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Achoura review

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Nadia, Ali, Samir y Stéphane son cuatro amigos de la infancia que se vuelven a reunir cuando uno de ellos, Samir, aparece de nuevo tras veinticinco años desaparecido. Juntos recuerdan un hecho cuando eran niños que les marcaría para siempre. Otra vez juntos, tendrán que luchar contra una criatura monstruosa nacida de una terrible leyenda.

Título original: Achoura

Año: 2018

Duración: 90 min.

País: Marruecos

Director: Talal Selhami

Guion: Jawad Lahlou, Talal Selhami, David Villemin

Música: Romain Paillot

Fotografía: Mathieu De Montgrand

Reparto: Sofiia Manousha, Younes Bouab, Omar Lotfi, Iván González, Moussa Maaskri, Mohamed Choubi, Jade Beloued, Abdellah El Yousfi, Gabriel Fracola, Noé Lahlou.


Sugerente, fresca y aterradora.

De Marruecos nos llega una película de terror, un género emergente en ese país del norte de África. En realidad desconocemos bastante del cine que se hace por esos lares. Achoura es una buena muestra de la excelente evolución que va tomando su cinematografía, sobretodo en el cine de género, que es el que nos interesa.


¿Qué decir de ella?, pues que puestos a calificarla de alguna manera esta sería la de terror-inocente, cosa que nos encanta puesto que situaciones que nosotros damos por sentadas vuelven a aparecer en pantalla llenándonos de nostalgia. Toma, en cierta medida, prestadas dosis del cine francés, en su vertiente más oscura claro está. Esto la torna muy entretenida, explicándonos algo que no por estar muy visto deja de ser impactante.

Nadia, Ali, Samir y Stéphane son cuatro amigos de la infancia que se vuelven a reunir cuando uno de ellos, Samir, aparece de nuevo tras veinticinco años desaparecido. Juntos recuerdan un hecho cuando eran niños que les marcaría para siempre. Otra vez juntos, tendrán que luchar contra una criatura monstruosa nacida de una terrible leyenda.

Gran trabajo de Talal Selhami, director nacido en Francia, que sabe nadar entre dos aguas. Una la del Marruecos ancestral que celebra la fiesta del Achoura, una especie de Semana Santa cristiana, en la que los niños se rocían de agua para contarse alrededor de una hoguera, historias de terror. Otra, mucha más comprensible para nosotros, la de una sociedad moderna que tampoco se diferencia mucho de la nuestra, salvando las lógicas distancias.

El guion, cuya autoría recae en Jawad Lahlou, Talal Selhami y David Villemin, se muestra firme, podríamos decir que casi sin fisuras aunque resulta algo lineal y parco en sorpresas, de esas que tanto gustan al público. Los continuos flashbacks, eso sí, hacen muy agradable su visionado, todo con el fin de mostrarnos eso que resulta bastante difícil de plasmar como es el paso de la inocencia a la edad adulta, en esta ocasión de golpe y porrazo.


Las criaturas, monstruitos o como les queráis llamar están muy logrados ya que a pesar de su fiereza esconden un toque de seres venidos de no se sabe dónde y no se sabe con qué fin. Lo que sí sabemos es el resultado final, un gran trabajo de los departamentos de arte y efectos especiales.

El cuarteto protagonista está formado por Sofiia Manousha, Younes Bouab, Omar Lotfi e Iván González (The Divide, Open Windows), todos ellos muy creíbles en sus interpretaciones. Jade Beloued, Abdellah El Yousfi, Noé Lahlou y Gabriel Fracola son sus espejos infantiles, estando también fantásticos.
Una película muy entretenida que hará que paséis un buen rato. Su máximo aliciente es que no os tendréis que devanar mucho los sesos. Así que disfrutar de una obra fresca y sugerente.

Firma: Josep M. Luzán.
@Josep_Luzan

Presentada la programación completa de La Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián

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Esta mañana, 17 de octubre, se ha presentado la programación completa de la 30ª Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián, que tendrá lugar entre el 26 de octubre y el 1 de noviembre próximos. Como en cada edición presentará una selección de algunos de los títulos más destacados del año, largos y cortos, así como diversas actividades paralelas.

Más información: Semana de Cine Fantástico y de Terror

SECCIÓN OFICIAL DE LARGOMETRAJES

INAUGURAZIOA / INAUGURACIÓN
  1. El hoyo (2019). Galder Gaztelu-Urrutia. Espainia / España

BUKAERA / CLAUSURA
  1. Ventajas de viajar en tren (2019). Aritz Moreno. Espainia-Frantzia / España-Francia
LEHIAKETATIK KANPO / FUERA DE CONCURSO

  1. Amigo (2019). Óscar Martín. Espainia / España
  2. Bliss (2019). Joe Begos. AEB / EEUU
  3. Blood Machines (2019). Seth Ickerman. Frantzia / Francia
LEHIAKETATIK KANPO / FUERA DE CONCURSO
  1. Bullets of Justice (2019). Valeri Milev. Kazakhstan-Bulgaria / Kazajistán-Bulgaria
  2. Color Out of Space (2019). Richard Stanley. AEB / EEUU
  3. Darlin’ (2019). Pollyanna McIntosh. AEB / EEUU
  4. Deathcember (2019). Hainbat zuzendari / Varios directores. Alemania
  5. DreadOut(2019). Kimo Stamboel. Indonesia-Hego Korea / Indonesia-Corea del Sur
  6. Extra Ordinary(2019). Mike Ahern, Enda Loughman / Irlanda-Belgika / Irlanda-Bélgica
  1. Finale(2018). Søren Juul Petersen. Danimarka / Dinamarca
  2. The Furies(2019). Tony D’Aquino. Australia
  3. It Comes / Kuru(2019). Tetsuya Nakashima. Japonia / Japón
  4. Little Monsters(2019). Abe Forsythe. Australia
  5. The Pool(2018). Ping Lumphapleng. Thailandia / Tailandia
  6. Rabid(2019). Jen Soska, Sylvia Soska. Kanada / Canadá
  7. Rise of the Machine Girls (2019). Yuki Kobayashi. Japonia / Japón
  8. The Room(2019). Christian Volckman / Frantzia-Luxenburgo-Belgika / Francia-Luxemburgo-Bélgica
  1. Sadako(2019). Hideo Nakata. Japonia / Japón
  2. Sesión salvaje(2019). Paco Limón, Julio César Sánchez / Espainia-Mexiko / España-México
LEHIAKETATIK KANPO / FUERA DE CONCURSO
  1. Vivarium(2019). Lorcan Finnegan / Belgika-Irlanda-Danimarka / Bélgica-Irlanda-Dinamarca
  1. Why Don’t You Just Die!(2018). Kirill Sokolov. Errusia / Rusia
  1. Z (2019). Brandon Christensen. Kanada / Canadá

EL KLASIKAZO

¿Quién puede matar a un niño? (1976). Narciso Ibáñez Serrador. Espainia / España

ZINEMAPELMAK

Robowar (1988). Bruno Mattei. Italia

Entrevista a Severin Fiala y Veronika Franz. Directores y coguionistas de The Lodge

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Entrevista realizada en el Festival de Sitges 2019 a Severin Fiala y Veronika Franz. Directores y coguionistas de The Lodge.


Tanto en Goodnight Mummy como en The Lodge las atmósferas son opresivas. ¿Lo consideráis parte fundamental de una película de terror?

Veronika Franz: Es muy austriaco, una atmósfera opresiva. (risas)

Severin Fiala: Queríamos crear una atmósfera que aprisione, nos gusta jugar con la narración visual y pocos diálogos.

Veronika Franz: Durante el proceso de edición hicimos una versión donde eliminamos todos los momentos de silencio, la película no solo perdió veinte minutos sino también esa atmosfera opresiva de la que hablabas. Así que buscamos el efecto del silencio, sin dialogo, música…

Severin Fiala: La mayoría de películas americanas de terror son muy evidentes porque uno sabe qué va a pasar en todo momento. Para nosotros esto es un error, buscamos atmósferas donde el público no sepa qué va a ocurrir.


