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Fancine anuncia las diez películas de su sección oficial con la incorporación de Bacurau y Little Joe

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El ilustrador malagueño Ángel Idígoras ha sido el encargado de diseñar las pegatinas coleccionables del pasaporte del festival en esta edición

El festival de cine fantástico de la Universidad de Málaga ya tiene las películas que competirán a concurso en esta 29 edición. La organización de Fancine ha anunciado la decena de títulos que conforman la sección oficial de este año, de la que resultará la vencedora que en 2019 se alzará con el galardón máximo del certamen, dotado con nueve mil euros de premio. Entre ellas estará Bacurau, una cinta brasileña que mezcla elementos propios del western y del gore en una alegoría acerca de los efectos negativos de la especulación y la connivencia entre los poderes políticos y económicos sobre los pequeños núcleos rurales. El tándem formado por los cineastas Juliano Dornelles y Kleber Mendoça asume la dirección y escritura de esta historia que cuenta con Sonia Braga en su reparto y que ha conseguido distinciones en diferentes festivales de renombre, como el Premio Especial del Jurado en Cannes o el Premio de la Crítica y Jurado Joven en Sitges.

También competirá la rareza austríaca Little Joe, en la que una madre soltera que cría plantas busca obtener nuevas especies florales, hasta conseguir una variante con la capacidad de hacer feliz a la gente. Contraviniendo las órdenes de su empresa, un día decide llevarle un ejemplar de este extraño espécimen a su hijo y pronto se dará cuenta de que, quizá, la planta no es tan inofensiva como ella pensaba. Una trama intrigante y unas interpretaciones protagonistas de altura son las mejores armas para competir de esta cinta que ya ha pasado con éxito por festivales de género de referencia.

El misterio es asimismo la fórmula que repite la curiosa The Room, en la que el francés Christian Volckman sitúa la acción de la película en una habitación mágica que cumple los deseos de sus inquilinos. Como todo truco de magia, el espacio solo puede hacer realidad las peticiones materiales, frustrando aun más el anhelo de la pareja dueña de la casa de ser padres y tentándolos a pedir un hijo a pesar de saber las restricciones.

Y el cineasta francés Quentin Dupieux estará de nuevo en concurso tras la participación de Au Poste en la pasada edición con su reciente proyecto, Deerskin, una divertida película en la que un hombre se obsesiona con una chaqueta de piel de ciervo hasta tal extremo que llega a meterse de lleno a cometer crímenes. Situaciones absurdas resueltas con mucho humor se suceden durante todo el metraje, que pondrá la nota cómica a la sección oficial con el sello satírico inconfundible del director galo.

El último de los títulos desvelados en competición es Koko-di Koko-da, una coproducción escandinava en la que un matrimonio afligido por la muerte de su hija se ve preso en un bucle terrorífico del que tratan desesperadamente de escapar.

Este quinteto se une a las películas ya adelantadas en anteriores avances de programación, como Color Out of Space, la colorida propuesta cósmica de ciencia ficción protagonizada por Nicolas Cage; Darlin, la primera película dirigida por la conocida actriz Pollyanna McIntosh, que, además, también visitará el festival; Come to Daddy, el nuevo trabajo del popular intérprete Elijah Wood; The Golden Glove, la producción alemana dirigida por Fatih Akin nominada al Oso de Oro en Berlín, y la inquietante Vivarium, que se encargará asimismo de estrenar los nueve días de cine que el próximo 13 de noviembre se inauguran en el Albéniz.

Pasaporte Fancine

Esta decena de títulos tendrán su correspondiente pegatina del pasaporte Fancine, que invita a los espectadores del festival a visionar una selección de películas de toda la parrilla del certamen a cambio de llevarse por cada entrada un adhesivo que el público puede colocar en este libreto, convertido ya en un artículo de colección tras cuatro ediciones desde su puesta en marcha. Este año, el encargado de diseñar las imágenes para el pasaporte ha sido el ilustrador malagueño Ángel Idígoras, que ha plasmado su particular estilo a cada pegatina, protagonizado por el icónico maneki-neko “Bad Luck”, símbolo y mascota de Fancine, con referencias a las películas a las que representa.

Como siempre, el pasaporte Fancine servirá para que los asistentes puedan canjear premios por su fidelidad. En total, serán 20 pegatinas las que conforman el póster de gatos de Idígoras, entre las que estarán las diez de concurso y una representación del resto de secciones del certamen.

Body at Brighton Rock review

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Wendy trabaja como guía forestal en un parque y ese día, por hacer un favor a su amiga Maya, cambia turnos y se interna en los senderos del bosque. Craso error Wendy, primero porque te perderás y luego, mala suerte, te topas con un cadáver. Las órdenes son claras: debes permanecer junto al cadáver hasta que llegue el equipo y eso no ocurrirá hasta el día siguiente. La noche será larga y los sonidos del bosque no auguran nada bueno.

Título original: Body at Brighton Rock

Año: 2019

Duración: 87 min.

País: Estados Unidos

Director: Roxanne Benjamin

Guion: Roxanne Benjamin

Fotografía: Hanna Getz

Música: The Gifted

Reparto: Karina Fontes, Casey Adams, Emily Althaus, Miranda Bailey


Una sorpresa divertida, sencilla y efectiva.

Por prescripción médica, nunca veo trailers y evito leer las opiniones de otros espectadores cuando me siento a ver una película; una vez terminada ya puedo sentarme a ver si mi opinión es general o si, como en este caso, voy a contracorriente.


Wendy trabaja como guía forestal en un parque y ese día, por hacer un favor a su amiga Maya, cambia turnos y se interna en los senderos del bosque. Craso error Wendy, primero porque te perderás y luego, mala suerte, te topas con un cadáver. Las órdenes son claras: debes permanecer junto al cadáver hasta que llegue el equipo y eso no ocurrirá hasta el día siguiente. La noche será larga y los sonidos del bosque no auguran nada bueno.

Body at Brighton Rock tiene una premisa sencilla, tan sencilla que podría ser un cortometraje o una historia de los comics de El Guardián de la Cripta: pasar una noche junto al cadáver de un desconocido. Roxanne Benjamin, en su puesta de largo tras los segmentos rodados para dos películas de antología como V/H/S y Southbound, apuesta por el minimalismo y aunque su ópera prima parece demasiado sencilla de primeras, casi anodina, construye una historia que apela a los primeros tiempos de la humanidad: una hoguera para ahuyentar la oscuridad y a los animales, las estrellas y el terror ante lo desconocido. Aunque cuenta con pocos elementos, el guion en ágil, divertido y, lo principal, va a más cada pocos minutos. La sencillez de su propuesta nos remite al mundo de Andy Mitton en sus cintas We Go On y The Witch In The Window… Y lo dejo ahí para generar interés.

No todo es perfecto en Body at Brighton Rock, cierto, la fotografía de Hanna Getz va justita muchas veces, sus noches son demasiado luminosas para la inquietud que debe provocar; al mismo tiempo la música de The Gifted está demasiado presente, posiblemente por el miedo de Roxeanne Benjamin a perder el interés del público, y con ello desaprovecha algo que da realmente terror: los sonidos en la oscuridad, los crujidos que surgen de entre los árboles y despiertan los peores augurios.


Imposible no rendirse ante el encanto que transmite la actriz Karina Fontes, esos bailes ridículos que ejecuta por el bosque antes de encontrarse con el cadáver, podríamos exigirle un poco más de crescendo terrorífico pero cumple sin problemas aunque la torpedad de su personaje a veces irrite; Casey Adams resulta más justito, un mejor actor podría haber generado una mayor inquietud, pero tengamos en cuenta que aparte de actor es un especialista y ahí sí que funciona.

Si buscas acción desde el minuto cero, Body … te decepcionará, lo mismo si necesitas que el terror brote de la pantalla a borbotones porque hay sangre pero llega al final. Mi recomendación para ver Body at Brighton Rock es esta: no veas el tráiler porque te vende una película distinta, disfruta con esta noche infernal y esas sorpresas que Roxeanne Benjamin va soltando gota a gota para que cuando llegues al final descubras que sí, Body at Brighton Rock es una película de terror a la vieja usanza. Como esos cuentos de miedo que contaban nuestros antepasados a la luz de la hoguera.

Firma: Javier S. Donate.

Little Monsters review

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Un intento de músico fracasado se une a una profesora de preescolar para salvar a una clase de niños hambrientos de diversión en su visita a una granja zoo pero resulta que están a punto de ser las víctimas perfectas para un horda de zombies... nada puede salir mal.

Título original: Little Monsters

Año: 2019

Duración: 94 min.

País: Australia

Director: Abe Forsythe

Guion: Abe Forsythe

Música: Piers Burbrook de Vere

Fotografía: Lachlan Milne

Reparto: Lupita Nyong'o, Josh Gad, Stephen Peacocke, Alexander England, Nadia Townsend


Divertida comedia zombie.

Estamos ante una muy divertida comedia de zombies, que sorprende por como puede llegar a funcionar tan bien una mezcla tan inverosímil como los niños de preescolar y no-muertos hambrientos de cerebros.

Otro de los puntos que hacen única a Little Monsters es lo blanca que llega a ser, me explico. Pese a estar en medio de un apocalipsis zombie, estando el rato rodeados de niños y niñas que no saben bien lo que está ocurriendo, los mayores a su alrededor consiguen apañárselas en todo momento para que la experiencia de los peques sea lo más llevadera posible. Por ese motivo esta película nos regala momentos para el recuerdo dentro de este género.


