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Entrevista a Adam Egypt Mortimer. Director y coguionista de Daniel Isn’t Real

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Entrevista realizada en el Festival de Sitges 2019 a Adam Egypt Mortimer. Director y coguionista de Daniel Isn’t Real.


En tus largos Some Kind Of Hate y Daniel Isn’t Real la paranormal está muy presente. ¿Tuviste alguna experiencia relacionada?

Sinceramente nunca he tenido una experiencia de este tipo, no me he encontrado un demonio, un fantasma o algo parecido. Mi intención era expresar los pensamientos inquietantes que siento y convertirlos en una historia que pudiera interesar al público y para ello decidí utilizar las figuras paranormales.


La secuencia del castillo y el demonio es increíble, ¿Cuáles fueron tus influencias para crearlo?

Quería una película que empezase como una película íntima acerca del conflicto entre una madre y su hijo, y que luego evolucionara a una historia de horror cósmico. La idea que yo tenía era una fortaleza en la que viven almas torturadas que significase que todas nuestras malas acciones terminan por volver. Y para lograr esto utilizamos colores muy estridentes como el morado, que está muy conectado con Daniel, y así visualizar una mente que está perseguida por sus propios demonios. Para mí una de las referencias para el castillo fue Hellraiser II de Tony Randel.


¿Has pensado en expandir el universo que has creado?

De hecho el final de la película sugiere que se ha creado un mundo alrededor de estos fenómenos. La verdad es que me encantaría aunque no sé si será posible. Me gustaría una serie que en cada temporada el protagonista conociera nuevos personajes y Luke adquiriera nuevas dimensiones.


¿Realizasteis muchos cambios al adaptar la novela de Brian DeLeeuw?

En la novela es Daniel el narrador, pero decidimos cambiarlo a Luke porque es una persona real y nos queda más cerca. Por otro lado la novela no tiene este toque de horror cósmico que fue tan importante para mí, y añadí otros elementos para hacerlo más visual.


¿Te gustaría volver a trabajar con Brian DeLeeuw?

Brian DeLeeuw y yo trabajamos muy bien juntos, cuando nos conocimos conectamos enseguida y me encanta trabajar con él. Seguimos trabajando juntos, tenemos dos guiones en común y una serie de televisión, pero también hacemos cosas por separado. Por ejemplo, la película que estoy intentando levantar la he escrito sin él.


¿Al escribir tenías en mente a Patrick Schwarzenegger y a Miles Robbins o fue un proceso de casting?

Fue un proceso de casting larguísimo. A Miles le había visto en comedías pero en cuanto le conocí supe que entendía perfectamente qué película tenía en mente; Miles quería interpretar a Daniel pero yo le veía como Luke ya que añadiría cierto tono simpático al personaje. Patrick resultó perfecto para Daniel, ya que debía ser encantador y guapo. Enseguida trajo ideas para su personaje y nunca se negó a cualquiera de mis sugerencias.


¿Cuál es tu película de terror favorita?

Videodrome de David Cronenberg, más que nada porque crea un mundo alucinógeno pero que resulta muy real. Aunque la vi en cine, creo que es una película para disfrutar en casa, de madrugada, y conectar con ese mundo tan delirante.

La producción vascocatalana El Hoyo gana Sitges 2019

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Un film producido en el estado español se lleva el premio a la mejor película del Festival de Sitges

El premio especial del jurado y el Méliès d'Argent a la mejor película son para Adoration, mientras que la pareja creativa Kleber Mendonça Filho & Juliano Dornelles se llevan el premio al mejor director y el premio de la crítica José Luis Guarner por Bacurau

El palmarés de la 52ª edición de Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya ha estado muy repartido. La ópera prima del realizador vasco Galder Gaztelu-Urrutia, El hoyo, ha convencido al jurado de la Secció Oficial Fantàstic que lo ha galardonado con el premio a la mejor película y también al jurado de la crítica y al público, con el Citizen Kane al director revelación y el Gran Premio del público a la mejor película. El realizador Fabrice Du Welz y la sugerente Adoration también ha conseguido dos galardones, el premio especial del jurado y el Méliès d'Argent a la mejor película. Los otros triunfadores de esta edición por partida doble han sido los realizadores Kleber Mendonça Filho & Juliano Dornelles que también han convencido a jurado y crítica, con dos galardones por Bacurau.

Dos personas por nivel. Un número desconocido de niveles. Y una plataforma con comida para todos ellos. Bajo esta premisa tan inquietante se presentó este martes en Sitges el thriller El Hoyo, el debut en el largometraje de Galder Gaztelu-Urrutia, una de las grandes sorpresas de producción española del año y una de las cinco óperas primas presentadas en sección oficial a competición en Sitges 2019. Gaztelu-Urrutia hace una escabrosa y contundente crítica social apostando por una ciencia ficción cerebral, distópica pero gráfica y violenta que ya sedujo en festivales como Toronto o Fantastic Fest y que, a partir de hoy, pasará a la historia por ser la primera producción vascocatalana que gana el premio a mejor película en Sitges.

La vuelta a los bosques de las Ardenas, donde filmó Calvaire y Alleluia, han supuesto muy buenas noticias para el realizador belga muy conocido en Sitges, Fabrice Du Welz. Con la sugerente Adoration, donde relata una odisea juvenil de libertad, amor y locura, en que las emociones son tan puras que hacen daño, Du Weiz se lleva el reconocimiento del Premio especial del jurado y el Mèliés d'Argent a la mejor película.

Kleber Mendonça Filho & Juliano Dornelles, responsables de Bacurau, la ganadora del Premio del jurado en el pasado Festival de Cannes, también se  van de Sitges con el reconocimiento del jurado oficial a la mejor dirección y un Premio de la crítica con esta distopia profundamente irónica, brutal y crítica con los tiempos que corren, que ha llenado el Auditori del Meliá en sus dos proyecciones.

Consulta el palmarés

Sam Neill y Aaron Paul, dos estrellas del universo Sitges, cierran la 52ª edición

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La proyección de The Vigil clausura once días de cine, encuentros y exposiciones

La 52ª edición de Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, vive hoy su gran final con la Gala de Clausura, donde se han entregado los galardones de los ganadores de Sitges 2019 anunciados esta mañana en rueda de prensa y Sam Neill ha recibido el Gran Premio Honorífco cerrando tres días en Sitges con encuentros con sus seguidores y entrevistas con todos los medios acreditados. Dario Argento, Katharina Kubrick y Aaron Paul también han pasado la jornada atendiendo amablemente a fans y medios. El Festival ha entregado a primera hora de la tarde lo primeros premios Queer Kong y ha anunciado First Love de Takashi Miike como película sorpresa del maratón de esta noche en el Auditori, que se suma a una variada propuesta de maratones que cerrarán mañana domingo esta 52ª edición.

Sam Neill, Katharina Kubrick, Aaron Pau y Dario Argento. Cuatro grandes estrellas han puesto el punto y final a una 52ª edición en la que han desfilado por las calles de Sitges invitados ilustres como Patrick Wilson, Nikolaj Coster-Waldau, Asia Argento, Maribel Verdú y Charles Band. Sam Neill ha recibido el Gran Premi Honorífic del Festival durante la celebración de la gala de clausura de esta noche en el Auditori del Meliá Sitges. Dario Argento ha venido por sorpresa a Sitges a presentar su nueva producción Belle Bimbe Addormentate, mientras que Katharina Kubrick, hija del responsable de leitmotiv de la edición pasada, 2001: Una odisea en espacio, ha hecho una interesantísima charla con seguidores y medios. Por su parte, Aaron Paul también ha visitado Sitges para presentar el estreno en gran pantalla de El Camino: una película de Breaking Bad esta tarde en el Auditorio, con un sold out y una red carpet llena de medios y fans, para conocer de primera mano las nuevas aventuras de Jesse Pinkman, protagonista de la serie de Netflix.

Una jornada en la que también se ha vivido la primera entrega de premios Queer Kong en la Carpa FNAC, un nuevo reconocimiento a la diversidad, premiando las películas y profesionales con aportaciones a la diversidad y presencia de la comunidad LGTB+ participantes en el Festival. Los premiados de esta primera edición han sido Darlin', de Pollyanna McIntosh, que ha ganado el Premio a la diversidad, Rabid, de las hermanas Soska, con el Premio a la contribución de la salud sexual; y finalmente David Matamoros y Ángeles Hernández se han llevado el I Reconocimiento al profesional por la visualización LGTBI+, por Breve historia del planeta verde de Santiago Loza.

El Festival de Sitges ha cerrado la 52ª edición con la proyección de The Vigil durante la gala de clausura. La electrizante ópera prima de Keith Thomas, ambientada en una comunidad judía ortodoxa, ha sido la invitada perfecta para poner un final redondo a once días en los que Sitges se ha convertido, un año más, en la capital mundial del cine fantástico.

Mañana, como culminación de estos once días intensos, el Festival presenta los tradicionales maratones en sus cuatro salas –Auditori Meliá, Sala Tramuntana, Retiro y Prado–, mientras que la Sitges Cocoon y el espacio Brigadoon continuarán con su programación.

¿Eres tú, papá? review

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Lili tiene trece años y vive con sus padres. Cuando Eduardo, su padre, desaparece, la niña decide utilizar un ritual para que vuelva. Lo que no sabe es que cualquier mínimo error puede hacer que todo acabe en una pesadilla.

Título original: Is That You?