¿Evitáis ya desde el guion la presencia de sustos gratuitos?

Severin Fiala: Eliminamos todos en el guion. Nos gusta ver películas con sustos porque nos entretiene aunque sean superficiales.

Veronika Franz: Pero no nos interesa, porque el espectador cuando sale de verla no se queda con la historia sino con los sustos que le han dado.

Severin Fiala: Estamos más interesados en crear atmósferas a la antigua, con opresión, amenaza y suspense. Queremos momentos de tensión pero también un impacto posterior. De pequeño vi Psycho de Alfred Hitchcock y me asusté cuando aparece la madre.

Veronika Franz: ¡Pero eso no es un susto, es una revelación! (risas) En todo caso meteríamos sustos para jugar con el público, crearles un impacto psicológico, aunque podría ser peligroso.

Severin Fiala: Hay que utilizar los espacios y generar tensión con ellos. Nos interesan historias que afecten cuando el espectador sale del cine, porque esas son las películas que nos gustan.

Veronika Franz: En Goodnight Mummy conseguimos que un espectador se desmayase y con The Lodge uno vomitó, así que hemos cumplido nuestro objetivo. (risas).


¿Cómo ha sido trabajar con una tercera persona, Sergio Casci, en el guion?

Severin Fiala: Fue un problema porque nosotros compramos un guion que ponía Hammer Productions, empezamos a trabajar con Sergio y resulto muy complicado porque le pasábamos notas y su forma de trabajar era distinta, quería ir muy rápido y no integraba bien lo que le pediamos.

Veronika Franz: Terminamos reescribiéndolo nosotros. Sergio Casci es un profesional y una persona maravillosa, pero enfocaba la historia como si estuviera en otro planeta, mientras nosotros tenemos la misma idea.


¿Cuál es vuestra película de terror favorita?

Severin Fiala: The Innocents de Jack Clayton.

Veronika Franz: The Exorcist.

Severin Fiala: La tercera de The Exorcist es mejor que la primera. (risas)

Especial Festival de Sitges 2019

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Temporada: 2
Capítulo: 23
Duración: 128 min.
Colaboradores: Oriol Hernández, Gerard FM, Josep Luzán

Entrevistas:
Marc Martínez, director de Tu último día en la Tierra
Pollyanna McIntosh, directora y actriz de Darlin'
Lorcan Finnegan, director de Vivarium

Pues ya tenemos aquí nuestro especial sobre este Festival de Sitges 2019 en el que te hablamos de todo, el palmarés, lo mejor de esta edición, lo peor, entrevistas, como siempre de todo y un buen resumen para que nunca olvides esta edición tan especial.

Si te gusta el programa regálanos un buen Like y comparte el audio a quien creas que le pueda interesar, suscríbete a nuestra cuenta de iVoox y a las diferentes redes sociales y sobre todo muy importante, ponte una chaqueta que ya empieza a refrescar.


Entrevista a Bernard Rose. Director y coguionista de Samurai Marathon

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Entrevista realizada en el Festival de Sitges 2019 a Bernard Rose. Director y coguionista de Samurai Marathon.


¿Cómo fue la experiencia de rodar en Japón?

Es un lugar fabuloso para rodar; en Japón hay toda una cultura del rodaje así que los equipos eran auténticos profesionales, actores fabulosos… Hacían que todo resultara fácil. Trabajar con Emi Wada en el diseño de los vestuarios fue una gran experiencia.


¿Conocías la novela en la que se basa Samurai Marathon?

Mi primer encuentro con Samurai Marathon fue el guion original escrito por Hiroshi Saitô, luego me leí la novela de Akihiro Dobashi y me di cuenta que Saitô había dejado fuera de la historia algunos puntos muy interesantes, así que empezamos a trabajar juntos y añadimos a Kikumi Yamagishi.


¿Crees que Samurai Marathon tendrá éxito fuera de Japón?

Creo que sí, Samurai Marathon es la primera película japonesa dirigida por un director occidental y no se rodó exclusivamente para oriente. Es una historia internacional, es un universo interesante que podría recordar a los caballeros de la tabla redonda del Rey Arturo, pero en Oriente.


¿Cómo surgió la idea de adaptar el relato de Clive Barker (Lo Prohibido) y convertirlo en Candyman?

Estaba buscando escribir algo diferente y me ofrecieron adaptar una historia de los Libros De Sangre de Barker que no me pareció para rodar, así que pasé a la siguiente historia en el libro y ahí encontré el origen de Candyman. Llamé a Clive Barker y conseguí los derechos para adaptarla.


¿Te planteaste dirigir la secuela de Candyman?

Bueno, hay dos secuelas de Candyman y no tengo que ver nada con ellas, escribí una secuela pero los productores la rechazaron, ahí terminó mi relación con Candyman.


¿Al probar con varios géneros, con cual te sientes más cómodo?

Bueno, me gusta alternar género y sorprender al público, pero creo que en el fondo todos los géneros son idénticos. Yo lo que busco es la diversión, aunque jamás haría una comedia porque me resulta muy difícil. El terror me resulta más atractivo porque aunque el humor es particular, a todo el mundo le gusta que le asusten, o la violencia o el sexo…


¿Qué opinas acerca del Remake de Candyman?

Realmente es una secuela, no un remake, y tiene lugar en Chicago muchos años después. Es una perspectiva diferente y puede resultar muy interesante.


¿Tuviste relación con los encargados de esta secuela?

No he tenido relación directa con la secuela pero si hablé con ellos. No puedo hablar mucho de ello porque aún no se ha estrenado.


¿Cuál es tu película de terror favorita?

Están esos clásicos que todo el mundo adora, creo que el concepto de Horror es muy amplio pero si recuerdo que de adolescente me quedé impactado con The Devils de Ken Russel, con Vanessa Redgrave y Oliver Reed. Aunque no puede considerarse terror me pareció una película muy perturbadora y potente.

Sombra IX Festival de Cine Fantástico Europeo de Murcia nuevo nombre para la misma cita con el fantástico

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Sombra IX Festival de Cine Fantástico Europeo de Murcia es como se denomina ahora la cita con el ciclo más fantástico de la capital murciana. Una nueva imagen corporativa para el festival que ya anda absolutamente inmerso en su cartel de proyecciones, actividades e invitados.

El publicista Rodrigo Fonseca repite como diseñador del logo e imagen del festival con el ánimo de mejorar la estrategia de branding internacional.

Los amantes del fantástico podrán disfrutar de Sombra IX Festival de Cine Fantástico Europeo de Murcia del  13 al 21 de Marzo de 2020 en sus salas habituales, la Filmoteca Regional Francisco Rabal y la Fundación Caja Mediterráneo. Los detalles de la programación que aún se están perfilando se comunicarán en los próximos meses.

Entrevista a Javier Yáñez. Director del cortometraje Equals

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Entrevista realizada en el Festival Nocturna de Madrid 2019 a Javier Yáñez. Director del cortometraje Equals.


Cuéntanos el origen de tu cortometraje.

Yo leo muchísimo manga y lo hago prácticamente a diario, me encanta el género de terror, un día encontré la obra de Shun Umezawa, un autor bastante peculiar y único en su género, mezcla el terror con la crítica social, una de sus historias me gustó muchísimo y pensé que quedaría muy bien en formato cortometraje, así que decidí escribir al autor y proponerle una adaptación.


¿Cuál ha sido el mayor escollo que te has encontrado a la hora de levantar el proyecto?

Localizar al autor y convencerle para que nos cediera los derechos (todo en perfecto japonés) ha sido muy difícil y no hubiera sido posible sin la ayuda de mi amigo Raúl Aról que me tradujo y adaptó cada uno de los emails que escribía, Shun Umezawa fue encantador en todo momento, pero el proceso fue lento.