Un intento de músico fracasado se une a una profesora de preescolar para salvar a una clase de niños hambrientos de diversión en su visita a una granja zoo pero resulta que están a punto de ser las víctimas perfectas para un horda de zombies... nada puede salir mal.

No voy a engañaros, quien espere un film de zombies al uso, lleno de muertes y masacre lo mismo sale desilusionado con este visionado. Es cierto que muertes las hay como es obvio pero dista mucho de una película de terror al uso. Tal vez su pariente más cercano pueda ser Zombies Party, pero la que nos ocupa hoy es mucho más tierna y "family friendly" que la gamberrada de Edgar Wright.

El director y actor australiano Abe Forsythe por fin da el golpe sobre la mesa con esta película que estoy seguro no dejará indiferente a nadie. Cuando te piensas que en el tema de los come cerebros lo has visto todo llega el bueno de Forsythe y nos regala esta curiosa mezcla con pequeños buen rolleros y devoradores de cerebros. Tal vez esta fórmula no resulte del agrado del sector más rockanrollero que venga dispuesto a ver gore del bueno, pero si te dejas llevar y abres un poco tu mente, posiblemente te encuentres con una película que entretiene de forma efectiva.

En cuanto a las actuaciones debo destacar que todos los pequeños están sobresalientes, creo que no debe ser nada fácil trabajar con un grupo de enanos en una producción de este tipo. En cuanto a sus protagonistas más creciditos tenemos a Lupita Nyong'o junto a Alexander England. Creo que la química entre ambos funciona bastante bien, pero en ocasiones veo a Nyong'o un poco fuera de lugar. En contrapartida podemos ver un Alexander England muy cómodo en su papel y eso se lo transmite al espectador.

En definitiva, no estamos ante el film de zombies del año, pero si que es una divertida cinta cargada de momentos bastante épicos que seguro quedarán grabados en la retina de más de uno de vosotros. Tampoco quiero asustaros a vosotros amantes del gore, estos devora cerebros no son veganos y por supuesto tendremos alguna escena de casquería también, pero para el tipo de cinta que estamos viendo no es de las más violentas.

Firma: Omar Parra.
@Omar_FTW

The Furies review

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Kayla es secuestrada junto a su amiga Maddi y cuando despierta, encerrada en una suerte de ataúd, se encuentra en un paraje inhóspito donde la única consigna es sobrevivir a hombres que, con los rostros tapados por siniestras máscaras, van tras ella. Pronto, Kayla descubrirá que no es sino una más entre un grupo de jóvenes chicas que participan en una caza sin cuartel.

Título original:  The Furies

Año: 2019

Duración: 82 min.

País: Australia

Director: Tony D’Aquino

Guion: Tony D’Aquino

Música:  Kristen Axelholm, Kenneth Lampl

Fotografía: Garry Richards

Reparto: Airlie Dodds, Linda Ngo, Ebony Vagulans, Taylor Ferguson, Kaitlyn Boye


Battle Royale meets The Belko Experiment.

Las propuestas de género que vienen de Australia suelen interesarme no solo porque ofrece paisajes diferentes a los que estamos acostumbrados, sino porque muchos de los enfoques suelen resultar frescos. Los primeros ejemplos que me vienen a la cabeza son las dos entregas de Wolf Creek que Greg McLean nos regaló o la joyita de The Loved Ones donde Sean Byrne ofrecía el típico boy meets girl en clave hiperviolenta. Veamos qué nos cuenta el australiano Tony D’ Aquino en su acercamiento al slasher.


Kayla es secuestrada junto a su amiga Maddi y cuando despierta, encerrada en una suerte de ataúd, se encuentra en un paraje inhóspito donde la única consigna es sobrevivir a hombres que, con los rostros tapados por siniestras máscaras, van tras ella. Pronto, Kayla descubrirá que no es sino una más entre un grupo de jóvenes chicas que participan en una caza sin cuartel.

Se nota que Tony D’Aquino quiere entretener desde el minuto uno y en ese sentido hay que alabarle, tanto en su labor de guionista como director, que todo el primer tercio de la cinta atrape al espectador con una persecución sin cuartel, violenta y, sobre todo, sin pies ni cabeza.

Pero una cosa es plantear un escenario atractivo y otra ser capaz de mantenerlo en pie; D’Aquino intenta crear personajes femeninos interesantes en una situación límite y ahí fracasa: la protagonista Kayla parece más empeñada en encontrar a su amiga Maddie – a quien odié desde el primer momento– que en sobrevivir; algunos de los actos de Rose resultan de lo más interesantes pero no termina de cuajar en la historia debido a su personalidad… Los cazadores no hablan, así que imposible intentar hacerles pasar por inteligentes. Todo esto envuelto en la música estruendosa de Kristen Axelholm y Kenneth Lampl que, esto ya cosa mía, me sonaba a algo hasta que caí en ello: el tema central es idéntico al que el grupo Toto compuso para Dune, la película de David Lynch.


Es cuando a la película se acerca a su final cuando uno sabe qué falla en The Furies: las reglas recuerdan demasiado a dos cintas que se han grabado al rojo vivo en los fans del género, Battle Royale y The Belko Experiment– y volvemos a Greg McLean–, entre otras, y la innovación respecto a estas solo aparece en el final que no es cuestión de destripar.

The Furies es entretenida, dinámica y cuenta con unos muy buenos efectos gore – es más, hay un asesinato completamente novedoso que me resulta imposible de olvidar – con unas interpretaciones femeninas donde destacaría a Airlie Dodds por ser la protagonista y a Linda Ngo como un personaje inédito en los slasher. Es directa, rápida, los escenarios australianos lucen espectaculares y, sinceramente, vas a pasarlo bien durante el visionado pero no deja poso al terminar.

Firma: Javier S. Donate.

Hex review

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Los hermanos Trepanier, Ben y Daniel, viajan a Camboya junto a su amigo Isaac como bálsamo ante la muerte de su padre. Ben se topará con Amber y, enseguida, saltará la chispa entre ambos. Lo que Ben ignora es que Amber oculta un secreto y que extrañas fuerzas la rodean.

Título original: Hex

Año: 2018

Duración: 85 min.

País: Estados Unidos / Canadá

Director: Rudolf Buitendach

Guion: Rudolf Buitendach, Christian Piers Betley

Fotografía: Stefan Ciupek

Música: Savage & Spies

Reparto: Jenny Boyd, Kelly Blatz, Ross McCall, Adrian Hough, Philip Philmar, Sarita Reth


Irregular mezcla de tópicos.

Siempre se ha dicho que todas las historias ya están contadas y solo cambia la forma de hacerlo. Hasta ahí bien, a veces los tópicos sirven para que el espectador entre más rápido a la película, pero de eso a lo que encontramos en Hex hay un mundo de diferencia.


Los hermanos Trepanier, Ben y Daniel, viajan a Camboya junto a su amigo Isaac como bálsamo ante la muerte de su padre. Ben se topará con Amber y, enseguida, saltará la chispa entre ambos. Lo que Ben ignora es que Amber oculta un secreto y que extrañas fuerzas la rodean.

El director sudafricano Rudolf Buitendach salta de los thrillers como Selling Isabel al terror sobrenatural y junto con Christian Piers Betley escribe la típica historia de chico- conoce-a-chica añadiendo que la chica está loca o algo raro pasa con ella, pero se olvidan de algo fundamental: para que historias como estas funcionen hay que trabajar la intriga y el ritmo más que añadir secuencias supuestamente terroríficas en las que no queda claro – o puede que no interese como fue mi caso- qué demonios está pasando. Para que el espectador entre al juego en esta historia caprichosa es necesario que exista una tensión intensa entre los protagonistas, que nos explique por qué siguen juntos a pesar de los peligros, y la solución de Betley y Buitendach es jugar al softcore ya que Amber se desnuda a la mínima de cambio para tener sexo con Ben, pero las escenas sexuales no dicen mucho e incluso hay alguna, como la de la felación, que parece de película porno amateur.

La labor de Buitendach tras la cámara parece más centrada en filmar Camboya de cara a un reportaje turístico que convertirla en el escenario de una historia mínimamente interesante; por esto hay que destacar la labor fotográfica de Stefan Ciupek ya que dan ganas de ir a esas playas, caminar por esos bosques e incluso perderse en las Raves de Camboya que, según nos cuenta la película, deben celebrarse en lugares paradisiacos. Sorprende que Rudolf Buitendach también trabaje como montador y sin embargo Hex tenga unas transiciones torpes, con fundidos a negro, que parecen más propias de una película alemana de sobremesa que una historia de terror.


Ahora centrémonos en los protagonistas que esto mejora. Kelly Blatz encarna a Ben y resulta poco interesante no solo porque su personaje piense con la entrepierna – un poco de cama y ya casi le propone matrimonio a Amber – sino porque Blatz se nota poco implicado con un gesto perpetuo de “qué demonios hago en esta película”. Lo mismo puede decirse de Jenny Boyd que se desnuda cada diez minutos por exigencias del guion y se dedica a poner caras raras para que el espectador entienda que le pasan cosas extrañas; ah, y la química entre ambos es nula. Del resto de los personajes no hablo porque son inexistentes.

Hex es una cinta que parece amateur más que una cuarta película, de la que solo destacaría los paisajes de Camboya y las camisas que lleva el protagonista masculino ya que me compraría todas sin dudar.