Año: 2019

Duración: 107 min.

País: Reino Unido

Director: Rudy Riverón Sánchez

Guion: Rudy Riverón Sánchez

Música: Owain Kelly, James Williams

Fotografía: Raúl Pérez Ureta

Reparto: Gabriela Ramos, Jorge Enrique Caballero, Lynn Cruz, Osvaldo Doimeadiós, Eslinda Núñez


Terrorífico ritual sangriento.

Las historias, sobre todo en el mundo del cine, se pueden explicar de muchas maneras. El film que comentamos hoy, si lo pusiéramos en las manos de algún que otro director frenético acabaría siendo un cortometraje de, a lo sumo, quince minutos, lo que le hubiera quitado toda la gracia. Ya vais intuyendo por dónde va la cosa, pero no os engañéis, en ningún momento encontramos a faltar un ritmo trepidante. Para eso ya tenemos las películas de acción, que se alejan bastante con lo que se nos quiere explicar en ¿Eres tú, papá?


Lili tiene trece años y vive con sus padres. Cuando Eduardo, su padre, desaparece, la niña decide utilizar un ritual para que vuelva. Lo que no sabe es que cualquier mínimo error puede hacer que todo acabe en una pesadilla.

Obviando un poco el tema ritmo, de eso ya os daréis cuenta conforme avancen los minutos, la película transcurre como un riachuelo montaña abajo, y permitidme este toque pseudo poético. Esa lenta cadencia nos da idea de un guion muy bien trabajado, del cual es autor su director Rudy Riverón Sánchez, que hace su debut en el largometraje.

Lo que podría haber sido uno de los elementos fundamentales del film, el silencio, queda roto con una sinfonía de fondo que no es musical. Estamos hablando de unos débiles, pero quasi perennes gruñidos de cerdos, lo que nos va taladrando ignorando si tienen algún significado oculto. Puede que tenga algo que ver con la naturaleza humana aunque no tenemos mucho espacio para hablar de ello.

Pese a que el país de producción es Reino Unido, destacar que se rodó íntegramente en Cuba. Si tuviéramos alguna duda de esto último, indicar que la protagonista se sirve de la santería y el espiritismo, cosa que relacionamos con ese bello país, para intentar solucionar algo que la carcome por dentro y que hace que pierda completamente la cabeza.

Muchos ya están dejando de leer esto solo con ver esas dos palabrejas: santería y espiritismo, pero tenemos que decir que no se abusa en exceso de complicadas y aburridas ceremonias llevadas en tantas ocasiones al cine. Con cuatro pinceladas ya basta, derivándonos casi sin darnos cuenta, a un final terrorífico.


El apartado técnico es de altura. Para empezar resaltar la excelente fotografía del veterano y reputado Raúl Pérez Ureta. También nombrar la gran banda sonora sobre todo en la parte final (sin incluir a los cerdos), obra de Owain Kelly y James Williams.

Otro de los pilares en los que se apoya esta cinta son las interpretaciones, con una excelsa pareja femenina protagonista. Empezamos con Gabriela Ramos que encarna de manera espectacular a una desquiciada Lili. La madre no iba a ser menos. Está interpretada magistralmente por Lynn Cruz. El apartado masculino tampoco les anda a la zaga. Osvaldo Doimeadiós se hace con el papel de jerarca y Jorge Enrique Caballero con el de “amigo” de la peculiar familia.

Estamos ante una obra que acaba sorprendiéndonos si logramos superar la barrera inicial. Tenéis la suerte de que aquí estamos para avisaros. Si no nos hacéis caso estaréis perdiendo la oportunidad de ver una buena película.

Firma: Josep M. Luzán.
@Josep_Luzan

Sadako review

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Parece que el espíritu de Sadako se ha reencarnado en una niña pequeña la cual su propia madre intenta asesinar sin mucho éxito. Es entonces cuando Mayu, una enfermera que se topa con la pequeña intentará averiguar el porque de sus poderes y la maldición que ocultan estos.

Título original: Sadako

Año: 2019

Duración: 99 min.

País: Japón

Director: Hideo Nakata

Guion: Noriaki Sugihara, Kôji Suzuki (novela)

Reparto:  Elaiza Ikeda, Takashi Tsukamoto, Hiroya Shimizu, Himeka Himejima, Ren Kiriyama, Rie Tomosaka


Sadako para millennials.

Desde que en 1998 el director japonés Hideo Nakata aterrorizara tanto a oriente como occidente con su The Ring han intentado por todos los medios intentar emular ese hito del terror que provocó Sadako a todos nosotros.

© 2019 “Sadako” Film Partners

Dos décadas más tarde, cuenta con más de diez entregas, reboots, secuelas, precuelas, pero ninguna de ellas se acerca a la primera de todas. Es por eso que cuando escuchamos que el mismo Hideo Nakata se volvía a poner al frente de un proyecto sobre The Ring en el fondo tenía alguna esperanza, ya os avanzo que fue una esperanza en vano.

Parece que el espíritu de Sadako se ha reencarnado en una niña pequeña la cual su propia madre intenta asesinar sin mucho éxito. Es entonces cuando Mayu, una enfermera que se topa con la pequeña intentará averiguar el porque de sus poderes y la maldición que ocultan estos.

Hideo Nakata es toda una institución en lo que al terror se refiere, pues no solo es responsable de las increíbles The Ring y Dark Water, tal vez sus obras más celebradas. Es un director que toda su carrera a tenido una fuerte vinculación al terror, aunque es cierto que no solo ha estado centrada en este. El problema que ha tenido y sigue teniendo es que desde aquella lejana Dark Water no ha sabido volver a reencontrar el click para asustar a sus seguidores. Con Sadako intenta dar una vuelta de tuerca a una saga megaexplotada, adaptando la novela de Kôji Suzuki (Tide) publicada el pasado 2016 donde se le da un nuevo punto de vista a Sadako y la maldición que la rodea. Pero finalmente sigue cayendo en sus mismos errores convirtiéndola en una entrega más de la saga sin realmente poder destacar mucho de ella.

© 2019 “Sadako” Film Partners

Creo que es todo un desacierto el adaptar una novela tan enfocada a gente joven, pierde todo encanto de su versión original. Desde el origen de la maldición, hasta la propia Sadako, ahora más cercana al personaje de Akira, Tetsuo, que a la propia Sadako de la original. También se hecha en falta el mítico vídeo de la maldición, es cierto que muchos de los jóvenes que vayan a verla al cine y se topen con un vhs ni sabrían que clase de brujería es esa cosa, pero para los que disfrutamos de la primera entrega ese factor nostalgia hubiera sido un punto positivo.

En cuanto a las actuaciones destacar sobretodo a Elaiza Ikeda como Mayu, su papel como la sufrida enfermera lo clava bastante, en muchas de sus expresiones de pavor transmite el momento perfectamente al espectador. Por otro lado y por contrapartida tenemos a Hiroya Shimizu como el hermano de Mayu, el cual está bastante sobre actuado y sobretodo quita demasiada tensión en todas sus escenas, por lo payaso de su personaje y la sobre actuación del mismo. Antes de terminar mencionar de paso a Himeka Himejima o más conocida a partir de ahora por ser la nueva reencarnación de Sadako, quitando una escena donde pone una mueca bastante terrorífica, por lo general me quedo con la encarnación mayor del fantasma, mucho más imponente.

Creo que es una adaptación que solo recomendaría a los fans de la saga, y quedan advertidos que pese a ser una nueva visión de la historia, queda muy alejada de sus otras entregas. Para mi queda bautizada como la Sadako para millennials. Si con este enésimo intento de Nakata por levantar cabeza no llega a realizar una gran taquilla (cosa que dudo) puede estar cavando su tumba finalmente.

Firma: Omar Parra.
@Omar_FTW

The curse of Valburga review

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Bojan y Marjan, dos rateros de poca monta deciden montar un tour para timar a los incautos turistas en una misteriosa mansión en Valburga, el supuesto hogar del primo del Conde Drácula. Pronto reciben a sus primeras víctimas, pero en mitad de la visita turística un misterioso personaje aparece y empieza una auténtica matanza.

Título original: The curse of Valburga

Año: 2019

Duración:  82 min.

País: Eslovenia

Director:  Tomaž Gorkič

Guion:  Tomaž Gorkič

Música: Blue Detective, Jani Mujić

Fotografía: Nejc Saje

Reparto:  Jurij Drevenšek, Marko Mandič, Saša Pavlin Stošić, Niklas Kvarforth, Luka Cimprič, Žiga Födransperg, Tanja Ribič, Jonas Žnidaršič, Katarina Stegnar, Grega Skočir


Interesante propuesta de terror eslovena.

No es habitual que desde Eslovenia nos lleguen films de terror, por eso esta cinta despertó mi curiosidad. Estamos ante un slasher con mucho humor negro el cual destaca por unos efectos de maquillaje bastante resultones.


The curse of Valburga la podríamos dividir en dos partes, los dos primeros tercios viene a ser una comedia negra con tintes slasher. Pero en su último tercio se torna mucho más oscura y seria, siempre sin dejar el humor, aunque este queda relegado a un segundo plano, para dar paso a escenas más sangrientas y explícitas. Personalmente el metraje va ganando enteros a medida que avanza, ya que no acabo de comulgar mucho con su humor.