La financiación tampoco ha sido fácil, no recibimos ninguna subvención y finalmente ha sido pagado íntegramente por mí.


¿Qué consejos darías a los futuros cortometrajistas?

A modo general que busquen un objetivo a largo plazo que les ayude a tomar decisiones para lograr sus sueños, pero es muy importante que intenten tener una estabilidad económica real que no les aleje de estos. No es nada fácil pero puede conseguirse con esfuerzo.

El mundo del cortometraje siempre ha sido un poco sadomasoquista, te hará tremendamente feliz, pero el esfuerzo es muy grande, el dinero que tienes que invertir serán tus ahorros (a no ser que convenzas a alguien para que tire dinero a un pozo sin retorno) y después nadie te asegura resultados, eso sí, es la única manera de conseguir llegar a dirigir un largo, así que hay que echarle valentía y tirarse a la piscina.


¿Cómo ves el mundo del género fantástico hoy en día?

Creo que es un buen momento para el género, el público español disfruta mucho de las películas de género fantástico y parece que hay oportunidades de hacer proyectos relacionados con ello gracias a las plataformas digitales. Tengo muchas ganas de ver algunas películas como El Hoyo.


¿Qué tal ha sido la acogida en festivales?

¡Bien! En poco más de un mes hemos conseguido 2 premios y 8 selecciones, creo que podemos estar contentos y orgullosos, la reacción del público está siendo muy positiva.


¿Puedes hablarnos de tus próximos proyectos?

Tengo dos proyectos de cortometrajes basados en mangas que no puedo anunciar ya que aún estamos tramitando la licencia para poder adaptarlos (es lento :-/), lo único que puedo adelantarte es que son de género de terror.

Además estoy terminando mi proyecto de película que me gustaría poder rodar en un futuro cercano.


¿Película de terror favorita?

Es difícil elegir una favorita, creo que El Exorcista es la que más me ha cautivado en conjunto, pero disfruto muchísimo con la nueva corriente de cine de terror, Hereditary y la nueva versión de Suspiria me encantan, también me gusta el terror japonés, Perfect Blue y Dark Water están entre mis favoritas.

El Festival de Sitges logra el tercer año consecutivo de mayor recaudación de su historia

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El certamen hace un balance muy positivo de su 52ª edición, celebrada entre el 3 y el 13 de octubre

Sitges 2019 despidió hace una semana una edición que ha mantenido las buenas cifras de los años anteriores y que confirma el excelente estado actual del cine fantástico. La organización ya empieza a ponerse manos a la obra de cara a la próxima edición, que se llevará a cabo del 8 al 18 de octubre de 2020.

Las 66.278 entradas vendidas suponen el tercer mejor registro en la historia del Festival, situando la recaudación final del Festival en 707.502 euros. En el ranking de films más demandados por el público se han situado finalmente The Lighthouse, Noche de bodas (Ready or Not), The Lodge, Color Out of Space o la ganadora El Hoyo.

Sitges 2019 ha programado cerca de 300 largometrajes y cortometrajes; más de veinte actividades destinadas a la industria, y ha contado con más de 300 invitados llegados de todos los puntos del planeta.

La directora general de la Fundación Sitges – Festival Internacional de Cinema de Catalunya, Mònica Garcia Massagué, valora muy positivamente estas cifras: “El balance final demuestra el amor por el cine fantástico que nos muestra año tras año el público de Sitges, que ha respondido con entusiasmo a una programación original. Por su parte, la industria cinematográfica ha reiterado también su cita anual con Sitges, haciendo honor a su reputación de excepcional espacio para networking y descubrimiento de nuevos talentos”.

Entrevista a Javier Chavanel. Director del cortometraje Sonrisas

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Entrevista realizada en el Festival Nocturna de Madrid 2019 a Javier Chavanel. Director del cortometraje Sonrisas.


Cuéntanos el origen de tu cortometraje.

Muchas veces mis proyectos empiezan con una imagen o una situación. En este caso era la imagen de un tipo en medio de una fiesta de disfraces. Todos los invitados con máscaras menos él. Nadie le habla, nadie interactua con él. Tenía esa breve imagen pero durante mucho tiempo no sabía qué hacer con ella. Luego la cosa evolucionó a un planteamiento más parecido a lo que es el cortometraje Sonrisas, que es la de un tipo que se dispone a conocer a los padres de su novia y estos le reciben de una curiosa manera.


Cuál ha sido el mayor escollo que te has encontrado a la hora de levantar el proyecto.

La financiación. Cada nuevo corto es un nuevo desafío e intentas pulir nuevos aspectos o mejorar cosas que no te gustaron del anterior. Te vuelves un poco más sofisticado, lo que es natural en el ensayo y error que inevitablemente se produce al hacer cortos,  por lo que el presupuesto del nuevo proyecto siempre va aumentando. En mi caso, mis cortos son prácticamente autoproducidos, por lo que me paso media vida ahorrando. Los cortos por así decirlo son mis vacaciones. En lugar de irme a Italia o a Rusia, hago cortos.


¿Qué consejos darías a los futuros cortometrajistas?

Que nada les impida hacerlo. Da igual el dinero del que dispongas o de las condiciones. O si tienes que hacerlo tú solo.  Algo saldrá. Y lo más importante, es la mejor forma de aprender. Grábalo. Termínalo. Eso es lo importante.


¿Cómo ves el mundo del género fantástico hoy en día?

Creo que vivimos un momento mágico, se producen cada vez más películas y series y creo que poco a poco se están alejando complejos entorno al género y ganando algo de respeto. Películas como Hereditary, Midsommar o La Bruja lo confirman. Cerdita, un corto de terror, ganó el Goya este año, maldita sea.


¿Cómo ha sido la acogida en festivales?

Estamos empezando nuestra andadura, por lo que es pronto para decirlo. Las sensaciones son bastante buenas y el haber sido seleccionados en el Nocturna nos hace especial ilusión.


¿Puedes hablarnos de tus próximos proyectos?

Me gusta escribir bastante y mis ideas nacen de ahí, guiones, relatos. Hace dos años publiqué un libro de relatos de terror llamado Cada monstruo con su tema y ahora ando enfrascado en un siguiente libro. Lo que me dará algo de tiempo para ahorrar para el siguiente corto. Más me vale.


¿Película de terror favorita?

Alien, el octavo pasajero.

Piedra, Papel y Tijera review

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Dos hermanos viven en una casa muy grande, acaba de fallecer el patriarca y se han quedado solos. Hasta que llega la hermana mayor que lleva años viviendo en España para arreglar los papeles de la herencia. Podría imaginar que algo saldría mal, pero no tanto.

Título original: Piedra, Papel y Tijera

Año: 2019

Duración: 83 min.

País: Argentina

Director: Martín Blousson, Macarena García

Guion: Martín Blousson, Macarena García

Música: Gabriel Barredo, Emilio Haro

Fotografía: Nicolas Colledani

Reparto: Pablo Sigal, Agustina Cerviño, Valeria Giorcelli


Incómoda, absorbente y compleja.

La familia no la eliges tú. Esto es como jugar a la lotería y lo que te toque te lo vas a comer. Podríamos decir que en nuestra sociedad “mayoritariamente” no habría graves problemas más allá de choques entre posturas distintas. Pero hay ocasiones en las que la suerte no está de tu lado y lo único que quieres es largarte bien lejos para no volver, y aunque lo consigas seguirá siendo tu familia y en algún momento de tu vida te va a tocar volver.


Dos hermanos viven en una casa muy grande, acaba de fallecer el patriarca y se han quedado solos. Hasta que llega la hermana mayor que lleva años viviendo en España para arreglar los papeles de la herencia. Podría imaginar que algo saldría mal, pero no tanto.