Firma: Javier S. Donate.

Entrevista a Alejandro Ibáñez Nauta. Director y coguionista de Urubú

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Entrevista realizada en el Festival Nocturna de Madrid 2019 a Alejandro Ibáñez Nauta. Director y coguionista de Urubú.


¿Cuéntanos por qué decidiste hacer Urubú?

Urubú nace como un homenaje a mi padre, Chicho Ibáñez Serrador. El cine de terror es una de las aficiones que compartimos. Mi padre siempre bromeaba con la idea de rodar juntos una película. El año pasado, debido al desarrollo de su enfermedad, decidí que no podía posponer más este proyecto. Aunque mi padre estuvo muy pendiente de la evolución de la película, desgraciadamente, falleció unos días antes de terminarla. Siempre me quedará la pena de que no la haya podido ver terminada, creo que le hubiese gustado mucho.


¿Cómo encontraste las localizaciones?

Tengo una relación muy especial con Brasil. Mi mujer es brasileña. He grabado varias veces en Manacapurú, esta región de la selva amazónica. Conocía muy bien el enorme potencial visual que tiene y, ya que la trama de la película exigía que esta se rodase en un lugar remoto y de difícil acceso, me pareció la opción ideal.


¿Cómo fue la producción integra en la selva?

Debido a este conocimiento de la zona y sus posibilidades, desde la escritura del guion sabía perfectamente cuales eran los factores a los que podía sacarle un mayor provecho en términos de narrativa visual y de diseño de producción. Y también era consciente de los retos a los que me iba a enfrentar. Este proyecto, a pesar de que creo que hemos conseguido una calidad excelente, se ha hecho con un presupuesto muy ajustado. Este conocimiento de la zona me permitió obtener una máxima eficiencia desde el punto de vista económico y visual.


¿Hubo algún momento en el que creíste no poder terminar Urubú?

Si, muchas veces. Tradicionalmente el cambio de estación seca a la de lluvias se producía el día de 1 de noviembre, el día de difuntos. Sin embargo, en los últimos años, debido al cambio climático esta fecha se ha ido retrasando más y más, y la crecida de las aguas del rio Amazonas se producía a finales de noviembre. Pero el año pasado se adelantó de nuevo. Las lluvias torrenciales supusieron una gran presión para el cumplimiento de nuestro plan de trabajo. No sólo porque nos impedían rodar sino porque el rio crecía una media de metro y medio por semana, y muchas de las localizaciones que escogíamos iban quedando sumergidas y nos veíamos obligados a buscar nuevas opciones.


¿Cuéntanos como fue el proceso de casting?

El casting del actor protagonista, Carlos Urrutia, fue muy sencillo. Carlos es un grandísimo actor que ha trabajado mucho con mi padre y es prácticamente de la familia. Con el personaje que interpreta José Carabias pasa prácticamente lo mismo. El personaje de Clarice Alves exigía una actriz bilingüe, y supuso un poco más de búsqueda. Pero una vez que la conocí supe que era la actriz perfecta para mi personaje. Lo más problemático fue encontrar a la niña, la hija de la pareja. De hecho hasta poco antes del rodaje, el personaje iba a ser interpretado por un niño. Pero cuando me propusieron a Julie D’Arrigo no tuve dudas, tiene una mirada y unas capacidades actorales que encajaban exactamente con lo que estaba buscando.


Se nota en tu trabajo una fuerte influencia de tu padre.  ¿Fue una cosa que surgió o era tu
intención desde el principio?

Como ya he dicho, esta película nace como homenaje a mi padre y a su cine, y hay numerosos guiños a sus películas. Pero además, mi padre fue mi principal maestro, y es lógico que su estilo y forma de entender el cine influencie mi trabajo.


Seguro que podrías contarnos alguna anécdota del rodaje.

Cuando vas a la selva, la gente cree que lo más peligroso son los jaguares, los jacarés (caimanes) o las serpientes. Sin embargo, lo que habitualmente genera más problemas son las cosas que no puedes ver. Nosotros fuimos muy afortunados y no tuvimos ningún accidente que comentar. Sin embargo, gran parte del equipo se vio afectada por un pequeño insecto que los locales llaman “mucui”. Es una especie de garrapata diminuta que sube desde los matorrales por tus piernas y se dirige a la zona de las ingles y las nalgas. Te produce unos granitos que pican mucho. Era muy gracioso ver a varios miembros del equipo discutiendo cuestiones técnicas mientras se rascaban esas partes. Cada día, después del rodaje, teníamos que ducharnos y restregar todo el cuerpo con alcohol para conseguir mantenerlos bajo control.


¿Puedes hablarnos de tus próximos proyectos?

Tengo bastante clara la idea de mi próximo largometraje, pero sigo documentándome y todavía no he empezado a escribir el guion. No me siento cómodo contándola, porque todavía pueden cambiar mucho las cosas.


¿Película de terror favorita?

Aparte de las de mi padre, El Exorcista II de John Boorman.

Entrevista a Josemi Beltrán. Director del Festival de Cine Fantástico y Terror de San Sebastián

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Entrevista a Josemi Beltrán. Director del Festival de Cine Fantástico y Terror de San Sebastián.


¿Cómo nace el festival de cine fantástico y Terror de San Sebastián?

Nace del patronato de cultura del ayuntamiento que, después de hacer unos ciclos temáticos de mucho éxito, decide convertirlos en una Semana de género para sobre todo atraer al público más joven del entorno.


Háblanos del público del festival.

Como el festival nace en esos años de principios de los 90, ligados al gore, la Troma, Santiago Segura, el cachondeo...nace ya con ese espíritu lúdico y casi libertario del terror de la época. Con el tiempo, ha ido mutando, como el propio género, pero mantiene la sana costumbre de comentar en voz alta y a la vez respetar y acoger a los cineastas como miembros de la familia.


¿Qué hace diferente el festival de Cine Fantástico y Terror De  San Sebastián de otros festivales de género?

Yo creo que quizás en España mantenemos ese espíritu más de puro terror y fantasía, y sobre todo ese ambiente del que hablaba, más cercano a veces a un festival de rock and roll (o heavy metal).


¿Puedes comentarnos un poco como celebraréis los treinta años de vida del festival de Cine Fantástico y Terror de San Sebastián?

Sin grandes fastos, algunos detalles para homenajear a nuestro público, a los que se han sumado nuestros colaboradores. Empezando por ese cartel oficial en el Teatro Principal, una gran inauguración de calle el día 26, una exposición de fotografías de estos últimos 30 años, y homenajeando también a figuras como Chicho Ibánez Serrador y Paul Naschy. Por lo demás, un festival que esperamos viva el mismo buen ambiente de siempre.


Cómo ves el género fantástico en España hoy en día.

Están saliendo nuevos creadores como Paul Urkijo, ahora Galder Gaztelu-Urrutia, Aritz Moreno, Haritz Zubillaga, en los que tengo esperanzas. Gente que ya ha empezado en el mundo del largo. Las generaciones anteriores o se han ido por otros derroteros, más tipo thriller, o han sido captados ya por Estados Unidos. Hoy lo bueno es que los cineastas pueden tener unas miras más amplias, también con la perspectiva global que dan las plataformas y los festivales.


Tu anécdota favorita del festival.

Buf...por emocionante, me quedo con el momento en que casi todo el Teatro Principal, unas 400 personas, se vació en silencio tras interrumpir una proyección para dejar tranquilo a un espectador que había sufrido una crisis epiléptica mientras llegaba la ambulancia. Los pelos de punta del respeto que se vivía.


¿Película de terror favorita?

Buff...hoy te digo Carrie (Brian de Palma), por ejemplo, que la revisé hace poco, y me volvió a encantar.

Entrevista a Óscar Martín. Director de Amigo

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Entrevista realizada en el Festival Nocturna de Madrid 2019 aÓscar Martín. Director de Amigo.


¿Cómo te planteaste Amigo, una cinta tan complicada y con pocos personajes?

Surge de la necesidad de hacer cine, un cine que se está perdiendo de alguna manera. Las películas de los setenta que a mí me encantaban, jugaban con pocos elementos y aglutinan muchas cosas. Y le dije a Javier Botet que teníamos que hacer algo y siempre nos decíamos “venga, ¿Cuándo lo hacemos?” y a finales de verano de hace dos años, nos planteamos la historia


Amigo está repleta de referencias al fantaterror español, ¿Fue una de tus influencias para la película o un homenaje?

Era un discurso que teníamos planteado, crear una historia paralela sobre nuestra sociedad. Por eso la televisión de planteo una especie de oráculo e introduje elementos con los que he crecido, como Chicho Ibáñez Serrador que es el maestro, recuerdo ver Mis Terrores Favoritos junto a mi padre.¿Quién puede matar a un niño? es una película seminal. Y bueno, luego gente como Paul Naschy, Joaquín Gómez, José Ramón Larraz… una tendencia de películas que me influyeron mucho desde pequeño y quería que estuviera allí. Más que una influencia lo llamaría una invocación.


Háblame del proceso de escritura, el germen de la historia.

Al principio junto a Javi nos planteamos una película más ambiciosa, con él de monstruo, y termine por decirle “Quiero verte de actor, de humano, que de paisano das más miedo que de monstruo. No, es una broma”. Me dijo que tenía bastantes historias, lo hablamos y surgió esta de dos amigos, y de paralítico le veía perfecto. Una película pequeña, claustrofóbica, cuya producción podíamos asumir nosotros y con gente muy buena en el equipo, teníamos a DDT como maquillaje o Alberto Morago como director de foto. Gente muy top.