Bojan y Marjan, dos rateros de poca monta deciden montar un tour para timar a los incautos turistas en una misteriosa mansión en Valburga, el supuesto hogar del primo del Conde Drácula. Pronto reciben a sus primeras víctimas, pero en mitad de la visita turística un misterioso personaje aparece y empieza una auténtica matanza.

Estamos ante la segunda película del director Tomaž Gorkič, después de recorrer el panorama festivalero con Idyll, su cinta debut. Por el momento se mantiene fiel al terror, pero añadiendo con mucho énfasis el humor en su nueva producción. Comentar que tanto en su primera película como en The curse of Valburga el mismo director es el encargado de firmar el guion.

Hagamos un pequeño repaso a su reparto, destacando a Luka Cimprič en el papel de Vasily, todo un personaje que lleva la mayor parte de la carga cómica de este film y el cual recuerda vagamente al personaje creado por Santiago Segura, Torrente, por su comportamiento bastante soez. Por otra banda el gran y sufridor protagonista es Jurij Drevenšek como Marjan, su personaje posiblemente es el que más matices interpretativos tenga y el actor cumple con creces.


Me gustaría destacar como dije al principio el apartado de maquillaje, pues todas las muertes, además de variadas están muy conseguidas. Esto junto al aspecto realmente imponente de la familia de asesinos, nos regala unos momentos realmente para el recuerdo.

Estamos ante una curiosa cinta de terror eslovena, país el cual no es muy prolifero en este tipo de producciones, pero a pesar de sus carencias tenemos un producto entretenido, que posiblemente no esté hecho para triunfar en festivales, pero si para hacer pasar un gran rato al espectador. Una cinta que recomiendo a todo amante de los slashers y sobre todo como curiosidad debido a su procedencia.

Firma: Omar Parra.
@Omar_FTW

Monster Party review

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Casper, Iris y Dodge malviven dando pequeños atracos en la cara oculta de Malibú, aquella que no tiene que ver con las playas o el lujo. Esa noche se les ofrece una posible salida a la pobreza: hacerse pasar por camareros en una fiesta que se celebra en una gran mansión y dar un gran golpe.

Título original: Monster Party

Año: 2018

País: Estados Unidos

Duración: 89 min.

Director: Chris von Hoffmann

Guion: Chris von Hoffmann

Fotografía: Tobias Deml

Música: Felix Eskine & Nao Sato

Reparto: Julian McMahon, Diego Boneta, Sam Strike, Robin Tunney, Virginia Gardner, Erin Moriarty, Lance Reddick


Ricos, hermosos y psicópatas.

Hay veces en que la gracia de una película no son sus giros finales, en algunas cintas se ven llegar mucho antes y, sin embargo, uno la disfruta igualmente. Pues eso justo es lo que ocurre con Monster Party, cuyo título ya adelanta el giro que tiene lugar a mitad de cinta: está bien rodada, utiliza perfectamente sus espacios y ofrece una película que, sin ser novedosa, resulta muy entretenida.


Casper, Iris y Dodge malviven dando pequeños atracos en la cara oculta de Malibú, aquella que no tiene que ver con las playas o el lujo. Esa noche se les ofrece una posible salida a la pobreza: hacerse pasar por camareros en una fiesta que se celebra en una gran mansión y dar un gran golpe.

Chris von Hoffmann, al igual que hiciera en su ópera Drifter (2016), vuelve a utilizar la figura de unos ladrones como los antihéroes de la película y, de nuevo al igual que Drifter, les enfrenta a un grupo de psicópatas que irán a por sus vidas… Pero todo lo que en aquella era suciedad, polvo y sudor, aquí mágicamente se convierte en una suerte del Spring Breakers (2012) de Harmony Korine: luz, cuerpos perfectos, lujo y belleza. Tal como dije en el primer párrafo, el titulo adelanta la sorpresa que esconde la cinta pero sospecho que obedece a las intenciones del autor para hacer saber al espectador qué espera a los jóvenes protagonistas una vez hayan cruzado el umbral de la mansión.

Hay lujo en Monster Party. Tanto el escenario como el vestuario, acompañado por la fotografía cuasi publicitaria de Tobias Deml, dan ese toque diferente al espectador acostumbrado a que los festivales de muerte y sangre tengan lugar en rincones oscuros. Tras una radiografía rápida de los protagonistas y colocarles en un callejón sin retorno, Hoffmann retrasa hasta último momento el pistoletazo de salida a la violencia; mientras presenta a los contendientes de lo que está por llegar, cuece la tensión a fuego lento entre drogas, alcohol y humillación para que una vez todo estalle no detenerse un solo momento aunque alguno de sus giros resulten caprichosos.


Gran parte de la efectividad de Monster Party reside en el acertado casting comandado por el retorno de Robin Tunney al género tras The Craft (1996) y End Of Days (1999), bien acompañada por Julian McMahon (Charmed, Nick/tup), Lance Reddick (Fringe) y Diego Boneta (Scream Queens) como la parte adulta mientras en la parte adolescente destacan Sam Strike (Leatherface) como el atribulado protagonista y Erin Moriarty (Jessica Jones).

Monster Party es una cinta divertida, festivalera, que hace virtud de su falta de ambición, es un divertimento con un ritmo medido y dosis de gore más que adecuadas. Eso sí, no esperes encontrar algún elemento de denuncia social porque esa no es la liga en la que Chris von Hoffmann quiere jugar.

Firma: Javier S. Donate.

Porno review

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Un grupo de chavales que trabajan en un cine descubren una habitación secreta con un montón de rollos de película muy antiguos. Deciden ver uno que les llama especialmente la atención pero se encuentran con una extraña cinta experimental de una especie de ritual satánico. Lo que no sabían es que la propia película es una invocación para que se presente un súcubo con perturbadoras intenciones.

Título original: Porno

Año: 2019

Duración: 106 min.

País: Estados Unidos

Director: Keola Racela

Guión: Matt Black, Laurence Vanincelli

Fotografía: John Wakayama Carey

Reparto: Katelyn Pearce, Robbie Tann, Jullian Muller, Peter Reznikoff, Bill Phillips, Larry Saperstein, Evan Daves


Buena premisa, mala ejecución.

Mira que hemos hecho reviews de diferentes tipos de monstruos y criaturas. De todos los tamaños y colores pero haciendo memoria, y puede que me equivoque, nunca hemos tratado al Súcubo, Un demonio con aspecto de mujer (íncubo en caso de ser varón) con un gran poder de destrucción pero siempre desde el ámbito lujurioso y sexual. Esto da potencial a crear películas de terror para mayores de 18 años, y sería el caso de Porno, pero desgraciadamente, queda todo el conjunto desaprovechado, descafeinado y por momentos, caótico.


Un grupo de chavales que trabajan en un cine descubren una habitación secreta con un montón de rollos de película muy antiguos. Deciden ver uno que les llama especialmente la atención pero se encuentran con una extraña cinta experimental de una especie de ritual satánico. Lo que no sabían es que la propia película es una invocación para que se presente un súcubo con perturbadoras intenciones.

Porno es un intento de mezclar elementos de géneros tan dispares como el gore y la comedia estilo American Pie, pero el principal problema es que es una comedia que no hace reír. Que los personajes griten de manera aguda y salgan corriendo no significa automáticamente que eso sea chistoso de alguna manera, hace falta mas ocurrencia para despertar una sonrisa en el espectador, desgraciadamente esto no es así y nos dedicamos hora y media a ver a los mismo cinco personajes dando vueltas por el cine siendo perseguidos por una chica desnuda. Dos elementos que son más que curiosos es el nivel de gore, no presente en todo momento pero que cumple perfectamente cuando aparece. Y otro sería la más que curiosa banda sonora (de la película que ven los personajes) que recuerda fuertemente a la banda sonora de Suspiria de Dario Argento, no es un plagio pero bastante parecida y que estarás tarareando un par de días.


Debuta en largometraje Keola Racela tras un puñado de cortos. El principal bache de la cinta es su guion (a manos de Matt Black y Laurence Vannicelli), bastante plano, carente de chispa y muy limitado por su presupuesto. Pero la mano del director tampoco consigue levantar demasiado el pabellón y todo queda a un nivel muy mediano sin apenas escenas reseñables (alguna gore curiosa y poco más). En cuanto al reparto todo está correcto dentro de sus posibilidades, tampoco se pueden pedir grandes esfuerzos en según qué situaciones. El personaje más entretenido sería el interpretado por Robbie Tann con algunas líneas divertidas. Y por supuesto a Katelyn Pearce interpretando al Súcubo que hablar no habla pero se pasa toda la película desnuda.

Seguramente has leído esta review con alguna extraña esperanza debido a su título. Pero aunque toda la cinta tiene un aire sexual tampoco es nada que no hayas visto en películas de Pajares y Esteso. Una película por el estilo que es muy superior a esta sería Deathgasm (2015).

Firma: Oriol Hernández.

Why Don’t You Just Die! review

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Matvey se presenta en casa de los padres de Olya, su novia, con un objetivo en mente: matar al padre de su novia, un policía de alto rango, debido a los abusos que Olya sufrió de niña. Entre las cuatro paredes del apartamento, la situación cambiará de ajuste de cuentas a una lucha por la supervivencia mientras el número de cadáveres aumenta.

Título original: Papa, sdokhni

Año: 2018

País: Rusia

Duración: 95 min.

Director: Kirill Sokolov

Guion: Kirill SoKolov

Fotografía: Dmitriy Ilyukaev

Reparto: Aleksandr Kuznetsov, Evgeniya Kregzhde, Vitaliy Khaev, Michael Gor, Elena Shevchenko


Un baño de sangre hiperestilizado.