Película muy pequeña, prácticamente amateur y tan solo con tres personajes en toda la cinta. No verás nada más allá de unas cuantas habitaciones y el salón de la casa y, como decía, tan solo con tres personas hablando entre ellas. Puede parecer a priori algo soso y aburrido pero nada más lejos de la realidad. Es un thriller que te impide apartar los ojos de la pantalla, una sucesión de acontecimientos que consigue que te sientas incómodo pero fascinado por unos personajes con tremendas capas de complejidad. Y no estamos hablando de una película perfecta, en ocasiones el ritmo es prácticamente nulo aunque acabará ocurriendo algo que vuelve a remontar sin problemas.

Dirigen la dupla Macarena García (que debuta) y Martín Blousson, quien ha colaborado anteriormente como guionista con Valentín Javier Diment en la muy recomendable El Eslabón Podrido (2015) y en La Memoria del Muerto (2011). Diment ejerce de coguionista y productor. Como ha quedado claro, estamos ante una película muy pequeña, muy íntima y por tanto no necesita demasiados artificios en cuanto a fotografía y producción. Sorprende ver la gama cromática que impera en toda la película, tonos muy fríos y apagados. Y evidentemente llegamos al punto vital, si el reparto no funciona Piedra, Papel y Tijera se va, dicho rápido y mal, al carajo. Teniendo unos personajes tan complejos es necesario un reparto a la altura y podemos decir sin temor a equivocarnos que el cast es simplemente perfecto. Todos ellos tanto física como emocionalmente encajan al milímetro con sus roles y es de justicia darles todo el mérito por el éxito de esta cinta. Si se tuviera que destacar a alguien, cosa injusta pues me repito, el trío está perfecto, debería aparecer el nombre Valeria Giorcelli, de largo el personaje más interesante y exactamente reflejado en pantalla.


Una película que a nada que la adaptes veinte minutos te queda una obra de teatro. Cinta con evidentes similitudes con Misery (nada ocultas en la cinta) pero que añadiendo el factor familia le da un toque aún más dramático. Película sin lugar a dudas recomendable pero también advertir que no es para todo el mundo, pues su ritmo algo lento y la falta de efectismos pueden echar atrás a cierto tipo de espectadores. Si en cambio eres de los que disfruta de una lograda ambientación y de personajes complejos, Piedra, Papel y Tijera es tu película.

Firma: Oriol Hernández.

1BR review

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Sarah acaba de mudarse a un apartamento y al principio todo bien, se lleva genial con los vecinos y parece un lugar perfecto para volver a empezar. Pero al poco tiempo empieza a escuchar unos extraños sonidos por la noche.

Título original: 1BR

Año: 2019

Duración: 90 min.

País: Estados Unidos

Director: David Marmor

Guion: David Marmor

Música: Ronen Landa

Fotografía: David Bolen

Reparto: Nicole Brydon Bloom, Giles Matthey, Alan Blumenfeld, Taylor Nichols, Celeste Sully, Andrea Gabriel, Mark Krenik, Susan Davis, Hailey Giles, Clayton Hoff


Interesante giro argumental.

Sin querer destripar la película, evidentemente, 1BR tiene bastantes paralelismos con algunas películas que, a priori, poco o nada tienen que ver. A parte de su parte de home invasion hay elementos que recuerdan a La Naranja Mecánica (Stanley Kubrick, 1971) y a La Invitación (Kary Kusama, 2015) salvando la larga distancia que las separa.


Sarah acaba de mudarse a un apartamento y al principio todo bien, se lleva genial con los vecinos y parece un lugar perfecto para volver a empezar. Pero al poco tiempo empieza a escuchar unos extraños sonidos por la noche.

La película es un thriller con algunos toques de conspiranoia algo resultona pero descafeinada. Todo rezuma un aire a telefilm que hace sospechar de una historia que tira al drama. Afortunadamente (y por sorpresa) la cinta da un volantazo en su argumento y se mete en una trama mucho más interesante de lo que podría parecer a priori. 1BR se compone de diferentes etapas muy diferenciadas entre si y tal vez por su corta duración o por no saber explotar bien sus posibilidades no se acaban de desarrollar bien ninguna de estas partes y todo queda como muy apresurado.


Dirige y escribe el debutante David Marmor con potencial pero sin saber utilizar bien las características que él mismo ha creado. En temas de dirección no se complica la vida en ningún momento y no hay ningún departamento técnico que sobresalte. El guion sí que es más que correcto pero con muchas menos capas de lo que parece. Su protagonista Nicole Brydon Bloom es realmente de lo mejor de 1BR mostrando un personaje con un arco de aprendizaje muy bien escrito y representado. De los secundarios no hubo ninguno que me convenciera por su comportamiento de casi parodia.

Película inofensiva para el espectador que, pese a la sorpresa en su giro argumental, no logra dejar una huella permanente. Estaremos atentos a próximos intentos del director.

Firma: Oriol Hernández.

El Cerro de los Dioses review

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La policía investiga la desaparición de un joven periodista. Entre el grupo de personas interrogadas se encuentran su colaboradora, con quien estaba trabajando en un documental sobre la fama, el cámara que los acompañaba y un grupo de famosos a los que entrevistaron. Las versiones se contradicen unas con otras y la aparición del material grabado llevará al descubrimiento de una oscura tradición en un pueblo perdido de España: Fuentelsaz.

Título original: El Cerro de los Dioses

Año: 2019

País: España

Duración: 80 min.

Director: Daniel M. Caneiro

Guion: Daniel M. Caneiro, Borja Figuerola

Música: Maese César

Fotografía: Jep Brengaret

Reparto: Paula Muñoz, Jaume Ulled, Itziar Castro, Carmen Muga, Will Shepard, Christian Caner, Lluis Altés


Una parábola sobre la fama y la muerte.

En todo género cinematográfico siempre hay ese rinconcito que investiga lo rural: romances campesinos, thrillers ambientados en granjas, hijos perdidos entre la espesura…  Enfocado al terror encontramos todas esas historias sobre lugares remotos que resultan bucólicos y, de cerca, ocultan peligrosos secretos. Por poner dos ejemplos tendríamos TheWicker Man de Robin Hardy y The Texas Chainsaw Massacre de Tobe Hooper; El Cerro de los Dioses, de Daniel M. Caneiro podría enmarcarse en este tipo de cintas.


La policía investiga la desaparición de un joven periodista. Entre el grupo de personas interrogadas se encuentran su colaboradora, con quien estaba trabajando en un documental sobre la fama, el cámara que los acompañaba y un grupo de famosos a los que entrevistaron. Las versiones se contradicen unas con otras y la aparición del material grabado llevará al descubrimiento de una oscura tradición en un pueblo perdido de España: Fuentelsaz.

La ópera prima de Daniel M. Caneiro juega con distintos formatos – interrogatorios policiales, el rodaje del documental, entrevistas a conocidos del desaparecido o a celebridades, videos de youtubers – con la idea de conformar un puzle para que el espectador vaya uniendo piezas de la historia; el concepto funciona a medio gas debido a que muchas de estas piezas, que deberían ofrecer información, no terminan de cuajar porque da la impresión de haber sido hechas para rellenar metraje. La idea principal es atractiva, ¿Cuál es el límite para alcanzar la fama? ¿hasta dónde estarías dispuesto a llegar?, pero tanto Caneiro como su coguionista Borja Figuerola dedican demasiado tiempo a gente ya famosa como Raúl Arévalo, José Corbacho, Melina Matthews o Dafnis Balduz, que da más sensación de estar ahí por amiguismo que para aportar a la historia.


Parte de la sensación de “casi” que encontramos en El Cerro de los Dioses viene porque los distintos enfoques de la historia se interrumpen unos a otros sin hacer avanzar la trama – por ejemplo todo lo relacionado con el segmento dedicado al programa de Itziar Castro – y haciendo que el interés suba y baje; esto viene dado también por un trabajo actoral irregular ya que tanto Paula Muñoz como Christian Caner y Jaume Ulled mantienen el tipo hasta que la trama llega a Fuentelsaz y quedan eclipsados por Carmen Muga haciendo de Tania y, sobre todo, Lluis Altés como el alcalde del pueblo, un auténtico roba escenas que merecería una película solo para su personaje; el que esto escribe siguió con interés irregular la trama hasta que aparecen Muga y Altés y empezó a echarles de menos cada vez que salían de escena. Itziar Castro, Will Shepard y el resto de actores y actrices se interpretan a sí mismos con mayor o menor fortuna.