¿Cómo fue el rodaje? Meter a tanta gente en una casa y no volverte loco.

Bueno, nos volvimos locos. Fíjate que en la casa que rodamos, los actores tenían una habitación para dormir que era la misma que la de sus personajes, y el equipo de rodaje en la habitación de al lado, era una especie de Gran Hermano; el resto del equipo en una casa rural cercana. Siete días aislados, sin internet, para rodar cine y morir ahí, disfrutando. Sobre todo tener libertad para jugar con Javi y David Pareja, que son genios, dejarles buscar sus personajes y luego en el montaje darle coherencia a todo.


Aunque la producción es sencilla, hay muchas capas en la historia. ¿Hay algo en la historia que te faltó por meter?

Gente rota, uno a nivel físico y otro a nivel mental. Intentamos meter todos los matices que pudimos, con esos personajes, tal vez faltarían más secuencias, algo de acción. Pero estábamos supeditados con lo que teníamos.


¿Te quedan ganas de rodar tras tu primer largo? ¿Tienes algo en recámara?

Es un primer paso, no sé dónde llegaremos. Y respecto al futuro, tras nuestro paso por el festival de cine fantástico de Austin, conoces a un montón de gente y te quedan muchas historias por contar, las que tienes en el cajón. Vamos a ver a dónde nos lleva esto.


En Amigo se hace justicia a Javier Botet, al que siempre vemos enterrado bajo maquillaje.

Javier es un genio, aparte de ser actor tiene muchas cualidades artísticas, también dibuja. Es muy hábil captando cosas, introduce su personalidad en los monstruos, les da alma. Por eso está donde está. Si, quería mostrar lo bueno que es, su expresividad corporal, es como un mimo. Tiene un control absoluto de su cuerpo, es como un mimo del mal.


¿Película de terror favorita?

Tengo muchísimas, es muy difícil elegir una. ¿Quién puede matar a un niño? de Chicho Ibáñez Serrador, que me marcó de niño.

Palmarés VII Edición NOCTURNA MADRID

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El Festival Internacional de Cine Fantástico Nocturna Madrid ha dado a conocer esta mañana el palmarés completo de la séptima edición en un acto presentado por Sergio Molina, el director del festival y el productor, José Luis Alemán, en el Forum Fnac Callao.

SECCIÓN OFICIAL 
Jurado compuesto por Sergio Morcillo, Albert Galera y Zaher Soufi

PREMIO NOCTURNA MADRID "PAUL NASCHY" A LA MEJOR PELÍCULA
AMIGO de Óscar Martín

MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO SECCIÓN OFICIAL
1BR de David Marmor

PREMIO NOCTURNA MADRID AL MEJOR DIRECTOR
Óscar Martín por la dirección de AMIGO

PREMIO NOCTURNA MADRID "VINCENT PRICE" AL MEJOR ACTOR
David Pareja por su interpretación en AMIGO

PREMIO NOCTURNA MADRID A LA MEJOR ACTRIZ
Lupita Nyoung'o por su interpretación en LITTLE MONSTERS

PREMIO NOCTURNA MADRID AL MEJOR GUIÓN
LITTLE MONSTERS dirigida y con guión de Abe Forsythe

MENCIÓN ESPECIAL NOCTURNA MADRID AL MEJOR GUIÓN
KOKO-DI KOKO-DA de Johannes Nyholm

PREMIO NOCTURNA MADRID A LOS MEJORES EFECTOS ESPECIALES
THE FURIES de Tony D'Aquino

PREMIO NOCTURNA MADRID AL MEJOR CORTO NACIONAL
HOPES de Raúl Monge

PREMIO NOCTURNA MADRID AL MEJOR CORTO INTERNACIONAL
LAY THEM STRAIGHT de Robert Deleskie

Sección Dark Visions
Jurado compuesto por Angel Luis Sucasas, Óscar Sánchez y Álex Mendíbil

PREMIO DARK A LA MEJOR PELÍCULA DE LA SECCIÓN OFICIAL DARK VISIONS
ECHOES OF FEAR de Brian Avenet-Bradley / Laurence Avenet-Brandley

Premio Blogos de Oro de la Crítica
Jurado compuesto por Sergi Flotats (Cinéfilos habituales), Alberto Perni (Palomitrón) y Enrique Belló (La henryteca) 

PREMIO BLOGOS DE ORO DE LA CRÍTICA
LITTLE MONSTERS dirigida y con guión de Abe Forsythe

Fuel review

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Raúl Samper, un prestigioso influencer, despierte encadenado a un coche en medio del desierto de Mojave. Sin comida ni agua, debe luchar por su vida al tiempo que se enfrenta a sus demonios internos y a una misteriosa mujer que tiene oscuros planes para él.

Título original: Fuel

Año: 2019

Duración: 72 min.

País: España

Director: Israel González

Guion: Juan de Dios Garduño

Reparto: David M. Santana, Isabelle Junot, Fernando Cermeño


Propuesta interesante con resultado irregular.

Hay que apoyar el cine de género, y más si está rodada en España y levantada sin ayuda; debemos reivindicar cualquier propuesta que busque su lugar, que apueste por la imaginación ante la escasez de medios.

Pero es que luego uno se encuentra con Fuel…


Raúl Samper, un prestigioso influencer, despierte encadenado a un coche en medio del desierto de Mojave. Sin comida ni agua, debe luchar por su vida al tiempo que se enfrenta a sus demonios internos y a una misteriosa mujer que tiene oscuros planes para él.

En su segunda película, el director Israel González salta con Fuel a un universo que se mueve entre lo onírico y el survival. Es arriesgado rodar una película de bajo presupuesto con tan pocos medios como un coche, una localización, pocos personajes y un perro que me robó el corazón. La cámara de González es briosa, para qué negarlo, pero se encuentra con un escollo importante: la historia gira sobre si misma con la sensación de no saber hacia dónde va. Es una sensación que salta al patio de butacas y se contagia al espectador pasados los primeros minutos.

El guion del novelista Juan de Dios Garduño, también cortometrajista, busca transmitir la exasperación del sufrido protagonista al espectador y vive Dios que lo logra; hay algo que no entiendo: si se ha rodado en un lugar tan inhóspito como Almería, por qué hacernos creer que estamos en una zona fronteriza de Estados Unidos. Entiendo que al basarse en una idea de Israel González este buscaba ambientar la historia en un lugar que, en su imaginario, estaba repleto de encanto; pero el terror es universal, hay desiertos en todas partes del mundo y considero innecesario disfrazar la historia con localismos que suenan a impostados, como ese bar de carretera que abre la película.

Oigan, pero no todo es tan terrible en Fuel, la fotografía es buena, la música funciona aunque a veces incide demasiado en lo “cool” y levanta vuelo – chiste malo pero obligatorio – el trabajo del dron que rueda los planos aéreos, posiblemente un tercio de la película, ya que tienen fuerza y belleza aunque parecen rodados para un documental más que para una película.


Las interpretaciones de David M. Santana e Isabelle Junot son irregulares, funcionan mejor como presencia que declamando unos diálogos que suenan forzados, teatrales.

El esfuerzo de Gonzalez es elogiable, buscar un lugar con un producto sencillo y barato, pero a la historia y al guion de Garduño le falta gasolina – vaya, hoy estoy inspirado – al mostrarse incapaz de hacer avanzar la historia y que los giros de guion resulten sorprendentes.

Firma: Javier S. Donate.

Z review

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Una familia absolutamente normal vive con una rutina acomodada. Un día, el niño empieza a hablar con un amigo imaginario, un juego normal para su edad y los padres no le dan más importancia, pero al cabo del tiempo los juegos del niño se irán tornando más extraños y lo que parecía un inocente juego acabará por convertirse en una pesadilla.

Título original: Z

Año: 2019

País: Canadá

Director: Brandon Christensen

Guion: Brandon Christensen, Colin Minihan

Fotografía: Bradley Stuckel

Reparto: Keegan Connor Tracy, Jett Klyne, Sean Rogerson, Sara Canning, Stephen McHattie, Chandra West, Ali Webb


Una nueva muestra de terror en familia.

Se está volviendo un subgénero en si mismo el de los niños creepys con madres que se sienten inútiles al no poder proteger a sus hijos. Sólo en los últimos años podemos hablar de The Prodigy, Badabook, El Hijo, Bosque Maldito y un largo etcétera. Ciertamente es una temática lo suficientemente golosa para una película de terror decente. Y a este saco que comento hay que añadirle como un miembro de honor a Z.


Una familia absolutamente normal vive con una rutina acomodada. Un día, el niño empieza a hablar con un amigo imaginario, un juego normal para su edad y los padres no le dan más importancia, pero al cabo del tiempo los juegos del niño se irán tornando más extraños y lo que parecía un inocente juego acabará por convertirse en una pesadilla.

