dirigido al público adolescente. Por la cabeza le ronda la idea de rodar una cinta propia de la cual ya tiene el guion, el cual al caerle encima sangre del propio Akira se convierte en algo parecido a un Necronomicón que persigue al actor protagonista Yuya. Éste, en su interpretación del screenplay, acaba matando uno a uno a todo el equipo.

Título original: Gôsuto Masutâ

Año: 2019

Duración: 88 min.

País: Japón

Director: Paul Young

Guion: Ichirô Kusuno

Fotografía: Yoshihisa Toda

Reparto: Mizuki Itagaki, Takahiro Miura, Riko Narumi


Un splatter perverso y sorprendente.

Para variar un poco el registro nos encontramos con una supuesta bizarrada japonesa de nombre Ghost Master. Lo de supuesta viene por lo explosivo del envoltorio para lo que esconde en su interior.


Hay muchas maneras de enfrentarse a películas de este tipo. Una de ellas es tirar por la tangente y disfrutar del tono jocoso y divertido de un guion que parece sacado de la chistera de un mago cuya autoría recae en Ichirô Kusuno. A todo esto añade un gore muy bien ejecutado y que no abusa en exceso de efectos digitales, cosa de agradecer.

¿Cómo no?, al empezar a verla nos viene enseguida a la memoria la excelente One Cut of the Dead (Shin'ichirô Ueda, 2017), sustituyendo lo que es un rodaje de una peli de zombis por la filmación de una comedia romántica para adolescentes de bajo presupuesto. Hasta aquí el parecido, después nada que se le asemeje.

Akira Kurosawa es un patoso ayudante de dirección que está trabajando en el típico film edulcorado dirigido al público adolescente. Por la cabeza le ronda la idea de rodar una cinta propia de la cual ya tiene el guion, el cual al caerle encima sangre del propio Akira se convierte en algo parecido a un Necronomicón que persigue al actor protagonista Yuya. Éste, en su interpretación del screenplay, acaba matando uno a uno a todo el equipo.

Tampoco os asustéis, no haremos una disertación académica, esta obra no va por aquí. Su primera divisa es la diversión y eso lo consigue ampliamente aunque sea a costa de gags un poco trillados y muy del gusto del público nipón. El guion nos lleva a situaciones hilarantes con innumerables guiños cinematográficos, empezando por el nombre del protagonista (mostrado aquí como antesis del fallecido maestro japonés), siguiendo por Posesión Infernal (The Evil DeadSam Raimi, 1981) y acabando con La Matanza de Texas (The Texas Chain Saw MassacreTobe Hooper, 1974).

Supongo que estaréis esperando algún pero y este es que todo ese aire de comedia enloquecida se trunca yendo a parar al más puro y chocante melodrama. Creemos que esta película merecería un final algo más escatológico y demencial, de aquellos que nos hicieran levantar de la butaca y gritar: “¡queremos más!”. Quizás ese intento del director Paul Young de introducirse en el splatter se vea demasiado influido por sus títulos anteriores, en los cuales el drama era el elemento fundamental.


Por otra parte destacar ese pequeño homenaje al cine de todos los tiempos que flota en el aire, sobre todo en los divertidos diálogos, otro punto a favor de Ichirô Kusuno.

El trio protagonista está formado por el actor, cantante y modelo Mizuki Itagaki, seguido por un gran Takahiro Miura (Ataque a los Titanes) y por Riko Narumi.

Es de aquellas cintas de las que uno se espera una cosa y acaba convirtiéndose en otra bien distinta, lo cual no quiere decir que sea negativo a no ser que uno sea un recalcitrante seguidor de las cintas gore/horror de ese país asiático, Llegados aquí ya no podemos prometer nada, lo dejamos a gusto del consumidor.

Firma: Josep M. Luzán.
@Josep_Luzan

Kakame: Vampire Clay Derivation review

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Un escultor fracasado deja un maligno legado a través de sus huesos convertidos en polvo, que en contacto con el agua y, aún mejor, con la sangre, llegan a convertirse en Kakame, un monstruo con sed de venganza.

Título original: Chi o sû nendo

Año: 2019

Duración: 100 min.

País: Japón

Director: Sôichi Umezawa

Guion: Jun Kôyama, Sôichi Umezawa  

Música: Akiko Kawano, Kou Nakagawa

Fotografía: Shintarô Kuriyama, Chikashi Shimizu

Reparto: Asuka Kurosawa, Kanji Tsuda, Shinji Kasahara, Rorurari, Yane, Amiko.


Terror japonés a la vieja usanza.

Que las vísceras y otros fluidos corporales son bastantes asquerosos de ver fuera de su entorno y, por otra parte, tan fotogénicos en el mundo del terror lo sabemos todos. Los huesos, en cambio, no gozan de tanta popularidad, aunque Kakame: Vampire Clay Derivation se obstina en demostrarnos lo contrario. Nosotros nos lo creemos todo, por lo que al sentarnos en la butaca, tenemos que dar un gran margen de maniobra a una historia que puede que a alguno le siente como aquella prendas tres tallas más grandes.


Un escultor fracasado deja un maligno legado a través de sus huesos convertidos en polvo, que en contacto con el agua y, aún mejor, con la sangre, llegan a convertirse en Kakame, un monstruo con sed de venganza.

Estamos ante un film que es una secuela, lo que no impide que funcione perfectamente de manera independiente aunque al comenzar andemos algo perdidos. Pero tampoco pasa nada, la delirante trama hace que enseguida conectemos con lo que se nos está explicando. Otra cosa es que nos guste o no. Sin ser un battle royale, los integrantes del extenso elenco van cayendo como moscas de mil maneras diferentes, en un alarde de efectos especiales con la particularidad que son todos artesanales, con todo lo bueno y lo malo que eso comporta.

Ese aire de films de épocas pretéritas tiene su gracia, al menos nos da la oportunidad de sonreír sin estar rodada en ningún momento en tono de comedia. Estamos esperando la forma en la que la próxima muerte ocurrirá, en un ejercicio del más difícil todavía, llegando a unos extremos en que cuando finalizan las muertes, damos las gracias por no asistir a algo que hubiera llegado sin duda al ridículo.

Los monstruitos, formas, estatuas o como los queráis llamar son realmente toscos, siendo esto, por otra parte, uno de los alicientes del film. Si la tuviéramos que recomendar este sería uno de los motivos, y es que ver a un killer con una figura parecida a un muñeco que es la imagen corporativa de una marca de neumáticos, hace que soltemos alguna carcajada, cosa por otra parte bastante saludable.

Proveniente del departamento de make-up de innumerables films, Sôichi Umezawa ha dirigido dos largometrajes en los que los efectos de maquillaje llegan a ser protagonistas principales. En el que nos ocupa, son realmente admirables. Quizás tendría que explorar otros aspectos cinematográficos para acabar de redondear su incipiente carrera como director.


En las interpretaciones contamos con un extenso elenco encabezado por la veterana Asuka Kurosawa, siguiendo con Kanji Tsuda (ZatoichiLa Maldición), Shinji Kasahara y Amiko.

Para acabar comentar que Kakame: Vampire Clay Derivation es una cinta con la cual parece que viajemos al pasado. Aquel en el que el cine era un ejercicio artesanal. La cosa ha evolucionado bastante, pero de vez en cuando es de agradecer recordar como se hacía el cine de otros tiempos.

Firma: Josep M. Luzán.
@Josep_Luzan
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