Si tuviéramos que determinar el mayor fallo de la opera prima de Daniel M. Caneiro es su exceso de ambición – que nunca viene mal siempre y cuando sepa enfocarla – y el exceso de formatos que embarullan el ritmo interno de ElCerro de los Dioses. En cuanto a lo mejor, su acercamiento al terror rural encarnado en Fuentelsaz – me encantaría ver una cinta ambientada exclusivamente en este lugar y protagonizada por Lluis Altés  y Carmen Muga– y sobre todo la idea de ese terror primigenio y caprichoso que habita entre los humanos con una misión simple: decidir sobre el éxito o fracaso de unos y otros; aunque solo sea por este concepto, merece la pena el visionado de El Cerro de los Dioses.

Firma: Javier S. Donate.

Nocturna Madrid inauguró anoche su VII edición con la presencia de reconocidos directores y actores

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“Cada año resulta más duro hacer auténtico cine fantástico en Hollywood, requiere verdadera fortaleza y los cineastas se apoyan cada vez más en festivales de cine como Nocturna Madrid, sustentados por fans como vosotros”. Así apuntaba anoche el galardonado este año en Nocturna Madrid, el director Alex Proyas. Desde Australia llegaba a los Cinesa Proyecciones para recibir el Premio Maestro del Fantástico, además de realizar una masterclass hoy en la Sala Berlanga de la Fundación SGAE y participar en el coloquio del pase especial 25 aniversario de su película El cuervo (sábado 26 a las 18.30h.).

“Es importante que se siga manteniendo la experiencia en la sala de cine. Nocturna Madrid y otros festivales como éste alrededor del mundo, creados y apoyados por gente con verdadera pasión por este tipo de películas, ayudan a mantener viva la llama de la afición por el cine fantástico hoy y en el futuro”, expresaba Alex Proyas. “Contamos con el apoyo de algunas instituciones, pero esperamos un mayor apoyo puesto que una ciudad como Madrid, con un fandom tan importante, merece un festival de género fantástico”, añadía el director del Festival, Sergio Molina.

Por Nocturna Madrid han pasado figuras del cine internacional como Robert Englund, Tobe Hooper, Dario Argento, Joe Dante, John Landis, Mik Garris, Neil Marshal, Don Mancini, Caroline Munro, Don Coscarelli, Natalie Dormer, Narciso Ibáñez Serrador, Álex de la Iglesia, Jaume Balagueró, etc. “Este año queríamos reconocer la carrera de un director diferente del que soy admirador y con una película como El cuervo, con un antihéroe y una fuerza arrolladora que supo imprimir al personaje un carisma especial y que supuso el boom del movimiento gótico. Su visión de la oscuridad se ha materializado dejando momentos imborrables. Era algo que queríamos reivindicar”, apuntaba el director del Festival.

Proyas, conocido además por la dirección de films como Spirits of the Air, Gremlins of the Clouds (1989); Dark City (1998), considerada película “de culto” y una de las cimas de la ciencia ficción de los últimos años; Días de garaje (Garage Days, 2002); Yo, robot (2004); Señales del futuro (Knowing, 2009), que también se proyectará en Nocturna Madrid o Dioses de Egipto (Gods of Egypt, 2016), se ha responsabilizado de videos musicales para bandas y artistas como Crowded House, INXS, Mike Oldfield, Fleetwood Mac o Joe Jackson, entre otros.

“Con Urubú hemos hecho una serie B con elegancia”

Nocturna Madrid se inauguraba ayer con la premiére mundial de Urubú, el debut en el largo de ficción de Alejandro Ibáñez Nauta, que él mismo definió divertido como “una serie B con elegancia”.

Rodeado de su equipo, al que elogió por su entrega y por su capacidad para soportar las inclemencias del rodaje en la selva amazónica, dedicó unas palabras entrañables a su familia y especialmente a su padre, el gran maestro Narciso Ibáñez Serrador. 

“Esta película quise hacerla por mi padre, y la idea era sentarme con él a verla y que estuviera orgulloso de mí. Quería homenajear su cine de los años 70”, destacaba Alejandro Ibáñez en una gala llena de recuerdos.“El 7 de junio del pasado año se me un gran maestro, mi padre, mi amigo, la mitad de mí”, aseguró visiblemente emocionado. “Vamos a aplaudir fuertemente hasta que casi lo escuche mi padre”. Palabras que pusieron en pie a toda la sala en una larga ovación.

Nocturna Madrid proyectará hasta el sábado 26 más de una treintena de largometrajes y 28 cortometrajes. En esta VII edición se estrenarán varias películas a nivel mundial, entre ellas A night of horror: Nightmare Radio, una innovadora propuesta de los realizadores argentinos Nicolás y Luciano Onetti, que cuenta con los cortometrajes de los españoles Sergio Morcillo (Gotas) y Pablo Sánchez Pastor (Into the Mud), acompañados de las obras de cineastas internacionales como Adam O'Brien, Joshua Long, Jason Bognacki, Matt Richards y Oliver Park; Fuel, de Israel González o la premiére en España de Finale, del director danés Søren Juul Petersen, que estará en Madrid para presentar su film. Además, Koko-Di Koko-Da, de Johannes Nyholm; Il Signor Diavolo, de Pupi Avati, Amigo, de Óscar Martín; Little Monsters, del cineasta australiano Abe Fosythe; Artik, de Tom Botchii Skowronski, o The Young Cannibals de Kris Carr y Sam Fowler. Además, numerosas actividades paralelas en el Fórum Fnac Callao, un ciclo dedicado a Narciso Ibáñez Serrador en la Sala Berlanga de la Fundación SGAE y un homenaje al cineasta Eugenio Martín.

“Que lo paséis bien. O mal, según se mire”, expresaba el director del Festival Nocturna Madrid, Sergio Molina, que despedía la gala de inauguración parafraseando las palabras del propio Narciso Ibáñez Serrador cuando hace dos años recogió en Nocturna Madrid su Premio Maestro del Fantástico: “El silencio es el prólogo del alarido. Ahora toca silencio”. 

Echoes of Fear review

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Ha muerto el abuelo de Alisa y esta debe ir a su casa, repleta de recuerdos, para vaciarla antes de venderla. Pero no solo los recuerdos asaltan a Alisa, sino que algo más habita en la casa y sus intenciones no parecen amistosas.

Título Original: Echoes of Fear

Año: 2019

Duración: 90 Min.

País: Estados Unidos

Director: Brian Evenet-Bradley

Guion: Brian Evenet-Bradley, Laurence Evenet-Bradley

Fotografía: Laurence Evenet-Bradley

Reparto: Trista Robinson, Hannah Race, Paul Chirico, Marshal Hilton


Una película ya vista pero muy agradecida.

Brian Evenet-Bradley y Laurence Evenet Bradley son una pareja que ama el cine de género, tal como vimos en sus anteriores trabajos Ghost in the Needle, Dark Remains o Malignant. Apuestan por un cine barato, casi de andar por casa, que repite fórmulas establecidas pero, como dijo aquel sabio, si algo funciona no lo toques.


Ha muerto el abuelo de Alisa y esta debe ir a su casa, repleta de recuerdos, para vaciarla antes de venderla. Pero no solo los recuerdos asaltan a Alisa, sino que algo más habita en la casa y sus intenciones no parecen amistosas.