Esta película no inventa la rueda ni tampoco lo pretende, sigue el clásico esquema de bola de nieve, un in crescendo que no se detiene en su primera parte pero, que por razones argumentales, frena en seco en su último tercio. Aún sigue siendo interesante pero al cambiar el subgénero de entes sobrenaturales a casas encantadas (que no son lo mismo) todo se vuelve bastante menos intenso y, a la larga, menos entretenido. Pero volviendo a su divertido desarrollo, está plagado de escenas de terror curiosas, no son la gran cosa para el devorador de películas de terror, pero para un público algo menos habituado puede ser una cinta bastante decente. Como decía al principio, no crea un nuevo paradigma en el género ni dejará en ti una huella imborrable, pero mientras dura la cinta te lo pasarás bien con algunos trucos correctos.

Dirige Brandon Christensen su segundo largometraje tras Still/Born del 2017 y con su correspondiente review en esta web. Comparando ambas películas se nota pasión por el género y una curva ascendente en calidad, ambas tienen más que correcta factura pero hay detalles en Z que marcan una progresión que nos motiva a esperar con expectativas su siguiente trabajo. Protagoniza Keegan Connor Tracy (Destino Final 2, Dead Rising: Endgame) en el papel de aguerrida madre dispuesta a todo por proteger a su hijo, paradójicamente su mejor versión llega cuando su personaje está sola en pantalla durante bastantes minutos y los aguanta perfectamente en un ejercicio de interpretación notable. Destacar también al joven Jett Klyne (The Boy, Devil in the Dark) como un estupendo niño creepy.

El último párrafo uno suele repetirse. Es una película entretenida y correcta, no busques grandes alardes ni novedades asombrosas, Z es una película de género más y una bastante divertida. Si eres de los que lo devoran todo esta película es una propuesta perfectamente aceptable.

Firma: Oriol Hernández.
@Oriol_TW

Vivarium review

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Una joven pareja decide que es momento de mudarse juntos. Al entrar en la inmobiliaria un inquietante vendedor llamado Martin les promete que les va a mostrar el vecindario idílico para parejas jóvenes que buscan empezar una nueva vida. Al llegar al barrio pronto se dan cuenta que todas las casas son idénticas, pero eso no será lo único curioso de ese misterioso y perturbador lugar.

Título original: Vivarium

Año: 2019

Duración: 97 min.

País: Estados Unidos

Director: Lorcan Finnegan

Guion: Garret Shanley, Lorcan Finnegan

Música: Kristian Eidnes Andersen

Fotografía: MacGregor

Reparto: Imogen Poots, Jesse Eisenberg, Jonathan Aris


Una de las sorpresas del año.

Estoy seguro que Vivarium será uno de los títulos que se oirá hablar mucho este 2019. Una de esas sorpresas de las cuales no te olvidas fácilmente. Desde su acertado reparto hasta su planteamiento caótico y perturbador atrapan desde el primer minuto. Lo que más destaca de este film es una puesta en escena tan quirúrgica y cuidada que pone la piel de gallina. Por momentos esa estética tan fría y espeluznante parece que nos traslada a otro mundo aun estando rodeados de elementos cotidianos.


Una joven pareja decide que es momento de mudarse juntos. Al entrar en la inmobiliaria un inquietante vendedor llamado Martin les promete que les va a mostrar el vecindario idílico para parejas jóvenes que buscan empezar una nueva vida. Al llegar al barrio pronto se dan cuenta que todas las casas son idénticas, pero eso no será lo único curioso de ese misterioso y perturbador lugar.

Estamos ante el segundo largometraje del director Lorcan Finnegan, el cual unos años atrás ya había debutado con una cinta de terror llamada Without Name, pero desgraciadamente a pesar de tener un gran recorrido festivalero, la crítica no fue nada benevolente.
Creo que con Vivarium no quedan dudas del talento del director irlandés. Aunque no solo puedo destacar la dirección de Finnegan, pues mención especial hay que hacer para el guión de Garret Shanley basado en una historia del propio director junto a él.

La única pega que puedo sacar de esta película sea una pequeña caída en su ritmo, cuando el director quiere mostrarnos la monotonía del día a día de la pareja protagonista, este momento se vuelve un tanto tedioso, ya que no juega con el espectador a ofrecernos misterios, con los cuales rompernos la cabeza como venía pasando durante toda la primera parte del film. Aun así esto se soluciona con un final realmente tan frenético como sorprendente, y es aquí donde creo que no todo el público acabará contento, pues este final no dejará indiferente a nadie.


En cuanto a las actuaciones tenemos tanto a una deslumbrante Imogen Poots como a un inspirado Jesse Eisenberg. Ambos dejan ver que entre ellos hay una química que funciona muy bien en pantalla, y la cual ya pude comprobar en la también reciente The Art of Self-Defense donde compartían protagonismo. Todo esto a pesar de la cara de palo a la cual ya nos tiene acostumbrados el señor Eisenberg pero que cuadra perfectamente con toda la avalancha de sucesos que sufren los protagonistas.

Estoy totalmente seguro de que estamos ante una de las cintas que más darán que hablar por el circuito de festivales de fantástico y de terror. Vivarium es una apuesta fresca en un mercado saturado de historias clónicas y plagios a grandes clásicos. Sorprendente y aterradora a partes iguales.

Firma: Omar Parra.
@Omar_FTW

Bullets of Justice review

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Durante la tercera guerra mundial, los americanos realizan experimentos entre humanos y cerdos en busca del soldado perfecto. 25 años después de estos hechos una nueva raza, los "Muzzles", mitad hombres y mitad cerdos se han hecho con el control de todo el mundo y ahora tan solo quedan unos pocos humanos para evitar la extinción total. Esta historia va sobre ese grupo de valientes que se resiste a su exterminio total.

Título original: Bullets of Justice

Año: 2019

Duración: 116 min.

País: Kazakhstan, Bulgaria

Director: Valeri Milev

Guion: Valeri Milev, Timur Turisbekov         

Música: Timur Turisbekov

Fotografía: Orlin Ruevski

Reparto: Danny Trejo, Yana Marinova, Dessy Slavova, Timur Turisbekov, Doroteya Toleva, Ester Chardaklieva


Mutantes, gore, desnudos y mucha locura.

Posiblemente estamos ante la película más indescriptible que he me topado en mucho tiempo. Si de algo estoy seguro es que esto es una genialidad solo capaz de ser creado por un maldito loco. Después de ver nazis que provienen de la luna, pastores que se transforman en velociraptores o tornados cargados de tiburones uno piensa que ya lo ha visto todo, cuan equivocado estaba. Agarraos bien los machos para ver Bullets of Justice.


La experiencia de ver este film es como transportarte a los años setenta y estar leyendo una historieta pulp sobre unos marranos mutantes de dos metros esclavizando humanos y luchando contra un variopinto grupo de héroes encabezado por un asiático hormonado, una voluptuosa mujer armada con más bigote que Tom Selleck y un Danny Trejo en plan mentor espiritual, vamos que no ha faltado nadie a la fiesta.

Durante la tercera guerra mundial, los americanos realizan experimentos entre humanos y cerdos en busca del soldado perfecto. 25 años después de estos hechos una nueva raza, los "Muzzles", mitad hombres y mitad cerdos se han hecho con el control de todo el mundo y ahora tan solo quedan unos pocos humanos para evitar la extinción total. Esta historia va sobre ese grupo de valientes que se resiste a su exterminio total.

Valeri Milev es un director bastante cercano al cine de terror, pues sus anteriores trabajos siempre han sido cintas de género, aunque más bien de dudosa calidad. Aunque para ser justos, con su nueva película ha sabido dar de pleno en la diana. No voy a mentir a nadie, estamos ante una cinta que no va dirigida al gran público, pero el mismo director sabe en qué liga juega y no tiene prejuicios a la hora de escribir un totalmente alocado guion junto a Timur Turisbekov. El no tener filtros a la hora de escribir el guion y contando con un equipo de maquillaje y FX de primer nivel logran llevar a pantalla grande momentos para el recuerdo, desde muertes de lo más gore, hasta escenarios imposibles plagados por personajes imposibles.


Después de sobrevivir a dos crowfundings fallidos, por suerte el equipo no ha dado ni un solo paso atrás y han logrado algo único. Bullets of Justice es una de esas producciones que no dejarán a nadie indiferente y si por suerte funciona tanto como espero que funcione el boca a oreja posiblemente dentro de ciertos círculos acabe por convertirse en toda una película de culto.

Hay que comentar que la presencia de Danny Trejo se limita a unos 10 minutos de metraje, ojo, suficientes para crear un personaje con un carisma tan grande como el Everest, y aunque los particulares héroes de esta historia no son actores conocidos, es cierto que tanto a Doroteya Toleva como a Timur Turisbekov también les sobra carisma como para llevar esta épica epopeya a sus espaldas. Unos personajes tan rudos que serían capaz de aguantarle la mirada a la mismísima Imperator Furiosa.

Pese a lo entusiasta de mi critica hay que ser consciente que es una película muy particular y bizarra, estoy seguro que no gustará a muchos de vosotros, pero si de algo estoy seguro es que vale la pena dar una oportunidad, porque otros muchos descubriréis con este film una pequeña joya de género.

Firma: Omar Parra.
@Omar_FTW

El Hoyo review

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Un hombre se despierta en una extraña sala cuadrada con un agujero en el centro. Su compañero de habitación le cuenta las claves del experimento: Debe comer cuando llega la plataforma cargada de comida por el agujero. Nada más. Pero las peculiares características del lugar convertirán la experiencia en un auténtico infierno.

Título original: El Hoyo

Año: 2019

Duración: 94 min.