Una nueva generación de cineastas rusos lleva años abriéndose camino hacia el resto del mundo gracias a unas propuestas que, si no originales, sorprenden por la búsqueda de nuevas apuestas estéticas y narrativas; a Timur Bekmambetov– que hace años no levanta cabeza – podríamos añadir a Ilya Naishuller y su hipervitaminado Hardcore Henry... Es el turno de la opera prima de Kirill Sokolov con Why Don’t You Just Die!.


Matvey se presenta en casa de los padres de Olya, su novia, con un objetivo en mente: matar al padre de su novia, un policía de alto rango, debido a los abusos que Olya sufrió de niña. Entre las cuatro paredes del apartamento, la situación cambiará de ajuste de cuentas a una lucha por la supervivencia mientras el número de cadáveres aumenta.

Kirill Sokolov, director y guionista, parte de una premisa casi teatral y difícil de mantener: un solo espacio y pocos personajes. Los primeros minutos de Why Don’t You Just Die! es un ejercicio de tensión que termina por explotar en una violencia tan física como dolorosa; a nivel de guion, encontramos una historia sencilla a la que Sokolov imprime aires de cine negro y que se mantiene gracias a unos giros que, aunque algunos se ven venir, relanza la historia una y otra vez. La utilización de personajes unidimensionales – Padre, madre, novio, amigo e hija – permite al guionista no dar explicaciones innecesarias durante los interludios entre los estallidos de violencia.

Pero así como en el guion hay coherencia y la historia va creciendo en interés, Kirill Sokolov resulta más errático en la dirección; es briosa, las coreografías en las peleas funciona a la perfección… Pero la mayor parte del metraje se le ve más preocupado en la búsqueda de efectos de cámara y sonido con los que deslumbrar al espectador que en narrar. A lo largo de la cinta podemos encontrar ecos/homenajes/plagios del cine de Guy Ritchie, Quentin Tarantino y Edward Wright, por poner solo tres ejemplos, que le restan personalidad a Why Don’t You Just Die! ya que Sokolov no se decanta por el estilo de cualquiera de estos tres directores para hacerlo suyo sino que los mezcla, sin orden ni concierto, y muchas escenas terminan por resultar miniclips o anuncios. Curiosamente, lo mejor de la cinta lo encontramos en los flashbacks de los personajes, rodados de forma más clásica, y que nos indican que a Kirill Sokolov aún le queda para madurar su estilo y ofrecer películas más redondas. En este sentido, aplausos al director de fotografía Dmitriy Ilyukaev, ya que se adapta a todo lo que le pide el director y su paleta de colores oscila entre lo siniestro, lo hortera y lo luminoso.

Musicalmente, la cinta bebe del estilo Quentin Tarantino ya que Sokolov opta por prescindir de compositor alguno y utiliza toda suerte de fuentes musicales – desde el spaghetti Western hasta la música clásica – que suena a búsqueda de lo “cool”.


El nivel actoral es alto, y sería imposible no destacar la gran labor de Vitaily Khaev como El Padre, un hombre turbulento al que el actor llena con todo un registro de matices al convertirlo en un personaje vulgar y muy peligroso a la vez. Aleksandr Kuznetsov, como el pobre incauto que se ve atrapado en la historia, resulta menos convincente y debería resultar más cómico de lo que es; lo mismo podría decirse de Evgeniya Kregzhde, la femme fatale de la película, que pierde en naturalidad frente a Elena Shevchenko, su madre en la ficción.

Why Dont You Just Die! es un noir hiperviolento con interpretaciones entre perfectas y funcionales, cuyas escenas de acción funcionan como un tiro, con un nivel de crueldad que duele y unos efectos especiales que dejan la boca abierta. Atención a los próximos años porque veremos aumentar el número de directores rusos de acción y género.

Firma: Javier S. Donate.

Entrevista a Christian Volckman. Director y guionista de The Room

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Entrevista realizada en el Festival de Sitges 2019 a Christian Volckman. Director y guionista de The Room.


¿De dónde surgió la idea de rodar la película en el interior de una casa?

Fue un reto grabar en un espacio tan pequeño y mi idea para el formato de pantalla obligaba a tener mucho cuidado con las luces. Lo mejor de rodar en el interior de la casa es que solo cabíamos la cámara y los actores, el resto de los técnicos debían estar fuera. Esto cambia todo porque permite cierta intimidad y los actores pueden moverse libremente.


¿El tema de la codicia era importante en la historia o solo es un desencadenante de los hechos?

No, es un tema secundario, para crear el escenario. El tema principal era tener hijos y cómo estos reaccionan ante nuestra presión para que sean de determinada manera. Es curioso porque es una historia que se repite, por ejemplo naces en la India y tus padres son musulmanes, te educan para que seas musulmán… No te dejan elegir, te educan en función de las condiciones del lugar en que naces. Y tienes que encontrar la fuerza en tu interior, la rebeldía, para cambiar y ser tú mismo. Esa es la historia principal en The Room, la búsqueda de libertad por parte del niño, lo que genera odio y conflicto.


En la película el padre nunca se responsabiliza del hijo y a la mujer cada vez se la ve más hundida ¿Es cuestión del tema de la responsabilidad?

Creo que la figura paterna es problemática para mucha gente, culpamos al padre de nuestros problemas en la vida aunque somos nosotros los que muchas veces no sabemos cómo lidiar con los conflictos. Pero es importante no generalizar, yo soy padre y quiero que mi hijo crezca, tienes que hacer un esfuerzo por ellos pero no imponerles qué deben hacer en cualquier momento de su vida. He puesto mucho de mi experiencia y pensamientos en The Room.


A nivel de dirección ¿cómo fue el cambio hacia el final de la película, cuando salta de la casa hacia el exterior?

Con CGI y la iluminación intentamos que el exterior, el bosque, pareciera el interior, la casa, para dar sensación de continuidad espacial: sigues en el mismo lugar. Fue todo un reto pero creo que conseguimos uniformidad y un cierto aire realista.


¿Cuál es tu película de terror favorita?

El problema es que tengo un montón de maestros cinematográficos… Humm, si tuviera que elegir una seria The Shining de Stanley Kubrick, ya que la tomé de referencia para rodar The Room.

Especial B-Retina y MOTELx 2019

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Temporada: 2
Capítulo: 22
Duración: 122 min.
Colaboradores: Oriol Hernández, Javier S. Donate, Josep Luzán, Omar Parra
Invitados: Óscar Lladó, programador del Festival B-Retina
Entrevistas: Laurence R. Harvey, Luigi Cozzi, Hugo Cobo

¡Bienvenidos a un nuevo episodio! Seguimos recorriendo el mundo, vamos a taaantos festivales que al final se acaban solapando unos con otros, así es el caso de hoy que hablaremos de dos que ocurrieron a la vez, el B-Retina de Cornellá y el MOTELx Film Festival de Lisboa. Te contaremos todo lo que ocurrió por ahí, sus proyecciones, palmarés, invitados...

No olvides darnos un buen Like, compartir este audio y suscribirte en nuestra cuenta de iVoox, se bueno con tus padres y visita a tu abuela de vez en cuando. ¡Hasta la próxima!


The Room review

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Matt y Kate se trasladan a un nuevo hogar. La mansión tiene una habitación secreta que tiene la particularidad de que, cual linterna mágica, concede todo aquel deseo que se le pida. Tras pasárselo en grande con todo tipo de excesos terrenales, no se les ocurre otra cosa que pedirle el hijo que tanto desean. Las consecuencias no son como habían imaginado.

Título original: The Room

Año: 2019

Duración: 100 min.

País: Francia

Director: Christian Volckman

Guion: Eric Forestier, Christian Volckman, Sabrina B. Karine

Música: Raf Keunen

Fotografía: Reynald Capurro

Reparto: Olga Kurylenko, Kevin Janssens, Marianne Bourg, Francis Chapman, John Flanders, Joshua Wilson


Visualmente atractiva pero poco más.

Nos encontramos de nuevo con una película de casas encantadas. Esta etiqueta parece así de entrada bastante simple para lo que nos intenta explicar The Room. Abarca, para bien o para mal, otros temas tales como la codicia que, según como se enfoque, parece no muy terrorífico. Esa deriva narrativa nos lleva de un lado a otro sin saber muy bien qué estamos viendo.


Esto último viene a cuento por la introducción de algunos ingredientes que aun siendo interesantes vistos individualmente, al juntarlos con otros hacen un plato visualmente deseable pero de un sabor algo insípido. ¿Cómo no?, el aderezo que le hubiera ido bien es que se hubiera introducido más de lleno en el terror.

Matt y Kate se trasladan a un nuevo hogar. La mansión tiene una habitación secreta que tiene la particularidad de que, cual linterna mágica, concede todo aquel deseo que se le pida. Tras pasárselo en grande con todo tipo de excesos terrenales, no se les ocurre otra cosa que pedirle el hijo que tanto desean. Las consecuencias no son como habían imaginado.

A pesar de lo atractivo de la historia, al transcurrir los minutos nos da la sensación de haber caído en una trampa. La trama se va complicando por momentos, resintiéndose lo que en principio funcionaba la mar de bien. Su excesivo apoyo en lo fantástico le va muy en contra, añorando escenas mucho más truculentas, ocasiones para ello las tienen.