Ante Echoes of Fear uno debe estas predispuesto a pasar el rato, porque si empieza a buscar tres pies al gato – y aviso que hay gato encerrado – todo el trabajo del matrimonio Avenet-Bradley se irá por el desagüe – y aviso que el desagüe tiene importancia en la historia – y el disfrute será cero tirando a negativo.

El planteamiento de los Evenet-Bradley es sencillo: tenemos una casa, ¿Qué podría ocurrir en su interior? Ese es el mayor hándicap de una historia porque cuatro paredes pueden dar para mucho si lo manejas con ritmo y cuidado o, lo más normal, convertirse en una historia que aburre en el minuto cinco; gracias a Dios no es este último caso.

Que Echoes of Fear es una producción barata lo vemos ya al principio, el exterior de la casa está hecho un asco mientras el interior se ve limpio y cuidado – ¿la propia casa de los Evenet-Bradley o la de algún amigo loco que se la prestó? – demasiado para un anciano en sus últimos días; pero eso no impide que utilicen sabiamente los espacios a su disposición y jueguen con lo que realmente da miedo de la oscuridad: los sonidos, las sombras y la amenaza latente. Aquí es donde la película funciona a la perfección ya que al tener un personaje principal y tres secundarios, se permiten bloques de varios minutos donde no hay un solo diálogo porque ¿con quién vas a hablar si estás sola en la casa y piensas que alguien se ha colado? La cámara de Brian Evenet-Bradley se mueve con soltura, segura de sí misma, con los tiros de cámara que le permiten las habitaciones y sin estridencias narrativas. La fotografía de Laurence ayuda a crear esa atmósfera necesaria, inquietante, que le va como un guante a la historia.


El nivel interpretativo es correcto, sin más, sobre todo porque la presencia física de la actriz Trista Robinson ayuda al ser tan menudo y despertar cierto sentimiento de protección en los espectadores, pero tiene una voz estridente que puede irritar; el que esto escribe no dejaba de pensar en la interpretación de Meg Tilly en Bullets Over Broadway de Woody Allen. Hannah Race aparece para ayudar en la búsqueda de respuestas mientras Paul Chirico resulta insoportable en su papel de Brandon, el novio que aparece solo cuando la historia lo necesita; Marshal Hilton funciona como ese vecino cotilla que está más preocupado de tu vida que de la suya.

Echoes of Fear es una pequeña sorpresa, no por lo que cuenta que ya lo hemos visto en otras películas, sino porque cumple con su objetivo de generar atmósferas y debo confesar que pegué más de un bote gracias a esos sustos repartidos con sabiduría; pero, como dije al principio, hay que verla como un entretenimiento y dejarse llevar. Si vas con otra intención, estarás muerto.

Firma: Javier S. Donate

Entrevista a David Salgado. Director del cortometraje El Rastro del Cazador

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Entrevista realizada en el Festival Nocturna de Madrid 2019 a David Salgado. Director del cortometraje El Rastro del Cazador.


Cuéntanos el origen de tu cortometraje.

Cuando finalizó el rodaje de mi anterior cortometraje, empecé a pensar en adaptar un guion en lugar de escribir uno original, y como suele ser habitual, tuve que aplazar la idea por motivos económicos. Llegado el momento, retomé la idea y di con la palabra clave al momento: Poe. Me reuní con la guionista Carmen Conde y el sí fue rotundo. Una vez establecido el punto de partida, pensé en darle una vuelta de tuerca cambiando el género de los protagonistas, en lugar de hombres, serían mujeres. Esto supuso el punto de inflexión para el corto, a partir de ese momento hicimos crecer el proyecto introduciendo elementos extraídos directamente de las obras de Shakespeare y Dickens. Sobre el papel, la cosa estaba perfectamente clara, después establecí los parámetros para las otras claves, es decir, la ambientación, la fotografía y especialmente el sonido, no debían funcionar como elementos técnicos del corto, debían comportarse como lo que son, como protagonistas de la historia. Así nació El Rastro del Cazador.


¿Cuál ha sido el mayor escollo que te has encontrado a la hora de levantar el proyecto?

Pues la habitual, reunir el dinero. Por lo demás, lo cierto es que el equipo con el que cuento en Dama Negra Films es muy sólido, todos nos entendemos perfectamente y trabajamos muy bien juntos, una vez superado el escollo económico, todo fue muy bien.


¿Qué consejos darías a los futuros cortometrajistas?

Los mismos que me doy a mí mismo como eterno aspirante a futuro cortometrajista:
Confiar ciegamente en el equipo a nivel técnico, en los actores para afrontar los personajes, mimar el proceso de pre-producción para evitar problemas y escribir todo lo que se te ocurra aunque tengas que guardarlo en un cajón, porque puede que salga del cajón algún día, pero de tu cabeza se disipará y terminará perdiéndose con toda seguridad.


¿Cómo ves el mundo del género fantástico hoy en día?

Como lo he visto siempre, el terror, el fantástico y la ciencia ficción llevan cargando con una lápida desde que nacieron, algo que además de injusto es absurdo. El cine (como cualquier otra manifestación artística), tiene un impuesto lado oscuro, una pretensión elitista que disfraza de rigor intelectual aquello que no va más allá del prejuicio y el desconocimiento. De hecho, estos géneros como norma general e independientemente de su presupuesto, suelen verse “relegados” a la serie B, con lo cual el error es doble, porque por una parte, toda historia que parta de la imaginación es por definición, fantástica, (de hecho, el terror y el fantástico son uno de los padres del cine), y por otra parte, la serie B es el género que ha demostrado en más ocasiones que hacer más con menos es posible. Francamente, creo que mirar por encima del hombro a uno de los géneros fundadores del cine es, además de una farsa, una auténtica estupidez.


¿Cómo ha sido la acogida en festivales?

Por el momento muy breve, hemos empezado la distribución hace poco tiempo, pero inesperadamente maravillosa. Las selecciones en el FanCine de Lemos y el Nocturna nos han sorprendido mucho, y teniendo en cuenta las experiencias, espero seguir sorprendiéndome todo el tiempo posible.


¿Puedes hablarnos de tus próximos proyectos?

Además de los guiones que tengo esperando en un cajón, ahora mismo estoy escribiendo uno nuevo del que solo puedo desvelar el título: El ángel pálido.
Y hasta aquí puedo leer, que diría Chicho…


¿Película de terror favorita?

La respuesta y esta pregunta no comparten género, para mí es imposible responder en singular, pero en caso de respuesta o muerte… pues… supongo que El Resplandor.

Entrevista a Marc Martínez. Director del cortometraje Tu último día en la Tierra

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Entrevista realizada en el Festival Nocturna de Madrid 2019 a Marc Martínez. Director del cortometraje Tu último día en la Tierra.


Cuéntanos el origen de tu cortometraje.

El guion surgió a partir de un concepto, el turismo temporal. A partir de ahí empecé a desarrollar cómo podría funcionar una empresa que se dedicara a hacer viajes al pasado solo para contemplar acontecimientos históricos ya sucedidos. Después desarrollé el conflicto de nuestro protagonista, un hombre que viaja al pasado para estar con su mujer fallecida en el presente.


¿Cuál ha sido el mayor escollo que te has encontrado a la hora de levantar el proyecto?

Rodarlo con un presupuesto ínfimo (300€). Álex Maruny hizo un trabajo de producción encomiable. Ideó una logística de rodaje con un equipo súper reducido, encontró las localizaciones y rodamos de forma gratuita. Además, llevó a cabo otra infinidad de tareas (arte, vestuario, etc.). Eso abarató mucho la producción y nos permitió poder levantar el proyecto.


¿Qué consejos darías a los futuros cortometrajistas?