País: España

Director: Galder Gaztelu-Urrutia

Guion: David Desola, Pedro Rivero

Música: Aránzazu Calleja

Fotografía: Jon D. Domínguez

Reparto: Ivan Massagué, Antonia San Juan, Algis Arlauskas, Alexandra Masangkay, Eric Goode, Emilio Buale, Miriam Martín, Zorion Eguileor


Las buenas ideas lo pueden todo.

De vez en cuando nos encontramos con películas que son indudablemente pequeñas pero que tienen algo que contar, y aunque parezca algo obvio lo cierto es que no lo es en absoluto. El cine comercial actual está repleto de grandes superproducciones con unos presupuestos que se equiparan al PIB de más de un país. Y aunque este camino nos lleve al desastre todavía queda un tipo de cine, como es el caso de El Hoyo, que logra abrirse paso a golpe de buenas historias e inventiva para suplir la falta de medios.


Un hombre se despierta en una extraña sala cuadrada con un agujero en el centro. Su compañero de habitación le cuenta las claves del experimento: Debe comer cuando llega la plataforma cargada de comida por el agujero. Nada más. Pero las peculiares características del lugar convertirán la experiencia en un auténtico infierno.

Película de ciencia ficción con toques de distopia, en el que nos cuenta, sin demasiados tapujos ni metáforas, la falta de humanidad de nuestra sociedad y la inexistencia de empatía para con el prójimo. Para ello El Hoyo se ayuda de situaciones en los que se pone al límite la resistencia física y mental de un individuo y las repercusiones que esto trae en su futuro. Pues la particularidad del piso en el que se encuentra el personaje es tan aleatorio como condenatoria mostrando, una vez más sin tapujos, la parte de nuestra sociedad que es simplemente carne de cañón sin saber muy bien el motivo. Aun así la historia, llegados a cierto punto, pierde pie en su argumento y se enzarza en una quimera en forma de un niño que se vuelve algo confuso si lo comparamos por donde iba la historia, y no lo arregla un abrupto final que deja más preguntas que respuestas. Pero no es más que una pequeña merma tras hora y media de reflexión y entretenimiento.

Debuta en la dirección de un largometraje Galder Gaztelu-Urrutia tras los cortometrajes La casa del Lago y 913, también produjo la recomendable El Ataúd de Cristal (Haritz Zubillaga, 2016). No son pocas las peripecias a las que se enfrenta con una producción previsiblemente tan pequeña, pero con todo ello logra un trabajo bastante redondo que cae como agua de mayo viendo la falta de trabajos españoles de ciencia ficción oscura. Destacar la creatividad del guion obra de David Desola y Pedro Rivero teniendo en cuenta su aturullado final. Y otra mención especial al director de fotografía Jon D. Domínguez que logra que una misma habitación parezca distinta a cada piso que se va moviendo. Protagoniza Ivan Massagué (El Año de la Plaga, Los Últimos Días) que no deja de ser la representación del espectador en la película, es el personaje menos excéntrico y aprendemos el funcionamiento a la vez que él. No siendo una película especialmente coral, personajes de importancia no hay que cinco, era importante un acertado casting y este ha sido el caso.


El Hoyo recuerda indudablemente a Cube, pero ambas van por caminos distintos. Película que se recomienda sin problema ninguno, que nos demuestra que otro tipo de cine es posible, alejado de efectismos y con un discurso propio. Parece que esta debería ser la norma pero desgraciadamente, se convierte en la resistencia.

Firma: Oriol Hernández.
@Oriol_TW

Why Don’t You Just Die! review

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Matvey se presenta en casa de los padres de Olya, su novia, con un objetivo en mente: matar al padre de su novia, un policía de alto rango, debido a los abusos que Olya sufrió de niña. Entre las cuatro paredes del apartamento, la situación cambiará de ajuste de cuentas a una lucha por la supervivencia mientras el número de cadáveres aumenta.

Título original: Papa, sdokhni

Año: 2018

País: Rusia

Duración: 95 min.

Director: Kirill Sokolov

Guion: Kirill SoKolov

Fotografía: Dmitriy Ilyukaev

Reparto: Aleksandr Kuznetsov, Evgeniya Kregzhde, Vitaliy Khaev, Michael Gor, Elena Shevchenko


Un baño de sangre hiperestilizado.

Una nueva generación de cineastas rusos lleva años abriéndose camino hacia el resto del mundo gracias a unas propuestas que, si no originales, sorprenden por la búsqueda de nuevas apuestas estéticas y narrativas; a Timur Bekmambetov– que hace años no levanta cabeza – podríamos añadir a Ilya Naishuller y su hipervitaminado Hardcore Henry... Es el turno de la opera prima de Kirill Sokolov con Why Don’t You Just Die!.


Matvey se presenta en casa de los padres de Olya, su novia, con un objetivo en mente: matar al padre de su novia, un policía de alto rango, debido a los abusos que Olya sufrió de niña. Entre las cuatro paredes del apartamento, la situación cambiará de ajuste de cuentas a una lucha por la supervivencia mientras el número de cadáveres aumenta.

Kirill Sokolov, director y guionista, parte de una premisa casi teatral y difícil de mantener: un solo espacio y pocos personajes. Los primeros minutos de Why Don’t You Just Die! es un ejercicio de tensión que termina por explotar en una violencia tan física como dolorosa; a nivel de guion, encontramos una historia sencilla a la que Sokolov imprime aires de cine negro y que se mantiene gracias a unos giros que, aunque algunos se ven venir, relanza la historia una y otra vez. La utilización de personajes unidimensionales – Padre, madre, novio, amigo e hija – permite al guionista no dar explicaciones innecesarias durante los interludios entre los estallidos de violencia.

Pero así como en el guion hay coherencia y la historia va creciendo en interés, Kirill Sokolov resulta más errático en la dirección; es briosa, las coreografías en las peleas funciona a la perfección… Pero la mayor parte del metraje se le ve más preocupado en la búsqueda de efectos de cámara y sonido con los que deslumbrar al espectador que en narrar. A lo largo de la cinta podemos encontrar ecos/homenajes/plagios del cine de Guy Ritchie, Quentin Tarantino y Edward Wright, por poner solo tres ejemplos, que le restan personalidad a Why Don’t You Just Die! ya que Sokolov no se decanta por el estilo de cualquiera de estos tres directores para hacerlo suyo sino que los mezcla, sin orden ni concierto, y muchas escenas terminan por resultar miniclips o anuncios. Curiosamente, lo mejor de la cinta lo encontramos en los flashbacks de los personajes, rodados de forma más clásica, y que nos indican que a Kirill Sokolov aún le queda para madurar su estilo y ofrecer películas más redondas. En este sentido, aplausos al director de fotografía Dmitriy Ilyukaev, ya que se adapta a todo lo que le pide el director y su paleta de colores oscila entre lo siniestro, lo hortera y lo luminoso.

Musicalmente, la cinta bebe del estilo Quentin Tarantino ya que Sokolov opta por prescindir de compositor alguno y utiliza toda suerte de fuentes musicales – desde el spaghetti Western hasta la música clásica – que suena a búsqueda de lo “cool”.


El nivel actoral es alto, y sería imposible no destacar la gran labor de Vitaily Khaev como El Padre, un hombre turbulento al que el actor llena con todo un registro de matices al convertirlo en un personaje vulgar y muy peligroso a la vez. Aleksandr Kuznetsov, como el pobre incauto que se ve atrapado en la historia, resulta menos convincente y debería resultar más cómico de lo que es; lo mismo podría decirse de Evgeniya Kregzhde, la femme fatale de la película, que pierde en naturalidad frente a Elena Shevchenko, su madre en la ficción.

Why Dont You Just Die! es un noir hiperviolento con interpretaciones entre perfectas y funcionales, cuyas escenas de acción funcionan como un tiro, con un nivel de crueldad que duele y unos efectos especiales que dejan la boca abierta. Atención a los próximos años porque veremos aumentar el número de directores rusos de acción y género.

Firma: Javier S. Donate.

DreadOut review

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Un grupo de amigos decide dirigirse a un edificio de apartamentos abandonado para aumentar su popularidad en las redes sociales. En los inacabables pasillos descubren una puerta con la cinta de la policía todavía colocada. ¿Cómo no? deciden traspasarla. En el interior encuentran un viejo pergamino que solo Linda puede leer. Tras ello se abre un portal que les lleva a un mundo mágico, lo que enfada muchísimo a las sobrenaturales criaturas guardianes del portal.

Título original: DreadOut

Año: 2019

Duración: 97 min.

País: Indonesia

Director: Kimo Stamboel

Guion: Kimo Stamboel

Música: Fajar Yuskemal

Fotografía: Patrick Tashadian

Reparto: Caitlin Halderman, Jefri Nichol, Marsha Aruan, Ciccio Manassero, Susan Sameh, Irsyadillah, Mike Lucock.


Original y sugerente film de terror.

Cuando empezamos a ver DreadOut enseguida nos asaltan las dudas. ¿Estaremos ante otra cansina y estereotipada cinta de terror para adolescentes? Esto tarda un poco en desaparecer pero, cuando lo hace, es como si abrieran las puertas del cielo, en sentido metafórico está claro.