La película, de todas maneras, cuenta con algunos alicientes que pueden provocar que a un tipo de público le encante. Su lado más soft puede ayudar a eso. Da la sensación de ser, y aquí hago énfasis en que es una opinión muy personal, un film femenino, dicho esto en la parte más positiva del término y sin querer crear polémica. La razón por la que digo esto es por la gran importancia que adquiere la palabra madre.

Christian Volckman, un director especializado en animación, se estrena en el mundo del largometraje convencional con The Room. Ese antecedente pesa quizás demasiado en su nueva película. Tampoco queremos decir con esto que se asemeje a un cómic animado, pero tiene cierto toque visual que puede que hubiera quedado mejor en el mundo del dibujo.


La pareja protagonista está formada por la joven Olga Kurylenko (Seven Psychopaths, Oblivion) y Kevin Janssens (Revenge). Su escasa química hace resentir una relación que, por necesidades del guion, va cayendo en picado, con lo que su involuntaria aportación ayuda en ese sentido. Joshua WilsonFrancis Chapman y John Flanders (MoonwalkersLa French), por este orden y no puedo decir los motivos, les secundan.

Para acabar decir que es una película que bajo su aparente simplicidad, se va volviendo cada vez más complicada, con lo que si estáis dispuestos a llegar hasta el final, no seremos nosotros quienes os lleven la contraria.

Firma: Josep M. Luzán.
@Josep_Luzan

Cine asiático y animación centran el nuevo avance de programación de Fancine

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First Love, del director japonés Takashi Miike, y la producción china The Wild Goose Lake serán algunos de los títulos que lleguen del continente oriental

Nuevo avance de programación de Fancine. A falta de un mes para que arranque la 29 edición del festival de cine fantástico de la UMA, la organización ha adelantado otra remesa de títulos que estarán presentes en la cartelera del Albéniz del 13 al 21 de noviembre. Y, en esta ocasión, el anticipo se centra en dos ejes fundamentales de la parrilla del certamen: la animación y el cine asiático, al que cada año se le reserva un considerable hueco con un buen puñado de cintas en cartelera, sin olvidar que fue el leit motiv en torno al que giró la pasada edición de la cita malagueña.

De esta manera, el cine llegado del continente oriental volverá a tener un protagonismo especial con la presencia, por ejemplo, del último trabajo del consagrado y reconocido Takashi Miike, First Love. El director japonés se introduce en el thriller criminal, uno de sus terrenos favoritos y mejor dominados, para dar rienda suelta a un trama trepidante y violenta donde drogas, mafia, asesinos y policías corruptos coinciden en el Tokyo más salvaje, a través de la figura de un joven boxeador enamorado de una prostituta que hace de inesperado hilo conductor.

La nueva propuesta del veterano cineasta nipón coincidirá también en Málaga con The Wild Goose Lake, una producción dirigida y escrita por Diao Yinan (Black Coal, Thin Ice) que ofrece una peculiar visión de los bajos fondos de la China actual. La cinta, que ha participado en la sección oficial de Cannes, utiliza elementos del noir en una trama protagonizada por un expresidiario que se convierte en fugitivo tras verse envuelto en una pelea de bandas y, en su huida, se topa con una misteriosa y seductora mujer que promete ayudarle. Una atmósfera de luces de neón y una incesante lluvia sirven de escenario a una historia en la que también tienen cabida las artes marciales y una imponente banda sonora.

Ánima Zone

La animación es el común denominador de las cuatro películas también desveladas en este nuevo avance. Este será el cuarteto seleccionado para conformar la sección Ánima Zone, que incluye desde la divertida Ninja a cuadros, una idea del famoso comediante y rapero danés Anders Matthesen, que teoriza acerca de la amistad y la venganza con moraleja final sirviéndose de un pequeño acosado en el colegio al que le regalan un muñeco poseído con el que impartirá justicia, hasta la metafórica Children of the Sea, una adaptación del manga homónimo que se inspira en el océano y en criaturas sobrenaturales para abordar los misterios de la vida y la conexiones entre la humanidad y el medio ambiente.

Con ellas estarán la producción japonesa de ciencia ficción Human Lost, una distopía futurista en la que los avances médicos han conseguido superar la muerte con unas máquinas minúsculas que solo pueden permitirse los más pudientes y la lúgubre La casa lobo, una cinta chilena codirigida por Joaquín Cociña y Cristóbal León, que firman una oscura fábula donde la morada en la que se esconde una niña que escapa de una secta religiosa reacciona a los sentimientos de esta, dando forma a sus peores pesadillas.

Concurso K-Pop

Y siguiendo con el marcado acento asiático siempre presente en la programación de Fancine, este año también se celebrará, como viene siendo habitual en las últimas ediciones, el tradicional concurso K-Pop dentro de las actividades del fin de semana, que tienen lugar en los alrededores del cine Albéniz y calle Alcazabilla con una importante afluencia de público.  Podrán participar en la modalidad individual o de grupos y habrá premios económicos para los tres primeros clasificados en cada categoría. Las bases se podrán consultar en la página web de Fancine, donde también estará disponible la información para los interesados en inscribirse.

Entrevista a Pollyanna McIntosh. Directora, guionista y actriz de Darlin’

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Entrevista realizada en el Festival de Sitges 2019 a Pollyanna McIntosh. Directora, guionista y actriz de Darlin’.


¿Cómo valoras tu primera experiencia como directora?

Increíble, de verdad. Un gran reto porque el mundo de The Woman está muy cercano a mí y fue una suerte poder rodar la película.


¿Con qué faceta te quedarías, directora o actriz?

Me encanta escribir, dirigir y actuar. Después de Darlin’ no podría imaginarme sin dirigir; esta es mi tercera vez como directora, antes hice un cortometraje que se llama Perfect y tras Darlin’ he dirigido Getting Away From It All que es un segmento para una película de antologías llamada Deathcember. No puedo elegir entre escribir, dirigir o actuar, aunque no puedo vivir sin actuar así que supongo que apareceré en más películas dirigidas por otros directores.


¿Ha sido muy difícil actuar y dirigir a la vez?

En otra situación podría haber sido más difícil, pero conozco al personaje de The Woman y podía ponerme en su piel y dirigir al resto. Lo más complicado fue el tiempo que teníamos para rodar, pero en el caso de Darlin’ tenía el gran talento de Halyna Hutchins como directora de fotografía y gracias a las conversaciones que tuvimos pude relajarme.


Darlin’ es muy diferente respecto a las películas de la trilogía, ¿Por qué elegiste el camino de poner a The Woman en segundo plano?

Porque siento que Darlin’ fue la brava de la familia, tiene humor, le encanta la música. Es un personaje hermoso e inspirador, quería explorar qué ocurría tras el final de The Woman y no quería dejar abandonado a este personaje que actuaba como una perrita. También soy amiga de Lauren Ashley-Carter, que interpretaba a Peggy, a quien aterrorizaba su padre en The Woman. Pensé en todo esto y el corazón de Darlin’ se abrió a mi cabeza y de ahí al papel.


¿Cuándo escribiste el guion de Darlin’ ya pensaba en Lauryn Canny para este papel?

No, la actriz que interpretaba a la Darlin’ original era muy pequeña por todas las cosas terribles que le ocurren. Pero cuando llegó Lauryn Canny con ese pelo negro y tanto talento fue imposible seguir buscando; como su piel es muy blanca, decidimos teñirla de rojo.


¿Podremos tener nuevas aventuras de The Woman?

Solo si alguien escribe una historia que parezca escrita por Jack Ketchum y la dirige una persona que pueda explorar al personaje de The Woman.


¿Cómo fue tu experiencia en The Walking Dead?

La serie ya llevaba 7 años y pensaba que todos tendrían su lugar, se conocían y yo era la nueva. Pero no, fueron muy amables conmigo, Andrew Lincoln es un líder increíble y hace muy fácil cuando uno llega nuevo.


¿Tu película de terror favorita?

Rosemary’s Baby. Fue una de mis inspiraciones ya que en Rosemary’s Baby el diablo quiere el cuerpo de la mujer y en Darlin’ la iglesia tiene el cuerpo de la mujer lo que para mí es más horrible que el diablo.

Fuel: un asfixiante largometraje de Israel González sobre el precio de la vanidad

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Fuel ha sido seleccionado por el festival de cine Nocturna para formar parte de su sección Panorama.

El largometraje, producido por Miriam Díaz Aroca, cuenta con Fernando Cermeño como actor protagonista y la presencia de Isabel Junnot. Su guion ha corrido a cargo de Juan de Dios Garduño, autor de la novela "Y pese a todo...", adaptada al cine por Miguel Ángel Vivas en Extinction.

Fuel es un proyecto muy modesto sacado adelante con apenas 6.000€, y ha requerido un esfuerzo muy importante por parte de todo el equipo involucrado, que ha sacado el máximo partido de los recursos disponibles para poder armar esta producción de corte fantástico.


Con una distribución aún pendiente de cerrar, es un verdadero honor para todos los implicados en este proyecto inaugurar su recorrido en pantallas en un Festival como Nocturna, la cita anual más importante en Madrid para el cine de género.

El equipo de Fuel está disponible para atender a la prensa, y quedamos a vuestra entera disposición para ampliaros y detallaros la información que preciséis, así como para facilitar todos los materiales de prensa que neceitéis.