En el mundo del corto, una industria (por llamarla de alguna forma) muy desprotegida, es necesario romper la preconcepción de que se necesita mucho dinero para rodar, al igual que algunos festivales creen que las mejores obras son las que más presupuesto tienen. En un sector cómo este en que difícilmente se generan ingresos o beneficios económicos, los creadores deben confiar en la creatividad cómo la mayor arma para mostrar su talento. Paralelamente los festivales deben valorar los cortos por elementos más allá de lo puramente formal (de hecho, ya está sucediendo, un ejemplo claro es nuestro corto en el Nocturna). Esta reciprocidad haría que mucha gente se lanzara a rodar obras pequeñas pero originales, y surgieran nuevos directores y directoras con ideas frescas, además el género fantástico es el medio ideal para la experimentación.


¿Cómo ves el mundo del género fantástico hoy en día?

Sinceramente, lo veo fantástico.


¿Cómo ha sido la acogida en festivales?

Ha ido muy bien. Hemos conseguido estar en festivales importantes dentro del panorama fantástico/terror como, Fantastic Fest, Bifan, Motelx, Fantaspoa, pero también en festivales de ficción más generalizada cómo Atlanta Film Festival, AFI Fest en USA, Calgary International Film Festival y un largo etc... En España la recepción ha sido más comedida, quizá es por mi pasado delictivo (robé chuches de pequeño).


¿Puedes hablarnos de tus próximos proyectos?

Podría, pero sería temerario por mi parte. No quiero gafar nada.


¿Película de terror favorita?

El Resplandor, es una obra maestra. En términos fílmicos es, a mi parecer, un referente indispensable en todo lo que hago, aunque vaya a rodar una comedia.

Luz review

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Un predicador, apodado El Señor, vive alejado en las montañas con sus tres hijas. La difícil convivencia se ve alterada con la aparición de un niño al cual El Señor etiqueta como el nuevo mesías. Su llegada desencadena todo tipo de sentimientos. Entre ellos cuestionarse la fe, y la duda de si acabará traspasando esa débil frontera entre el bien y el mal.

Título original: Luz

Año: 2019

Duración: 103 min.

País: Colombia / Canadá / Estados Unidos

Director: Juan Diego Escobar Alzate

Guion: Juan Diego Escobar Alzate

Música: Brian Heater

Fotografía: Nicolás Caballero Arenas

Reparto: Andrea Esquivel, Yuri Vargas, Conrado Osorio, Jim Muñoz, Daniel Páez, Sharon Guzmán, Johan Camacho, Marcela Robledo


Atrevida, poética y descarnada.

Con cierto aire a la excelente Muere, Monstruo, Muere (Alejandro Fadel, 2018), Luz hace su aparición en el debut en el largometraje de su director Juan Diego Escobar Alzate. Esa mezcla de terror y miedos ancestrales, aderezada poéticamente, resulta la mar de resultona. Y es que la belleza de las imágenes que aparecen en pantalla y que hacen de envoltorio, remarcan aún más la sensación de terror. Pero no es un terror visceral y salvaje, es algo que está latente, que flota en el ambiente. Algo parecido a la película, denostada por muchos y alabada por pocos también de origen colombiano, El Páramo (Jaime Osorio Márquez, 2011).


La historia es oscura y bastante alejada de lo que podríamos denominar modernidad. Tampoco habla de brujería o algo que se le parezca. Se trata simplemente de la lucha dicotómica entre el bien y el mal, entre Dios y el Demonio o entre la alegría y la decrepitud. Unos extremos que Luz se obstina en colocarlos muy cercanos uno del otro, sin saber muy bien cuál de los dos acaba venciendo.

Un predicador, apodado El Señor, vive alejado en las montañas con sus tres hijas. La difícil convivencia se ve alterada con la aparición de un niño al cual El Señor etiqueta como el nuevo mesías. Su llegada desencadena todo tipo de sentimientos. Entre ellos cuestionarse la fe, y la duda de si acabará traspasando esa débil frontera entre el bien y el mal.

Estamos ante un debut que impresiona. Primero por la complejidad de un guion que consigue plasmar algo tan difícil como los sentimientos. Seguidamente por la manera en que está rodado, evitando todas a aquellas situaciones que podríamos encontrar en un mundo cuasi rural. Introduce algunos elementos que, a pesar de ser sumamente clásicos en cintas con el demonio como protagonista, no molestan, es decir se convierten en un aderezo más de este delicioso plato.

El difícil encaje de todo esto con cierto toque de melodrama la hacen algo complicada de seguir, sobre todo para los acérrimos seguidores del terror más sanguinario. Al resto indicarles que tendrán que hacer un esfuerzo adicional al cual, si no están preparados, se les puede hacer más larga que un día sin pan. Tampoco ayudan sus 103 minutos de duración.

Casi nos olvidamos. Tenemos que destacar la excelente fotografía de Nicolás Caballero Arenas, tremendamente clara en ocasiones y obstinadamente oscura en otras, y la buena banda sonora a cargo de Brian Heater.


En las interpretaciones contamos con un gran Conrado Osorio en el papel de El Señor y una terna femenina formada por Andrea Esquivel, Yuri Vargas y Sharon Guzmán como hijas del predicador. En papeles algo menores tenemos a Jim Muñoz, Johan Camacho y Daniel Páez.

Para acabar decir que Luz es una cinta que hay que visionar con la calma. Es de aquellas que esconden mensajes y guiños continuos. Hay que estar atentos para degustarla. Si hacéis el esfuerzo no os arrepentiréis.

Firma: Josep M. Luzán.
@Josep_Luzan

Memory: The Origins of Alien review

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La historia de un ser cuya capacidad de supervivencia no tiene límites, que inflige dolor y terror a su paso, estuvo muchos años dando vueltas en la cabeza de Dan O’Bannon con diversos nombres: Memory, Star Beast, hasta que se materializó en la película Alien. El resto es historia.

Título original: Memory: The Origins of Alien

Año: 2019

Duración: 95 min.

País: Estados Unidos

Director: Alexandre O. Phillipe

Guion: Alexandre O. Phillipe

Fotografía: Robert Muratore

Música: Jon Hegel

Reparto: Tom Skerrit, Veronica Cartwright, Roger Corman, Dianne O’Bannon, Roger Christian, Gary Sherman, Ronald Shusett


¿El mito nace o se hace?

Decir que Alien es una gran película es quedarse corto, porque con tan solo la cinta de 1979 se creó un universo y un ser tan maravilloso como letal que se ha expandido a videojuegos, fan fiction, comics y una saga de películas que, con sus más o sus menos, parece tener cuerda para rato. El nuevo documental de Alexandre O. Phillipe indaga en los orígenes de Alien.


La historia de un ser cuya capacidad de supervivencia no tiene límites, que inflige dolor y terror a su paso, estuvo muchos años dando vueltas en la cabeza de Dan O’Bannon con diversos nombres: Memory, Star Beast, hasta que se materializó en la película Alien. El resto es historia.

¿Cómo enfocas un documental sobre una película de la que hay miles de páginas escritas y horas de metraje sobre el rodaje? ¿Hay algún punto de vista que no se haya tocado hasta el momento? Para Memory: The Origins of Alien, Alexandre O. Phillipe ha enfocado su narración en la figura de Dan O’ Bannon, uno de los creadores – aunque él se arrogaba la autoría completa – del Xenomorfo más fascinante y terrible. Con la ayuda de su viuda, Dianne O’Bannon, y el material exclusivo que esta aportó, O. Phillipe analiza a O’Bannon recabando información de los que le rodearon durante la escritura, como Ronald Shusset, o gente que le conoció como Gary Sherman o Roger Corman quien, en un acto de humildad, reconoció ante O’Bannon que la historia era muy buena pero que debería sacarla adelante una productora con mayor capacidad monetaria que la suya.

Pero una vez terminado el retrato de O’Bannon, pasando de puntillas sobre la polémica sobre sus cambios de humor y su tendencia a reescribir los hechos según le conviniera, ¿Qué queda por contar? Pues analizar posibles influencias en la génesis como películas de los años 50, comics de terror, novelas de ciencia ficción o incluso obras de artistas como Giger y Francis Bacon; todo esto relacionado con el mito de las Furias griegas y, para ello, rueda una intro muy original en la que fusiona un templo griego con la nave espacial Nostromo.