El ritmo frenético, junto a unas excelentemente bien rodadas imágenes, un guion muy elaborado y unos comedidos pero efectivos efectos especiales, hacen que disfrutemos como enanos. En la parte central del film permanecemos clavados a la butaca esperando lo que vendrá a continuación lo que, parece bastante difícil, no deja de sorprendernos. Naturalmente llega un momento en que se para esa vorágine, cosa por otra parte necesaria para poner un poco de orden e intentar explicarnos una historia que mezcla sabiamente la realidad con la ficción.

Un grupo de amigos decide dirigirse a un edificio de apartamentos abandonado para aumentar su popularidad en las redes sociales. En los inacabables pasillos descubren una puerta con la cinta de la policía todavía colocada. ¿Cómo no? deciden traspasarla. En el interior encuentran un viejo pergamino que solo Linda puede leer. Tras ello se abre un portal que les lleva a un mundo mágico, lo que enfada muchísimo a las sobrenaturales criaturas guardianes del portal.

Que la película esté firmada por Kimo Stamboel ya es todo un aviso de que la calidad estará presente. No en vano estamos hablando del responsable de la estratosférica cinta de acción Headshot. En esta ocasión se aventura a mezclar la fantasía con el terror, lo que le sale casi redondo y decimos lo de casi por qué a pesar de su originalidad argumental, no abandona algunos estereotipos que hemos visto en innumerables ocasiones, pareciendo en algunos momentos como un refrito de films de renombre en el campo del terror. Pero no os apuréis, la disfrutaréis de principio a fin.

Es de remarcar la decisión del cambio de registro, adentrándose en el género con bastante convicción, de todas maneras no abandona del todo la acción. Sin poder la denominar así, DreadOut contiene escenas de alto voltaje que hace que mantengamos la tensión durante toda su duración. También retrata lo que parece ser una moda universal, la de los zombis agarrados a smartphones de alta tecnología pululando por todas partes. Hablando de los no muertos, también los hay, aunque no podemos ponerle esa etiqueta.


Vamos con las interpretaciones. Encabeza el reparto una efectiva, aunque demasiado cándida, Caitlin Halderman. Le siguen, unos secundarios que parecen que tengan milimetrada su aparición en pantalla. Estos son Jefri Nichol, Marsha Aruan, Ciccio Manassero, Susan Sameh e Irsyadillah. Para acabar nombrar a Mike Lucock.

Una buena película que sin querer asustar demasiado acaba convirtiéndose en una sabia mezcla de elementos que acaban consiguiendo que pases miedo, a pesar de la comentada repetición de elementos vistos en otras producciones.

Firma: Josep M. Luzán.
@Josep_Luzan

La Bruja review

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Una familia de Nueva Inglaterra del 1630 compuesta por un matrimonio y sus cinco hijos es desterrada a las afueras de la ciudad. Junto a un misterioso bosque deberán empezar sus nuevas vidas, son muchas las leyendas entorno a este entorno y muy grande la fe de esta familia, un encontronazo inevitable está por venir.

Título original: The Witch

Año: 2015

Duración: 87 min.

País: Estados Unidos

Director: Robert Eggers

Guión: Robert Eggers

Música: Mark Korven

Fotografía: Jarin Blaschke

Reparto: Anya Taylor-Joy, Ralph Ineson, Kate Dickie, Harvey Scrimshaw, Lucas Dawson, Ellie Grainger, Julian Richings, Bathsheba Garnett, Sarah Stephens, Jeff Smith


Una referencia del cine moderno de brujas.

Escalofriante y perturbadora, estas dos son quizás las palabras que mejor describe a este film, y el motivo por el que la definen tiene todavía más mérito, después de años de cine de terror y de brujas en particular, nos encontramos con una película que rehúye de las técnicas y tópicos utilizados hasta ahora, como los efectos digitales, sustos gratuitos o historias rebuscadas de finales desconcertantes en pos de la espectacularidad. La base y los cimientos de The Witch, son una atmósfera aterradora cuidada hasta el mínimo detalle que logra introducirnos en el siglo XVII en el seno de una familia ultra religiosa y unos actores comprometidos que ponen los pelos de punta.


Una familia de Nueva Inglaterra del 1630 compuesta por un matrimonio y sus cinco hijos es desterrada a las afueras de la ciudad. Junto a un misterioso bosque deberán empezar sus nuevas vidas, son muchas las leyendas entorno a este entorno y muy grande la fe de esta familia, un encontronazo inevitable está por venir.

Estamos ante una de las películas de género más cuidadas del 2015, puedo decir, que como películas redondas en todos los sentidos como esta habrá pocas este año. Técnicamente, por ejemplo, es fantástica en la ambientación, iluminación, maquillaje y dirección, así como el apartado sonoro.

En relación a lo escrito, el guión, es contenido en cada momento para generar la tensión sin dar más de lo necesario hasta el desenlace, sin exagerar ni buscar la sorpresa mediante cosas del todo increíbles para el espectador a razón de lo que el film ha sido durante todo su metraje.

Las interpretaciones son destacables y de remarcar, el padre de familia interpretado por Ralph Ineson, impresiona con su voz imponente y sus convicciones religiosas que no sabemos hasta donde está dispuesto a llevarlas y que marcan las pautas de su personaje a interpretar. Kate Dickie, como madre de familia y uno de los personajes que sufren una evolución mayor. Anya Taylor-joy, como la hija mayor y una de las figuras con más peso de la historia. El joven Harvey Scrimshaw, que interpreta a Caleb, el mayor de los hijo barones, quien también tiene minutos para lucirse en una tesitura difícil y cerrando el reparto los gemelos en la ficción Lucas Dawson y Ellie Grainger, los cuales no desmerecen en absoluto e impresionan con los papeles que les toca afrontar con su corta edad.


Como única cosa negativa mencionaría que no es una película para todos los públicos, es un metraje donde toda la historia se cuece a fuego lento, donde los detalles son cuidados hasta el mínimo resquicio, donde incluso el lenguaje de los personajes es el de dicha época, por ese motivo la ambientación es inmejorable, pero por ello también, el ritmo de esta puede atormentar a quienes no estén acostumbrados a películas donde el entorno se genere a este nivel.

Si tenéis ganas de ver una de las mejores películas de brujas, real, de entorno cuidado y preciosa factura con un final bien cerrado e inteligente, esta es una de las mejores opciones de los últimos tiempos. Si queréis sustos y un terror más directo, evitadla.

Firma: Gerard FM.

The Pool review

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Tras finalizar un rodaje uno de los integrantes del equipo acaba atrapado en una piscina vacía sin posibilidad de salida. El tiempo pasa y empieza a perder la esperanza. Todo se complica aún más cuando un cocodrilo extraviado acaba con él atrapado en la piscina.

Título original: The Pool

Año: 2019

Duración: 91 min.

País: Tailandia

Director: Ping Lumpraploeng

Guion: Ping Lumpraploeng

Reparto: Ken Theeradeth Wongpuapan, Ratchiratham Ratnomnot


Un survival que no dejará indiferente a nadie.

Si algún tipo de producción desde Tailandia ha sido exportado a nuestro país esto han sido las artes marciales y sobre todo las cintas de terror. Hoy nos ocupa una centrada en el género survival. La verdad que The Pool si tiene una virtud es que puedes estar seguro de que durante los 91 minutos de duración de la cinta no vas a tener ni un segundo de descanso, pues pese a contar con tan solo dos actores principales encerrados en una sola localización el buen hacer del director y guionista Ping Lumpraploeng se las apaña para que cada dos minutos tengamos un nuevo, sorprendente y varias veces surrealista giro de guion.


Tras finalizar un rodaje uno de los integrantes del equipo acaba atrapado en una piscina vacía sin posibilidad de salida. El tiempo pasa y empieza a perder la esperanza. Todo se complica aún más cuando un cocodrilo extraviado acaba con él atrapado en la piscina.

Dicha su única pero no pequeña virtud toca contaros un poco la parte más oscura o peor parada, pues si habéis visto películas de terror tailandesas sabréis que allí precisamente no destacan por tener un CGI bastante avanzado, más bien parece que estemos viendo gráficos dignos de una consola de hace 20 años. Pues si ahora os digo que la principal amenaza del film es un cocodrilo totalmente hecho digitalmente, el salto de fe que hay que realizar para no desconectar debido a este fatídico hecho es bastante grande.

Por otra parte por si el hándicap del CGI no fuera pequeño, su otro gran problema es algunos momentos realmente inverosímiles que nos ofrece este guion, pues como bien dije antes los giros no dejan de suceder para que la trama avance indiscriminadamente, pero el problema es que cada vez las desventuras de nuestro protagonista preferido son más descabelladas.

El director Ping Lumpraploeng nos ofrece un survival horror cargado de tensión y locuras. A nivel de dirección cumple con creces, pues sabe imprimir un ritmo vertiginoso a la cinta sumado a imprimir una épica a algunas situaciones que solo lo había visto en esas locuras que nos llegan desde India que tanto gusta al público más bizarro del lugar. Pero por otra parte tenemos su faceta como guionista, y es aquí donde falla, pues creo que se propone contar una historia que a medida que avanza se vuelve más y más loca. Ríete tú de las penurias que pasaban los protagonistas de Una serie de catastróficas desdichas.


En cuanto a las actuaciones tenemos a Ken Theeradeth Wongpuapan que parece ser que no ha entendido bien las intenciones del director, pues creo que es el único que se toma esta locura en serio. Si el metraje va de bien a mal, la actuación de Wongpuapan es justamente lo contrario, nos presentan a un personaje un tanto histriónico pero a medida que avanzan los minutos se transforma en todo un sufrido héroe, posiblemente su interpretación sea de los mejores puntos del film.