LO QUE CUENTA

Fuel es la historia de Raúl, un periodísta y “foodie” que realiza reportajes fotográficos y artículos para algunas revistas especializadas y para sus propias redes sociales. Tras pasar unos días en México, inicia un viaje hacia la frontera con Estados Unidos para realizar un reportaje sobre los restaurantes a pie de carretera en la mítica ruta 66. Su pesadilla comenzará cuando despierte en mitad del desierto y atado con una cadena a un viejo coche, sin agua, sin comida y sin posibilidad de escape.

CÓMO LO CUENTA

Fuel es un ejemplar despliegue de talento, que con tan solo 6.000€ de presupuesto y 4 días de rodaje ha armado con el esfuerzo colectivo de todo su equipo una historia que atrapa al espectador, invitándole a convivir con Rául en su particular purgatorio. Con una cuidada fotografía, un esmerado trabajo en sonido y una interpretación descarnada de Fernando Cermeño, Fuel se postula como una de los grandes títulos del fantástico de bajo presupuesto español de 2019, y como un gran ejemplo de lo que se pueden firmar resultados muy notables cuando se gestiona de manera óptima la economía de recursos.

EXCLUSIVA: Primer tráiler oficial de Sangre Vurdalak

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Sangre Vurdalak es una película argetina que fue distinguida en el Blood Window 2018 y en el mercado NAFF, del Festival Bifan de Corea del Sur, el más importante del género fantástico.

Sangre Vurdalak se impuso entre otros 50 proyectos de cine fantástico de diversos países previamente seleccionadas por el festival. Entre los aspectos analizados a la hora de la selección se cuentan guion, locaciones, elenco y maquillaje, entre otros. Como el festival premia a películas recientemente estrenadas o en proceso de producción, Sangre Vurdalak podrá realizar la postproducción de imagen, sonido y efectos especiales en estudios internacionales ubicados en Singapur.

La película es una adaptación de La familia Vurdalak, relato de vampiros escrito en 1939 por el Aleksey Tólstoi, quien además de ser primo de León Tólstoi fue un célebre escritor ruso de ciencia ficción.

La película se encuentra en proceso de post producción de imagen, sonido y música; por lo que el trailer aún cuenta con músicas de referencia, especialmente la creada por Mark Korven para The VVitch, una obra de la que Fernández Calvete se considera gran admirador.


El Maniatic Film Festival crece y se consolida en su tercera edición

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Manises seguirá acogiendo el evento internacional de cortometrajes de cine fantástico, que cuenta con una gran cantidad de estrenos en exclusiva

El próximo 30 de octubre, y hasta el 2 de noviembre, tendrá lugar la III Edición del Maniàtic Film Festival, festival internacional de cortometrajes de género fantástico, que se desarrollará en el Auditorio Germanies de Manises (Valencia). La organización corre a cargo del Ateneu Cultural de Manises en colaboración con el Ayuntamiento de la misma localidad y la Fnac.

Perú, Ucrania, Alemania, Estados Unidos, Francia, Reino Unido y cómo no, España, son algunas de las nacionalidades de los cortometrajes seleccionados por la organización para esta ambiciosa tercera edición. La tarea de selección no ha sido fácil. 24 obras seleccionadas (de las 620 inscritas, cifra récord  en tres años de vida del festival), a las que se suman dos fuera de concurso, que los asistentes podrán disfrutar de forma totalmente gratuita. El cartel oficial ha sido diseñado por Víctor Nacher.


Como particularidad contará con una gran cantidad de estrenos en exclusiva que se proyectarán por primera vez. Como ejemplos, a nivel mundial, el cortometraje francés Alice. En Europa será la  primera vez que podrá verse The Five Minutes, de nacionalidad norteamericana y dirigido por Shange Zhang. En España los espectadores contarán hasta con ocho estrenos, los mismos a nivel de la Comunidad Valenciana. También cabe destacar el pase de Post Mortem Mary, de Joshua Long, ganador en la pasada edición de Sitges o del aclamado Laboratory Conditions, de Jocelyn Stamat.

El jurado encargado de premiar a los seleccionados para esta edición es el siguiente: Lorena Lluch, productora y CEO en Filmeu, Nadia Ruiz, cofundadora y CEO de La Tribu, Joana Chilet, productora y guionista, Jaime Maestro, director de cine de animación, Sergi Vizcaíno, director de cine y Álex Montoya, director de cine.

Entrevista a Lorcan Finnegan. Director de Vivarium

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Entrevista realizada en el Festival de Sitges 2019 a Lorcan Finnegan. Director de Vivarium.


Aunque eres argumentista, fue Garret Shanley quien escribió el guion ¿Colaboraste también en la escritura?

No, yo cree la historia con Garret y él se encargó de escribir el guion aunque desde el principio al final fue colaboración total.


¿En qué genero situarías Vivarium, ciencia ficción, terror?

Es una mezcla de géneros, aunque diría que es ciencia ficción.


¿Cómo ha sido trabajar con actores de renombre como Imogen Poots y Jesse Eisenberg?

Cuando trabajas con actores famosos ya vienen con un historial detrás, y las características que los acompañan, pero Imogen y Jesse son unos profesionales excelentes. Lo que haces es crear confianza con ellos, para mí ha sido un paso adelante en mi carrera.


¿Les marcó sus caracteres o les dejó experimentar?

Lo que traté de hacer es que todo pareciera natural. Jesse también es escritor, tiene varias obras de teatro, y le pareció que en el guion original sobraban muchos diálogos. Un actor que en vez de querer más líneas, pide quitarlas. Con Imogen fue distinto, es más salvaje y divertida. Son diferentes estilos y les di libertad creativa.


¿Cuáles han sido tus influencias para Vivarium?

Me han comentado que recuerda a Cube de Vincenzo Natali, pero me influenció Safe de Todd Haynes, The Quiet Earth de Geoff Murphy y luego como referencias estéticas el pintor Edward Hooper y el surrealismo.


¿Cuál fue la parte más difícil de rodar?

Cuando conducen alrededor de la ciudad para escaparse, solo teníamos tres casas en el estudio, también rodamos en el exterior, utilizamos un dron y luego lo unimos todo con CGI. Lo más complicado fue crear este movimiento mezclando tantos elementos.


¿Has pensado en hacer una secuela, ampliar el universo de Vivarium?

No estaría mal, me encantaría que alguien siguiera mi historia y así me forraría.


¿Cuáles son tus próximos proyectos?

Tengo dos nuevos proyectos, no quiero explicar mucho pero uno de ellos trata sobre un diseñador de vestuario y la limpiadora filipina que se encarga de su casa, trataría de la lucha entre culturas. El otro es Goliath, un cuento siniestro, con hadas, que va sobre la historia de David y Goliath en un mundo distópico, futurista.


¿Por qué crees que últimamente han surgido tantos directores de películas de terror en Irlanda?

Creo que mi generación ha madurado, crecimos viendo películas en televisión cuando solo había dos canales. Conozco a casi todos y son directores extraordinarios como por ejemplo Lee Cronin. Es un buen momento para el género en Irlanda.


¿Te gustaría probar otros géneros?

He empezado en la comedia, por ejemplo rodé sketches para la televisión británica y los anuncios que he rodado son cómicos. Ahora con Garret estoy escribiendo una comedia de terror. Lo que me gusta de las películas de género es que puedes meditar sobre la sociedad y utilizarlo, por ejemplo David Cronenberg que rueda películas de terror pero realmente tratan sobre temas de hoy en día.


¿Cuál es tu película de terror favorita?

La película más terrorífica que he visto es Antichrist de Lars Von Trier, pero me encanta Don’t Look Now de Nicholas Roeg, Peter Weir y las películas psicodélicas de los 60 y 70.

Zombieland: Mata y Remata review

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En este mundo post apocalíptico zombi, la vida sigue para Tallahase, Wichita, Little Rock y Columbus, pero las tensiones internas terminan por romper el grupo. La aparición de unos zombis más rápidos e implacables, junto con el descubrimiento de un nuevo asentamiento humano, hará que la lucha por la supervivencia empiece de nuevo para el grupo… eso siempre y cuando no se maten entre sí.

Título original: Zombieland: Double Tap

Año: 2019

Duración: 93 min.

País: Estados Unidos

Director: Ruben Fleischer

Guion: Dave Callahan, Rhett Reese, Paul Wernick

Fotografía: Chung Hoon-Chung

Música: David Sardi

Reparto: Jesse Eisemberg, Woody Harrelson, Emma Stone, Abigail Breslin, Zoey Deutch, Rosario Dawnson, Luke Wilson


Una secuela que supera a la original.

Por varias razones, Zombieland se adelantó a su tiempo ya en el 2009: la primera cinta de zombis realizada con el beneplácito de una major que decidía sacar a la luz un hecho incontestable: el creciente número de fans que generaban las cintas de zombis. Al mismo tiempo era el pistoletazo de salida para Jesse Eisemberg, Emma Stone y Abigail Breslin que, aun llevando carreras dispares desde aquel momento, hizo que las agendas de unos y otros, incluyendo al incombustible Woody Harrelson, hicieran imposible el rodaje de esta secuela por muchos años.


En este mundo post apocalíptico zombi, la vida sigue para Tallahase, Wichita, Little Rock y Columbus, pero las tensiones internas terminan por romper el grupo. La aparición de unos zombis más rápidos e implacables, junto con el descubrimiento de un nuevo asentamiento humano, hará que la lucha por la supervivencia empiece de nuevo para el grupo… eso siempre y cuando no se maten entre sí.