Resuelto el tema O’Bannon y las posibles influencias, Memory: The Origins Of Alien se adentra en un terreno espinoso al dar la palabra a gente con teorías sobre la película de Ridley Scott: desde venganzas fálicas hasta lucha de géneros entre hombres, mujeres y robots que dan un poco de vergüenza ajena ya que tener teorías es gratis, pero encontrar donde no hay ya es más complicado. Y aquí es donde naufraga el documental de Alexandre O. Phillipe: no tiene un foco desde el que desarrollar la narración, así que acumula minutaje con estas teorías para, acto seguido, entrevistar a gente que participó en la película y que cuentan, por enésima vez, hechos ya sabidos del rodaje de Alien.


El visionado de Memory empieza bien pero, a la media hora, se convierte en una travesía por el desierto que ni aporta algo nuevo ni responde a la Gran Pregunta que rodea el origen de Alien: ¿es realmente O’Bannon el genio detrás de la historia o, tal como aseguran unos y otros, Ronald Shusett, Walter Hill y David Giler tomaron decisiones que hicieron de Alien la maravilla que es?

Puede que algún día sepamos la verdad.

Firma: Javier S. Donate.

La Colleja review

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Ramón está pasando un día tranquilo junto a su hijo en el parque. Pronto se da cuenta de que su hijo ha desaparecido, es en este momento cuando Ramón cometerá un error que le costará muy caro.

Título original: La Colleja

Año: 2019

Duración: 4 min.

País: España

Director: Sergio Morcillo

Guion: Santiago Taboada

Música: Roberto HG

Fotografía: Daniel Borbujo

Reparto: Nacho Guerreros, Itziar Castro, Lluvia Rojo, Daniel González, Sergio Merino, Rafa Casette


Una mezcla explosiva de géneros.

Toca review a un viejo conocido de este portal, el nuevo corto del director madrileño Sergio Morcillo. Echando un vistazo a sus anteriores trabajos nos damos cuenta de que un punto en común es la seriedad y lo visceral de todos ellos, y esto es lo que más sorprende al toparnos con este cortometraje. La Colleja es directo, conciso, divertido y sobre todo con mucha mala leche. Toda una declaración de intenciones por parte de su director al realizar este cambio de género hacia el humor.


Ramón está pasando un día tranquilo junto a su hijo en el parque. Pronto se da cuenta de que su hijo ha desaparecido, es en este momento cuando Ramón cometerá un error que le costará muy caro.

Para los que seguimos de cerca a Sergio, precisamente tal vez esa falta de visceralidad o terror más puro lo echemos bastante en falta, pues no nos engañemos en TerrorWeekend nos gustan las vísceras. Por otra parte nos compensa con el hecho que este cortometraje va al grano, no se anda por las ramas y hoy en día en el mundo del cortometraje es algo de agradecer. Ahí es donde se nota el buen hacer del director.

A pesar de su falta de terror más explícito, Sergio sabe que a veces no hace falta que se vea en pantalla la casquería para buscar el provocar al público. Esto lo aplica a la perfección en este cortometraje.

Por otra parte, es momento de analizar las interpretaciones. Como protagonista tenemos a Nacho Guerreros, que cumple con su papel a la perfección. Dándole la réplica tenemos una total veterana en lo que a cine de género se refiere en nuestro país, Itizar Castro. A ella no le faltan tablas y esto se nota ya que cuando entra en escena Itizar se nota su buen hacer delante de las cámaras, sin duda la nueva reina del género en nuestro país.

El tercero en discordia es Lluvia Rojo, la cual cumple perfectamente con su actuación, pero es su personaje el más discordante en esta historia si a la trama nos referimos y no puede lucirse tanto como sus compañeros de reparto, aunque estamos ante una actriz que ha demostrado sobradamente su valía en muchas producciones de todo tipo y género.

Como seguidor de Sergio he de reconocer que echo en falta lo que al inicio mencionaba, algo de casquería o algo de violencia más explícita ya que nos tenía mal acostumbrados a ello, y verdaderamente es todo un portento en este campo. Por otra parte mencionar que a nivel técnico este corto es toda una declaración de intenciones, solo basta con decir que todo el cortometraje está rodado en un espléndido plano secuencia. La verdad que ha demostrado que es capaz de desenvolverse lo suficientemente bien sin elementos de terror, campo donde se siente más cómodo. Estamos ante una producción muy a tener en cuenta en el circuito de festivales de género y más allá de ello en otros más generalistas.

La Colleja es un giro en la filmografía de Sergio Morcillo la cual forma parte de la evolución como director del madrileño. No tan redondo como su trabajo Metamorfosis, donde personalmente me ganó, pero sin duda este corto dará que hablar este año.

Firma: Omar Parra.
@Omar_FTW

Entrevista a Norma Vila. Directora del cortometraje El Fin de Todas las Cosas

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Entrevista realizada en el Festival Nocturna de Madrid 2019 a Norma Vila. Directora del cortometraje El Fin de Todas las Cosas.


Cuéntanos el origen de tu cortometraje.

El guion del corto es una adaptación del relato de Saki, Sredni Vashtar, así que la semilla nace cuando, de casualidad, me encuentro con el relato. Me fascina, toca temas que me gustan y le veo posibilidades de, llevándolo a mi terreno, hacer un corto potente. Entonces le convenzo a Urko de los Ríos, muy fan de Saki, para que escriba el guion conmigo.


Cuál ha sido el mayor escollo que te has encontrado a la hora de levantar el proyecto.

En el mundo del cortometraje, la primera traba (luego vienen más, claro) es encontrar financiación. Al no tener carácter industrial, se depende demasiado de la Administración y lamentablemente, no hay fondos para todos. Curiosamente, pese a la precariedad del sector del corto, se consiguen hacer trabajos espectaculares, siempre gracias a la involucración de los equipos artísticos y técnicos que lo dan todo.


¿Qué consejos darías a los futuros cortometrajistas?

Paciencia, capacidad de trabajo y tener las cosas muy claras. Pero hay algo que está por encima: disfrutar. Los procesos pueden ser largos y complejos, y hay que disfrutar de todos ellos.


¿Cómo ves el mundo del género fantástico hoy en día?

El fantástico siempre ha tenido buena acogida entre el público, teniendo fans muy fieles al género. Esto es un arma de doble filo, ya que, como creador, puedes dejarte llevar por la comodidad de la película-fórmula o estrategias mil veces vistas. Es algo que como espectadora veo bastante en terror, por ejemplo. Creo que los directores podríamos salir más a menudo de la zona de confort y arriesgar, tanto en argumento como en puesta en escena. Pero claro que hay directores que han conseguido sorprenderme últimamente, por diferentes motivos, como Nicolas Pesce, Karyn Kusama, Anna Lily Amirpour o Robert Eggers.


¿Cómo ha sido la acogida en festivales?

Cuando terminas tu corto nunca sabes qué va a pasar, así que cada selección es un pequeño gran triunfo. Estoy satisfecha con el recorrido que está teniendo el corto (¡y lo que le queda!) Estrenamos en Málaga, algo sorprendente para un corto de género. Aunque en mi caso, no es género puro, es un corto de atmósfera muy malrollera, se agradece poder tener presencia también en festivales generalistas, ya que Málaga no ha sido el único, pero es verdad que la tendencia es que lo seleccionen en festivales de género.  


¿Puedes hablarnos de tus próximos proyectos?

Ahora mismo estoy pensando en el salto al largo. Dando forma a ideas, escribiendo… disfrutando del proceso de creación con calma, ¡quizá demasiada!


¿Película de terror favorita?

Hay unas cuantas que para mí están al mismo nivel y no puedo decir solo una, son La Semilla del Diablo, Alien, Psicosis, Los Pájaros y La Noche del Cazador. Y la peli que aterrorizó mi infancia es El Exorcista.
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