Si estáis pensando en dar una oportunidad a esta pequeña bizarrada llegada desde la lejana Tailandia estad preparados, pese a que la película se toma a si misma totalmente seria, a medida que avanzan los minutos y la trama se complica cada vez más el guion ira descendiendo al infierno de lo bizarro. Una pequeña locura solo para los muy avezados.

Firma: Omar Parra.
@Omar_FTW

It Comes review

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Hideki vive felizmente casado con Kana, parece que estamos ante la típica pareja feliz sin ninguna preocupación. Todo su pequeño mundo se derrumbará en el momento que un compañero de Hideki le avise que tiene visita en el trabajo, "Chisa" ha venido a verle. Justamente este fue el nombre elegido por la pareja para su bebé, aunque lo más extraño es que el nombre aun no lo sabe nadie. Poco tiempo después del suceso, el compañero que le trajo la misteriosa noticia muere. Es aquí donde la vida de la pareja se tornará un verdadero infierno.

Título original: Kuru

Año: 2018

Duración: 135 min.

País: Japón

Director: Tetsuya Nakashima

Guion: Hideto Iwai, Tetsuya Nakashima, Ichi Sawamura (Novela)

Música: Yûta Bandoh

Fotografía: Ryoken Okamura

Reparto: Junichi Okada, Nana Komatsu, Satoshi Tsumabuki, Haru Kuroki, Takako Matsu


Debut en el terror por todo lo alto.

Tetsuya Nakashima había flirteado con elementos del terror en varias de sus anteriores obras, pero con It Comes se mete de lleno, y para suerte de sus seguidores de manera muy acertada.

It Comes se aleja en cuanto al ritmo de las frenéticas Confessions y El mundo de Kanako, para dar paso a una narrativa mucho más sobria. Eso sí, lo que no va faltar es un guion que nos obligará a estar atentos al film en todo momento, pues la trama se complica minuto a minuto y los saltos temporales, cosas habituales en la filmografía del nipón tampoco faltaran en esta cinta.


Hideki vive felizmente casado con Kana, parece que estamos ante la típica pareja feliz sin ninguna preocupación. Todo su pequeño mundo se derrumbará en el momento que un compañero de Hideki le avise que tiene visita en el trabajo, "Chisa" ha venido a verle. Justamente este fue el nombre elegido por la pareja para su bebé, aunque lo más extraño es que el nombre aun no lo sabe nadie. Poco tiempo después del suceso, el compañero que le trajo la misteriosa noticia muere. Es aquí donde la vida de la pareja se tornará un verdadero infierno.

It Comes sorprenderá a todos los seguidores del director, pues estamos ante la nota discordante a su extensa filmografía. Si tuviera que comprar este film podríamos decir que tiene similitudes con la coreana The Wailing, aunque como dije antes el ritmo y la narrativa de la cinta está algo alejada a lo que nos tiene acostumbrados, el sello Nakashima sigue presente en todo el metraje.

Destacar el casting de esta película, pues si algo tiene el director a parte de su peculiar forma de narrar acontecimientos, esto es su acertado hacer a la hora de dirigir actores. Se nota en la sinergia que tienen Satoshi Tsumabuki junto a Haru Kuroki, Hideki y Kana respectivamente. O personajes tan peculiares como interesantes como los de Takako Matsu o el de la actriz que nos robó a todos el corazón en El mundo de Kanako, Nana Komatsu.


Como gusto personal echo de menos esas alocadas escenas que en sus dos últimos films Nakashima nos contaba al más puro estilo videoclip las peripecias de sus protagonistas, pero cuando avanza la cinta te das cuenta que ese estilo no encajaría en esta película.

Estoy seguro que a todos los seguidores del director, esta nueva obra les gustará, pese a las diferencias notables con sus anteriores trabajos sigue estando el sello distintivo que lo hace único. En cambio para todos aquellos ajenos a su cine tal vez les resulte una cinta algo engorrosa o difícil de seguir, debido a su trama algo densa. Pero de algo estoy seguro. Es una película que todo amante del terror no debería pasar por alto.

Firma: Omar Parra.
@Omar_FTW

Entrevista a Galder Gaztelu-Urrutia. Director de El Hoyo

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Entrevista realizada en la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián 2019 a Galder Gaztelu-Urrutia. Director de El Hoyo.


¿Cómo nace este proyecto?

Es una idea de David Desola que coescribió junto con Pedro Rivero un guion para una obra de teatro. La obra nunca se llegó a realizar y le pasaron el guion a Carlos el productor, él me lo pasó a mí y nos quedamos fascinados con el material. Tanto la profundidad de personajes, la simbología, la metáfora, el mensaje de la película, tenía un millón de virtudes. Éramos conscientes que requería una exhaustiva transformación para llevarla a formato cinematográfico, era una historia muy dialogada y todo era muy estático, perfecto para un público teatral pero más difícil para un público cinematográfico. Necesitábamos un desarrollo más físico y el avance de los personajes debía ser más claro. Para este guion teníamos puntos de vista muy diferentes entre los tres, prácticamente la reescritura fue una guerra a tres bandas, y esto nos llevó dos años.


¿Conocías antes de entrar en el proyecto la obra de teatro en que está basado el guion?

No conocía la obra antes que Carlos me la pasara. Soy amigo de Pedro Rivero desde hace muchos años, pero nunca me había hablado de este guion ni de la obra. Así que mi primer contacto con el proyecto fue cuando Carlos me lo enseñó.


¿Como ha sido el salto del cortometraje al largometraje?

Realmente no ha sido muy grande, ya que tengo más de 20 años de experiencia en el sector. He dirigido mucha publicidad para la tele, he realizado dos cortometrajes y producido largometrajes. Así que esa experiencia tan disciplinar me ha permitido afrontar el rodaje con toda la seguridad que un rodaje permite. Evidentemente con ayuda de muchísima gente, es una película que se ha hecho de manera muy artesanal y hay mucho talento implicado. En cuanto al montaje mucho aporte de ideas y todos a una. De parte de los actores también recibí mucha generosidad por su parte y las posibles carencias como director novel se vieron suplidas con un trabajo grupal excelente.


¿Esperabas la gran acogida que está teniendo en festivales de todo el mundo?

Si y no. Todos somos entusiastas e incluso te puedes llegar a imaginar con el premio nobel de la paz en la mano. Pero bueno, cuando estábamos trabajando en la película ya veíamos que teníamos algo pequeño pero especial, en montaje y postproducción también lo veíamos. Pero al final estaba muy lejos de lo que nosotros imaginábamos y de lo que puedes llegar a creer. Estamos sorprendidos y agradecidos con todo esto qué está pasando y muy contento por el equipo y la gran acogida que está teniendo.


Sin entrar en spoilers, está claro que el final de El Hoyo no deja a nadie indiferente, ¿desde un inicio había sido concebido así?

Ha tenido variaciones. En un inicio el último tercio de la película digámoste “la bajada”, no estaba incluida en el guion original. Se escribieron varios finales, en el proceso de ensayo se barajaron varios finales, durante el rodaje se volvieron a barajar varios finales y se rodó un final que realmente son dos. Pero finalmente vimos que los protagonistas van cayendo en la desesperación que necesitábamos un mensaje esperanzador para la película y de ahí salió el final que se puede ver.


La trama que se cuenta da muchísimo juego, ¿habéis pensando en continuar expandiendo el universo creado con El Hoyo?

Se han abierto muchas posibilidades. Se baraja un remake, un spin off, llevarlo a televisión. Ahora mismo se baraja un proyecto que en esencia es lo mismo, pero planteando un escenario a nivel mundial.

En la película el proyecto es muy pequeño ya que se centra en El Hoyo, pero uno de los proyectos que tenemos en mente, pero no sé si será el siguiente, es el expandir la misma idea, pero a un nivel mundial. Por el momento no puedo contar más sobre esto.


¿Qué opinas del cine de género en España?

Esto va un poco por rachas. Ahora mismo El Hoyo está saliendo bien. Aquí hay mucho talento y mucho trabajo, pero también es necesario un factor de suerte. La verdad que con el género en España estamos un poco resignados. En cambio, vas a Toronto o vas a Austin y hablas con gente y dicen "hostia, que bien lo que estáis haciendo allí en España con el cine de género".


¿Crees que aún existe ese prejuicio con que el cine hecho aquí es de menor calidad que el extranjero?

Creo que sí, nosotros mismos infravaloramos nuestro propio cine. Muchas veces nos autocensuramos por el miedo a lo que nos digan que no estamos dando la talla, estos miedos en la mayoría de las veces están infundados, pero ahí están. La película de El Hoyo, por ejemplo, tiene un mensaje muy claro y crítico con la sociedad. Pero no tratamos de sermonear, ni aleccionar, ni adoctrinar. Lo que sí que conseguimos que nos hagamos preguntas, y eso hace que con el espectador se vuelva una película interactiva o inmersiva.


¿Cuál es tu película de terror favorita?

El otro día por fin decidí cual era mi película de todos los tiempos favorita, seria Taxi Driver…. Pero la de terror favorita es difícil…. Posiblemente sea El Exorcista… he estado a punto de responder El Resplandor… sí, creo que sería una de esas dos. Tampoco soy un mitómano en ese sentido. Soy un apasionado del cine en general y del thriller, fantástico y terror en particular.
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