Zombieland: Mata y Remata– aka Zombieland: Double Tap - demuestra que a veces solo es cuestión de tiempo, en este caso diez años, para que una historia simpática – al fin y al cabo solo se trataba de entretener – se convierta en una película más divertida y fresca que la original. Rhett Reese y Paul Wernick, guionistas de Zombieland, han tomado la lección de su proyecto anterior, Deadpool, y suben la apuesta de chistes políticamente incorrectos con la incorporación de personajes nuevos como Berkeley, Nevada o Madison, y suman unas cuantas gotas de ruptura espacio temporal que sin añadir nada a la trama contienen gags brillantes. La presencia del tercer guionista, Dave Callahan, da ese elemento que se echaba de menos en la original: mayor brío en la historia y ganas de innovar. El único pero que se le podría poner al guion es que continúa siendo demasiado capitular y le falta cierta hilazón que diese más consistencia al conjunto más allá de gags más o menos logrados.

La dirección de Ruben Fleischer es continuista aunque se le nota más suelto y arriesgado, especialmente en ese plano secuencia con uno de los giros más delirantes de la trama. La fotografía de Chung Hoon-Chung– gran participe de los éxitos de Park Chang Wook - arregla una de las debilidades de Zombieland: ese aire a película barata o telefilme.

A nivel de interpretación algunos han ganado, como Emma Stone que tiene mayor peso en pantalla, mientras Jesse Eisenberg se nota inseguro a su lado y Abigail Breslin es la gran perjudicada en el guion – Eh, guionistas, ¿No podríais haber aprovechado las dotes cómicas que Breslin demostró en Scream Queens? – mientras Woody Harrelson se ríe de todo, Rosario Dawnson siempre luce bien y, atención a la roba escenas que es Zoey Deutch como Madison, el mejor personaje y el que todos echamos de menos cuando no está en pantalla.


¿Es Zombieland: Mata y Remata mejor que su predecesora? Sin duda. ¿Gustará a los que no disfrutaron la anterior? Dadle una oportunidad porque seguro que os hará apreciar más la del 2009.

No puedo terminar sin decir un par de cosas: Bill Murray, ahí lo dejo, y mi teoría acerca de la presencia de Luke Wilson en Zombieland: Mata y Remata es que se trata de un guiño que los autores dedican al piloto de Zombieland que tantos palos se llevó por parte de los aficionados.

Firma: Javier S. Donate.

VII Nocturna Madrid presenta su programación al completo

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“El festival sois vosotros” ha afirmado esta mañana en rueda de prensa el director del Festival Internacional de Cine Fantástico Nocturna Madrid, Sergio Molina, durante la presentación de la programación de su VII edición, que se celebrará entre el 22 y el 26 de octubre en Madrid. El Festival madrileño, que cuenta con un presupuesto de 65.000 euros y que reunió en su pasada edición a más de 15.000 espectadores en tan solo cinco días, ha agradecido el entusiasmo con el que la ciudad de Madrid recibe cada año su programación.

En la presentación, Sergio Molina, acompañado del productor del Festival, José Luis Alemán y la Directora Institucional de la Fundación SGAE, Silvia Pérez de Pablos, ha destacado el deseo de “avanzar en este camino del cine de género con un festival en Madrid que aporte algo diferente y que ponga en valor el fantástico español”.

Tras desvelar el spot de este año, introducido con la frase de “las leyendas se crean, pero los mitos nacen”, Molina ha destacado la presencia del invitado de honor de esta edición, Alex Proyas, que llegará desde Australia para recibir el Premio Maestro del Fantástico, encontrarse con el público e impartir una masterclass en el 25 aniversario de El cuervo (1994). Una cinta de culto por su estética, su diseño artístico, inspirado en la cultura del videoclip y en el cómic underground homónimo de James O’Barr, su neorromanticismo, el post punk y una banda sonora que marcó una época, con temas inéditos como “Burn” de The Cure, la versión del “Dead Souls” de Joy Division de Nine Inch Nails, “The Badge” de Pantera o “Big Empty” de Stone Temple Pilots, entre otras tantas.
“Homenajear a Alex Proyas, que además nos ha trasladado su entusiasmo por venir a Madrid es un honor”, afirmó Sergio Molina, adelantando que todo está ya preparado para esta VII edición.

El cuervo se podrá ver el sábado 26 en un pase especial aniversario de la película, tras la cual se llevará a cabo un encuentro con el público que cuenta con la colaboración de su distribuidora en España, Inopia Films. Además, también durante la mañana del sábado, tras la lectura del palmarés en el Fórum FNAC Callao, el cineasta hablará de sus películas y de su manera de hacer cine con el público asistente. No en vano los Cinesa Proyecciones de la calle Fuencarral, sede principal del Festival, lucen enormes carteles en honor al film.

Proyas, conocido además por la dirección de films como Spirits of the Air, Gremlins of the Clouds (1989); Dark City (1998), considerada película “de culto” y  una de las cimas de la ciencia ficción de los últimos años; Días de garaje (Garage Days, 2002); Yo, robot (2004); Señales del futuro (Knowing, 2009), que también se proyectará en Nocturna Madrid o Dioses de Egipto (Gods of Egypt, 2016), se ha responsabilizado de videos musicales para bandas y artistas como Crowded House, INXS, Mike Oldfield, Fleetwood Mac o Joe Jackson, entre otros, y ha conseguido formar un núcleo de fans por todo el mundo, admiradores de su talento como “ilustrador de mundos” y “como uno de los grandes talentos del género fantástico”, destacó Molina.

Precisamente, éste será el motivo de su masterclass titulada “Los mundos oscuros de Alex Proyas”, que el cineasta impartirá el miércoles 23 a las 12h. en la Sala Berlanga, gracias a la colaboración entre Nocturna Madrid y la Fundación SGAE. Un vínculo que el director del festival agradeció como” modo de acercar el cine de género y la cultura al público”.

También allí se proyectará el Ciclo programado conjuntamente con el consejo territorial de la Fundación SGAE en Madrid sobre Narciso Ibáñez Serrador, con pases gratuitos hasta completar aforo. El ciclo, que comenzará el lunes 21, está dedicado al cineasta y se compone de trabajos creados para la serie Películas para no dormir (telefilmes independientes en los que Álex de la Iglesia, Enrique Urbizu, Jaume Balagueró, Paco Plaza, Mateo Gil y el propio Ibáñez Serrador buscan provocar el insomnio) e Historias para no dormir (la famosa serie que desde 1966 abordó el género cinematográfico del terror, por entonces casi desconocido en el cine o la televisión en España, presentada y dirigida por él mismo). Además, también se llevará a cabo la mesa redonda “Chicho, la fantasía conquista la pequeña pantalla española”, con la presencia de Alejandro Ibáñez (cineasta e hijo del autor), Carlos Urrutia (actor y biógrafo de Chicho Ibáñez Serrador) y Sergio Molina (director de Nocturna Madrid).

Nocturna Madrid homenajeará al cineasta Eugenio Martín, conocido en el mundo anglosajón como Gene Martin, que sorprendió en 1966 con la película El precio de un hombre, una novedosa simbiosis entre la tradición del western americano y las influencias del cine italiano. Su largometraje fue entonces reconocido de “interés artístico especial” y convirtió a su protagonista, el actor Tomás Milián, en un icono del género. Pánico en el Transiberiano, uno de sus films más destacados a nivel internacional, es hoy considerado una obra de culto. De él Nocturna Madrid proyectará Hipnosis el día 22 a las 17h. en la Sala Berlanga, en colaboración con el Consejo Territorial de Madrid de la Fundación SGAE y patrocinado por 8 Madrid TV, una película que transmite la esencia del cine giallo.

Eugenio Martín recibirá el Premio Nocturna de Honor por su trayectoria durante la clausura del Festival, el sábado 26 en Cinesa Proyecciones, de la mano de su esposa, la actriz Lone Fleming.  “Desde Nocturna Madrid creemos que Eugenio Martín y el Fantástico español requieren el mayor reconocimiento posible”, añadió Sergio Molina.   

Más de 50 títulos de género fantástico y terror y dos estrenos mundiales

De entre las 300 obras recibidas, el VII Festival Internacional de Cine Fantástico Nocturna Madrid proyectará más de una treintena de largometrajes distribuidas en sus características secciones y 28 cortometrajes (19 nacionales, 6 internacionales y 3 fuera de competición).

En esta VII edición se estrenarán varias películas a nivel mundial, como ha recordado Sergio Molina en la presentación esta mañana. La primera película de Alejandro Ibáñez Nauta, Urubú, que inaugurará esta VII edición en una gala que tendrá lugar en Cinesa Proyecciones. La película desarrolla algunos de los temas que ya había tratado su padre en sus películas y denuncia de forma orgánica y natural algunas realidades del mundo siguiendo la máxima de que el cine y la televisión además de entretener deben servir para comunicar ideas y educar. Un film homenaje a Narciso Ibáñez Serrador que su hijo ha querido rendirle introduciéndose en el género del fantaterror y del género fantástico que su padre potenció en España.

Nocturna Madrid contará este año en la Sección Oficial Dark Visions Competición con el estreno mundial de A night of horror: Nightmare Radio, una antología de terror que ha reunido a un gran talento de directores entre los que se encuentra la firma de dos españoles. Una innovadora propuesta de los realizadores argentinos Nicolás y Luciano Onetti, que se presentó como proyecto en Cannes en la sección “Upcoming Fantastic Films”, y que verá la luz por primera vez en Madrid con los cortometrajes de los españoles Sergio Morcillo(Gotas) y Pablo Sánchez Pastor (Into the Mud), acompañados de las obras de cineastas internacionales como Adam O'Brien, Joshua Long, Jason Bognacki, Matt Richards y Oliver Park. El hilo conductor es la historia de Rod, un hombre que conduce un programa de radio dedicado a historias de terror.

Dentro de la Sección Oficial Fantástico Competición se podrá ver la premiére en España de Finale, del director danés Søren Juul Petersen, que estará en Madrid para presentar su film; y Koko-Di Koko-Da, del director sueco Johannes Nyholm, ambos exponentes del cine fantástico del norte de Europa; Il Signor Diavolo, la vuelta al horror de Pupi Avati, una de las figuras clave del fantástico italiano; Luz, un western fantástico de procedencia colombiana dirigido por Juan Diego Escobar Alzate; Amigo, el debut en el largometraje del director Óscar Martín; la comedia gamberra de zombies carnívoros Little Monsters, del cineasta australiano Abe Fosythe; Body at Brighton Rock, de Roxanne Benjamin; la producción canadiense Z, de Brandom Christensen; y 1BR, de David Marmor, estos dos últimos títulos serán premiére en España. El jurado de esta sección está compuesto por Albert Galera (escritor y director del Festival de Cine de Terror de Molins de Rey), Zaher Soufi (CEO de KBN Next Media) y el director de cine Sergio Morcillo.

En la Sección Oficial Dark Visions Competición, con un jurado integrado por el periodista Ángel Luis Sucasas, Álex Mendíbil (guionista y programador de la Sala B de Filmoteca Española) y Óscar Sánchez (Director General Productora Audiovisual NEXT PROJECT), el Festival ha seleccionado títulos como la película canadiense Artik, el debut en largo de Tom Botchii Skowronski, que llegará a Madrid para presentar su obra, al igual que Kris Carr y Sam Fowler con The Young Cannibals. También formarán parte de esta sección The Furies, el debut gore en el largo del también australiano Tony d’Aquino;El cerro de los dioses, del director español Daniel M. Caneiro; Echoes of fear, codirigida por Brian Avenet-Bradley y Laurence Avenet-Bradley; Reborn, de Julian Richards; I Trapped the devil de Josh Lobo; y Deadsight de Jesse Thomas Cook.

Además, tal y como señalaba el productor del Festival durante la rueda de prensa, José Luis Alemán, “la Sección de Cortometrajes a Competición es una de las joyas fundamentales de Nocturna Madrid, con la que pretendemos impulsar el cine de género, descubrir nuevos talentos y crear una plataforma de creadores emergentes. Aquí tratamos de cultivar al cortometrajista español”. De ahí que Nocturna Madrid cuente este año con 28 cortometrajes que serán proyectados uno cada día antes de cada largometraje. “Los cortometrajes tienen una vida más útil, con 2 y 3 años de distribución, que una película”, afirmó.

Así, en la Sección de Cortometrajes a Competición, Nocturna Madrid proyectará Tu último día en la Tierra, de Marc Martínez Jordán; El fin de todas las cosas, de Norma Vila; Equals de Javier Yáñez, y basado en un manga de Shun Umezawa; Hopes de Raúl Monge; La octava dimensión, dirigido por Kike Maíllo y protagonizado por Najwa Nimri; Cinco Reyes, de Alberto Pons;  Lay them straight de Robert DeLeskie; La Habitación Blanca de Carlos Moriana; Amargo era el postre de Diego H. Kataryniuk Di Costanzo; A Little Taste de Víctor Català; El Cuento de Lucas Paulino y Ángel Torres o Hawaii de Jordi Capdevila y Casa de Alberto Evangelio Ramos. También competirán por el premio al mejor cortometraje Sonrisas de Javier Chavanel; Tinder Time de Olga Osorio; Amandine de Juan Carlos Mostaza; El Rastro del cazador de David Salgado propone una adaptación del relato “El corazón delator” de Edgar Allan Poe; No Apto para Menores de Daniel Noblom; Abuelita de Wiro Berriatúa; I'm sorry de Kris Carr y Sam Fowler; À L'aube de Julien Trauman; The Last Well de Filip Filković; Le Blizzard de Álvaro Rodríguez; y El Juego de Rogger Vergara Adrianzén.

Una clausura de lujo: Vivarium

Durante la rueda de prensa el director del Festival, Sergio Molina, ha desvelado la película elegida para la clausura el sábado a las 22h.: Vivarium, una producción de ciencia ficción premiada este año en Cannes y la segunda dirigida por el cineasta irlandés Lorcan Finnegan. Como su título indica, es toda “una reflexión a escala en torno a un área residencial cerrada y dispuesta para la observación de los espectadores. Una distopía en torno a un barrio en el que todo parece perfecto”, ha explicado Sergio Molina.

Los actores, Imogen Poots (actriz de Green Room recientemente premiada en Sitges) y Jesse Eisenberg (Zombieland) asumen los papeles principales de esta laberíntica historia, parodia de lo cotidiano y de un sistema que parece programar al ser humano desde su nacimiento hasta su muerte. “Una película diferente, satírica y que será un gran cierre para nuestra VII edición”, ha declarado el director del Festival.

Fuera de competición

La Sección Oficial Fantástico Panorama mostrará películas como la producción india Andhadhun dirigida por el prolífico director y guionista Sriram Raghavan, película ganadora de todos los premios en la pasada edición del Festival Nits de Cinema Oriental de Vic, certamen con el que Nocturna Madrid inicia una colaboración y gracias a la cual se podrá disfrutar de este pase; Los albores del Kaiju Eiga, de Jonathán Bellés, una cinta española que acerca a los orígenes de Godzilla; en el 40 aniversario de Alien, de Ridley Scott, no podía faltar Memory: The Origins of Alien de Alexandre O. Phillipe; Hex, el cuarto film del cineasta sudafricano Rudolf Buitendach; Bullets of Justice, la coproducción entre Kazajistán y Bulgaria dirigida por Valeri Milev;  Blood Machines, una Space Opera de 50 minutos escrita y dirigida por Seth Ickerman -el pseudónimo bajo el que trabajan Raphaël Hernández y Savitri Joly-Gonfard- y marcada por la personalidad del músico Carpenter Brut; la argentina Rock, Paper and Scissors de Martín Blousson y Macarena García Lenzi; y el estreno mundial de Fuel,de Israel González, que contará con la presencia de su equipo en la presentación de Nocturna Madrid.

Nocturna Madrid mostrará también fuera de competición el cortometraje de Ibáñez Nauta Reality, que pretende visibilizar el sufrimiento de los niños en las guerras, una obra realizada en colaboración con la ONG Save the Children; La Colleja de Sergio Morcillo; y La Virgen Descalza de Lone Faerch (Lone Fleming).

Actividades paralelas de acceso gratuito

El Festival Internacional de Cine Fantástico Nocturna Madrid trasciende la pantalla “para ir más allá”. Así lo ha definido Molina esta mañana durante la presentación, llena de cinéfilos y de medios apasionados del género. Por eso el Festival, por séptimo año consecutivo, ofrece una extensa oferta gratuita de actividades paralelas durante las mañanas del 22 al 26 de octubre en el Fórum FNAC Callao. Eventos culturales que en la pasada edición colgaron en numerosas ocasiones el lleno y en los que confluyen el cine, el cómic, la literatura, el teatro y otras disciplinas artísticas.

Desde presentaciones de películas como 1BR junto a su director, David Marmor (martes 22 a las 12h.); Artik, con Tom Botchii Skowronski (jueves a las 12.30h.); Amigo de Óscar Martín (jueves a las 13.15h.); Finale, con su director, Søren Juul Petersen (viernes a las 12.15h.); y A Night of Horror: Nightmare Radio, con Sergio Morcillo (sábado a las 13.15h.) hasta mesas redondas y coloquios, como la dedicada a los cortometrajes (martes a las 13h.). Además, las presentaciones de las revistas Fantastic Films Neutrón y La Cabina de Nemo (martes a las 12h.), el cómic Knox con el que se presenta Nocturna Madrid en uno de los escaparates de FNAC Callao, con la asistencia de Víctor Matellano (miércoles a las 11h.); la revista Cineficción, con José Papparelli y Eduardo Juan Manola (miércoles a las 12.15h.); el libro Universal Monsters & Toys & Merchandising (miércoles a las 13.15h.); la novela Vesna, de José Luis Alemán (jueves a las 11.30h.); Más allá del cine de Sebastià D’arbó, a cargo de Diego Peñalver y el propio autor (viernes a las 11h.); y Robots de Cine: De María a Alita, con Jordi Ojeda (sábado a las 11h.).

Fiesta de Halloween en el Generator Hostel

El Festival también celebrará su tradicional fiesta de Halloween el jueves 24 a las 22.30h en el Generator Hostel de Madrid (C/San Bernardo 2), en el hotel oficial de Nocturna Madrid, atrezado para la ocasión en honor al 25 aniversario de El cuervo. El festival vuelve a invitar al público madrileño a disfrutar de una Fiesta de Halloween anticipada y con figuras del cine, con cócteles temáticos, maquillaje especial, en una noche que se prevé, según los organizadores, muy divertida y cinéfila.
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